Hay, entre otros, dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía que es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables. Y otros, los que no ven más allá de sus propias narices y debido a sus cortas entendederas, poses de esnob o prejuicios de niñatos, estereotipan a un grupo y no les conceden el beneficio de la duda con respecto a su calidad. Esta gente nunca gozará con este gran disco.
Los Bee Gees son, sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento. La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior.”Odessa” es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al “Sgt. Peppers”, el “Pet Sounds” de los Beach Boys u otra joya también oculta que con el paso de las décadas ha logrado el reconocimiento que mereció en su día: “Odessey & Oracle” de los fabulosos Zombies.
Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos pop psicobarrocos de tono melancólico como “Black Diamond”, “Lamplight”, “Melody Fair”, “Suddenly”, “Sound Of Love”, “I Laugh In Your Face” o la instrumental “Seven Seas Symphony”, envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales. Incluso se atreven con el country al más puro estilo Gram Parsons en “Give Your Best” o “Marley Purt Drive”. Esencial.
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Al parecer, la melancolía es un estado de ánimo -atención- permanente, vago y sosegado de tristeza y desinterés, que surge por causas físicas o morales, por lo general de leve importancia. Es decir, una tendencia (inherente al ser humano) al abatimiento y angustia.
También es el motor de movilizantes obras de arte, signadas por la ruptura de relaciones amorosas y ecos de almas pesarosas como Rumours o Blood On The Tracks. Este último, súmmum en la carrera de Robert Zimmerman, consta de historias taciturnas, composiciones folk y country llenas de desesperanza, angustia y sentimentalismo devenido en catársis emocional. Sólo basta escuchar If You See Her, Say Hello o Simple Twist Of Fate para empatizar con la grisácea realidad que plasma el flamante premio Nóbel de Literatura.
Prisoner no está a la altura de esos discos monumentales pero tiene suficientes recursos para erigirse como una gran y aggiornada versión de la misma búsqueda.
El alma torturada de su autor nos exhibe una serie de canciones melancólicas, pero enfocadas desde la lucha contra la propia naturaleza, la confusión y el advenimiento de tiempos más oscuros hasta que todo simplemente desaparece.
El primer lado es lo mejor que ofrece el disco:
La épica balada Do You Still Love Me?, Soberbia composición que cuenta con un órgano predominante aunque llena de guitarras estridentes, es la carta de presentación de un Ryan Adams a mitad de camino entre el Tom Petty de los primeros Heartbreakers y la impronta más sosegada de Bruce Springsteen en Born In The USA.
En la canción homónima aparece por primera vez el sonido ensoñador que predomina en el álbum. Se trata de un medio tiempo (el más pop del disco) que concluye con las armónicas que dan paso a Doomsday (hermosa canción, llena de ecos y repiqueteos de guitarra muy bien logrados), que a su vez termina con un suave rasgueo y abre paso a Haunted House, otra agridulce composición, de mayor influencia acústica.
La cohesión desde lo musical y el concepto de confusión y la desolación a flor de piel se plasma en la mejor canción del disco, claro: Shiver And Shake. Una desesperada oda a la tristeza de extrañar (y esperar como un perro) a quien ya no es de la partida.
Se profundiza este estado de ánimo en el single To Be Without You, canción que prescinde de estribillo debido a su naturaleza reflexiva.
La segunda parte se abre con Anything I Say To You Now, una canción de pulso más rockero y una punzante línea de bajo que concluye con punteos exquisitos de guitarras.
En Breakdown, Adams se pone más experimental y las guitarras acústicas contrastan con las eléctricas (en clave psicodélica, a lo Tame Impala). Mientras que Outbound Train tiene un dejo de optimismo con su ritmo galopante y la manera escéptica de mirar hacia atrás, continuada en Broken Anyway.
Tightrope y We Disappear es el último binomio conceptual de Prisoner. Y también son las canciones más experimentales del disco, en donde Adams (quien además se acredita como productor) da lugar a arreglos más sofisticados como un solo de saxo y el acrecentamiento de ecos de guitarras y risas, como recuerdos que vuelven y se desvanecen.
Prisoner es, al menos, el mejor disco de Ryan Adams en 10 años.
Este año nos pasaron varios. Pasar, de suceder. De acontecer. De llenar y propagar entre amigos. De saciar y a la vez carecer de muchos otros que quisiéramos escuchar de inmediato. Como Easy Tiger (2007) de Ryan Adams.
El hit: Halloweenhead
Momento favorito: Bueno, estamos entre el piano y el banjo que entran sutilmente en "Oh My God, Whatever, Etc" y que repiquetean luego del estribillo hacia el final de la canción. Pero también lo es la simpleza e inmediatez (de principio a fin) en la gema country-stone "Two Hearts".
Etiquetas DCNH: Exquisitez country pop-rock y americana, muchas veces devenida en baladas sutiles y elegantes, otras veces con pulso rockero sin descuidar la construcción de melodías armoniosas. Victorioso desde la primera escucha.
Fiel a los discos de bandas fracasadas que publicamos acá (?), nos colgamos un poco. Pero acá hay más de 50 discos que deberías escuchar. Hoy repasamos el primero de Gene Clark, que se fue de los Byrds por miedo a volar. Y acá lo tenés al boludo (?).
En febrero de 2013 escribimos esto, mirá: http://goo.gl/pSNfLE
El último de The Men tiene al menos 4 temazos. Salió hace dos semanas y tiene claras influencias de Neil Young y Bruce Springsteen, con un pulso casi arrebatado en la mayoría de las composiciones.
Destacadísimos los dos primeros tracks, Dark Waltz y Get What You Give.
Pueden conocer más de esta banda de Brooklyn en: http://wearethemen.blogspot.com.ar/
Tanto en Spotify como en Deezer están la mayoría de sus discos, donde paulatinamente van dejando de ser aquella bandita de neo-punk de sus inicios.
This Year's Model - Elvis Costello & The Attractions
Por @SebSoutric
Adiós a las etiquetas, a los encasillamientos y a las descripciones pormenorizadas de géneros, que muchas veces sirven para que personas con déficit de criterio alineen gustos con aquellas revistas y radios que imponen fórmulas, productos, canciones enlatadas...
Bienvenidas las interpretaciones y los puntos de vista justificados con música del alma. De carácter subjetivo y de apreciaciones motivadas desde los sentimientos más simples e instantáneos que nacen con la escucha de una canción.
Todo esto le pasó a Elvis Costello, quien visiblemente se despoja de tendencias musicales de la época (1978), llámense punk o disco, para crear algo nuevo.
This Year’s Model compacta interpretaciones vívidas y excitantes sobre lo que para ellos (Costello y su banda, The Attractions) es el soul, punk rock, pop de ayer y hoy, o reggae. No hay tiempo para canciones clonadas sin personalidad. Cada uno de los temas tiene el sello de la banda y está enmarcado por la peculiar visión del principal hacedor, quien da rienda suelta a su creatividad para crear melodías hermosas y cambiantes, destacándose tanto en baladas tiernas y sentimentales como en rock versátil y potente.
Igual, hay que reconocer que es más fácil decirle New-Wave a todo esto (?).
En fin, los picos del disco son el hit Pump It Up, la arrolladora Hand In Hand y la incatalogable Living In Paradise.
La versión DELUXE incluye una presentación en vivo de la época de alto voltaje y de indispensable escucha.
Se terminó 2013 pero te vamos a notificar (?) sobre los discos que quizás te perdiste por culpa del loop de Get Lucky.
James Skelly, el cantante y principal compositor de The Coral grabó este proyecto llamado Love Undercover. Publicado en junio de 2013, se destaca por ser más directo y sencillo en su desarrollo aunque con su sello impuesto: coros, melodías beatlescas y baladas íntimas y delicadas. ¡Dale bomba que es un discazo!
Más que inspiración, lo de The Coral en Butterfly House se trata de un fabuloso rescate emotivo; Como si permaneciera entreabierta una puerta a los 60s de los Byrds, Buffalo Springfield, Zombies e incluso Beatles y en vez de luz, lo que se filtrase sean hermosas melodías que pese a su querencia añeja, no dejan de deslumbrar a cualquier oyente con un mínimo de sensibilidad para dulces sonidos como los que abundan en este disco de 2010.
Tengo que confesar que soy un apasionado (?) de aquellas bandas que por algún motivo, tienen que sobreponerse a situaciones adversas y que frente a las mismas, sacan lo mejor de sí. Como The Coral con la partida en 2008 del guitarrista Bill Ryder-Jones (al parecer por ataques de pánico en los escenarios). A partir de allí, no lo reemplazarían si no que siguieron componiendo y tocando los cinco miembros restantes.
Grabado en los estudios Rak (Londres) y parte en Rockfield (South Wales) con la producción de John Leckie (el del primero de los Stones Roses), Butterfly House tiene un enfoque más folk que sus predecesores aunque mantiene la tendencia al pastiche de sonidos sesentosos, como es su habitual oferta; Pese a que en esta oportunidad somos testigos privilegiados del pico de maduración alcanzado por James Skelly quien contara con ayuda en la mitad de las canciones pero que se nos presenta como el principal hacedor de este trabajo.
Hay que reconocer que a priori, Butterfly House no tiene la frescura de sus trabajos más celebrados como son Magic And Medicine y The Invisible Invasion, pero volvemos a poner el enfoque en la superación, progreso y sensibilidad de sus compositores.
Yendo al plano estrictamente sonoro, todo es beatlesco y soleado aunque invernal. Sólo hay algunos cortes de ligeros y plácidos enfoques oscuros, tal es el caso de She’s Comming Around o preferentemente Coney Island y North Parade, que casualmente son las últimas canciones del disco.
Los puntos más altos, a mi enteder, son Roving Jewel con ruidos de campanas y enorme sentido melódico. Walking In The Winter es una bellísima y delicada balada; y finalmente el single 1000 Years. Corte superior con constantes coros, voces laxas y guitarras repiqueteando a lo Byrds.
Mani, el bajista de Stone Roses ha dicho que es el mejor disco desde el debut de su banda. Hecho que se condice con las críticas obtenidas por la “prensa especializada” aunque nunca se tradujo en buenas ventas para nadie.
En unos años será un disco de culto, dado que desde su publicación al día de hoy, es prácticamente ignorado.
En Grooveshark: http://grooveshark.com/#!/album/Butterfly+House/4434235
Video oficial del single "1000 Years": https://www.youtube.com/watch?v=YwpIWUZkvQM
Set de fotos de las sesiones de grabación de Butterfly House (por Kevin Power): http://www.flickr.com/photos/kevinpower1/sets/72157607394680310/
El último gran disco de los Stones es esta fabulosa pieza de 10 canciones que conjugan glamour y fiereza, definiendo un sonido irremediablemente único, que los pone una vez más al frente de una escena musical cada vez más ecléctica e incandescente, como sólo pudo darse a finales de los 70s.
La banda se recompone, se autocorrige y demuestra un espíritu de auto conservación admirable. En 1977 los trataban de de dinosaurios y para contrarrestar las blasfemias, se desapegan de cierta cadencia de rock and roll acaso de buen nivel e inventiva pero carente de frescura, sorpresa y renovación, como lo fueron de menor a mayor Goats Head Soup, It’s Only Rock And Roll y Black And Blue.
Las cosas cambiaron desde el éxito alacanzado con Exile On Main St. La década fue avanzando y conforme a esto, surgieron incontables bandas que expandieron los sonidos, y el final de los 70s aportaba desde el estallido punk a la fiebre por las discotecas y la profundización del detestable rock sinfónico. También tuvo lugar el power-pop devenido en new wave. Porque todos sabemos que si te catalogaban como banda power-pop no vendías un puto disco (?).
Los Rolling Stones, muchas veces subestimados y reducidos a gemas populares como It’s Only Rock And Roll y Start Me Up ó Bown Sugar y Angie, demuestran una vez más el talento que poseen a travez de su estelar dupla compositiva Jagger-Richards, para crear tanto hits como auténticas joyas que nunca serán parte de un “Best Of...” oeri que bien podrían ser la gran canción y el caballito de batalla de cualquier grupo con ganas de conquistar los charts.
La base rítimica de Some Girls la componen Charlie Watts (en estupendo estado) y Bill Wyman, que nunca se llevó los créditos merecidos pero que en este disco en particular, pone de manifiesto su capacidad para adaptarse a sonidos discotequeros y ahí pasar a ritmos punzantes, cuasi punks. A la altura de lo que pretendían los principales hacedores del álbum.
Todo empieza con decenas de gramos de cocaína (?) y una de los clásicos: Miss You. De alta carga de sensualidad, con un bajo y órgano (a cargo del ex Small Faces, Ian McLagan) en clave disco, que promediando su duración nos ofrece algún que otro cambio de ritmo que permite jugar de grandiosa forma a Richards y Wood con retazos funky también acompañados por saxofones y harmónicas. Estupenda faceta que contrasta de manera notable con la galopante When The Whip Comes Down; canción con un muro de guitarras del más alto calibre, que crecen y crecen hasta alcanzar un nivel comparable a la intensidad de bandas de jovencitos punk. Los Stones en su mejor forma.
Luego la oferta se amplía con eJust My Imagination, cover de los Temptations donde parecen darle toques pop de radio fórmula.
Momento para un blues aggiornado y perfecta concordancia con el sonido del disco; Se trata Some Girls. Otra canción que aumenta gradualmente su intensidad y donde volvemos a destacar la incursión de guitarras hipnóticas a cargo de Richards Y Wood.
La vuelta a la agresividad en Lies. Donde Jagger grita desaforado y nos da vastas pruebas de su versatilidad como intérprete. Increíble atmósfera de intensidad que nuevamente se corta con una canción de ritmos más calmos. La country y sutil Far Away Eyes.
Como mencionamos, los constantes vaivenes de climas convierten a Some Girls en un disco de accesible y adictiva escucha por el calibre compositivo de baladas elegantes como Beast OF Burden (en el cielo de las baladas elegantes) y otras construcciones poperas como Before They Make Me Run y Shattered. ¿Las letras? Sexo, drogas, misoginia y cinismo durante largas noches neoyorquinas.
Some Girls en Spotify: https://play.spotify.com/album/1Ud2RFDrjehVVvJjtsUipy
Some Girls en Deezer: http://www.deezer.com/album/1327607
theartofmadeline
romaincrisis