BLOG PERSONAL

MI BLOG PERSONAL de la REVISTA DE MÚSICA

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En el día de su partida, recordando la música de JIM CAPALDI.

Hay un largo camino desde la unión en el campo con Traffic hasta el Capaldi con aspecto de Rocky y cubierto de una toalla blanca en la portada, y los suaves sonidos funk y disco en el interior. Jim Capaldi nació como Nicola James Capaldi en Evesham, Worcestershire, Inglaterra. Cofundó la banda de rock progresivo Traffic en 1967 con Steve Winwood y ambos coescribieron la mayor parte del material de la banda. Capaldi escribió la letra del primer simple de Traffic, "Paper Sun", que apareció en la lista de simples del Reino Unido en el N° 5 en el verano de 1967. Este fue el comienzo de una colaboración de composición entre él y Winwood que produciría la abrumadora mayoría de las canciones de Traffic: con la excepción de "No Face, No Name, No Number", Capaldi escribía primero una letra y luego se la entregaba a Winwood para que escribiera la música. A pesar de su papel clave en la escritura del material de la banda, Capaldi rara vez cantó la voz principal con Traffic, y sus letras casi siempre estaban orientadas a la voz conmovedora de Winwood en lugar de su propio estilo vocal más duro. Sacó muchos discos como solista también entre 1972 y 2004. En 1978 saca este disco que les presento hoy llamado: "The Contender", un disco que no conformó a nadie, con el éxito inicial de su carrera en solitario en juego, mantenerse a flote en un mercado dominado por los Bee Gees debió parecer de sentido común. Sin embargo, la canción principal es el único punto culminante. Escrita por Capaldi para un documental de boxeo, su letra también refleja el duro trabajo de una carrera en el rock, al igual que la presencia, para entonces póstuma, de Paul Kossoff de Free en la guitarra principal. The Contender, de 1978, surgió gracias a su nuevo contrato con Polydor/RSO: A pesar de los efectos de flanger de los 70, Capaldi terminó produciendo un álbum que lanza ocasionales miradas furtivas a la pista de baile. Más tarde se arrepintió de ello, pero no es un asunto del todo desafortunado: Daughter Of The Night y Stay With You (sí, la de Gallagher & Lyle) son elegantes, ágiles y perfectamente amables, mientras que una fascinante reinvención esquizoide de Sealed With A Kiss de Brian Hyland combina su BPM con un arreglo de cuerdas que inspira inquietud. Oh, y You Burn Me incluye unas refrescantes steel pans tocadas por Ralf Richardson: lamentablemente no, como imaginamos al principio, Sir Ralph Richardson. Eso habría sido increíble. Con los años igual uno se encariña con los discos y me hoy yo me encariñe con este. Jim Capaldi murió el 28 de Enero de 2005 a los 60 años en Westminster, Londres, Inglaterra. Redescubrilo!.

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En el cumple de MARTHA DAVIS desempolvé su gran disco solista "Policy" de 1987.

Bueno hoy es su cumple. Me acuerdo que conocí a The Motels en un programa de cable que se llamaba VH1 Bands Reunited y quedé encantado. Días después me había hecho de un par de copias de varios L.Ps de la banda. Tanto me gustaron que empecé a investigar mas y me entero que Martha Davis tenia disco solista. Allí fuí, en su búsqueda. Y aca está, impecable hace años entre mis discos. Pucha, de repente… Martha tiene más de 70 años. Originaria de Berkeley, California, ha liderado The Motels desde su creación en 1971, tras un paréntesis a mediados de los 70, la banda se reformó en Los Ángeles y fue entonces cuando empezó a cambiar el rumbo. Lanzaron su álbum debut en 1979 y el simple "Total Control" fue un éxito en Europa y tuvo una gran éxito en Australia. La banda disfrutó de un gran éxito a principios de los 80, con varios simples en el Top 10. The Motels siguen grabando y actuando, a menudo como parte de paquetes retro de los 80 en el circuito de festivales. Ahora con respecto a la cumpleañera, les cuento que en Noviembre de 1987 saca "Policy", el primer álbum solista, rodeada de animales de la música como: Richie Zito: (Joe Cocker, Poison, Mr. Big, Art Garfunkel, Elton John , Cher), Kenny G, Steve Farris de Mr Mister, Charlie Sexton guitarrista de Bob Dylan, Bruce Gaitsch conocido por su trabajo con Chicago, Peter Cetera, Richard Marx, Madonna y Agnetha Fältskog de ABBA. Bueno en fin… No me gusta criticar mas los discos, solo compartir música, a cada uno le puede parecer algo diferente. Fijate si te copa, a mi me parece una colección de canciones buenísimas. Dale Play!

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Hace 32 años, despedimos al icónico cantautor HARRY NILSSON. A veces conocido como el "Beatle americano".

Lo que busque este disco por dios… lo busque a la par de Pussy Cats, ese otro disco q le produjo Lennon, un disco que sigo buscando, ya que los que encontré estan muy manoseados y deteriodados. Este disco llamado Nilsson Schmilsson es el séptimo álbum de estudio del cantante estadounidense Harry Nilsson, acá en Argentina llamado "Sin Ti". Un puñado de canciones fantásticas que podes poner una y otra vez y que siempre gustan más y más. Por eso en el día de su partida hace 32 años, busqué mi vinilo y lo puse a todo volumen. Harry Nilsson una de las voces más singulares y sensibles de la música norteamericana, a los 52 años, a causa de una insuficiencia cardíaca pasaba a mejor vida. Cantante, compositor y artista inclasificable, Nilsson dejó una huella profunda con canciones que trascendieron generaciones, como las dos canciones ganadoras del premios Grammy: "Everybody’s Talkin" (1968) y “Without You” (1971), su inolvidable versión del tema de Badfinger, considerada por muchos la interpretación definitiva e incluída en este long play. Admirado por artistas como The Beatles e incluso veces llamado el "Beatle americano" debido a su estrecha amistad con el grupo inglés, Harry Nilsson fue un creador libre, alejado de los escenarios pero cercano al alma, cuya música sigue hablando por él. Su música aún transmite una honestidad y una emoción que nunca pasan de moda. Así que hoy recordamos la vida y obra de Harry Nilsson, quien demostró que el verdadero talento no necesariamente requiere giras y conciertos para crear un legado. Eterno en sus canciones.

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En el día de su cumple escuchando a GEORGE DUKE al palo.

Este post me viene justo, porque hoy escuché este increíble disco, al que vuelvo cada tanto y además porque hoy sería el cumpleaños del pianista George Duke. Ante todo les cuento un toque quien era Duke para aquel que no sepa quién fué: nació en San Rafael, Estado de California y reconocido como una figura influyente del jazz contemporáneo, el jazz-fusión y el funk. Su cercanía con el jazz tuvo lugar desde su niñez, especialmente por la influencia que tuvo Duke Ellington sobre él, tomando lecciones de piano y, más tarde, estudiando composición y trombón. Si bien fue miembro de varias bandas desde su época de adolescente, comenzó a tener mayor reconocimiento cuando ingresó a The Mothers of Invention, con Frank Zappa. Consolidado tanto en su faceta de colaborador como de productor, trabajó con grandes músicos, como Jean-Luc Ponty, Billy Cobham, Stanley Clarke, Daryl Stuermer y Alphonso Johnson, entre otros. En paralelo, comenzó su carrera como solista editando “Jazz Workshop”, en 1966, con su banda George Duke Quintet. Dicha carrera la mantuvo hasta 2013, mismo año de su fallecimiento, cuando lanzó su álbum “Dreamweaver”. Con Stanley Clarke formó un exitoso dúo funky llamado, The Clarke/Duke Project, y se dedicó a producir a gente como Miles Davis y otras figuras. Este disco de The Clarke/Duke Project me acompaño casi todo el invierno 2024, un invierno bastante choto para mi, pero la música siempre ahí al pie del cañón, haciendo lo que mejor sabe hacer: sanar!. Este fue el primer álbum colaborativo de los músicos de jazz y publicado en 1981 por Epic Records. El proyecto Clarke/Duke alcanzó el puesto N° 33 en el Billboard 200 y el N° 7 en la lista de los mejores álbumes de R&B/Hip-Hop. El simple principal del álbum, "Sweet Baby", llegó el puesto N° 19 en el Hot 100, pero en sí el disco entero, obviamente, no tiene desperdicio. Se escucha a todo volumen!

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Un día como hoy de 1950 nacía DAVID JOHANSEN.

Este disco se lo compré a mi amigo Lee Urso en 2023. Apareció entre tantos disco increibles que vende. No lo pude dejar ahí, asique como es mi costumbre se lo compré. Es raro ver estos discos asi porque si…Y como hoy es el cumple de David Johansen lo busqué y acá estoy escuchándolo a todo volumen. Originalmente inspirado por Mick Jagger y Rob Tyner de MC5, Johansen comenzó su carrera en la segunda mitad de la década de los sesenta como cantante en una banda llamada Vagabond Missionaries; posteriormente al inicio de los setenta como cantante de la banda punk New York Dolls. Con New York Dolls solo grabó dos álbumes, New York Dolls en 1973 y Too Much Too Soon en 1974. Ambos materiales sin mucho éxito comercial y duramente criticados, fueron escritos por Johansen y el guitarrista Johnny Thunders. Sweet Revenge el álbum que les presento hoy de David Johansen, fué lanzado en 1984. Es el único álbum de Johansen lanzado en Passport Records. Fue su primer disco sin ninguna participación de ningún otro ex miembro de los New York Dolls . Alrededor de la época de Sweet Revenge, Johansen adoptó su alter ego, Buster Poindexter. Durante los siguientes 15 años, Buster Poindexter permanecería a la vanguardia de la carrera musical de Johansen. El Washington Post lo calificó como el mejor álbum en solitario de Johansen, escribiendo que «combinaba la valentía de los Dolls con la sensibilidad de la época de la Depresión de muchos de los favoritos de Poindexter» En este disco se rodeo de gente como: Patti Scialfa esposa de Bruce Springsteen, Neil Jason (John Lennon, Billy Joel, Roxy Music, Mick Jagger, Pete Townshend, Paul McCartney, Paul Simon, Kiss, Michael Jackson, Hall & Oates, Cyndi Lauper, Joe Jackson, Charlie Watts, Dire Straits, Bryan Ferry, Diana Ross, John McLaughlin, Gladys Knight, Debbie Harry, Carly Simon, Eddie Van Halen, Mike Oldfield y el tenor Luciano Pavarotti), Jimmy Rip (Jerry Lee Lewis, Mick Jagger, Debbie Harry, Tom Verlaine y Television). Es un disco para escuchar sin vueltas. Ponerlo y dejarlo sonar. Te sorprende el synth pop, aunque tiene sus picos más elevados, como el tema que le da nombre al disco. David murió a los 75 años el 28 de Febrero de 2025. Pero hoy en el cumple de David Johansen y lo celebro!.

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Se llama MICHEAL, no MICHAEL eh!

Hace unos años me topé con este disco en una disquería de Quilmes. Me pregunté, quién era este tipo y el disquero tampoco supo explicarme, asique la curiosidad mató al gato… Me lo compré, y me lo compré porque la tapa me sugería una mirada y un primer plano muy fuertes. Lo que sí, ojo! de llama MICHEAL, no MICHAEL. Me hacía ruido en los ojos al leerlo.

Hoy lo volví a encontrar entre mis vinilos y lo escuché, y me doy cuenta que salió un mes de Enero, asique me vino al pelo para la revista. Hay poca data, asique esto es lo que encontré acerca de él. Aunque les soy sincero, no sabía que muchas de las grandes figuras lo aclamaban, asique estamos frente una auténtico artista.

Nacido el 17 de Diciembre de 1947. Cantante, compositor y productor estadounidense, que también tocaba teclados y percusión. Originario de Oklahoma, vivió muchos años en Nashville. Multiinstrumentista y cantautor nacido como Micheal Wayne Smotherman en Erick, Oklahoma, fue miembro de Buckwheat de 1969 a 1974. En 1974, cantó coros y tocó teclados en Bluejeans & Moonbeams de Captain Beefheart. También colaboró ​​durante varios años con Roger Miller. En las décadas de 1970 y 1980, formó parte integral de la banda de Glen Campbell. Escribió "For Cryin' Out Loud" y coescribió "(I'm Getting) Used to the Crying" (con Roger Miller) y tocó el teclado en Southern Nights de 1977. En Basic de 1978, escribió o coescribió todos los temas, además de contribuir con los coros y tocar el teclado. Estuvo un poco menos ocupado en Highwayman de 1979, donde compuso siete canciones y coordinó los coros. Para Something 'bout You Baby I Like de 1980, compuso "Show Me You Love Me", un dueto con Glen Campbell y Rita Coolidge. Escribió "I Don't Want To Know Your Name" y "Nothing Quite Like Love" y tocó el piano con Wurlitzer en It's the World Gone Crazy en 1981. En 1982, lanzó un álbum homónimo y un álbum doble titulado Interchords, y fue telonero de Kasim Sulton (con el baterista de Robert Palmer, Dony Wynn) en The Bottom Line. En "Micheal Smotherman", se le atribuyeron los teclados y la percusión, incluyendo campanas, botellas y carretillas. Coescribió la canción principal del álbum de Ray Charles de 1984, "Do I Ever Cross Your Mind". Ray la grabó de nuevo en su último álbum con Bonnie Raitt. En 1998, Micheal tocó el órgano B-3 en "Car Wheels on a Gravel Road" de Lucinda Williams. En 2001, presentó otro álbum en solitario, "Conjure Man". Sus composiciones han sido interpretadas por una amplia variedad de artistas y grupos, incluidos The Allman Brothers, Brooks & Dunn, Cher, Tom Jones, Roger Miller, Willie Nelson, The Pointer Sisters, Kenny Rogers, Shenandoah, Luther Vandross y Hank Williams, Jr. Más de diez de sus canciones han encabezado la lista de éxitos country de Billboard. Falleció en Oklahoma City, Oklahoma, en Noviembre de 2019 a la edad de 71 años... Un capo! Increíble disco!

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Bellos recuerdos de una gira inolvidable con la música de GERRY RAFFERTY y su discaso City To CIty.

El 4 de Enero fue la fecha de muerte de Gerry Rafferty y lo iba a postear en las efemérides de la revista, pero preferí hacerlo en mi blog personal porque tengo una historia con este músico. Allá por el año 2013 con Los Jamiltons nos fuimos de gira a Bariloche con una formación armada casi rápida para emprender la osadía. Para esa época en nuestro repertorio estaba Stuck In The Middle With You de Stealers Wheels, la banda en la que cantaba y era fundador Gerry Rafferty y tema que formó parte de la banda sonora de la película de Quentin Tarantino, Reservoir Dogs. A la gente le gustaba mucho cuando la tocábamos, asique estuvo mucho tiempo en la lista que solíamos tocar. Recuerdo también que dos de los discos que nos acompañaron esa la gira fueron Nunsuch de XTC y City To City de Gerry Rafferty, ese gran disco que tiene Baker Street y Right Down The Line. Mi preferida igual era "Stealin' Time", Que temon!. City To City es el segundo álbum de estudio que sacó el músico en 1978. "Baker Street" es su gran hit y su inolvidable riff de saxo es performado e inmortalizado por Raphael Ravenscroft. Lo gasté, lo tengo en vinilo, asique lo he disfrutado hasta gastarlo, si bien aún está entero. Hace poco conseguí también en vinilo su tercer disco Night Owl de 1979 que si bien no tuvo el mismo éxito que su predecesor, a pesar de seguir la misma línea, logró suficientes ventas para alcanzar el platino en Canadá, el oro en el Reino Unido y el oro en Estados Unidos. Nada mal. Asique si no lo conocés a este escocés acá te dejo para que lo escuches. Es un clásico. Yo le tengo un enorme cariño. Me trae hermosos recuerdos.

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NOCHE DE VINILOS: GATO BARBIERI - Tropico (1978).

Esta noche elegí para escuchar completo a todo volumen "Tropico" de nuestro gran saxofonista Gato Barbieri. Un álbum de gran alcance de finales de los 70: un disco que combina jazz funk fusión, ritmos exuberantes, ritmos latinos y solos fluidos en una variada selección de temas. Tropico (1978), el tercero de los cinco álbumes que A&M hizo con Gato Barbieri (el saxofonista es mejor conocido por ser el segundo artista de exportación más famoso de Argentina después de Lalo Schifrin, en cuya orquesta Barbieri tocó durante la década de 1950, y como compositor de la conmovedora banda sonora de la película de Marlon Brando de 1972, El último tango en París). Sus álbumes de A&M son algunos de los más disfrutables de Barbieri, y Tropico es probablemente el mejor de todos. Producido por David Rubinson, quien en aquel entonces (1971-82) se encargaba de todo con Herbie Hancock, es lo más cercano al disco puro que casi cualquier otra cosa en el jazz de la época. Uno de los aspectos más interesantes de la producción es que estos diversos enfoques a menudo se combinan en los mismos temas, con un bajo y una percusión limpios y definidos con fusión, bajo con acentos de cuerdas que se expanden, lo que demuestra que Barbieri no temía mezclar innumerables influencias en aquella época. Los títulos incluyen una versión de "Odara" de Caetano Veloso, además de "Poinciana (Canción del Árbol)", "Latin Lady" (donde Carlos Santana, invitado, intercambia solos con Gato sobre un fondo de jazz funk tropical), "She Is Michelle", "Where Is The Love", "Evil Eyes" y "Bolero" de Ravel. El resultado, Tropico, habla por sí solo. Es un excelente long play de lo que se puede llamar disco jazz y se ubica entre algunas de las mejores músicas de orientación popular de Barbieri, quien ya murió en Abril de 2016 a los 83 años.

Gran disco de jazz-funk, latin-jazz! Les dejo mi preferida del disco!.

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DISCOS ENCONTRADOS: MONGO SANTAMARIA - Up From The Roots (1972)

Me gusta descubrir disco cuando voy a una disquería. Sobre todo en las bateas de ofertas, esas que nadie mira o siguen de largo. A veces te llevas alguna sorpresa si curioseas... Rock casi que no busco, pero si aparece algo me lo traigo. La verdad es que últimamente dejo que el disco me elija a mi. Creo además que así van a empezar diciendo siempre mis posts... Asique revisando me encontré este disco de Mongo Santamaria en estado impecable en las ofertas de una batea en San Telmo hace unos meses atrás y me lo tuve que traer, no lo podía dejar ahí tan enterito como se lo veía. Y me dio la sensación que se quería venir conmigo, porque cuando llegue a casa y lo puse, "se sonó todo". Hoy lo volví a poner y me gusto más todavía, porque lo escuché a todo volumen. Asique decidí hacer este post. Para quién no sepa, Mongo Santamaria fue un percusionista y director de orquesta cubano, una de las principales figuras del jazz latino. Trabajó con Pérez Prado, con Tito Puente, hasta 1958, Willie Bobo y Cal Tjader, en California, donde descubre y adopta la bossa nova, de la mano de Elis Regina nada menos. A partir de 1961, comienza a liderar sus propios grupos, incorporando a músicos como Joao Donato o Chick Corea, consiguiendo incluso éxitos de venta, como "Watermelon Man", versión del tema de Herbie Hancock (disco incorporado a la Grammy Hall of Fame, en 1998). Después tocó con Dizzy Gillespie y Jack McDuff, aunque ya no volvió a liderar bandas propias. La cuestión es que UP FROM THE ROOTS, así se llama el disco, es una maravilla. El álbum, sin duda, nace de las raíces y presenta a Mongo en una exploración, con mucha percusión, de antiguos ritmos afrocubanos, interpretados aquí con un estilo muy tradicional, con un sonido mucho más folclórico que en cualquier otro de sus trabajos de la época. La mayor parte de la instrumentación del Lado A es de percusión, pero a medida que avanza el disco, la "historia" de la música latina empieza a impregnarse, con excelentes líneas de jazz de músicos como Felix Watkins en la flauta, Carter Jefferson en los saxos tenor y soprano, y Jon Faddis en la trompeta, además de un toque de teclado de Eddie Martínez. Neal Creque, Eddy Martínez y Marty Sheller colaboran en los arreglos a medida que el sonido se va construyendo a lo largo del set, así que al final, el disco es agradable, funky y lleno de soul. Los títulos incluyen "Angelito", "Sofrito", "Lengua bifurcada", "José Outside", "Para Ti" y "Conga, Bata y Chequere".

Pegué tremendo disco!

Les dejo la canción que mas me gusta del álbum.

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P.LION sigue activo con canción nueva llamada TELL ME.

Hoy escuche allá a lo lejos «Happy Children» y me saltó una sonrisa en la cara y en voz bajita me hizo decir: Uh que temaso! y llegue a casa y me pregunté: que fue de P.Lion? Vivirá todavía?... e investigué un poco…

El italiano P. Lion alcanzó fama internacional con sus dos éxitos: «Happy Children» (1983, producido por Davide Zambelli, del grupo Scotch ) y «Dream» (1984). «Dream» fue el tema del programa de radio y televisión francesa «Top 50» entre 1984 y 1993, y «Happy Children» fue remezclado para convertirse en el nuevo tema del Top 50 francés desde el año 2000. El primer álbum de P. Lion, Springtime, fue lanzado en 1984. Contribuyó significativamente a su realización, escribiendo la música y las letras de todas las canciones, trabajando en los arreglos con Zambelli y Walter Verdi, coproduciendo y tocando los teclados. Tras su primer álbum, P. Lion firmó con el sello milanés Discomagic Records , el mayor sello de música dance de Italia en aquel momento. Allí produjo sus propios sencillos, como "Believe Me" y "Under the Moon", con Durium. En 1995, lanzó "A Step in the Right Way " , un álbum con FMA y la editorial Allione. Colaboró ​​como arreglista en algunas producciones de Betty Villani y Tony Sheridan .

Investigando encontré también que sigue activo y que estrenó esta balada canción el 29 de Junio 2025. Se llama: Tell Me.

y todos lo conocemos por este temón! Acá rehecho...

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Cinépolis, el peor lugar para ver The Show Of A Lost World de THE CURE...

Fui a la premier del show de The Cure de The Show Of A Lost World en el Cinepolis de Avellaneda, Bs As, Argentina el Jueves 11 de Diciembre con mis dos Natys amigas, y la verdad es que fue un desastre: sonido malo, volumen bajo, la gente habló todo el tiempo, las luces algunas tenues, una experiencia bastante fea para un show espectacular para ver en cine. No tengo mucho mas palabras para describirlo. Me cagó el post... Una cagada de lugar. Ni un afiche, ni programa de recuerdo, nada de nada… Me quedo con que pude estar presente, pero esperé que fuera un poco mejor. (sic) Les dejo unas fotos que saqué por sacar… como para tener un recuerdo... Y este video de youtube...

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CRONICAS: FACU FIORENTINO Y MIGUEL GARCIA en vivo en ESTUDIO OMNI el pasado Domingo 7 de Diciembre.

El Domingo 7 de Diciembre estuve en la presentación de dos discos de dos amigos en Estudio OMNI de Adrogué. Dos discos con producción exquisita al detalle que deben escuchar.

El primero en abrir la noche fué mi amigo y compañero de banda en Los Jamiltons y Los Varones: Facu Fiorentino que presentó su nuevo E.P llamado "Otros Placeres Nuevos" salido en Noviembre 2025. Estuvo acompañado por Adrián Agüero en bateria y Fepo Forciniti en violín. Pude hacer unos videos. Acá se los dejo:

El que cerró la noche fué mi amigo el Chango, Miguel Garcia, con sus poesía-canción presentando su último disco "Mirasol" salido en Junio pasado, justamente co-producido con Facu Fiorentino. Lo acompañaron: Julio Baca Paunero, Emiliano Pedernera, Sebastián Vazquez y Juan Dziubecki. También pude captar unos videos:

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Histórico show de YELLOWMAN en Vivo en EL TIO BIZARRO de BURZACO!

El Viernes 5 de Diciembre fué la fecha en que King Yellowman tocó por primera vez en Burzaco. Fué en El Tio Bizarro en un día caluroso de 32° insoportable. (Para los que no saben el King lideró la primera generación de deejays de dancehall llevando a este género a un público internacional). Además de ser un ejemplo de resiliencia a sus 67 años, con una historia que deberían buscar y leer.-) Entro al bar las 20:45 hs, saludo a todo el staff y elijo ir al patio donde corría un poco de aire. Llamativo fué ver que había muy poca gente faltando tan poco tiempo para que arranque el show. Tenía fecha de arranque a 21.30 hs puntual. Entre una charla y la otra con la gente que me iba encontrado, me acuerdo que había llevado un vinilo de 7" de Strong Me Strong (un hit del King) para que me firme si es que tenía la suerte. Y escucho que el show arrancaría temprano y puntual porque Yellowman debía tomarse un avión y seguir con su gira. Y como todo para mi es ahora, ya, y antes de que sea demasiado tarde, agarre mi vinilo y me fuí derecho al camarín esperando a que me saquen a patadas. Pero no, golpeé la puerta, pedí permiso y cordialmente uno de sus asistentes me invita a pasar. Le digo que quería que el King me firme el disco y me lo señala. Yellowman estaba en un rincón sentado en una silla, en silencio, él y todos ellos y sentí que interrumpía. Pero no... El King me ve con mi bastón, me lo señala, se para y me da un abrazo. Le muestro el vinilo y le doy una birome que yo tenía para que me firme y su asistente le da un fibrón. Me firma el disco y lo mira con asombro. Se toma su tiempo y lo firma. Un asistente me convida una empanada; obvió, no la acepto, porque no quería interrumpir mucho más, estaban por subir al escenario. Entonces pido una foto y de manera generosa el King me vuelve a abrazar y nos tomamos unas fotos y con su mano me desarma el jopo. Me agradeció él por el cariño y yo por su buena predisposición y salí del camarín. Un capo, humilde, agradecido, un grande!. A los 15 minutos arrancó el show y de manera mágica el Tio estaba lleno para hacerle el aguante a este gran artista llamado YELLOWMAN, que ya con sus años, se nota que la juventud lo domina. Fue magia, hasta se me cayeron unas lágrimas recordando viejos tiempo. Pude registrar uno videos, algunas historias y unas fotos. Se las comparto. Fué tal vez, la noche más emotiva e histórica y más zarpada de El Tio Bizarro. Viva!