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¡HOLAAAAA CHIQUI HISTORIADORES! hoy me siento feliz y triste a la vez:( ¿les cuento por que?, es que en esta ocasión les traigo informacion super interesante sobre algunos diseñadores muy geniales, creativos y de los más destacados en latinoamérica. Y se han de preguntar ¿qué tiene de triste eso?, pues la parte triste es que nuestro viaje concluye con este último blog chiqui amiguitos😥 pero me voy feliz de haber compartido con ustedes tanta información.

Bueno sin mas que decir comencemos...

PRECEDENTES LATINOAMERICANOS

El primer diseñador del que hablaremos desarrolla diseño para clientes en México, EE.UU., Francia e Italia y ha recibido varios premios y reconocimientos en todo el mundo del diseño como la moderna decoración de Medios Internacionales, este es:

Joel Escalona.

Diseñador mexicano nacido en la Ciudad de México en 1986, es egresado de la UAM-A de la licenciatura de Diseño Industrial. En 2014 fundó su propio estudio llamado Joel Escalona en la Ciudad de México, el cual dirige hasta la fecha.

Sus creaciones se pueden definir en tres palabras: Pragmáticas, poéticas e irónicas, su regla de oro al momento de diseñar es: Simetría. El trabajo de Joel ha sido exhibido en los eventos de diseño más importantes del mundo como Maison & Objet Paris, Salone internazionale del Mobile Di Milano, Design Miami/Basel, ZⓢONAMACO en la Ciudad de México, entre otros.

Diseños:

Colección Noviembre

Colección Laws of Motion — Fuerza

El siguiente es diseñador de objetos, espacios y estrategias, cuenta con más de 40 premios internacionales, este es:

Alberto Villareal.

Es catalogado como uno de los 20 latinos más influyentes en tecnología en 2018 y 2017 por CNET, Alberto Villarreal es un diseñador consumado con más de 18 años de experiencia en los campos de diseño industrial, arquitectura de interiores y estrategia de diseño.

Actualmente trabaja en Google en California, como Creative Lead en el grupo de hardware.

Es uno de los diseñadores mexicanos activos con más reconocimiento internacional y podría decirse que cuyo trabajo ha alcanzado la mayor cantidad de usuarios en todo el mundo.

Diseños:

A continuación les presento un video de Alberto nos habla sobre su cocepto de diseño y donde habla de uno de ellos:

Silla Guarda.

CTRUS ball

Otro diseñador de origen mexicano que ha destacado en el mundo del diseño es:

Jorge Diego Etienne.

Es un apasionado diseñador industrial mexicano con una perspectiva global hacia el diseño. Se graduó de la licenciatura en Diseño Industrial del Tec de Monterrey en 2009, y su experiencia incluye una pasantía en Feiz Design Studio en Ámsterdam, talleres en empresas de diseño internacional y cursos en reconocidas escuelas de diseño tales como Central Saint Martins en Londres, Domus Academy en Milán y Parsons The New School for Design en Nueva York.

Puedes conocer más acerca de su trabajo y equipo en Jorge Diego Etienne Industrial Desing

Diseños:

Colección Circulos.

Colección Experiencias Comer y Beber.

El siguiente diseñador ha construido una carrera a partir de reciclar desechos industriales y sólidos urbanos.

Alejandro Sarmiento.

“La pampa húmeda es mi fuente de inspiración, porque esa espacialidad, ese horizonte, el tiempo, los pocos recursos, fueron un gran estímulo para hacer y deshacer cosas, armar y desarmar”, recuerda Alejandro Sarmiento, quien gracias a ese entretenimiento de la infancia se convirtió naturalmente en diseñador industrial.

Egresado de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) en 1986, comenzó desde entonces a realizar proyectos de diseño que involucran desde la investigación hasta el desarrollo y la implementación.

La experimentación con el material es la base de su trabajo, hasta el punto que el reciclaje de residuos y el reuso de piezas estándar del mercado son su marca registrada.

Diseños:

Silla Rubertina.

Elastic Band Chair

Cirus Stool

A continuación les presentare a dos hermanos Brasileños que juntos crearon su propia compañía de diseño de muebles...

Humberto y Fernando Campana.

El estudio Campana fue creado en 1984 en Sao Paulo, es reconocido por su diseño de muebles y piezas intrigantes, como las sillas Vermelha y Favela. En años posteriores, el estudio amplió su repertorio a las áreas de arquitectura, paisajismo, escenografía, moda, entre otros.

Su proceso creativo eleva los materiales cotidianos a la nobleza, aportando no solo creatividad al diseño, sino también características brasileñas: los colores, las mezclas, el caos creativo, el triunfo de las soluciones simples, de una manera artística y poética.

Diseños:

Irmãos Campana.

Colección Sushi.

El siguiente diseñador fue famoso por sus diseños de mobiliario, particularmente, ha creado una innumerable cantidad de sillas y sillones, todas con un diseño innovador y transgresor.

Ricardo Blanco.

Falleció en 2017. Fue un reconocido arquitecto y diseñador industrial argentino.

Egresado de arquitecto en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UBA en 1967; sabía que quería dedicarse al diseño de equipamiento. Trabajó en Stilka, uno de los líderes en el diseño de interiores y la producción de equipamiento en los sesentas.

Hacia 1971, Blanco, ya era un diseñador reconocido y se lanzó a trabajar en forma independiente. Sus diseños de muebles de escala doméstica, equiparon muchos hogares argentinos durante varias décadas.

Diseños:

Butaca Thonba.

Silla Plaka.

La siguiente diseñadora es de origen Colombiano y actualmente vive en Italia y trabaja activamente con varias comunidades rurales de Colombia. Así ha logrado ayudar a conservar y desarrollar técnicas artesanales locales.

Lucy Salamanca.

Es diseñadora con estudios académicos en diseño industrial en la Universidad de Bogotà - Colombia - y una especialización de posgrado en el Istituto Europeo di Design (IED) en Milano (1985). Diseñador independiente, en Milán, para muebles de hogar y oficina, baños, muebles e iluminación, desde 1991 hasta 1996 Lucy Salamanca ha sido directora de arte para Zigurat Design Group en Pesaro, Bolonia y Milán. En 2013 se convierte en parte del equipo de diseño creativo para HOMI - Fiera Milano - la feria dedicada a los estilos de vida, una nueva idea para descubrir desde enero de 2014.

Diseños:

Bancos del proyecto Out of Balance.

Eso es todo chiqui historiadores espero que hayan disfrutado mucho aprender sobre la arquitectura, el diseño interior y de muebles. y que hayamos aprendido mucho sobre todos los diseñadores de las diferentes epocas.

Holaaaaaaa chiqui amiguitooooos🎉 ¿Están listos para otro emocionante y educativo viaje en la historia del arte y la arquitectura? pues espero que si porque yo estoy más que lista😉

Bueno comencemos...

REGIONALISMO CRÍTICO

Es una aproximación a la arquitectura que lucha para contrarrestar la falta de espacio y la falta de identidad del Estilo Internacional. Los estilos del regionalismo crítico buscan proporcionar una arquitectura adaptada en la tradición moderna, pero vinculada al contexto geográfico y cultural. El regionalismo crítico no es simplemente regionalismo en el sentido de arquitectura vernácula. Es un enfoque progresivo del diseño que busca mediar entre los lenguajes de la arquitectura global y local.

La frase “regionalismo crítico” fue utilizada por primera vez por los teóricos de la arquitectura Alexander Tzonis y Liane Lefaivre, sostienen que tanto la arquitectura moderna como la posmoderna son “profundamente problemáticas”.

Caracteristicas:

Crítica a la arquitectura moderna.

Enfatiza el territorio no el edificio.

Favorece a la arquitectura como hecho tectónico.

Regional porque tiene aspectos del lugar.

Enfatiza lo táctil y visual.

Se opone a la arquitectura vernácula pero inserta elementos vernáculos.

Creación de una cultura basada en lo regional.

Obras más destacadas:

Mario Botta

Museo de arte moderno, San Francisco.

Evry cathedrale, Francia.

Pedro Ramirez Vasquez.

Centro cultural Tijuana.

Jørn Utzon

Ópera de Sidney

Iglesia bagsvaerd

El regionalismo crítico no solo fue un movimiento que tuvo su tiempo sino que este se aplica en la arquitectura moderna como ya lo vimos y solo depende que la construcción se acople a la región donde se ubica, con los materiales y condiciones culturales de ese lugar.

¡Buenas buenas chiqui historiadores! espero que esten muy bien y que hayan pasado un hermoso fin de semana celebrando a sus madres👩‍👦💖 este dia les traigo otro estilo que ha marcado historia y tendencia a lo largo de los años, este es:

ARQUITECTURA NÓRDICA

El estilo nórdico o escandinavo es propio de Noruega, Suecia, Finlandia y Dinamarca, se dio a principios del siglo XX y que se mantiene hasta la actualidad con algunas variantes.

El estilo escandinavo comprende dos áreas importantes que son: la arquitectura y el diseño de interiores.

Caracteristicas:

Las claves de este estilo son:

Ofrece una gran importancia a las referencias clásicas, a los métodos artesanales.

Existe una preferencia por materiales tradicionales como la: madera, ladrillo, mármol, cobre, etc. En el estilo nórdico, las materias primas han de armonizar con el ser humano, sin que las perciba como algo desfavorable.

La luz tiene una gran importancia, y son comunes los grandes ventanales, que permiten diversos tipos de luz en el interior de la edificación.

Colores claros, ambientes limpios y muy elegantes en los interiores y exteriores.

Los diseños de balcones y terrazas. Se integra con el medio ambiente circundante y penetra el interior de la vivienda gracias a los grandes ventanales que posee.

Los techos con vigas. Es un elemento interesante en los interiores escandinavos, las vigas de madera vistas en su color natural le dan un protagonismo muy importante al techo frente el resto de la decoración.

Las persianas para dar privacidad a los ambientes al decorar. Las persianas o cortinas deben elegirse en telas o materiales ligeros que mantengan la unidad conceptual con el resto de los muebles de la casa; además deben permitir la iluminación en los espacios.

Las plantas son un elemento fundamental en los espacios nórdicos. Sus jardines se caracterizan por grandes árboles y vastas áreas verdes, que soportan las frías temperaturas que caracterizan a los países nórdicos.

Mobiliario.

Los diseñadores y fabricantes de muebles estilo nórdico trabajan una estética que equilibra multifuncionalidad y tradición; se preocupan por la ergonomía del cuerpo y la comodidad, también incluso espiritual.

Caracteristicas:

Uso de la madera en acabado natural o lavada, pero nunca con efectos desgastados. El haya o el abedul son las maderas más utilizadas en los muebles de estilo nórdico.

Pretende evocar a la cercanía, la calidez y la tradición, de forma sencilla.

En sus diseños no se incluyen adornos que puedan interferir en el uso o durabilidad del mobiliario.

Los textiles son un excelente soporte de color que aportan mayor confort y personalidad. Los tejidos naturales son los más usados.

Motivos geométricos y de la naturaleza complementan el espacio, muy comunes en cojines y alfombras.

Los padres del estilo nórdico.

Alvar Aalto

Arne Jacobsen

Jörn Utzon

Sverre Fehn

Kay Fisker

Ok chiqui viajeros esto es todo por este blog, espero hayan aprendido mucho sobre este estilo, nos veremos en la proxima chiqui historia...

¡Hasta la proximaaaaaa!

Bienvenidos chiqui historiadores, espero que la esten pasando muy bien😉 como han visto a medida pasan los blog, cada uno de ellos se va acercando más a la época a actual... Este dia pues haremos un viaje más corto y veremos y aprenderemos sobre uno de mis favoritos en la actualidad🎉 y este es:

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA

La arquitectura contemporánea es una forma de construcción que encarna los diferentes estilos de diseño de los edificios a partir de una amplia gama de influencias. Además incluye elementos ecológicos y una extensa creatividad. Asimismo aplica diferentes estilos arquitectónicos contemporáneos e influencias y las últimas tecnologías y materiales.

Las nuevas técnicas de construcción y los elementos prefabricados permitieron la construcción de manera masiva y cambiar la cara de las ciudades industrializadas con edificios públicos, galerías, estaciones, bibliotecas, hospitales y mercados, se rompió con el modelo de la clientela eclesiástica, aristocrática y la corona, los palacios dejaron de ser el prototipo dominante de la arquitectura que había dominado por tantos siglos.

Creo que lo más irresistible de la arquitectura contemporánea es justamente eso, que ya casi no hay cánones a seguir y que la creatividad no está limitada por la tecnología.

Es muy importante tener claro la diferencia que hay entre el estilo moderno y el estilo contemporáneo, ya que son estilos muy diferentes y que marcan épocas distintas, en el siguiente video les explicaran con más profundidad la diferencia que hay entre estos dos grande estilos:

Características:

Gran enfoque en el exterior y tendrá como objetivo fusionarlo con el interior de la propiedad. Esto se puede lograr usando mucho vidrio, grandes ventanales.

La ligereza aporta un interior más relajado a un lugar contemporáneo. Se comenzó a crear sofás, mesas y muebles para el hogar sin tanto ornamento y menos pesados que reflejaban un enfoque más relajado de la vida.

Menos elementos: Los interiores con líneas minimalistas y menos “cosas”, se pueden ver pisos desnudos con magníficos acabados, como maderas duras, baldosas de cerámica y porcelana, mármol travertino y piedra.

Importancia de los accesorios contemporáneos en el diseño. Los elementos finos, como los accesorios de iluminación son simples y originales. Los pasamanos y barandillas que una vez fueron grandes piezas de madera hechas a mano en pasadas décadas son reemplazados por cables de tensión innovadores, vidrio o materiales industriales.

Interiores con un plano de planta abierto. Tienen la sensación de unir todos los espacios interiores en una gran experiencia. El término “gran sala” se ha utilizado para la eliminación de la mayoría de las paredes y fusionar los espacios con la cocina, la sala familiar, etc.

Ruptura con el pasado. Se trata más bien de dejar atrás las reglas de diseño estrictas y formales y de ser más abierto y minimalista. Ya sea que decida tener un interior más ecléctico y mezclar y combinar eras pasadas o prefiere convertirse en ultramoderno por naturaleza, su hogar debe reflejar su estilo de vida.

Los exteriores que son igual de importantes que el interior. La mayoría de los detalles exteriores están libres de adornos pesados que se reemplazan por formas rectilíneas o curvilíneas simples. Las líneas del techo son distintas: voladizos grandes, y las características únicas, como las líneas del techo aparentemente planas, así como los materiales del exterior, por lo general se combinan armoniosamente con la naturaleza de su hogar. El uso de un diseño de ventana creativo puede agregar atractivo contemporáneo instantáneo.

A continuación les presentare algunos de los arquitectos contemporáneos que han destacado en este estilo:

Rem Koolhaas

Tadao Ando

Richard Meier

Álvaro Siza

Marcio Kogan

En este video les mostraran muchos ejemplos más sobre las obras que han destacado con este estilo...

Esto es todo por hoy chiqui historiadores, espero que hayan aprendido mucho sobre este estilo y lo atractivo, flexible y abierto que puede llegar a ser, nos veremos en otro viaje por historia...

¡Hasta la proximaaaaa!

En esta ocacion les he preparado una parte de la película “La princesa y el sapo” en donde podrán observar un poco del lujo, la limpieza, las formas y colores de este estilo...

Espero que este estilo artístico les haya gustado mucho, tanto como a mi, me despido chiqui amiguitos

¡Hasta la proximaaaaaaaaa!

Hola chiqui historiadores 👋🏼 bienvenidos a otro viaje en la historia del arte, pues este dia les voy a presentar un movimiento que tiene mucha elegancia, de mucho lujo y es muy limpio, este es:

Art Decó

El art déco es un movimiento modernista que surgió en Europa a principio del siglo XX. Este movimiento artístico predominó en la arquitectura, el arte, el diseño gráfico, el diseño interiores y el diseño industrial entre los años 1920 y 1939.

El art déco cobró relevancia y popularidad en 1925 durante la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, o El Salón Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, que puso los reflectores sobre este fresco y revolucionario estilo.

CARACTERISTICAS

Se basa principalmente en la geometría del cubo, la esfera, la línea recta y los zigzags.

Representa algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes.

Se hace referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.

Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de líneas geométricas.

Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.

Los colores son sobrios y sombríos y se combinan con los metálicos.

Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.

Diseño mobiliario Interiorismo mesa auxiliar . Eileen Gray Art déco

Se utilizan motivos de las culturas prehispánicas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.

Influencia de la cultura hindú en el Art Déco

En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio que se pueden ver en lo decorativo.

Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

ARQUITECTURA

La arquitectura Art Déco también ha jugado un papel en la distribución de la casa, ya que consiste en espaciar la casa y desagregarla tanto como sea posible.

MOBILIARIO

Líneas elegantes: Los asientos son con frecuencia ligeramente curvados hacia adentro, lo que sugiere intimidad y sensualidad.

Por Eileen Gray.

Patrones geométricos: Los diseños geométricos proporcionan a menudo un contrapunto a las líneas redondeadas suaves de los muebles clásicos del estilo Art Decó. Los diseños de abanico se incorporaron a menudo utilizando triángulos en capas, y también eran comunes lo diseños circulares.

Materiales y acabados industriales: Metales, cromo, plástico y vidrio suelen combinarse con la madera para agregar elementos de textura y adornos reflectantes. Los acabados fueron brillantes o satinados. La madera fue fuertemente laqueada o esmaltada y pulida para lograr mucho brillo.

Émile-Jacques Ruhlmann.

Telas: Las telas mejoran la sensación de lujo y opulencia en el art decó. Acentuados y exagerados estampados geométricos, animales o florales en materiales suaves fueron utilizados para contrastar y complementar el estilo elegante. Los detalles como flecos y bordes fueron toques finales comunes para los cojines.

Louis Sue.

Diseños modulares: Los muebles modulares aparecieron por primera vez con el diseño Art Decó. Las piezas separadas con aristas curvas que se acoplan se hicieron populares.

Optimismo: El Art déco refleja el optimismo general y el estado de ánimo despreocupado que se extendió por Europa y los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial. La esperanza y la prosperidad están representados en diseños de rayos solares.

Clement Rousseau.

Paul klee

Klee fue uno de los primeros maestros de la Bauhaus y uno de los más grandes. Representa la evolución del artista completo. Destacó en la música gracias a la influencia de sus padres, que habían estudiado en el Conservatorio de Stuttgart canto, piano, violín y órgano, y hasta se convirtió en un niño prodigio con el violín.

Cuando se inclinó por las artes visuales lo hizo como dibujante, descartando el color, aunque su formación humanista y artística lo acompañarían toda la vida, empezando a ver mucho más allá que la realidad que quería pintar. Su desarrollo y progresión en el arte, nunca lo alejaron de la música, ya que sus obras reflejan ritmo y poesía, luego se convirtió en un maestro en el empleo del color. Un viaje a Túnez supuso la revelación de cómo utilizar la paleta de colores y comenzó a estudiar y a escribir sobre la teoría del color.

Klee enseñó en la Bauhaus desde enero de 1921 hasta abril de 1931. Fue maestro en los talleres de encuadernación, vidrieras y pintura mural, y contó con dos estudios. En 1922, Kandinsky se unió al personal y ambos reanudaron su amistad. Ese mismo año se celebró la primera exposición y festival Bauhaus, para el cual Klee creó varios de los materiales publicitarios, y también la primera serie de libros de Bauhaus con obras de Gropius, Paul Klee, Adolf Meyer, Oskar Schlemmer y Piet Mondrian.

A continuación les presentare algunas de sus obras más destacadas en su vida como pintor:

Ad Parnassum

Máquina temblorosa

Senecio

Gato y pájaro

Rough-cut head

Chiqui historiadores esto es todo por este viaje, que esten bien, ¡Hasta la proximaaaaaaaa!

¡Hola chiqui amigos! Espero que hayan pasado unas felices vacaciones en familia y qué mejor manera de regresar a nuestras grandes aventuras que viajando a la época en donde nació y se fundó la primera escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura, la más grande e influyente de su tiempo. Esta adoptó el nombre de:

BAUHAUS

Primero hablemos un poco sobre el origen de su nombre, este es derivado de la unión de las palabras “Bau”: construcción y “Haus”: casa, palabras claro de origen alemán ya que fue ahí donde se fundó esta escuela.

Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal).

Logo Bauhaus,Oskar Schlemmer, 1922

Fue inaugurada en 1919 y su contenido crítico y compromiso de izquierda causaron su cierre en 1933.

Su historia tiene tres fases:

La primera (1919-1924) coincide con el periodo en que la Escuela Bauhaus tiene sede en Weimar. La obra más importante desarrollada entonces es el proyecto del Chicago Tribune de Gropius. Progresivamente la consolidación de la república democrática de Weimar, después de la I Guerra Mundial, así como la conjunción de la arquitectura y el diseño modernos con el sistema capitalista, determinarán una nueva orientación en el estilo de la Bauhaus.

En la segunda fase (1925-1927), la Escuela se traslada a Dessau, y esta etapa se caracteriza por los diseños de todos los aspectos del entorno arquitectónico (muebles, accesorios) y la inserción de la práctica arquitectónica en los procesos industriales. El edificio más importante de la Bauhaus de entonces es el de su sede, de planta geométrica, aunque carece de simetría.

En la tercera fase (1927-1930), la Bauhaus es dirigida por Hans Meyer, que trató de vincular la problemática técnica y estética de la construcción con las organizaciones obreras. Para él, la casa debe responder a los modos de vida del morador y no a las aspiraciones estéticas del diseñador. En 1930 finalizó su dirección en la Bauhaus, iniciándose una rápida caída de la institución.

Van der Rohe asume la dirección de la escuela hasta que en 1933 la escuela fue cerradas por los nazis, que pensaba eran un centro que fomentaba las ideas comunistas.

Les dejo un corto video que trata sobre las sedes y lo que sucedió con esta primera y gran escuela de diseño...

Lo que caracteriza este estilo es la simplicidad, la ausencia de ornamentación, lo que ahora conocemos como minimalismo. En los edificios fachadas lisas, grandes ventanales, aprovechar la luz. Inspiración cubista y minimalista que se hacía presente desde los edificios hasta muebles u otros objetos de uso cotidiano como bicicletas.

CARACTERÍSTICAS DE LOS MUEBLES ESTILO BAUHAUS

Hoy estamos acostumbrados a ver sillas o mesas con tubos de hierro, aluminio, con cristal o plástico. Los muebles prácticos y ergonómicos son comunes. En los años 1920-1933 esto fue toda una revolución. Los materiales que se usan en el estilo Bauhaus son el vidrio, el metal, tubos de distintos metales, la madera doblada, el acero, el cuero y el plástico. Todos materiales que hoy nos parecen de lo más convencionales para muebles y decoración.

Los colores más usuales en este estilo son el negro, el blanco, el gris, el marrón, el color cromo. Curioso colores que son claves en la tendencia moderna y minimalista.

Muebles de líneas rectas con diseños geométricos eran habituales en el estilo Bauhaus, sillas o sillones con tubos de acero u otros metales que se tapizaban de cuero. Son famosos el sillón Wassily que se crea en 1926 por Marcel Breuer con tubos de acero cromado y tela de lona en el asiento y respaldo.

Mesa y silla Barcelona creada por el arquitecto Ludwing Mies van der Rohe.

Sillón de Le Corbusier.

ESTILO ARTS & CRAFTS

Y como segundo y ultimo estilo por hoy aprenderemos sobre el arts and crafts. Este estilo es una reacción que va en contra del estilo victoriano, el movimiento Arts and Crafts se desarrollo entre 1850 y 1914 este estaba en contra del primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra.

Este movimiento tiene como fundador a William Morris, quien a través de la empresa Morris, Marshal, Faulkner and Co. revolucionó el diseño de objetos de su época.

Principios del Arts & Crafts

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:

Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

Rechazo de los métodos industriales de trabajo.

Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura como en las artes aplicadas.

Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño.

Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

ARQUITECTURA

La Casa Roja o Red House fue construida por Philip Webb en 1859, por encargo del arquitecto William Morris, y destaca su historia y arquitectura, con una fachada que le da nombre: el ladrillo rojo. La Casa Roja fue el primer proyecto arquitectónico construido bajo el distintivo de esta escuela artística, abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales mas próximos al gótico rural.

Tapices: en ellos es importante la presencia de orlas vegetales muy decoradas.

Vidrieras: en ellas predominan las representaciones de ángeles, abogando por esa espiritualidad que se perdía cada vez más en esa época de industrialización.

MOBILIARIO

Destacaban por sus formas sencillas y el uso de técnicas de la ebanistería tradicional. Predominó el uso de la madera de roble.

La simplicidad de línea los asientos de paja en las sillas y banquetas para pies.

Mobiliario hecho a mano.

Inspiración en muebles de campo tradicionales.

ESTILO VICTORIANO

¡Hola chiqui historiadores!

Este día aprenderemos sobre dos estilos, uno de ellos es el estilo Victoriano, este es un estilo de Arquitectura, decoración y moda que apareció durante el reinado de la reina Victoria de Gran Bretaña que se dio en 1837 y finalizo en 1901.

Lo que consideramos estilo "victoriano" es, en general, una fusión de la apariencia y estilo de diferentes períodos anteriores, por ejemplo, influencias góticas y medievales son evidentes en muchos ejemplos de diseño de interiores victoriano.

ARQUITECTURA

El estilo de Arquitectura Victoriana desde luego se dio en base a los gustos de la reina Victoria y se propago fácilmente por el mundo gracias a las colonias que en aquel momento tenía Inglaterra y también en América empezó su difusión mediante los Estados Unidos.

Primero, conozcamos sus características arquitectónicas externas:

Casas eran angostas y altas por el terreno reducido en que se construían.

La mayoría de las casas eran hechas de madera y algunas tenían detalles en piedra.

Escalones y entradas señoriales.

Torres y Torretas le daban a las edificaciones una apariencia de castillo y un aire gótico que fue la inspiración de las primeras edificaciones victorianas.

Elementos decorativos recargados y variedad de colores.

Ventanas Saledizas.

Diseño asimétrico.

Envolventes porches con intrincados adornos.

Pequeños balcones en los pisos superiores.

Algunos de estos porches y balcones eran funcionales, pero algunos eran sólo para exhibirse.

¡Nada era demasiado extravagante para una casa de estilo victoriano!

La decoración de estilo Victoriano se dio en la época de la revolución industrial, cuando la clase media tuvo recursos para comprar cosas que nunca antes había soñado tener, y es por lo tanto un estilo que pretende ser señorial y e imitar la aristocracia. Ellos pensaban que un cuarto vacío era signo de mal gusto y por lo tanto la característica principal es que «Mas es Mas».

Las características internas de este ostentoso estilo son:

Papel Tapiz eran muy populares los diseños florales o de pájaros y animales.

Los eran tonos apagados y suaves, nada brillante o vivo.

Las telas favoritas eran el damasco, chintz y terciopelo.

Les gustaba también darle un detalle especial con encaje sobre todo en mantelería.

Iluminación, uso de múltiples lámparas, especialmente las de estilo «Tiffany»

Accesorios: El uso de finos detalles en los cielos, grandes y pesadas alfombras sobre pisos de maderas finas, espejos con talla a mano, muchos adornos y fotos, cortinas grandes y otros elementos suaves como tapetes, manteles y cojines. Además de flores y jarrones.

MOBILIARIO

Los muebles de la era victoriana eran obras de arte con trabajos de relieve prominentes en maderas preciosas y, como es típico en este estilo, su estilo era recargado con detalles en botones, capitonés y talla a mano para demostrar la riqueza y poder adquisitivo de sus dueños.

Muebles característicos de este estilo son:

El Wellintong chest: Es un mueble bastante alto de tipo torre, que tiene entre 6 y 12 cajones.

El Davenport: Que es un escritorio con cajones disimulados lateralmente y cuyo origen se remonta al siglo XVIII.

La mesa pañuelo: Se caracteriza por tener un tablero cuadrado grande, cuyas cuatro esquinas, son triángulos montados con bisagras, que se pueden recoger al centro como su fueran las esquinas de un pañuelo, con lo que queda el tablero de menor tamaño.

La silla balloon back: que tiene el respaldo que tiende a ser redondo.

La devotial (o prayer) chair: de asiento bajo y respaldo alto.

El sillón: Se tapiza en tela o cuero. Aparece durante este estilo el rocking chair, que es una típica mecedora con el respaldo alto y tapizado de cuero.

El sofá y el canapé: Se tratan de la misma forma que los sillones.

El confidente: Está formado de tres puffs acolchados y agrupados formando un triángulo, en el centro llevan un brazo triple con mangas.

¡Hola chiqui historiadores!

El día de hoy les traigo 3 estilos de arquitectura y mobiliario que al igual se podría decir que tienen influencia neoclásica. El primer estilo que les mostrare será:

ESTILO LUIS XVI

El estilo Luis XVI, también llamado Louis Seize, es un estilo de arquitectura, mobiliario, decoración y arte que se desarrolló en Francia durante el reinado de 19 años de Luis XVI (1774-1793). Vio la fase final del estilo barroco y el nacimiento del neoclasicismo francés. Al igual que el Neoclásico el estilo Luis XVI fue una reacción contra el adorno elaborado del período barroco precedente y fue inspirado en parte por los descubrimientos de pinturas, esculturas y arquitectura romanas antiguas en Herculano y Pompeya.

ARQUITECTURA

Podemos encontrar las siguientes características utilizadas en este estilo:

Columna recta.

La simplicidad del dintel posterior.

El arquitrabe del templo griego.

La visión de la naturaleza como un modelo idealizado y salvaje pero aún ordenado.

MOBILIARIO

Los muebles de Luis XVI se oponen al estilo Luis XV:

Rechaza las formas rococó del estilo Luis XV.

Vuelve al rigor de las formas geométricas.

La estructura del mobiliario se realza con formas rectilíneas.

La base de los muebles toma los elementos del estilo antiguo, incluido el pie estriado o la columna cuadrada.

Los elementos ornamentales también son minimalistas.

Los adornos tienen una forma simétrica y su inspiración se encuentra en la naturaleza vegetal y los temas antiguos.

La tapicería de seda con colores suaves.

Los diseñadores que más destacaron en este estilo fueron:

Guillaume Benemann

Louis Delanois

Georges Jacob

Jean-François Leleu

Nicolas Petit

Jean-Henri Riesener

Claude-Charles Saunier

Jean-Baptiste-Claude Sené

Adam Weisweiler

El siguiente estilo que veremos se desarrolló más que todo en el diseño interior, moda y especialmente muebles, este es:

ESTILO DIRECTORIO

Utiliza formas arquitectónicas neoclásicas, tallas mínimas, extensiones planas de chapas de granulado y pintura decorativa aplicada. Es un estilo de transición entre Luis XVI y el Imperio que se dio entre 1795 a 1799.

Sus principales características son:

Las formas son más simples, las curvas discretas y las líneas rectas sin rigidez se combinan con gran elegancia.

Se inspira en el arte egipcio y grecorromano.

MOBILIARIO

Los muebles son de caoba o castaño.

Presentan líneas rectas.

Los respaldos de las sillas muestran una elegante curva hacia atrás.

Patas delgadas y curvadas.

Las patas delanteras eran rectas y las traseras eran del tipo clásico curvado hacia el exterior visto en la antigua Grecia y en los frescos griegos (silla KLISMOS).

Los motivos escultóricos se destacan por sus colores vivos sobre fondos oscuros, al modo de Pompeya.

El último estilo del que hablaremos será:

ESTILO IMPERIO

El estilo Imperio es un movimiento de diseño de principios del siglo XIX en arquitectura, mobiliario, otras artes decorativas y artes visuales, representando la segunda fase del Neoclasicismo. Floreció entre 1800 y 1815 durante los períodos del Consulado y el Primer Imperio Francés, aunque duró hasta fines de la década de 1820 (o más en algunos países). Desde Francia se extendió a gran parte de Europa y los Estados Unidos.

ARQUITECTURA

La arquitectura del estilo Imperio se basó en elementos del Imperio Romano y sus muchos tesoros arqueológicos, que habían sido redescubiertos a partir del siglo XVIII. Los estilos precedentes de Louis XVI y Directorio empleaban diseños más rectos y simples en comparación con el estilo rococó del siglo XVIII. Los diseños del imperio influyeron fuertemente en el estilo federal estadounidense contemporáneo (como el diseño del edificio del Capitolio de los Estados Unidos), y ambos fueron formas de propaganda a través de la arquitectura. Era un estilo de la gente, no ostentoso pero sobrio y equilibrado. Se consideró que el estilo tenía una arquitectura “iluminada” y “liberada” justo cuando Napoleón “liberaba” a los pueblos de Europa con su Código Napoleónico, como una demostración de su gloria y sus victorias militares.

Caracteristicas:

La fascinación por los temas relacionados con Pompeya.

Referencias a lo militar y lo imperial.

Intención de combinar lo lujoso con un sentido de serenidad y rigor.

Los detalles basados en el orden clásico son raros en el diseño imperio.

Arco del carrusel en París.

Arco del Triunfo.

MOBILIARIO

El mueble estilo imperio es grande y pesado, simétrico, con ángulos rectos y sobre la superficie, que es oscura, lisa y lustrosa, existen finos apliques de bronce dorado y herrajes de latón. Los frontales se rematan con columnas o figuras femeninas esculpidas y las bocallaves se decoran con figuras en bronce. Son tapizados con telas vistosas bordadas o brocadas. Se construyen en madera de caoba, sea maciza o chapada (revistiendo al roble), o en palo de rosa; pero a partir de 1806, por su escasez con motivo del bloqueo a Inglaterra, se empleó el arce, el haya, el nogal, el olmo florido, el peral, la raíz de tejo y el tilo, maderas claras.

Propios de este estilo aparecen los armarios con espejos.

Las camas en forma de barca.

Los divanes (similares al arquibanco medieval).

Los lavabos.

Las mesas de toilette (con un espejo que bascula) y los pedestales con pie de garra.

Pero es el escritorio secretaire á abattant, con su forma cúbica, el mueble más característico de la época.

Brazos de sillas y patas de mesas serán talladas con sobriedad, incluyendo volutas; tanto en sillas como sillones se presenta la forma de góndola, volviendo las mesas de tres patas.

Para que comprendan un poco más sobre estas épocas y porque se dieron así los diferentes estilos, pues les dejare aqui unos videos bastante interesantes en donde nos explica quiénes fueron estas personas que dieron vida a estos corrientes artísticas.

La primera les da un resumen sobre la revolución francesa, época en donde reyno Luis XVI.

Y el segundo trata sobre la historia de Napoleón

Bueno chiqui viajeros, esto es todo por hoy...

Nos veremos en el próximo blog con mucha más historia, hasta la proximaaaaaa!

Basada en la valoración simbólica de las formas geométricas y la línea. Hola de nuevo chiqui historiadores y sean bienvenidos a otra aventura en el tiempo!

El día de ahora viajaremos a una época en donde se desarrolló un estilo que tomó como fuente de inspiración el antiguo antiguo arte y arquitectura grecorromano, a este se le dio el nombre de:

Neoclasicismo

Fue un movimiento artístico y literario que surgió a mediados del siglo XVIII y abarcó hasta el siglo XIX. Este movimiento se originó en Francia donde fue llamado simplemente clasicismo. Desde allí se extendió hacia el resto de Europa y América.

Son tres procesos históricos que fueron claves en el movimiento neoclásico:

La aparición de la Ilustración o el Iluminismo.

El descubrimiento de las ruinas de Herculano (1738) y Pompeya (1748).

Por último, la llamada “doble revolución”, es decir, la revolución industrial.

Arquitectura Neoclasicista.

El estilo neoclásico fue el modelo preferido para la arquitectura civil oficial durante el siglo XVIII y parte del siglo XIX.

La arquitectura neoclásica tuvo una serie de características específicas, entre las cuales podemos mencionar las siguientes:

Las líneas rectas dominan sobre las curvas.

Los dinteles y columnas rechazan los arcos.

Se aprecia mucho la simetría.

Se utilizan menos adornos.

Los frontones triangulares sustituyen los circulares.

Los volúmenes que más dominan son el cubo y la esfera, como formas geométricas que representan la perfección.

Mobiliario Neoclásico.

Los muebles neoclásicos eran simples y geométricos con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuadrada.

En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como medallones,dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba.

Los 4 artistas que destacaron con el mobiliario neoclásico son los siguientes:

Robert Adam

Fue un arquitecto escocés, diseñador de interiores y también de muebles. Adam fue uno de los líderes de la primera fase de la recuperación clásica en Inglaterra y Escocia , desde alrededor de 1760 hasta su muerte. Influyó en el desarrollo de la arquitectura occidental, tanto en Europa como en América del Norte, con su diseño de casas así como de interiores y accesorios.

Su mobiliario se caracteriza por ser elegante y refinado, el material de los respaldos de las sillas son tapizadas de tela y acolchadas, utilizaba maderas macizas con listones de madera horizontales o verticales. Los brazos de las sillas contienen pocas curvas y la forma de su respaldo puede ser ovalada o en forma de escudo.

Las patas pueden ser de la siguiente manera:

George Hepplewhite

Fue diseñador y fabricante de muebles, no se conservan muebles fabricados por Hepplewhite o su empresa, pero dejó su nombre a un estilo de elegantes muebles que estuvieron de moda entre 1775 y 1800. Una de las características que aparece en muchos de sus diseños de sillas, aunque no en todos, es un respaldo en forma de escudo en lugar de un respaldo chato, inspirado principalmente por diseños romanos, y los del famoso arquitecto Adams.En sus cómodas bombé se pueden observar patas cabriolé, al igual que en algunas de sus sillas.

Su mobiliario se caracteriza por tener respaldos de madera calados en forma de lira, abanico, de corazon entrelazado, etc.Con espigas o plumas en la parte central.

Thomas Sheraton

Uno de los 3 grandes del diseño de muebles en Inglaterra durante el siglo XVII. El mueble estilo Sheraton tiene un ligero aire de líneas rectangulares. Utilizaba maderas satinadas, caoba, sicómoro y palo de rosa, además acabados pintados y acabados en latón, algunos elementos decorativos utilizados son plumas, festones, etc.

Sus sillas se caracterizan por tener barras rectas, respaldos poco decorados y patas delgadas.

Thomas Chippendale

Es el ebanista más famoso de la historia del mueble y un hombre que supo captar las distintas corrientes artísticas que hubo en su tiempo. Los muebles de este estilo experimentan una gran transformación debido al empleo de la caoba.

Este estilo consistió en una combinación de elementos del rococó francés, motivos chinos y góticos, además de alguna influencia del estilo reina Ana y motivos neoclásicos.

¡Hola chiqui amigoooos!

¿Pensaron que me había olvidado de ustedes?

Pues no amiguitos, este día vengo con muchas más energías para otro divertido viaje en el tiempo en el cual iremos hasta Italia y aprenderemos sobre

El Renacimiento

Se conoce como Renacimiento al movimiento cultural y artístico que surgió en Italia entre los siglos XV y XVI. Se extendió a toda Europa (especialmente, en países como Alemania, los Países Bajos, Inglaterra, Francia, España y Portugal).

Para entender más sobre esta etapa artística de la historia es importante saber sobre la etimología, la palabra renacimiento se compone con el prefijo latino re- que significa “reiteración” y el verbo nasci que expresa ”nacer”. Por lo tanto, renacimiento significa, literalmente, volver a nacer.

En este sentido, el Renacimiento toma su nombre del deseo por recuperar la grandeza cultural del pasado grecorromano, tiempo en que la península italiana era el centro del poder imperial. Florencia, Roma, Venecia, Génova, Nápoles y Milán fueron escenarios cruciales en su desarrollo.

Arquitectura

La arquitectura busca su propia inspiración en el arte clásico, el cual en su época era considerado como parte del modelo idóneo de las bellas artes. Su visión artística se basa en dos pilares que se complementan: el humanismo y el clasismo.

Características:

Cubierta: Techos planos con casetones. Bóvedas de cañón, arcos, cúpulas, veneras.

Soporte: Columnas clásicas, pilastras, pilares, pechinas.

Decorativos: Guirnaldas, Vegetal o candeleri, tondos.

Mobiliario

Durante este período en Italia se introdujeron nuevos métodos de decoración:

Las incrustaciones: que eran láminas de madera teñida embutidas en tallas para formar decoraciones.

La taracea: que eran trabajos de decoración para las patas, utilizando nácar, mármol, marfil y piedras de colores.

La marquetería: que eran adornos a base de pequeños trozos de láminas de madera teñida.

El estuco: un enlucido o esmaltado que simula mármol.

Los muebles característicos del renacimiento son:

El cofre, cassoni o cassone: evoluciona, y ahora aparece abundantemente decorado con paneles incrustados, medallones tallados y medallones pintados. Es común que el cofre adquiera forma de sarcófago y se apoye en patas con forma de garras de león.

El cabinet: es un nuevo mueble que se utiliza para guardar objetos preciosos y joyas. Su parte superior consta de varias gavetas o cajones pequeños, disimulados con una tapa abatible y descansa sobre una parte inferior de dos puertas.

La mesa: se hace fija y está construida de acuerdo con el principio de la cartíbula romana. Se compone de un tablero rectangular que descansa sobre dos pedestales anchos. El tablero puede ser de mármol o decorado con piedras de colores. Más tarde en el siglo XVI aparecen las mesas con patas como balaustres.

Las sillas: ya hechas realidad como mueble bien definido, renuevan sus formas apareciendo tres nuevas variantes:

La savonarola: que es una silla en forma de X, también plegable, pero hecha completamente de madera inspirada en la antigüedad.

La sedia o silla de tijera: con forma de X plegable, formada por dos arcos opuestos y donde el asiento y el espaldar estaban formados por una cinta de cuero ancha.

Scabella: que era como un taburete de respaldo triangular muy erguido y muy cargado de talladuras.

Les dejare un video en donde indagaran un poco más sobre el estilo y las etapas.

También podrán encontrar un resumen de la película ”El hombre del renacimiento”. En esta película animada podemos ver la italia renacentista y algunos artistas e inventores de esa época.

#renacimiento #historia

En este otro fragmento se aprecia mas los interiores, el estilo y sus características como el bulbo de melón, las camas enormes y con mucha decoración, los motivos religiosos y colores.

Bueno chiqui amigos eso es todo por el momento, nos vemos en el siguiente viaje con muchas mas aventuras...

¡Hasta la proximaaaaa!

En este fragmento de la película Maléfica 2 podrán apreciar parte de la edad media y de los estilos de los que hemos hablado anteriormente, se puede ver su escala monumental en los edificios y su verticalidad como antes mencionamos, también se aprecian los arco característicos de la época, la caída de los techos, arcones que era un mobiliario muy importante en ese tiempo y los materiales que el ser humano utilizaba para construir en ese tiempo.

Estilo Jacobino

El estilo Jacobino es la segunda fase de la arquitectura del Renacimiento en Inglaterra, después de estilo isabelino. Se nombra por el rey James I de Inglaterra, con cuyo reinado tiene que ver.

Características en la arquitectura:

Se hace mucho uso de columnas y pilares, arcadas (varios arcos en secuencia) de arco circular.

techos planos con parapetos.

Mobiliario Jacobino

características:

Se continúa con las estructuras rectangulares y contornos sencillos. Estos muebles se construyen más pequeños y ligeros que en el estilo isabelino.

El tallado es un poco menos profundo que en los estilos anteriores.

El bulbo de melón se hace más pequeño y menos ostentoso.

Las patas de los mobiliarios se construyen a base de formas moldeadas.

Tipo de mobiliario:

El sideboard (aparador): Mueble de apoyo hecho de madera, servía para colocar los platos.

El cupboard (armario de vajillas): Mueble de caja de madera tallado con herrajes de bronce.

Refectory table: Mesa larga y robusta destinada a muchos comensales.

Gate table (mesa de alas abatibles): mesa plegable y ligera donde las patas son giratorias y se pueden doblar hacia el tablero.

Mesa octogonal: Mueble de tabla de madera.

Silla: Mueble de asiento de madera tapizado. Se construyen para tener armonía con la mesa que los acompaña.

Escritorio:

#jacobino #arte #arquitectura

Estilo Tudor

Es la etapa fina del arte Gótico, al estilo Tudor lo distingue la riqueza y la sofisticación, este estilo arquitectónico nace en la Inglaterra del siglo XVI, en la época Tudor, y es el primer estilo entre el cambio del estilo Gótico y el Renacimiento. Las construcciones de este estilo, adoptan en gran parte el modelo gótico, del que también toman sus ornamentaciones. Esta arquitectura ademas de Inglaterra se desarrollo también en Escocia y otras partes de las islas británicas, incluida Irlanda.

Características:

Se destaca por las arcadas en punta de todas las aberturas y los grandes accesos con amplios hall de entrada. En algunos casos se incluía encima del arco un escudo de armas de familia.

Las ventanas típicas de este estilo, son paneles de cristales pequeños con formas geométricas.

Se utilizan muros gruesos, entramados.

Los techos pueden ser a dos o más aguas, y con una pendiente muy marcada.

La construcción «en blanco y negro». Blanco y negro significaban casas de entramado de madera con segmentos de paredes encaladas entre las maderas oscuras.

Chimeneas enormes de piedra con muchos detalles.