Academia de Música Fermatta

www.fermatta.edu.mx

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You hang anchors over my neck (I liked it at first)

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¡Crea tu rider personal!

En mi carrera como músico profesional, tuve 10 años ininterrumpidos de giras, y aún recuerdo la importancia de elaborar un pequeña lista de necesidades y requerimientos para el viaje y para el desempeño como instrumentista; yo le llamo rider personal. Éste va desde cosas tan insignificantes como llevar pasta de dientes, hasta nuestro instrumento musical, que es el objeto con el cuál realizamos nuestro trabajo. De la misma manera, debemos tomar en cuenta nuestro estado físico, por ejemplo, si sufrimos alergias o algún padecimiento crónico, no podemos olvidar los medicamentos correspondientes.

Tratando de simplificar una lista que puede ser demasiado extensa, considero los siguientes puntos como principales:

1. Instrumento

No debemos considerar el instrumento como un artículo individual, sino como un paquete que incluye otras cosas, por ejemplo todos los accesorios para conectarlo (mínimo 2 cables), afinador, plumillas, pilas (si es un instrumento activo) y repuestos, como un juego de cuerdas por si alguna se rompe. Debemos pensar también en herramienta básica como una llave Allen que puede ser necesaria para algún ajuste, pinzas, etcétera.

2. Efectos para el instrumento 

En mi caso me ha tocado transportarme en unas ocasiones con guitarra y en otras con bajo y, en ambas, he utilizado efectos que debemos tener presentes como un paquete adicional, que incluirá conexión a la energía eléctrica. Aquí recomiendo verificar el tipo de voltaje y conexión utilizado en el país o países a los que se está viajando para, en su caso, prevenirnos con el convertidor correspondiente.

3. Equipaje de mano

Debemos considerar el clima de la región a la que viajaremos (podemos apoyarnos con los reportes meteorológicos), así como los cambios de temperatura a los que podemos enfrentarnos. Suena exagerado, pero a veces, el aire acondicionado de los aeropuertos te puede hacer pasar un mal rato. 

En este punto también hay que incluir nuestros accesorios (cartera o bolso, lentes, gorra), y los documentos de viaje: pasaporte, datos del vuelo y del hotel reservado.  

Tip: Es importante dejar estos últimos objetos en un lugar visible en casa y, además, portarlos en nuestra cartera o bolso de mano.

4. Maleta

Es muy importante considerar que la maleta deberá contener dos tipos de vestuario, el personal de uso cotidiano y el requerido específicamente para el show.

Asimismo, como debemos pasar lista antes de emprender el viaje, hay que repetir dicho procedimiento antes de emprender el regreso a casa, o el siguiente tramo de viaje en la gira, para evitar olvidar algo en el hotel y/o perderlo. 

Por: Humberto Vázquez

Profesor 

Academia de música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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5 claves para una práctica más efectiva

1. Duración

Define la duración de tus secciones de práctica de acuerdo al tiempo en el que puedas estar totalmente concentrado. Puede ser tan corto como 10 a 20 minutos para estudiantes jóvenes y tan largo como 45 a 60 minutos para músicos experimentados.

2. Sincronización

Mantén un registro de los momentos durante el día en el que tienes la mayor cantidad de energía. Puede que sea a primeras horas de la mañana o antes del almuerzo, etcétera. Trata de llevar a cabo tus sesiones de práctica durante estos períodos de tiempo naturalmente productivos, ya que son momentos en los que serás capaz de enfocarte y pensar más claramente.  

3. Objetivos

Utiliza una libreta de anotaciones. Mantén un registro de los objetivos de tu práctica y lo que descubres durante tus secciones de práctica. La clave para entrar en la “zona” cuando practicamos es buscar constantemente la claridad de nuestra intención. En otras palabras, tener una idea clara del sonido que quieres producir, o la frase particular que quieres ensayar o la articulación específica, la afinación, etcétera, para que puedas tocarla consistentemente. Cuando descubras algo, anótalo en la libreta. A medida que empecé a practicar más cuidadosamente, comencé a aprender tanto durante mis sesiones de práctica que si no escribía cada descubrimiento, lo olvidaría.  4. Más inteligente, no más fuerte 

Algunas veces si un pasaje en particular no está saliendo como quieres, significa que necesitas practicarlo más. También hay momentos en los cuales no requerimos practicar más fuerte sino que necesitamos una estrategia o técnica diferente. Recuerdo que tenía problemas con el pizzicato de mi mano izquierda en la variación del capricho 24 de Paganini. Me estaba dando frustración y continuaba tratando más duro para hacer que las notas hablaran, pero todo lo que logré fue herir mis dedos hasta el punto de sangrar. Me di cuenta de que tenía que haber una forma más inteligente, más efectiva de lograr mi objetivo.   En lugar de tratar obstinadamente de usar una estrategia o técnica que no estaba funcionando para mí, me obligué a dejar de practicar dicho fragmento. Pensé en diferentes soluciones al problema durante un día o dos y escribí las ideas a medida que sucedían. En el momento en el que creía que tenía algunas soluciones prometedoras, empecé a experimentar. Finalmente, encontré la solución en la que había estado trabajando por una semana o más y toqué el capricho para mi profesor, y ¡él me preguntó cómo hacia hablar las notas tan claramente!  5. Modelo de resolución de problemas

Considera este resumido modelo de seis pasos para resolver problemas (adaptación de varios procesos de resolución de problemas o problem solving processes, en línea).

Define el problema: ¿Cómo quiero que suene esta nota o frase?

Analiza el problema: ¿Cuál es la causa de que suene así?

Identifica las soluciones potenciales: ¿Qué debo cambiar para hacerlo sonar más como yo quiero?

Prueba las soluciones potenciales para seleccionar cuál es la más efectiva: ¿Cuál parece haber funcionado mejor?

Implementa la mejor solución: Haz que los cambios sean permanentes.

Supervisa la implementación: ¿Estos cambios continúan produciendo los resultados que estoy buscando?

O más simple todavía, mira este modelo del libro de Daniel Coyle, “The Talent Code":

Escoge un objetivo.

Trata de alcanzarlo.

Evalúa la distancia entre el objetivo y  tú.

Vuelve al paso uno.

No importa si hablamos de perfeccionar la técnica o de experimentar con diferentes ideas musicales. Cualquier modelo que defina objetivos claramente articulados que nos inviten a pensar más inteligentemente y más sistemáticamente, nos ayudará a disminuir tiempo perdido de práctica ineficaz.

Después de todo, ¿quién quiere pasar el día entero en el salón de práctica? ¡Entra, haz las cosas bien y sal!

Información extraída de: http://www.davidlopeztuba.com 

Por: Ricardo Sahagún

Profesor

Academia de Música Fermatta, Campus GDL San Francisco

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Instrumentos: ¿comprarlos o elaborarlos?

Como guitarrista, siempre estoy ávido de conseguir y conocer nuevos instrumentos, y hoy en día hay una lista enorme de opciones para escoger. Ya sea al comenzar o teniendo cierto tiempo tocando, el dilema siempre es: 

¿Qué guitarra comprar?

Habiendo tantas marcas y modelos en el mercado, la primera pregunta es: ¿qué voy a tocar con la guitarra que me compre? La marca y el modelo pueden ir de acuerdo al género que te gusta y quieras tocar. Seguramente buscando podrás encontrar algo cercano a lo que deseas, pero tal vez nunca quedes del todo conforme con la guitarra adquirida; tal vez el color, la forma o pastillas no sean exactamente las que querías. Puede ser que quieras tal marca, con esa otra forma pero con esas otras pastillas, y es aquí cuando puedes empezar a tomar en cuenta otra opción que casi nunca consideramos: mandar a hacer una guitarra personalizada. 

Las ventajas de hacerlo son muchas: puedes elegir la madera que quieres de acuerdo al sonido que buscas o al presupuesto que contemplas; y madera para el cuerpo, el brazo, los trastes; escoger el tipo de material de los inlays de los trastes, la maquinaria, etcétera. Y lo más importante, puedes escoger y diseñar la forma y el acabado que desees, para hacer de tu instrumento algo único en el mundo, una pieza de colección. 

Pero así como hay ventajas, también tiene ciertas desventajas. La mayor puede ser la economía de nuestros bolsillos. Dependiendo de la inversión que quieras hacer será la calidad de tu instrumento, dado que las diferentes maderas varían según su calidad, la maquinaria de tu elección también aumentará o bajará el precio de lo que quieras hacer. Todos estos aspectos deben ser tomados en cuenta.

El trabajo de hacer una pieza única y personalizada es artesanal y requiere de expertos para poder ser realizado de manera correcta y que cumpla con tus expectativas. Y es aquí donde tenemos que empezar a meternos un poco en el mundo de la laudería, el mundo de la gente que fabrica instrumentos. 

Existen gran cantidad de lauderos en México. Ahora bien, el trabajo de un laudero hablará por él, así que lo mejor es buscar opciones y comparar trabajos para conocer más del laudero de tu elección y estar seguro de que será la mejor opción para la elaboración de tu instrumento.

El mandar a hacer un instrumento puede requerir más inversión que el simple hecho de comprar una guitarra de marca y hecha en serie, pero la satisfacción de tener un instrumento completamente hecho a tu gusto y elección será enorme una vez que lo tengas en tus manos, sobre todo si pusiste un poco de creatividad para darle tu toque personal.

Para conocer más acerca de la laudería y elaboración de instrumentos, puedes visitar los siguientes links:

http://www.sgeia.bellasartes.gob.mx/index.php/menueducacionartistica/menuescuelas/elauderia

http://www.paxche.org/ 

http://www.emml.com.mx/

Por: Mario del Río

Profesor

Academia de Música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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¿No todo es tecnología?

El ser humano, y el músico en especial, ha estado rodeado siempre de grandes avances tecnológicos para su desarrollo. Músicos inquietos e innovadores se han apoyado en este ámbito durante cada generación para cambiar la historia de la música. Si bien no le podemos dar el crédito a una máquina por hacer una composición, ésta le ha dado a los músicos de todas las épocas lo necesario para realizar o desarrollar maravillosas piezas de arte. 

Desde micrófonos, consolas multicanal, pastillas para instrumentos, procesadores de efectos, sistemas de audio y hasta las computadoras de hoy en día, revolucionaron momentos de la historia. Por básicos que parezcan, estos equipos en su momento transformaron la forma de hacer, grabar e inclusive de escuchar la música. 

En la actualidad tenemos la posibilidad de crear nuestras propias herramientas de trabajo con software comercial o de uso libre. Ayudados por la tecnología, músicos, matemáticos, físicos y creativos del mundo entero interactúan e intercambian información sobre la forma de hacer estos dispositivos virtuales o recrear técnicas conocidas para la producción musical.

La llamada programación de herramientas de síntesis en tiempo real (software logarítmico o de interfaz gráfica) cada ves toman un espacio más común en el trabajo de músicos, ellos utilizan patches personalizados, hechos a la medida de sus necesidades musicales para sintetizar o simplemente modificar la señal, atrapando a los escuchas con procesos interesantes o poco comunes.

  Muchos usan plugins comerciales para estas tareas, desconociendo la posibilidad de crear su propia colección de procesadores o instrumentos virtuales para su uso en estudio o a la hora de las presentaciones en vivo. Para algunos, un salto importante luego de los conocidos DAW, una herramienta abierta a la experimentación y una invitación a conocer procesos y sonidos no necesariamente comerciales o poco explotados dentro de la industria.

Para hablar de música electrónica tendríamos que mencionar prácticamente a toda la música actual, no sólo de géneros “bailables” o pop, ya que la mayoría de las composiciones de hoy en día poseen elementos generados artificialmente. 

Es innegable la convivencia diaria con la tecnología e imposible dejar de interactuar con ella. Tanto MAX / MSP creado en los años 80, como Pure Data en los 90, son dos de grandes exponentes en la materia.

Referencia de la información:

http://cycling74.com/products/max/

http://puredata.info/

Por: Camilo Carrero

Decano de Estudios Tecnológicos

Academia de Música Fermatta, Campus GDL San Francisco

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15 recomendaciones para aprovechar tus sesiones de grabación

1. Durante los ensayos previos a las sesiones, trabaja con click o metrónomo. Esto le permite al ingeniero y productor un trabajo más fácil y rápido en la edición de las pistas y la aplicación de efectos. Permite, además, establecer el tempo de la canción para tenerlo como referencia para presentaciones en vivo. Si llegas al estudio y nunca has usado el metrónomo, será muy difícil que en ese momento logres acoplarte. 2. También es muy recomendable ensayar instrumentos separados, es decir, ensayos únicamente de batería con bajo, por ejemplo, o de las guitarras con las trompetas, etcétera. De esta manera se aseguran de que todos los instrumentos conocen bien la canción y pueden ejecutarla de principio a fin sin necesidad de la referencia vocal. 3. En el caso de los instrumentos de cuerda, lo ideal es realizar el cambio de las cuerdas aproximadamente 5 días antes de entrar al estudio. De esta manera obtendrás un sonido brillante y evitarás problemas de afinación. 4. Para las baterías, es igualmente recomendable cambiar los parches una semana antes para permitirles encontrar su tensión justa. Recuerda que debes dejarla desde un día antes en el estudio, para que se adapte a la temperatura y condiciones de la habitación. Recuerda también que hay que afinarla siempre antes de iniciar a grabar y que, incluso, diferentes canciones de tu producción musical pueden requerir diferentes afinaciones de tu batería. 5. No olvides tus accesorios necesarios como afinador, púas o plumillas, lubricante de cuerdas y herrajes, baquetas, pilas o adaptadores de corriente, cables en buen estado. 6. Revisa el estado de tus cables, instrumentos y aparatos necesarios (amplificadores o pedaleras) para evitar cualquier mal funcionamiento, ruido, cortos circuitos, etcétera. 7. Antes de grabar, asegúrate de que la fuente de sonido tiene la mejor calidad posible, evitando cualquier vibración, resonancia o ruido extraño. 8. Recuerda que el tratamiento acústico de la habitación donde grabes es realmente importante, utiliza materiales absorbentes en puntos estratégicos. 9. Asiste a tus sesiones puntualmente, descansado y bien alimentado (de preferencia con comida ligera). 10. En el caso de los vocalistas, cuiden mucho su garganta para no tener molestias, manténganse bien hidratados y recuerden que los alimentos lácteos producen flemas que dificultan la limpieza de la voz. 11. Siempre es recomendable tener una transcripción de tus temas musicales, donde el productor y los músicos puedan revisar y trabajar las secciones de la canción, cifrado, armonía, melodía, obligados, etcétera. Recuerda llevar copias para el ingeniero y el productor. 12. ¡Relájate y disfruta tu sesión! Es muy común encontrar músicos que quieren “dar todo en el estudio", pero muchas veces el estrés resultante opera en su contra y surgen los nervios e incomodidades. Es mejor ejecutar con mucha calidad una pieza sencilla, que intentar una pieza muy complicada y no lograrla por no estar preparado para cierto nivel. Mantén la calma y toca tu instrumento con naturalidad. 13. Tener una buena actitud, también te ayudara para que el trabajo duro sea mas llevadero y exista un buen ambiente con tus colegas durante las sesiones. 14. Considera que siempre es válido hacer una revisión "en frío" de la producción terminada. Es decir, al recibir el Audio Master CD de tu producción, no lo publiques inmediatamente. Es mejor darse tiempo (un par de días o hasta semanas) para escucharlo en todas las locaciones posibles, compararlo con producciones de tus músicos favoritos, evaluarlo y valorar si se han cumplido las expectativas y de ser necesario realizar las correcciones y ajustes pertinentes. Recuerda que una grabación es un legado que durará para siempre y más vale la pena darse un tiempo para pulir los detalles antes de presentar el producto terminado. 15. Mantén el contacto. Asegúrate de tener los teléfonos y correos electrónicos de todas las personas involucradas y de mantener una constante comunicación entre todos para así lograr una mejor coordinación y evitar pérdidas de tiempo, recursos o malentendidos. ¡Recuerda que una buena preparación te permitirá disfrutar más y mejor de tus sesiones de grabación y lograr los resultados óptimos! Por: Aldo Téllez Profesor Academia de Música Fermatta, Campus GDL “La Estampida”

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Shure SM57, la navaja suiza de los micrófonos

Un estudio poco a poco se va convirtiendo en micrófonos especializados en cada instrumento; siempre trataremos de adquirir el mejor micrófono para voz y, una vez que lo tenemos, queremos uno mejor, un buen kit de batería, unos buenos micrófonos para guitarra y un buen room mic. 

No importa si tenemos muchos o pocos, un micrófono que no puede faltar en nuestro arsenal es el SM57, conocido por muchos como la navaja suiza de los micrófonos. Está creado para grabar instrumentos y puede sacarnos de más de un problema por su versatilidad.

Diseñado en 1959 por el equipo de ingeniería de Shure, el SM57 (inicialmente llamado Unydine III), fue el producto de 22 años de investigación y desarrollo de micrófonos  dinámicos para estudio. Es liviano, relativamente barato y resiste el trato rudo del uso en vivo y en estudio. Su principio de funcionamiento es la cápsula dinámica, que se basa en que el sonido recibido por el micrófono mueve un diafragma, el cual tiene pegada una pequeña bobina que al encontrarse inmersa en un campo magnético induce una corriente con cada movimiento. 

Las características de este micrófono le dan una respuesta de frecuencia desde los 40 a los 15,000 Hz, con respuesta plana desde los 200 hasta los 3000 Hz, con un patrón polar correspondiente a una figura cardioide. ¿Qué significa todo esto?, que puede manejar fielmente un rango muy amplio de instrumentos y que la forma en que responde a los sonidos que lo rodean hace que rechace los sonidos que provienen de atrás del micrófono. Siendo más específicos, hay un espacio de 120 grados en los que el micrófono no recibe sonido. Esto es muy útil para los vocalistas porque los sonidos que provengan del publico y de la banda serán rechazados por el micrófono, aparte de reducir el feedback.

Los cantantes encontrarán este micrófono muy familiar porque usa una cápsula de la misma familia del ubicuo SM58, probablemente el micrófono más popular entre los cantantes. La diferencia obvia con su hermano es que el SM57 carece de la capucha protectora con el filtro antipop que tiene el SM58, aunque el tamaño y peso de éstos dos micrófonos es similar. 

Aunque hay muchos kits de batería especializados y micrófonos dedicados solamente a la tarola, la respuesta del SM57 se ha vuelto clásica, a veces favorita de muchos ingenieros y productores. También hace un buen papel en el micrófono de otras percusiones y tambores.

En la grabación de guitarras eléctricas, el SM57 es el standard contra el cual se miden los demás micrófonos, por su capacidad de soportar altos niveles de presión sonora sin saturarse y por su respuesta de frecuencia. Algunas opciones para la grabación de guitarra son el Sennheiser e906 y el Audix i5. Estos micrófonos se colocan casi pegados al grill del gabinete de guitarra, para evitar la interferencia de otros sonidos y para aprovechar el efecto de proximidad.

Existen instrumentos donde la elección del micrófono excede los limites de frecuencia característica del SM57, como en los bombos y gabinetes de bajo, pero aun allí es útil experimentar con él. Usando técnicas de micrófono múltiple se puede conseguir un ataque más acentuado y claro al combinar un micrófono de baja frecuencia como el AKG D112 con un SM57.

Gracias a su popularidad, el SM57 ha sufrido por la piratería en los últimos años. Es fácil encontrar SM57 baratos en internet, los cuales son copias que no tienen la misma respuesta y durabilidad del original. Sin embargo existen muchas guías en la web, en forma de videos y tutorales para distinguir este tipo de copias al comprar.

Referencias de la información:

Tecnology Hall of Fame: http://tecfoundation.com/hof/04techof.html#15

SM57 Specifications Sheet:

http://cdn.shure.com/specification_sheet/upload/81/us_pro_sm57_specsheet.pdf

http://www.shure.com/americas/products/microphones/sm/sm57-instrument-microphone

Por: Román Francisco Nava Juárez

Academia de Música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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Lo independiente también se premia

El reconocimiento a las obras artísticas, a la música, no sólo sucede en las altas esferas de la industria. Más allá de los Grammy, los MTV y otros premios de escala internacional, existen instituciones y proyectos que se dedican a recopilar y reconocer los logros del talento nacional e internacional, de la industria independiente.

Aquí en México existen, desde hace cinco años, los Indie-O Music Awards, también conocidos como los IMAS. Este proyecto de premiación está dedicado a reconocer año con año la labor de la industria de la música independiente desde muchos frentes. Las categorías participantes van desde mejor artista y disco de distintos géneros, mejor arte/empaque, mejor disquera independiente, estaciones de radio, publicaciones especializadas en música, mejores proyectos digitales, etcétera.

La iniciativa, según palabras del mismo proyecto, “surge ante la necesidad de premiar y reconocer la música de un escenario artístico independiente e inclusivo. Es el lugar donde se exponen nuevos talentos que hacen a la industria musical diferente e interesante”. Es con esta premisa que llevan ya una historia de reconocimientos a los mejores del medio, tanto desde lo musical como en el negocio y difusión de la música. 

Es importante señalar que la selección de ganadores se hace a partir de un jurado, formado por más de 100 personas activas en la industria (músicos, editores, productores, promotores, productores de radio, escritores, críticos y hasta empresarios), quienes seleccionan a los nominados y ganadores a partir de una votación entre los proyectos inscritos.

¿Sirve de algo un reconocimiento de los IMAS? 

Sí, sirve de algo. Estos premios son de los pocos, si no es que son los únicos, hacia la música nacional e independiente. El desarrollar una premiación para la industria local es una manera de apoyarla y complementarla.

Lo importante en realidad no es si te ganas una Pluma (la estatuilla que se entrega en los IMAS), sino la exposición hacia adentro de la industria que proporciona esta plataforma. 

Hay variados beneficios a partir de que el jurado escuche las propuestas musicales, de que los nominados se den a conocer y se difundan en los distintos medios, de que algunos talentos hasta se presenten el día de la premiación, y que algunos sean los acreedores de reconocimiento como “lo mejor del año”.

Esta es una manera de promoción que no se da igual en una plataforma tradicional como lo es un concierto, una entrevista, un showcase. El sistema de premiación aporta otra manera de difusión y de catapulta para que nuevos talentos sean conocidos.

Otra ventaja muy grande de tener premios a nivel nacional e independiente es la posibilidad de avanzar en materia de relaciones públicas y networking. Es ahí, en el evento, con el jurado y los nominados en donde podemos encontrar a nuestras nuevas alianzas estratégicas, a nuestros proveedores, a nuestros medios aliados, a nuestra industria.

Importantísimo es que estos premios abran una plataforma en la cual cualquier producción, disquera, grupo o medio pueda inscribirse (si cabe en las categorías y cumple con los requisitos), y que no sea tan arbitraria la selección de los nominados.

Si eres mexicano y tienes un proyecto musical, puedes ingresar tu obra a la convocatoria de los IMAS. Personalmente creo que es importante contar con una plataforma que busca el reconocimiento de los participantes del la industria, y que además pretende unirlos para que entre ellos impulsen la creación y difusión de música independiente.

Aún hay muchos bemoles y, al final de cuentas, el hecho de montar una premiación requiere cierta legitimación del proyecto, la cual en el caso de los IMAS todavía se lucha por construir; pero es un un buen inicio que busca fomentar proyectos y hacerle un bien a la música.

Recomiendo ampliamente tomar en cuenta estos premios como un escaparate, como una oportunidad de difusión y una verdadera labor de relaciones públicas útiles para cualquier persona que quiera ingresar al mundo de la música en México.

La próxima premiación se realizarán el día primero de abril de 2014, y toda la información la puedes encontrar en: www.losimas.com

Sigue las novedades del proyecto en su Twitter: @LosIMAS y en www.facebook.com/losimas

¡Profesionalicemos lo independiente!

Por: Majo Ballesteros

Profesora

Academia de Música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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Descifrando el Efecto Mozart

Existe el mito de que la música clásica permite a los niños (específicamente los más pequeños) desarrollar más sus habilidades cognitivas, intelectuales, físicas y emocionales; pero gracias a estudios y evidencias científicas, se ha logrado ver esta imagen distorsionada con mucha mayor claridad.

En 1993, la psicóloga e investigadora de la Universidad de California, Frances Rauscher y sus colaboradores, sacaron a la luz un hallazgo importante. Ellos descubrieron que después de escuchar durante 10 minutos la sonata para dos pianos (K448) de Mozart, sujetos normales mostraban mejoras significativas en sus habilidades de razonamiento espacial. Este efecto "mejorador" no se extendía más allá de 10 a 15 minutos y los resultados se volvieron controversiales. Algunos investigadores no fueron capaces de reproducir estos descubrimientos posteriormente, pero otros lograron confirmar que escuchar esta sonata producía un ligero incremento en el desempeño espacio-temporal.

También se ha confirmado que el escuchar música clásica logra una mejora temporal en la habilidad para manipular formas mentalmente, pero los beneficios son de corta duración y no nos hacen más inteligentes. Cabe mencionar que todos estos estudios sólo se realizaron en personas adultas.

La investigadora Lynn Waterhouse hace un llamado a los educadores y a la población en general, a que tengan cuidado cuando intenten llevar teorías como el efecto Mozart, la inteligencia múltiple o la inteligencia emocional a la práctica educacional y estimulante, principalmente en bebés y niños; ya que desde que se descubrieron se han popularizado mucho, tanto en el ámbito académico- educativo como en el colectivo, debido a su amplia explotación por los medios comerciales.

El psicólogo, escritor y educador musical Don Campbell es uno de los defensores e investigadores que apoyan la teoría del efecto Mozart, por lo cual propone que el niño, desde su etapa fetal, debe ser estimulado musicalmente por su madre, lo cual no garantiza que el niño al nacer posea un IQ igual o parecido al de Stephen Hawking.

A lo largo de los años, diversos especialistas en medicina, psicología y neurociencias, han realizado una serie de estudios que han comprobado que los beneficios positivos de escuchar música sobre las habilidades cognitivas son más evidentes cuando la música es disfrutada por el escucha. De éstos, otros estudios también apoyan la idea de que el efecto Mozart se debe más al estado de ánimo de la persona que a una composición específica. 

En 2006 se hizo un estudio en Gran Bretaña que involucró a 8,000 niños. Todos escucharon 10 minutos del quinteto de cuerdas de Mozart en Re Mayor y una secuencia de tres canciones pop: “Country House” de Blur, “Return of the Mack,” de Mark Morrison y “Stepping Stone” de PJ and Duncan’s. Una vez más, la música mejoró la habilidad para predecir "figuras de origami", pero esta vez no fue el efecto Mozart, sino el efecto Blur. Los niños que escucharon a Mozart lo hicieron bien, pero con la música pop lo hicieron aún mejor.

A pesar de lo anterior, sí existe una manera en que la música puede hacer la diferencia en tu IQ. Desafortunadamente, ésta requiere de un poco más de esfuerzo que sólo poner el iPod o un CD. Aprender a tocar un instrumento puede brindar un efecto altamente beneficioso a nuestro cerebro. Jessica Grahn, una investigadora de la Western University en London, Ontario dice que tomar lecciones de piano durante un año, combinadas junto con la práctica regular pueden incrementar el IQ hasta 3 puntos.

Así que escuchar a Mozart no le hará ningún daño a nuestros hijos, sobrinos, primos, tíos, abuelos, etcétera, y podría ser el inicio de una larga vida de enamoramiento con las composiciones de Schubert, Bach o el mismo Mozart. Pero a menos que tú y tu familia quieran realizar un origami de manera urgente, las posibilidades son que ninguna sonata te hará mejor de ninguna forma o manera posible.

REFERENCIAS:

-  WATERHOUSE, L. Multiple Intelligences, the Mozart Effect and Emotional Intelligence: A Critical Review. Educational Psychologist 41(4):207-225. Junio, 2006.

- Rauscher, Frances H.The Mozart Effect: Music Listening is Not Music Instruction. Educational Psychologist 41(4):233-238, 2006.

-  http://es.wikipedia.org/wiki/Efecto_Mozart

-  Hammond, Claudia. "Does listening to Mozart really boost your brainpower? [en línea]. Enero, 2013 [08 de enero de 2013]. Disponible en la web:

http://www.bbc.com/future/story/20130107-can-mozart-boost-brainpower

Por: Eliud Rodríguez Becerril. 

Academia de Música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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Chucho Valdés: el grande del jazz afrocubano

Dionisio Jesús "Chucho" Valdés Rodríguez nació en una familia de músicos en Quivicán, provincia Habana, Cuba, el 9 de octubre de 1941. Sus primeros maestros fueron su padre, el pianista, compositor y director de orquesta Ramón “Bebo” Valdés y su madre, Pilar Rodríguez, quien cantaba y tocaba el piano.

A los tres años, Chucho ya tocaba en el piano, de oído, con las dos manos y en cualquier tonalidad, las melodías que escuchaba en la radio. Hay una famosa anécdota que cuenta como “Bebo” le hizo una broma a su gran amigo, el célebre bajista y compositor Israel López “Cachao”, pidiéndole que escuchara, sin mirarlo y de espaldas, a “un joven pianista norteamericano”: era Chucho y tenía entonces cuatro años.

A los cinco, Chucho comenzó a recibir clases de piano, teoría y solfeo con el maestro Oscar Muñoz Bouffartique, estudios que culminaron en el Conservatorio Municipal de Música de La Habana a la edad de catorce años. 

Influenciado por músicos como Duke Ellington, Count Basie, Glenn Miller, Nat “King” Cole, Erroll Garner y Sarah Vaughan, a los quince años Chucho formó su primer trío de jazz y en 1959, e hizo su debut con la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre, y con ella acompañó a muchos cantantes importantes de la época, tales como Rolando Laserie, Fernando Álvarez y Pío Leyva.

La vida familiar y profesional de Chucho tomó un giro dramático en 1960 cuando su padre se fue a trabajar a México y de allí a Europa, eventualmente radicando en Suecia. “Bebo” Valdés nunca regresó a Cuba, por lo que padre e hijo volvieron a verse 18 años después en el Carnegie Hall, donde Chucho debutaba con su grupo Irakere. Su extraordinaria historia de reencuentro culminó, musicalmente, en Juntos Para Siempre, una grabación en 2007 que ganó un Grammy y un Latin Grammy. 

En 1970 realizó su primera gira internacional, cuando participó con un quinteto integrado por Enrique Plá, Paquito D’Rivera, Orlando “Cachaíto” López y Oscar Valdés, en el Festival de Jazz Jamboree, Polonia, donde obtuvo un rotundo triunfo con “Misa Negra”, que interpretaron antes de la actuación del cuarteto del pianista norteamericano Dave Brubeck y el saxofonista Gerry Mulligan. En este festival, según la crítica, Chucho ocupó el quinto lugar entre los grandes pianistas de jazz del mundo, los anteriores eran Oscar Peterson, Herbie Hancock, Chick Corea y McCoy Tyner.

En 1973 forma el combo Irakere, una pequeña big band que ofrece una explosiva mezcla de jazz, rock, música clásica y una amplia gama de música tradicional cubana, incluyendo instrumentos y ritmos de la música ritual religiosa afrocubana. 

El grupo tuvo su primer gran impacto internacional en 1976 en Finlandia y, al año siguiente, fue descubierto por el gran Dizzy Gillespie en una visita a La Habana en un crucero de jazz del cual también eran parte el pianista Earl “Fatha” Hines y el saxofonista Stan Getz. En este mismo año lanzó en los Estados Unidos el primer disco del grupo, titulado simplemente Irakere (CBS), ganando un Grammy como Mejor Álbum de Música Latina en 1979.

Hasta la fecha, Chucho Valdés ha ganado cinco premios Grammy y tres Latin Grammy. Su grabación más reciente, “Border-Free”, muestra a Chucho en su plenitud como pianista, compositor y líder: al frente de los Afro-Cuban Messengers, un espectacular quinteto de jóvenes músicos cubanos, Chucho invita al oyente a una búsqueda musical que trasciende estilos y tradiciones.

“Ya sea como compositor o como ejecutante al piano, Valdés es uno de los grandes pilares en la historia del jazz contemporáneo”. The Houston Chronicle.

Referencia de la información:

http://www.valdeschucho.com/esp.html 

Por: Joyce Tafoya

Profesora

Academia de Música Fermatta, Campus Roma-Condesa

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El maestro siempre es estudiante

El buen músico siempre será un estudiante. Como sucede en muchas otras profesiones, el estudio jamás termina en la vida del artista. La tecnología y sus avances nos mantienen en constante búsqueda y, sobre todo, con humildad para reconocer que nunca se termina de aprender.

Para ganarnos el título de estudiantes, debemos hacer efectiva la acción de la que deriva la palabra: debemos estudiar. La pregunta en este sentido, entonces es: ¿cómo debo estudiar? o para ser más específicos, ¿cómo logro mejorar y tener buenos resultados con el estudio? He aquí unas cuantas recomendaciones que nos pueden ayudar a estudiar y tener resultados favorables, a pesar de tantas distracciones que se nos presentan día con día y nos alejan del objetivo deseado.

Sé honesto contigo mismo 

En este punto debes decidir cuánto tiempo estás dispuesto a invertir de tu vida diaria para dedicarle a tu estudio real. Determina horas de estudio y llévalas a la práctica. 

Ten orden

Realiza un horario que describa actividades desde que te levantas de la cama hasta que regresas a ella. Sé equilibrado, tiempo debe haber para todo, distribúyelo equitativamente.

Descansa lo suficiente

Es importante que tu cerebro esté despejado. Si estudias cansado física y mentalmente, no adquirirás nada de conocimiento. No excedas los tiempos de estudio, es importante que determines tiempos de 15 a 30 minutos iniciales,  e incrementa de 5 a 10 minutos después de 21 días. Recuerda sabias frases como “con calma, que llevo prisa”.

Dedica sectores específicos de estudio

Como dice el refrán: “el que mucho abarca, poco aprieta”. 

Sé paciente

La paciencia es una virtud que se adquiere, ponla en práctica y disfruta cada respiro de tu tiempo, la velocidad de lo que estudias llegará por añadidura.

Actitud frente al estudio

No olvides mantener una actitud positiva ante tu nueva filosofía de trabajo personal, existen diferentes métodos que te pueden ayudar a avanzar y mejorar tu sonido, lectura y hasta la interpretación de tu música.

Por: Víctor Rimak Falcón Huitrón

Profesor

Academia de Música Fermatta - Campus GDL “La Estampida

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Consolas digitales: ¡eficientes y prácticas!

¿Qué tipo de audio es mejor: análogo o digital?

Las ventajas del audio digital son muchas, independientemente de la discutible superioridad en cuanto a calidad de cualquiera de las dos variantes. 

Una de las ventajas más importantes es, sin duda, la manera práctica y fácil con la que podemos almacenar, tanto de equipo como de formatos de audio.

Estas ventajas son, indudablemente, un gran avance dentro del estudio de grabación, pues ahora es mucho más fácil editar audio y hacer cualquier clase de procesamiento; además de la posibilidad de contar con procesadores externos físicos (equipo análogo), tenemos también una gran variedad de procesadores digitales, que se encuentran de manera virtual dentro de la computadora.

En el mundo del audio en vivo, las consolas digitales se han popularizado a paso constante, y poco a poco han ido sustituyendo a las consolas análogas. Las ventajas de las primeras son que podemos contar con un gran número de canales en una superficie de control notablemente mas pequeña, reduciendo así los costos de viaje cuando se va de gira, por poner un ejemplo. Asimismo, suelen contar con una gran variedad de efectos integrados, de tal suerte que ya no es necesario viajar con un gran rack de efectos para el show: ya todo está dentro de la consola.

Actualmente, existen algunas consolas digitales que tienen varias computadoras involucradas en el procesamiento; una para el snake digital, una para el CPU de la consola, otra para la pantalla táctil e incluso, esto ha abierto una gran cantidad de posibilidades, ya que ahora es posible realizar toda la mezcla de audio para un show usando sólo el procesador que se encarga de administrar señales (puesto que la superficie de control es sólo el equivalente al mouse y teclado de una computadora convencional), y hacer todo desde un iPad o una laptop. Incluso, es posible mandar la señal desde la consola digital hacia el iPad del músico y convertirlo en un sistema de monitoreo personal, permitiéndole ajustar sus propios niveles para que él mismo realice su mezcla personal.

Definitivamente, el audio digital nos ha traído un sinfín  de posibilidades para trabajar cada vez con menos y hacer más simple y eficiente la vida del músico y del ingeniero.

Por: Mauricio Altamirano

Profesor

Academia de Música Fermatta - Campus Roma-Condesa

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Cuando el DJ comenzó su trascendencia

Tuvieron que ocurrir tres situaciones para que los DJ’s iniciaran el que sería un largo pero fructífero camino hacia su popularidad mundial:

La primera comenzó en 1975, cuando los DJ’s más visionarios despertaron de su letargo nocturno y comenzaron a trabajar ellos mismos en los estudios de grabación (inicialmente con la música disco). Esta experiencia hizo que los mejores se convirtieran en productores, ingenieros de sonido y compositores; dicho en otras palabras: los DJ’s se volvieron másprofesionales.

La creatividad de los DJ’s fue desarrollándose con las nuevas tecnologías que aparecían, y empezaron a experimentar con las máquinasderitmo, el sintetizador Roland TB-303, creando así "nuevos temas" de temas viejos, que luego eran puestos a la venta, logrando gran aceptación por parte del público. La publicidad que lograba el DJ-Productor se convirtió en su mejor carta de presentación.

La segunda situación fue cuando, en 1992, el austríaco Peter Rauhofer pisa suelo norteamericano para dedicarse al mundo de la producción y las mezclas. Gracias a su talento, su envidiable lista de contactos y su profesionalismo a la hora de trabajar, hicieron que Rauhofer ganara un Grammy al Mejor Remixer del Año 2000, lo que le abrió las puertas de la fama a la comunidad mundial de músicos electrónicos y DJ’s, que vieron al fin cómo la música electrónica era oficialmente aceptada en el mundo.

La tercera situación es una consecuencia de las dos anteriores: los nuevos DJ’s, comenzaron a ser bien vistos por las grandes discográficas, no sólo por las buenas ventas de sus remixes, sino también porque los DJ’s defendían el vinilo de una muerte segura (el CD amenazaba con desplazarlo). Así surgió una alianza entre ellos: los sellos comenzarían a publicar vinilos promocionales de las nuevas y prometedoras figuras, para que los DJ’s mejor situados se comprometieran a difundirlos.

La música electrónica de baile es hoy un fenómeno mundial y, por qué no decirlo, un gran negocio. Hoy en día, la música electrónica está siendo manejada por los grandes sellos y los DJ’s más influyentes del mundo. En la actualidad, la aparición de los formatos mp3 y mp4, que permiten el intercambio musical gratuito de audio y video por internet, han hecho tambalear a la industria. Lo más seguro es que habrá un cambio profundo en el negocio de la música, pero mientras existan los defensores del vinilo y se mantengan las ventas en un nivel aceptable, los sellos más fuertes podrán subsistir.

Por: Juan Manuel Hernández Sánchez

Profesor

Academia de Música Fermatta Campus GDL San Francisco

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Soundcheck: ¡primero el escenario!

Tato es un ingeniero de sonido que vive en la ciudad, y como todos en la profesión de la música, asiste al soundcheck que se realiza antes de los eventos en los que ha de participar. El soundcheck es la prueba del sistema de audio que le permite tanto a músicos como a técnicos asegurarse de que todo esté listo para llevar a cabo una presentación musical exitosa y de alto nivel. 

Durante mucho tiempo, Tato trabajó su soundcheck de esta manera: después de checar los canales en su mezcladora, sacaba "el mejor sonido posible" de los diversos instrumentos de los músicos para presentarlo en el P. A., es decir, en el sistema principal de altavoces que cubre el campo de escucha del público. Y bien, así llegaba el momento de iniciar el show.

Pero Tato no siempre tenía tiempo suficiente (o a veces se olvidaba) de enviar el monitoreo adecuado a los músicos en el escenario. Entonces, en pleno espectáculo, algunas cosas comenzaban a salir mal: los músicos no lograban escucharse ni a sí mismos ni entre ellos. Dejaban de tocar para hacerle a Tato cualquier gesto o seña pero él (a media luz) no alcanzaba a distinguir lo que querían decirle. Cuando por fin lograba descifrarlo, les enviaba la respectiva señal a monitores de piso, pero casi siempre con un volumen excesivo; entonces había feedback por todos lados y Tato, "detrás" de la masa de sonido producida por el P. A. y el público, no lograba atinar qué micrófono estaba retroalimentando ni tampoco regular la amplitud de señal que enviaba a monitores. En muchas ocasiones, en lugares medianos o chicos, el nuevo sonido proveniente del monitoreo en escenario terminaba por afectar la mezcla del P. A. que tanto se había esmerado por cuidar durante el soundcheck. Tampoco existía la posibilidad de lograr comunicación con los músicos en ese momento. Los integrantes de la banda no se sentían cómodos y no lograban dar su mejor interpretación, cambiaban el volumen de los amplificadores (y por tanto el nivel que recibía la mezcladora), se distraían, se molestaban. El público también notaba que algo andaba mal y no volvían a recomendar al artista. Fin de la función.

Hasta que un día, Tato decidió cambiar esta situación. Comprendió que, a su manera de ver, la mejor forma de aprovechar el tiempo del soundcheck es logrando un excelente desempeño del audio en el escenario, controlando tanto el nivel de los amplificadores de los músicos como el del monitoreo de piso que enviaba desde la mezcladora.

Ahora, después de checar que las líneas de los instrumentos se reciban adecuadamente en la mezcladora, su primera preocupación es tener un adecuado balance de tono en los monitores de piso. Envía la señal de algún micrófono para "provocar" que el monitor produzca feedback, con mucha precaución, y utiliza un ecualizador gráfico o de 31 bandas para eliminar las frecuencias problemáticas. Hecho esto, se cerciora de comunicarle a los músicos su interés en proporcionarles una señal de monitoreo limpia y lo más cómoda posible, en cuestión de volumen y mezcla. Se acerca con ellos para encontrar el mejor balance entre el nivel del amplificador de instrumento y el nivel de monitoreo que reciben en piso. Conecta un micrófono de talkback para mantenerse en contacto con ellos desde la mezcladora. Utiliza buena parte del tiempo del soundcheck en pasearse por arriba del escenario mientras los músicos tocan las piezas musicales que presentarán, poniendo mucha atención y asegurándose de que, allí arriba, tengan la mejor calidad posible del sonido en mezcla, volumen y fidelidad. Y sólo cuando ha cumplido eso, regresa a su mezcladora para abrir los canales hacia el P. A. y fabricar una mezcla para el público. 

Yo no podría decir si es mera coincidencia pero, desde entonces, los eventos de Tato suenan mucho mejor, los músicos logran dar su mejor interpretación (siempre con una sonrisa en el rostro) y eso es algo que ellos mismos, así como el público, notan y agradecen.

Por: Aldo Téllez

Profesor

Academia de Música Fermatta - Campus Guadalajara San Francisco

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¿Estudiar en intervalos de 15 minutos? ¡Es posible!

Actualmente, la industria de la música va a pasos agigantados y no sólo ella, sino todo el mundo, por lo que el ritmo de vida nos exige estar a la vanguardia en todos los aspectos y tener un control absoluto de todas nuestras actividades.

¿Cuántas veces nos pasamos (después de un buen período de tiempo) todo un día arreglando nuestra casa, nuestro lugar de trabajo o, simplemente, haciendo labores de limpieza en nuestro escritorio?

Y no se diga cuando estudiamos, sea lo que sea, tratamos de abarcar en una tarde el trabajo de todo un mes o más. Esto como instrumentistas, teóricos, ingenieros, doctores, etcétera, puede llegar a ser muy molesto por toda la carga de trabajo que hay que hacer, y también frustrante, ya que pensamos: “¿cómo es que no lo puedo hacer?”.

Es claro por qué no puedes realizar una cosa: si no has llevado un trabajo constante, es como si de repente quisieras ejecutar una pieza de Rachmaninov al piano y todas tus tardes las ocupas navegando en internet, en fiestas o en el cine, o cualquier otra actividad con la cual justificar que no alcanzaste el objetivo.

En mi vida como profesional de la música, empresario, profesor y padre de familia, sólo por mencionar algunas actividades, he tenido que organizar mi tiempo de manera muy estricta.

Existe una rama de la medicina que se llama programación neurolingüística e investigando más acerca de esto, encontré un dato muy curioso que me llevó a desarrollar   mi organización personal: el cerebro humano, en condiciones normales sólo es capaz de poner total atención en un espacio de 15 minutos como máximo, esto en personas que no están acostumbradas a estudiar comúnmente.

En el lapso de estos 15 minutos se puede aprender algún tema sin perder detalle; después de ese tiempo, la mente empieza a divagar y la persona comienza a recordar cosas que tiene que hacer, a quién no le ha llamado por teléfono, qué cosa necesita para la siguiente clase, etcétera.

Desde que nació mi primer hijo en 2008, comencé a dividir mi tiempo de estudio, que obviamente se volvió más corto, y tuve mejores resultados.

La división fue la siguiente:

Mi instrumento principal es la guitarra, a diario mi práctica personal era de cinco horas, sobre varias materias. 

Mi tiempo se recortó hasta quedar en una hora con 30 minutos:

15 minutos de escalas

15 minutos de arpegios de séptima

15 minutos de lectura

15 minutos de pieza repertorio

15 minutos de transcripción

15 minutos de piano

15 minutos de composición

15 minutos de armonía

15 minutos de arreglo

15 minutos de bajo

15 minutos de solfeo

Etcétera...

Cada día combinaba seis de estas actividades, y mi avance fue superior al que tenía cuando había más tiempo. Esta organización la llevé a otros aspectos laborales de mi vida y funciona.

Para llevarlo a cabo hay que tener constancia y un temporizador o reloj con alarma a la mano, ya que se deben cumplir exactamente los 15 minutos: no más, no menos.

Por: Jorge Alberto Arellano

Decano de Revisión Académica

Academia de Música Fermatta - Campus D. F. Pedregal

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¡Los niños y la música!

En mi experiencia como docente de diversas materias de carácter musical, he tenido la oportunidad de enseñar a niños, jóvenes y adultos de diferentes edades y enfoques. Generalmente los más pequeños tienden a ser como "esponjas": absorben el conocimiento con mayor facilidad que aquellos de edad más avanzada.

Cuando preguntamos sobre el repertorio musical que un niño posee, nos encontramos con diferentes respuestas, entre ellas, lo que su familia escucha, lo que ve en la televisión, lo que escucha de fuentes externas, en la calle, en la radio; pero no tiene un amplio criterio para definir sus gustos aún.

Lo más conveniente es acercarlo a formas musicales con progresiones armónicas sencillas y melodías que puedan recordar fácilmente, de esta manera se desarrollará el sentido musical y la memoria, y reconocerá fácilmente qué notas conforman la escala y la tonalidad.

Por: Carlos Alberto Luna Chaires

Profesor

Academia de Música Fermatta - Campus Guadalajara San Francisco

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¿Ya conoces el amplificador Champion 100 de Fender?

A primera vista, este amplificador de guitarra es muy similar a la gama que venía  desarrollando Fender con sus modelos pasados como el Frontman 212R. Sin embargo, este amplificador presenta nuevos parámetros en su sonido, tales como un selector de efectos y un selector para simuladores de gabinete. No es un amplificador de bulbos, así que por lo que respecta a su cuidado, es por demás simple.

Sonido:

Este amplificador sorprende a más de uno. Podrás sacar ese sonido fat y cálido de un amplificador de bulbos. Sus efectos no son de alta calidad, ya que claramente se logra percibir ese factor sintético o artificial, que tanto afecta al sonido vintage deseado por guitarristas. Sin embargo funciona muy bien al usar pedales de efecto independientes.

El físico:

Ya es tradición de Fender el hecho de que sus amplificadores sean grandes y pesados, pero éste, tal vez por ser comercial, no es ni muy grande ni muy pesado. Posee el tamaño de un Fender Twin o de un Frontman 212R, sin embargo el peso es bastante diferente con respecto alprimero sobre todo por los bulbos y el sistema que maneja el Twin. Cabe mencionar que está dotado de dos bocinas de 12”, factor que ayuda al resultado final.

Conclusiones:

El Champion 100 es un amplificador versátil y muy cómodo para eventos pequeños, medianos o para estudio. Es fácil de operar y de lograr un buen sonido con él. Es el amplificador ideal si deseas un aparato simple, práctico y, sobre todo, si hay que transportarlo continuamente. Se podría decir que es una buena alternativa si deseas tener más de un amplificador. 

Por: Jaime Alejandro Granados Rodríguez

Profesor 

Academia de Música Fermatta - Campus Roma-Condesa