Tela Plena

Um blog sobre TV

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Onde estão os programas de entrevistas?

Entrevistadores diante de Michel Temer no programa ‘Roda Viva’ (Divulgação)

Então você lê o título desta coluna e pensa (ou diz em voz alta, ao melhor estilo ficção ruim): “Ora, Jeferson de Sousa, deixe de ser cego – a televisão está cheia de programas de entrevistas”. Ok, por um lado você está certo: a TV tem muitos talk shows, tanto em canais abertos quanto nos pagos. Não quer dizer, contudo, que tenha programa de entrevistas. Explico.

A maioria dos talk shows, tanto os daqui quanto os de fora, são programas de entretenimento. Ou seja, estão muito mais preocupados em divertir o público do que em informa-lo. Explica-se daí por que suas pautas estão repletas de perguntas leves, engraçadinhas e bobinhas. A ideia é que o entrevistado se sinta confortável – nada de colocá-lo contra a parede. Nesse sentido funcionam mais como um veículo de divulgação do que qualquer outra coisa.

O problema é que não são apenas os talk shows que estão nesse mood. Muito se falou esta semana da entrevista concedida por Michel Temer ao programa ‘Roda Viva’. A maioria das críticas era a respeito do modo light como os entrevistadores trataram o entrevistado. E olha que ali estava um time experiente e tarimbado para a tarefa.

Não é preciso ser um desafeto de Temer para achar que a entrevista ficou aquém do esperado. Até mesmo a série de entrevistas feitas pelo ‘Jornal Nacional’ com os presidenciáveis em 2014 bateu mais pesado do que o ‘Roda Viva’. Estamos falando de um programa que era conhecido pelas perguntas desconfortáveis com que brindava seus convidados.

Não é de hoje que o jornalismo da TV entrou nessa onda light (abordamos o assunto na coluna de ontem). Não se vê mais um ‘Canal Livre’ como nos anos 1980, uma Marília Gabriela dos bons tempos, um Jô Soares quando estava em forma ou até mesmo um ‘Roda Viva’ em seu auge. Assim como a ficção, o jornalismo parece também estar entregue ao departamento de marketing das emissoras.

Na época em que trabalhei na revista ‘Playboy’ uma das seções mais complicadas era justamente a de entrevistas. Sim, todo mundo conhece esse chiste do sujeito que dizia comprar a revista para ler a entrevista, mas, de fato, assim como as mulheres de capa, a entrevista era um dos principais atrativos da ‘Playboy’. Ali foram publicadas entrevistas memoráveis com Mohamad Ali, Miles Davis, Ayrton Senna, Pelé, Nelson Rodrigues, entre outros.

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Mas era uma dificuldade convencer uma personalidade a conceder entrevista. Por quê? Porque o potencial entrevistado sabia que ninguém o pouparia de perguntas duras, indiscretas e incômodas. Essa, afinal, é a função do entrevistador: arrancar respostas inusitadas e reveladoras do entrevistado. O mais é apenas conversa entre comadres.

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Agressão a Caco Barcellos mostra um delicado momento do jornalismo na TV

Momento em que Caco Barcellos é agredido no Rio de Janeiro (Reprodução)

A agressão sofrida por Caco Barcellos na quarta-feira, ao cobrir o protesto de servidores no Rio de Janeiro, é totalmente condenável sob qualquer ponto de vista e reflete um momento vulnerável do jornalismo televisivo (talvez de todo o jornalismo, mas aqui tratamos de TV). Reflete um crescente clima de animosidade com a imprensa, essa entidade que vem patinando no limo do descrédito. E nada pode ser mais destruidor para ela, a imprensa, do que a falta de crédito.

Não é de hoje que alguns segmentos demonstram desconforto e hostilidade pelo jornalismo em geral. O principal alvo sempre foi a Rede Globo, acusada há décadas de apoiar os governos de mais diversos perfis e, mais recentemente, de ter ajudado na destituição de Dilma Rousseff. Em passeatas e postagens nas redes sociais há uma clara ressentimento contra a emissora.

Essa aversão tem como palavra de ordem a frase “o povo não é bobo, abaixo a Rede Globo” – frase, aliás, entoada durante a agressão a Caco Barcellos. Os críticos da emissora se queixam de um jornalismo parcial e de que não foram poucas as vezes em que ela mexeu os pauzinhos para ajudar governos. Reclamam especialmente de suposta perseguição ao petismo, cujo episódio mais ilustrativo teria sido o debate presidencial entre Fernando Collor de Mello e Lula em 1989.

Junte-se a isso a polarização política (o tal Fla-Flu ideológico) e a intolerância que tomaram conta da sociedade nos últimos anos e tem-se uma situação explosiva. Mas o ódio à Rede Globo não se circunscreve apenas à empresa – ele se estende aos seus profissionais, que têm sido hostilizados em passeatas e manifestações variadas. Houve um momento de tal insanidade que tanto à direita quanto à esquerda acusavam a Globo de manipulação. A agressão de Caco Barcellos é um reflexo desse ódio.

O problema é que, se tem alguém no atual jornalismo televisivo que merece algum crédito ou respeito, esse alguém é Caco Barcellos. Sua carreira é marcada pelo jornalismo engajado em causas sociais, o que já foi comprovado em seu livro ‘Rota 66’, que relatava os abusos da polícia paulista. Relato, inclusive, que lhe valeu ameaças dos mais variados tipos.

Ele também é responsável por um dos programas jornalísticos mais honestos e interessantes da TV brasileira: o ‘Profissão Repórter’, um dos poucos a fazer denúncias sem cair no sensacionalismo. Quer dizer, Caco merecia um pouco mais de consideração, caso fossem as pessoas mais ponderadas. Mas ponderação é algo que está em falta no mercado há muito tempo.

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É claro que o jornalismo tem dado suas deslizadas. Hoje os programas de entrevistas viraram puro entretenimento e, com raras exceções, o que temos é uma apuração rasa, que, a título de “isenção”, pouco esclarece ao telespectador. Não é motivo, porém, para que descrédito vire hostilidade. Ideal seria cobrar melhor jornalismo das emissoras e não pregar o ódio à imprensa. Porque, minha gente, se está ruim com ela, vocês não fazem ideia do que seria sem. Pergunte a quem vive ou viveu em regimes ditatoriais.

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Com ‘Estocolmo’, os argentinos chegam à Netflix

Luciano Cáceres, Esteban Lamothe e Juana Viale: os protagonistas da série (Divulgação)

Quando o assunto é cinema, Brasil e Argentina protagonizam uma disputa em que o segundo tem se saído melhor há alguns anos. Agora esse embate ganha um novo campo: a Netflix. Enquanto aguardamos a estreia, no próximo dia 25, de ‘3%’, a primeira série brasileira no serviço em streaming, os argentinos já puderam conferir a sua: ‘Estocolmo’.

De cara pode-se atestar uma coisa: os argentinos têm a mesma mania irritante de colocar um desnecessário apêndice em seus títulos. No caso, o título original da série é ‘Estocolmo Identidad Perdida’ – e esse “identidad perdida” é totalmente dispensável. Estocolmo é uma referência à “Síndrome de Estocolmo”, um estágio psicológico no qual um refém acaba se identificando, e até mesmo se apaixonando, pelo seu sequestrador.

E sequestro é um dos elementos da série argentina. Trata-se de um thriller que envolve tráfico de mulheres, assassinatos em série, policiais infiltrados em organizações criminosas, políticos corruptos e uma mídia pouco confiável. Tudo isso costurado por um triângulo amoroso formado por uma jornalista (interpretado por Juana Viale), um promotor (Luciano Cáceres) e um policial (Esteban Lamothe).

Embora desconhecido no Brasil, o elenco é estelar, com atores badalados na Argentina (ao nível dos nossos globais por aqui). ‘Estocolmo’ é um thriller com narrativa paralela no qual os episódios – 13 no total – mostram o presente e os acontecimentos ocorridos três anos antes. Espertamente, os capítulos sempre fecham com uma reviravolta – aquele “gancho” que surpreende o espectador e o faz querer ver o que acontecerá.

Apesar de cativante, a série tem seus defeitos. Começa pela trilha sonora com cara de datada (birra minha, talvez – nem todo mundo liga para trilhas sonoras). Há também essa estética publicitária que permeia as produções modernas – não só na Argentina, mas por aqui também. E, por fim, alguns personagens e situações caricaturais, com políticos afirmando seu caráter corrupto e a imprensa declarando-se manipuladora em personagens clichês com falas idem.

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Não chega, entretanto, a comprometer o resultado final. ‘Estocolmo’ consegue seu objetivo, que é entreter o público e empurra-lo para assistir até o final a primeira temporada. Não é pouco. Esperemos que ‘3%’ consiga algo semelhante. E, quem sabe, até melhor.

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E Raul Gil pegou o seu banquinho...

Ratinho e o apresentador no ‘Programa Raul Gil’ (Divulgação)

Depois de seis anos no SBT, Raul Gil não se acertou com a emissora, pegou o seu banquinho e saiu de mansinho. Ou seja, o ‘Programa Raul Gil’ não preencherá mais a grade dos sábados à tarde. Com a sua saída, a lista de apresentadores veteranos no ar fica reduzida ao dono SBT, Silvio Santos. É um pouco a história da televisão que se despede das tardes de sábado.

Raul Gil é um entertainer da velha guarda. Seus programas têm um formato que se ajusta ao gosto da “família brasileira”. E o que significa isso? Significa que nos programas de Raul você não verá “porralouquices” como aquelas cometidas pelo desbundado Edson Bolinha, que apresentava um quadro intitulado ‘Eles e Elas’, cuja atração eram os shows de transformistas e travestis.

Significa também que você não vai testemunhar Raul falando barbaridades ou baixando as calças em público, como nos acostumamos a ver Silvio Santos fazer aos domingos. Raul é divertido, porém sóbrio. Tanto que a principal atração de seu programa sempre foi o ‘Eu e As Crianças’, no qual o apresentador recebia a molecada de até 11 anos (ok, o segundo quadro era o ‘Jogo do Banquinho’).

O tradicionalismo de Raul Gil também pode ser um dos motivos pelos quais ele deixa o SBT. Segundo o colunista do UOL, Ricardo Feltrin, o apresentador nunca gostou do sistema de parceria imposto pela emissora – nesse modelo, Raul e SBT dividiam receitas e despesas.

Segundo a nota divulgada pelo SBT, o rompimento da parceria foi de comum acordo. O motivo teria sido os “novos critérios da emissora na programação para 2017”. Não se sabe ainda quais são esses novos critérios.

Embora não se saiba qual é o destino de Raul Gil, é provável que não fique muito tempo fora do ar. Afinal, está afeito à vida nômade: em sua carreira ele passou por todas as grandes emissoras da TV aberta, com exceção da Globo e RedeTV! (no caso desta última, decidam vocês se é grande ou não). Em 2017, Raul completa cinco décadas como apresentador de TV – é uma façanha que divide hoje apenas com Silvio Santos.

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A partir da próxima semana esta coluna não estará mais no Tumblr. Mas você a encontrará aqui: https://br.vida-estilo.yahoo.com/tagged/tela-plena.

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Dez coisas que vimos (e ouvimos) no primeiro capítulo de ‘Rock Story’

Gui Santiago (Vladimir Brichta) e Júlia (Nathalia Dill) em cena da novela (Divulgação)

1. O roqueiro Guilherme Santiago (Vladimir Brichta) é um cabeça quente mais preocupado com os desafetos do que com o seu público – só isso explica o porquê de ele largar um show pela metade (incrivelmente diz ter esquecido que estava se apresentando) para ir quebrar a cara do rival, Léo Régis (Rafael Vitti).

2. Apesar de ser um cantor popular, a ponto de encher um show do tamanho de um Rock in Rio, o staff de segurança de Léo Régis é uma grande porcaria – só isso explica o porquê de Guilherme Santiago entrar num estádio, parar o carro, subir no palco, passar por dezenas de pessoas e quebrar a cara de Léo Régis ao vivo e em cores.

3. Segundo o empresário de Santiago, Lázaro Vasconcelos (João Vicente de Castro), o que o músico faz é “rock pauleira”, um termo que já não era usado na década de 1990 havia uns vinte anos; que dirá agora.

4. Júlia Monteiro (Nathalia Dill) é tipo uma inocente mocinha do interior – a ponto de não saber que aqueles cachorros no aeroporto são farejadores de drogas – que rapidamente fica espertona (antes do primeiro capítulo acabar).

5. Léo Régis é tipo alguns músicos conhecidos por aí, muito fúteis, populares e com fã-clubes histéricos, que não citaremos o nome para não sermos incomodados. Mas fiquem à vontade para escolher qual (ou quais) – fill the blanks.

6. A relação entre Guilherme e seu filho, Zac (Nicolas Prattes) é meio manjada: começa como antipatia e, presume-se, vai virar amizade sincera – uma coisa tipo ‘O Paizão’ e ‘Um Grande Garoto’, algo assim.

7. Não teve núcleo cômico, thanks, Lord. Mas não nos iludamos: ele virá inevitavelmente. Assim como a eleição do Trump, temos de lidar com as mazelas da vida.

8. Tem uma vinheta de ‘We Will Rock You’, do Queen, na volta do intervalo comercial. Parabéns aos envolvidos.

9. Não sei se foi por se tratar de um capítulo de abertura, mas o ritmo foi muito bom: sem frescura ou enrolação; quase todo mundo devidamente apresentado e muita ação. Se continuar assim, agradeceremos.

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10. A música de abertura é ‘Dê Um Rolê’, cantada pela Pitty – e, não, amigos tuiteiros, ela não é a autora. A autoria é de Moraes Moreira e Galvão, dos Novos Baianos (está na hora de músicos e sites de letras darem a devida autoria de música e letra, né?)

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‘The Crown’ e a estética do saudosismo

John Lithgow  (Winston Churchill) e Claire Foy (Elizabeth II) na série (Divulgação) 

Enquanto assistia aos episódios de ‘The Crown’, à disposição na Netflix desde sexta-feira, 4 de novembro –, me deparei com a notícia sobre as duras críticas que o príncipe Harry faz à cobertura de seu namoro com a atriz norte-americana Meghan Markle. Harry é neto de Elizabeth II, a personagem principal da série, cujo enredo tem conexão, mesmo que indireta, com esse imbróglio.

Explico: apesar de mostrar a ascensão da jovem de 25 anos que se torna rainha do Reino Britânico, interpretada com desembaraço por Claire Foy, ‘The Crown’ não é exatamente sobre a rainha Elizabeth II, mas sobre o relacionamento da nobreza com a sociedade. Ali é narrada a história da Inglaterra a partir dos anos 1950 e todas as mudanças sociais que de certa forma afetaram o desenho geopolítico do mundo – foi a partir dessa época que a Grã-Bretanha perdeu suas colônias (já havia perdido a Índia em 1948).

E além de lidar com todos os enormes problemas da política local e do planeta em tempos de Guerra Fria, Elizabeth ainda tinha de administrar o casamento, as relações familiares, o delicado diálogo de poder com o Parlamento. E, claro, precisava driblar a imprensa, essa entidade que sempre manteve uma relação de amor e ódio com a Coroa. O assédio sofrido pelo príncipe Harry é só uma continuação desse conturbado convívio entre mídia e nobreza.

No que diz respeito à ficção, ‘The Crown’ é magnífica. Uma superprodução de época com elenco afinadíssimo – destaque para John Lithgow no papel do primeiro-ministro Winston Churchill. A sóbria direção é dividida entre diretores acostumados a produções de época, como Stephen Daldry (‘As Horas’) e Julian Jarrold (‘Memórias de Brideshead’), e outros escolados em séries – caso de Benjamin Caron (‘Sherlock’) e Philip Martin (‘Wallander’).

Com pouquíssimos dias, ‘The Crown’ já tinha alcançado pontuação altíssima no prestigioso IMDB – Internet Movie Data Base: 9,2 pontos. Fica claro que a série veio preencher um nicho: o dos fãs de séries de época, especialmente as que se passam na Inglaterra até os anos 1960 do século XX. É o público de ‘Downton Abbey’, ‘Vestígios do Dia’, ‘Memórias de Brideshead’ e ‘The Hour’, só para ficar nas mais representativas.

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Mas ‘The Crown’ não é uma série com potencial para agradar apenas os apreciadores do gênero. Bem escrita e com um ritmo balanceado, ela tem o poder de hipnotizar com sua história baseada em fatos reais. Claro, há mais glamour ali do que nos mexericos e injúrias envolvendo o príncipe Harry e sua namorada. Até porque naquela época não havia a internet e seus trolls.  

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‘Haja Coração’ chega ao final com saldo positivo

Felipe (Marcos Pitombo) e Shirlei (Sabrina Petraglia): o casal “Shirlipe” (Divulgação) 

Ok, é fácil bancar o “engenheiro de obra pronta” para explicar o sucesso de ‘Haja Coração’, mas sejamos sinceros: a principal régua para se medir o êxito de um programa é a sua audiência (sim, as medições de audiência podem ser contestáveis, mas é o que temos para o momento). E nesse quesito a novela das 19h, que amanhã terá o seu último capítulo, foi muito bem: uma média de 29 pontos (dados de setembro), colocando-a como folhetim de melhor desempenho desde 2012, quando ‘Cheias de Charme’ teve uma média de 30 pontos.

E qual é o segredo do sucesso de ‘Haja Coração’? Bem, basicamente não há segredo. A novela de Daniel Ortiz seguiu uma receita básica, com enredos românticos, drama e núcleo cômico ao melhor estilo do horário. É verdade que havia um bom esqueleto para a trama, já que era inspirada – basicamente uma releitura, embora o autor o negue – em ‘Sassaricando’, de Silvio de Abreu (não à toa seu título em Portugal é ‘Sassaricando: Haja Coração’).

Houve uma mexida aqui, outra atualizada acolá, mas a estrutura do enredo e os personagens foram mantidos. O fato é que a releitura acabou funcionando por, digamos vias tortas. Enquanto o triângulo amoroso dos protagonistas Tancinha (Mariana Ximenes), Apolo (Malvino Salvador) e Beto (João Baldasserini) não engrenava, um par romântico secundário, formado por Shirlei (Sabrina Petraglia) e Felipe (Marcos Pitombo) acabou se tornando o xodó dos espectadores – a ponto de batizarem o casal como “Shirlipe”.

A escolha do elenco também foi feliz na química do seu núcleo humorístico, com Tatá Werneck, Gabriel Godoy, Cláudia Jimenez, Marcelo Médici e Grace Gianoukas de um lado e Carolina Ferraz, Malu Mader e Ellen Rocche do outro. Ellen, por sinal, foi uma das boas surpresas da novela, que trouxe para os núcleos secundários uma turma escolada em séries de TV e na comédia de palco em um horário majoritariamente frequentado por atores dos segundos e terceiros escalões da Globo.

Em sua reta final ‘Haja Coração’ ganhou tintas mais dramáticas (para não dizer trágicas), com Fernanda Vasconcellos (Bruna) encarnando uma Kathy Bates e Jayme Matarazzo (Giovanni) fazendo as vezes de James Caan em ‘Louca Obsessão’ (excelente filme; se não assistiu, procure). Por outro lado, esse drama acabou exigindo certo grau de desempenho que expôs a fragilidade de alguns atores em vários núcleos, mas nada que comprometesse mais do que o esperado.

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‘Vai, Fernandinha’, um programa de entrevistas despretensioso

‘Haja Coração’ chega ao fim como grata surpresa e um alívio para a Globo, que há tempos vive uma roleta russa em suas produções, sem ter a mínima ideia se terá nas mãos uma uma ‘Cheias de Charme’ ou uma ‘Geração Brasil’. O bom resultado também pode ter outras implicações: é possível que, em futuro próximo, a emissora invista em outras releituras do mesmo naipe. Esperemos para ver.

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‘Vai, Fernandinha’, um programa de entrevistas despretensioso

Fernanda Souza e Sandy no segundo programa (Foto: Ana Luisa Marzano/Multishow)

Apresentado pela atriz Fernanda Souza, ‘Vai, Fernandinha’ estreou no Multishow na última segunda-feira apostando no clima informal e doméstico. Não é um programa de entrevistas convencional. Graças aos céus. Porque, sinceramente, já deu esse negócio de talk show com entrevistado sentado no sofá e entrevistador na bancada e plateia rindo das coisas mais sem graça do mundo.

Umas das virtudes da atração, que vai ao ar de segunda à sexta, às 21h45, é a espontaneidade de Fernandinha. A estreia teve Ludmilla e Fernanda tomando uns drinques e fazendo coreografias à beira da piscina. Na terça, Sandy fez cookies e maquiou a entrevistadora. Na quarta, a hostess recebeu as ex-companheiras de Chiquititas. Em nenhum momento os convidados pareciam estar se esforçando para mostrar-se à vontade. Algo bem diferente do que vemos de vez em quando no ‘Adnight’, por exemplo.

Fernanda também dá a impressão de estar se divertindo um bocado no papel de anfitriã. Não deve ser difícil: a lista de entrevistados inclui amigos do círculo íntimo da atriz e até mesmo o maridão, Thiaguinho. Felizmente, para sorte do espectador, as amizades de Fernandinha são celebridades e gente interessante. A primeira temporada terá 15 programas e a segunda já está encomendada.

Fica claro que ‘Vai, Fernandinha’ bebeu em várias fontes – tem um pouco de game-show, outro tanto de programa de entrevistas como o ‘Bate & Volta’, da Band, e um pezinho nesse estilo ‘É de Casa’, com convidados envolvidos em afazeres domésticos. A mistura parece funcionar bem devido ao jeito despojado da apresentadora.

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O programa não parece ter grandes pretensões além do entretenimento – não há perguntas contundentes, por exemplo. Até aí, não é muito diferente de alguns talk shows que se fazem de sérios, mas morrem de medo de incomodar o entrevistado. No que diz respeito ao item diversão, está mandando bem até agora.

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‘Black Mirror’, uma série distópica

Bryce Dallas Howard (ao centro) no episódio ‘Queda Livre’ (Divulgação) 

O termo “distopia” se refere ao inverso de “utopia” – o conceito criado pelo filósofo Thomas Morus para definir um lugar ideal – e inexistente. No que diz respeito à ficção, a distopia tem como cenário invariavelmente o futuro. Ela marca presença, por exemplo, em livros como ‘1984’, de George Orwell, ‘Admirável Mundo Novo’, de Aldous Huxley e ‘Blade Runner – O Caçador de Androides’, de Philip K. Dick. A distopia poderia ser definida por cima como uma “utopia que deu errado” – no caso, o futuro sombrio. E é aqui que entra ‘Black Mirror’.

A série que abalou a TV britânica em 2011, voltou, há cerca de duas semanas, numa terceira temporada de seis episódios na Netflix. Como as duas temporadas anteriores, são histórias perturbadoras, quase sempre soturnas e que abordam a tecnologia em um futuro indefinido – muitas vezes parecido com o presente, mas com alguma característica high-tech que a diferencia da atualidade.

Segundo o seu criador, Charlie Brooker, o black mirror (espelho negro) do título se refere às telas que nos cercam, sejam elas do computador, tablet ou smartphone. Seu formato é parecido com o do antigo seriado ‘The Twilight Zone’ (‘Além da Imaginação’), com episódios independentes e com final “fechado”.

Se nas temporadas anteriores ‘Black Mirror’ surpreendeu com episódios como ‘Hino Nacional’, ‘Quinze Milhões de Méritos’, ‘Volto Já’ e ‘Natal’; agora traz nova abordagem, mas mantendo o mesmo nível de estranheza e imprevisibilidade. E embora a tecnologia sempre faça parte das histórias, o que realmente conta é o comportamento humano.

‘Queda Livre’, por exemplo, mostra um futuro no qual “likes” dão prestígio e contam como status social e dinheiro. ‘Versão Teste’ é um conto de terror cheio de reviravoltas. ‘Manda Quem Pode’ – uma exceção ao mostrar o presente – tem como tema a chantagem via internet. ‘San Junipero’ é um conto amargo e sensível com tons românticos. ‘Odiados pela Nação’, por sua vez, é uma história policial que bem poderia render uma série independente com sua dupla de detetives. Já ‘Engenharia Reversa’ fala de um futuro para lá de sombrio e assustador, onde o pior da raça humana ganha requintes tecnológicos.

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O ser humano e suas mazelas, aliás, é a matéria-prima das três temporadas de ‘Black Mirror’. As histórias que primam pela inventividade, produção impecável, excelente elenco (que nesta terceira temporada conta com nomes como Bryce Dallas Howard e Michael Kelly) podem ser alguns dos motivos para o sucesso da série. Desconfio, porém, que também conta para o êxito uma certa atração que sentimos pelas mazelas da nossa espécie.

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Um momento de emoção no ‘MasterChef Profissionais’

Dário desaba ao saber que continuaria no programa (Reprodução)

Estava preparado para escrever sobre um outro programa, mas a edição do ‘MasterChef Profissionais’ da última terça merece um comentário: foi realmente emocionante. A equilibrada disputa entre o Luiz Felipe e Dário Costa merecia um empate técnico. Infelizmente os jurados preferiram não abrir exceção (o que já haviam feito no ‘MasterChef Júnior’) e Luiz acabou eliminado.

Foi um episódio inusitado desde o começo: na primeira prova, duplas deveriam criar obras de arte usando comida como material. A segunda disputa colocou os candidatos duelando em duplas. Foi aí que Dário acabou se atrapalhando e apresentou – pecado dos pecados – batatas cruas, enquanto Luís foi mal avaliado devido a um purê de cebolas.

No teste eliminatório os dois candidatos deveriam preparar um prato à base de ostras. O resultado foram duas receitas consideradas impecáveis pelos jurados, a ponto de arrancar elogio de Eric Jacquin, que considerou aquele um momento de rara emoção. Os jurados ficaram divididos, com Jacquin escolhendo prato de Luiz e Paola optando por Dário. O voto de Minerva coube a Fogaça – e, ao menos para mim, não foi lá muito claro o critério de desempate.

A eliminação de Luiz Felipe tira do páreo um dos mais fortes concorrentes desta edição. O candidato, que nas primeiras edições era alvo de piadas nas redes sociais devido ao estilo extravagante de se vestir, aos poucos foi mostrando seu potencial criativo e arrojo na elaboração dos pratos. Uma pena tê-lo fora do jogo.

Mas também é bom ver Dário continuar no programa. O santista representa uma cozinha regional até pouco tempo atrás subestimada: a culinária caiçara, praticada em uma região que vai do norte do litoral paranaense até o sul do litoral fluminense. É uma cozinha rica em sabores e ingredientes que merece respeito e destaque.

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Com Luiz fora do páreo, aliás, Dário se torna um forte candidato. Por outro lado, reforça-se entre os espectadores a aversão aos concorrentes Ivo e João – como bem sabemos, a dupla tem dado munição farta ao pessoal que precisa de vilões. E segue o jogo.

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‘The Fall’, uma série policial com olhar feminino

Gillian Anderson como a detetive Stella Gibson na série (Divulgação) 

Desde sexta-feira a Netflix está exibindo a terceira temporada de ‘The Fall’, série policial ambientada em Belfast, na Irlanda do Norte, e que tem como protagonistas Gillian Anderson (a agente Scully de ‘Arquivo X’) e Jamie Dornan (‘Cinquenta Tons de Cinza’). E se você é fã de enredos com muita ação, bem, esqueça: essa terceira temporada é para quem gosta de dramas psicológicos.

‘The Fall’ começou como um thriller de construção inusitada – desde a primeira cena sabíamos quem era o serial killer e quais os seus métodos. A grande sacada estava em mostrar também um ponto de vista do assassino e dar densidade ao mal. Havia uma excelente química na mistura da mente do criminoso Paul Spector (Dornan) com a complexa personalidade da detetive Stella Gibson (Gillian).

Com a prisão do matador, a segunda temporada manteve foco em um jogo de gato e rato entre Spector e Stella, ressaltado pelo grande duelo de atuações de Dornan e Gillian, com diálogos cortantes e reveladores. As duas temporadas, entretanto, tinham sequências movimentadas – principalmente nos momentos em que o serial killer entrava em ação.

A terceira temporada, porém, investe em outros filões: começa como um clássico drama de hospital, com médicos tentando desesperadamente salvar Spector, gravemente baleado no último episódio da segunda temporada; passa para um drama de tribunal e envereda para o drama psicológico, no qual o foco são as consequências dos atos de Paul Spector para suas vítimas e familiares.

O ritmo é lento e a ênfase está nos diálogos. O destaque fica para a sensível abordagem do roteiro ao ressaltar o olhar feminino sobre a questão da violência contra as mulheres – não só a física, mas também a psicológica. Se o dito empoderamento feminino está em alta, ele ecoa no enredo de ‘The Fall’.

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E que fique claro: o ritmo lento de ‘The Fall’ não é demérito, mas um diferencial. Ou seja, a série britânica está mais para os fãs de ‘House of Cards’ do que para os apreciadores de ‘Demolidor’.

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Realities musicais são mais justos do que os de culinária

A candidata Gabriela Ferreira em apresentação no ‘The Voice Brasil’ ( Foto: Raphael Dias/Gshow)

Ontem, na Audição às Cegas do ‘The Voice Brasil’, houve um momento em que uma candidata titubeou logo na introdução da música, recuperou-se e prosseguiu bem. O vacilo inicial, entretanto, lhe custou a classificação. Pois bem, a dita moça já tinha uma carreira de dez anos e o pai até chegara a comprar um ônibus para que ela excursionasse – investimento alto. Contrasta com alguns dos classificados, gente pobre dos rincões do Brasil cujo único bem é a própria voz.

Daí que me lembrei do ‘MasterChef’ e seus competidores: uma maioria esmagadora de classe média, bem-nascida e bem-criada. Vez ou outra surge algum candidato self-made que veio “de baixo”. O caso mais notório é o de Gleice Simão, moça da periferia que aprendeu a cozinhar empiricamente. Na edição anterior esse posto foi ocupado por Iranete Santana, uma doméstica que aprendeu a cozinhar na casa da família onde trabalhava havia 21 anos.

Nenhuma delas chegou à final do programa. Ficaram pelo caminho, abatidas em pleno voo pela falta de background que a gastronomia exige. Talent shows que se propõe a escolher chefs de cozinha demandam do candidato conhecimentos refinados, um pouco de rodagem pelo mundo, experiência com temperos caros e exóticos – em suma, coisas que a turma menos abastada não tem condições de bancar.

Era consternador ver o desconforto de Gleice diante de desafios que exigiam a elaboração de pratos dito “finos”. Mais despachada, Iranete se virava do seu jeito. E ambas foram vítimas de trolagem no Twitter devido à simplicidade com que encaravam a cozinha – um contraste com os finalistas – turma descolada e viajada.

O fato é que esse tipo de programa não julga quem sabe cozinhar. Porque cozinhar é outra coisa – é um ato cultural, passado de pai para filho e que está no preparo de uma moqueca ou de um feijão tropeiro, por exemplo. Nesse sentido, o ‘Batalha dos Cozinheiros’, da Record, é mais pé no chão. Os talents que escolhem chefs exigem um preparo e conhecimento que pode ser adquirido em cursos. E não é raro que competidores até façam aulas particulares para estar lá.

Há algo de errado nisso? De modo algum. Mas contrasta com os talent shows de música. Neles também há uma turma cujos pais pagaram aulas de canto, piano, guitarra etc., mas na hora da verdade não é raro vermos que o que vale mesmo é o desempenho, a emoção, a voz. Como bem disse Paulo Ricardo certa vez, a diferença das competições de culinária para as competições musicais é que na primeira você depende da opinião do jurado para saber se um prato ficou bom ou não, enquanto que na segunda a voz do candidato fala por si.

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Nem por isso o ‘MasterChef” fica menos interessante. Ali o que atrai o espectador são muito mais as tensões e conflitos do que os pratos em si. Mas o fato é que os talent shows musicais (e vamos incluir aí o ‘X-Factor’) oferecem condições mais paritárias aos concorrentes. Nesse sentido, talvez os programas de culinária sejam mais parecidos com a vida real, que nada tem de justa.

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O momento “DR” de ‘Sol Nascente’

Bruno Gagliasso e Giovanna Antonelli em cena da novela (Divulgação) 

Leio nesta manhã nublada de quinta-feira que ‘Sol Nascente’ terá mais ação e testosterona. Quem afirmou foi Suzana Pires, uma das autoras do folhetim, que está há dois meses no ar. A mudança da receita ocorre depois de um Grupo de Discussão com espectadores, que apontaram as mudanças desejadas. Bem, não era preciso Grupo de Discussão para perceber, desde o primeiro capítulo, que algo ia muito errado na novela das seis.

Grupos de Discussão são uma espécie de “discussão de relacionamento” – a temida “DR” dos casais – entre quem produz e quem consome. O sinal de alerta acende quando ouço o termo: trabalhei em muitas revistas e sei que, embora seja uma prática frequente para monitorar a satisfação do consumidor, tais grupos normalmente são acionados quando a coisa não caminha nos conformes.

Sempre achei que havia um problema nesses tais grupos – a saber: eles reúnem pessoas que consomem o produto (leem a revista ou veem a novela, por exemplo). Ora, se o seu problema é com quem NÃO consome o seu produto, o correto não seria consultar essa parcela? Quer dizer, vão mudar ‘Sol Nascente’ para agradar quem já a assiste? Não parece fazer sentido.

Ainda na entrevista, Suzana reflete: “Botar uma novela no ar é como levantar um voo, se acontecer de qualquer peça desse superavião não dar certo, nós temos que refazer o elo”. Bom, não entendo nada de aviação, mas me parece que se um avião decolar e uma das peças “não der certo”, ele tem uma grande tendência de se espatifar no chão.

É um tanto surpreendente ouvir da autora que tudo estava planejado e tal, mas que agora muita coisa vai mudar depois da conversa com os espectadores. Então, tá. Olhando daqui ‘Sol Nascente’ parece estar percorrendo a mesma trilha de ‘Babilônia’ em sua temerária ação de consertar um barco depois que este partiu do cais (para não usarmos a metáfora do avião). E olha que houve tempo para fazer os devidos ajustes antes de partir.

Para resumir, a verdade é que a coisa começou mal com aquela história de ator ocidental no lugar de um japonês e continuou degringolando com uma trama que não diz ao que veio. Basta notar que o casal principal, formado por Giovanna Antonelli e Bruno Gagliasso, não decola (ops) – o que explica em parte uma parcela de espectadores estar torcendo pela dupla formada por Letícia Spiller e Marcello Novaes.

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É uma tarefa ingrata, ter novelas como produto principal e ser obrigado a colocar um monte delas no ar o tempo todo. É claro que as coisas nem sempre dão certo e a Globo paga esse preço. O fato é que, depois de duas novelas bem-sucedidas no horário, ‘Sol Nascente’ vem fazendo fumaça. É da vida. Vamos observar a partir de agora as tais mudanças. Mas talvez seja o caso de já garantir uns paraquedas.

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‘Prêmio Mulstishow’: um evento musical com som ruim

Fábio Porchat e Tatá Werneck durante a premiação (Reprodução)

Terça-feira é sempre uma maratona. Tem ‘The Voice USA’ na Sony, ‘MasterChef Profissionais’ na Band, ‘Nada Será Como Antes’ na Globo – tudo mais ou menos no mesmo horário. Felizmente (ou infelizmente, dependendo do ponto de vista) a quantidade de intervalos no ‘The Voice’ e no ‘MasterChef’ são suficientes para assistir a uns dois ‘Nada Será Como Antes’. Mas essa terça foi particularmente corrida devido ao ‘Prêmio Multishow de Música Brasileira’.

Confesso que acompanhei por dever de ofício. Assisti às edições anteriores e não me animei. Esta não é uma coluna sobre música, então não entrarei nos méritos musicais do evento. A observação é no que diz respeito ao Prêmio enquanto atração para a TV. E neste aspecto, minha gente, deixa muito a desejar.

Começa pela previsibilidade – escolha entre Ivete Sangalo, Anitta e Luan Santana e você não errará nos laureados.  O pior é que o Prêmio até tenta mostrar um lado mais alternativo, mas os alternativos não cooperam: Baiana System e Liniker e os Carmelows, por exemplo, não deram as caras e nem enviaram representantes para receber os respectivos troféus. Me pareceu meio desmoralizante para a premiação. Depois vem a animação (?) do público: tirando a turma do gargarejo, ali atrás é um marasmo imenso e vibração zero. Quando a câmera abria era aquele banho de água fria.

Mas o maior pecado do ‘Prêmio Multishow’ é a qualidade do som. Péssimo seria um eufemismo. Não se escutava a parte instrumental, as vozes saiam abafadas e na apresentação de Nei Matogrosso se ouvia mais as pessoas conversando na plateia do que o cantor no palco – sabe aquelas gravações piratas feitas com o smartphone? Pois então...

O que salvou um pouco foram os cicerones Fábio Porchat e Tatá Werneck, que este ano substituíram Paulo Gustavo e Ivete Sangalo. Tatá e sua incontinência verbal estava incontrolável: xingou, esculhambou, rasgou o roteiro a um ponto de constranger até Porchat. O ápice da noite foi o beijo efusivo trocado com Tiago Iorc. É aí que mora a diversão.

Ainda vimos Fafá de Belém se desnudando em um modelito ao estilo Anitta. Piada ensaiada, claro, mas não deu para perceber se o público riu – o som etc. etc. E teve o show da Anitta – como todo o resto, não se ouviu quase nada, mas valeu pela parte visual.

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O mais chocante é saber que foi a 23ª. edição do prêmio. Poxa, Multishow, depois de tanto tempo não deu para resolver o problema de acústica? Vamos melhorar isso aí no próximo ano. Falar nisso, quem será que ganha em 2017: Anitta ou Ivete Sangalo?

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‘Desafio das celebridades’ mistura reality e documentário

O instrutor Coronel Leite e Fábio Porchat no primeiro episódio (Divulgação)

E eis que temos mais um reality na praça: ‘Desafio das Celebridades’ (domingo, às 21h30, no canal pago Discovery Channel). Definido pela emissora como um “docu-reality” (documentário + reality), o programa coloca dois experts – o instrutor de Sobrevivência Coronel Leite e a médica especialista em emergência e resgate em áreas remotas Karina Oliani – para guiar dez celebridades em uma aventura de dois dias por ambientes inóspitos.

E quem são essas celebridades? Os humoristas Fábio Porchat e Oscar Filho, a modelo Isabelli Fontana, os músicos Di Ferrero, Diogo Nogueira e Iggor Cavalera, o chef Carlos Bertolazzi, o skatista Bob Burnquist, o ex-atleta e topa-tudo Robson Caetano e a... Apresentadora? Comediante? Atriz? Maria Paula. O elenco é melhor (em termos de fama) do que a maioria dos nomes que frequentam a fazenda (ok, o Robson Caetano não conta porque está em todos os canais e desafios).

O programa supostamente mostra essa turma em situações extremas vividas em ambientes selvagens e com certa dose de perigo – bem ao estilo da emissora. Apesar de se vender como docu-reality, é possível que um espectador mais cínico se pergunte: “opa, peraí, como é que eles tinham três enquadramentos diferentes de câmeras na naquela caverna? ”. Quer dizer, é perigoso, mas não é tããão perigoso assim, né?

Mas tá valendo – é televisão, é entretenimento e, afinal, tem tanto telejornalismo se vendendo como sério aí e... deixa pra lá. O primeiro episódio foi bem divertido. Desconfio, entretanto, que boa parte dessa diversão se deve ao convidado, Fábio Porchat, e sua presença de espírito – para cada desafio ou prova, o humorista tinha uma tirada na manga. Fica no ar a dúvida se os próximos vão conseguir manter esse astral durante seus “desafios”.

Uma coisa é certa: o programa caprichou na escolha dos cenários. O primeiro foi na Serra do Espinhaço, no norte de Minas Gerais. As outras locações são o Parque Nacional do Superagui (PR), o Delta do Rio Parnaíba (MA), a Chapada das Mesas (MA) o Parque Nacional Serra das Confusões (PI), a Serra da Capivara (PI), a Serra do Intendente (MG), o Legado das Águas (SP), o Conjunto Marumbi (PR) e Presidente Figueiredo (AM).

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‘Desafio das Celebridades’ tem potencial para ser boa diversão. Infelizmente está limitado pelo fato de passar em um canal da TV Paga. Poderia tranquilamente estar na TV aberta.

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O Casseta está de volta (ou quase isso)

Os integrantes do Casseta & Planeta: Reinaldo, Beto Silva, Hubert, Marcelo Madureira, Claudio Manoel e Helio de La Peña (Foto: divulgação)

Eles foram referência do humor irreverente e inovador, mas o inevitável desgaste do tempo fez com que aos poucos o Casseta & Planeta perdesse a força e, por fim, o grupo terminou. Uma vez desmanchada a trupe, cada um foi para o seu lado: Claudio Manoel passou a sobreviver fazendo bicos como o personagem Carlos Maçaranduba em lojas de suplemento alimentar; Beto Silva também encarnou uma personagem para pagar as contas, a cantora de axé Acarajette Lovve; Hubert se tornou empresário de artistas de terceiro escalão; Helio de La Peña é um falido (como os outros) se esforçando para reencontrar suas raízes de “afro-negão”; Marcelo Madureira se tornou um direitista empedernido e acabou sequestrado por cubanos, que o submeteram à lavagem cerebral; já Reinaldo, o único a se dar bem na vida, ficou milionário como dono de clubes de jazz.

Boa parte dessa história é ficção, claro. Mas há um tanto de verdade ali – no que diz respeito a ser referência e depois ter se desgastado. E foi juntando a verdade e a ficção que o grupo criou a minissérie ‘Procurando Casseta & Planeta’, que estreou na segunda-feira, às 23h15, no MultiShow. Não é exatamente uma série, mas um mockumentary: um falso documentário. No programa em 20 episódios o quinteto promove a “autogozação” ao mostrar sua suposta decadência e em entrevistas com transeuntes, nas quais a maioria declara não se lembrar do Casseta.

Por enquanto – ou seja, nos quatro primeiros episódios – tem funcionado. Entretanto, fica certa desconfiança de que a fórmula de entrevista com populares venha a se tornar repetitiva nas próximas três semanas. ‘Procurando Casseta & Planeta’ tem, de fato, uma estrutura mais de filme do que de série. Flui bem em seu roteiro, assinado por Claudio Manoel, Beto Silva, Hubert e Helio de La Peña, mesmo que os “Cassetas” continuem atores limitados – bem, nunca foi a intenção do grupo ser uma sumidade no quesito atuação.

É curioso ver o Casseta, um grupo que marcou a história do humor brasileiro (para evitarmos o termo “divisor de águas”), espremido ali, no Multishow, uma espécie de off-Broadway do humorismo na TV. Na verdade, é significativo. Quando surgiu, nos anos 1980, na forma de jornal (‘Planeta Diário’) e revista (‘Casseta Popular’), o grupo abalou as estruturas de um humorismo já envelhecido e órfão.

Ao fazer a transição para a TV, em 1992, trouxeram frescor ao formato, mas não foi o mesmo furor causado nas bancas – afinal, pouco antes deles houve o revolucionário ‘TV Pirata’. O que o ‘Casseta & Planeta Urgente!’ – cujo lema era “Jornalismo mentira, humorismo verdade” – trouxe de novo foram a performance de não atores (os membros do grupo) nos esquetes, a inserção de temas instantâneos com a abordagem do que estava acontecendo na semana, por exemplo, e a inclusão de entrevistas com pessoas “normais”.

A fórmula funcionou durante muitos anos, mas acabou perdendo força devido a repetição, certa ingerência da Globo (que, segundo os membros do grupo, vetava alguns temas) e o inevitável desgaste nas relações dos integrantes – o ego é um negócio complicado, como bem explica a psicanálise. Um dos fatores que também contribuiu para o final do programa foi a morte de Bussunda, em 2006. Apesar do ‘Casseta & Planeta Urgente!’ ter sobrevivido até 2010, é certo que havia perdido a força sem o carismático humorista.  

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Dois anos depois do fim do programa nasceria o ‘Porta dos Fundos’, um novo marco no humorismo. E não deixa de ser emblemático que esse surgimento tenha ocorrido na internet. Nos últimos anos o humor na televisão também tem se transformado com o ‘Tá no Ar: a TV na TV’ (2014) e o novo ‘Zorra’ (2015). Apesar de ter (a princípio) apenas uma temporada, a volta do Casseta & Planeta é muito bem-vinda nesse novo formato. A questão é: caso continue, como sobreviver na nova configuração do humor contemporâneo?

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A noite em que a temperatura subiu na TV

Letícia Colin e Bruna Marquezine em ‘Nada Será Como Antes’ (Reprodução)

Por um momento nessa noite de terça-feira pensei que a hashtag #MasterChefBR não fosse aparecer nos trending topics (subiu e liderou, como sempre). Durante boa parte da noite o assunto foi TV, mas quem dominava era o debate dos candidatos à Prefeitura do Rio de Janeiro e, claro, as cenas calientes de Bruna Marquezine na série ‘Nada Será Como Antes’.

Sejamos sinceros: mesmo que você não ache a série excepcional ou não considere Bruna Marquezine uma grande atriz, é fato que ‘Nada Será Como Antes’ virou assunto e que Marquezine é o incontestável destaque. Obviamente o vazamento das apimentadas cenas na semana passada ajudaram.

E eis que chegamos ao terceiro episódio em meio à grande expectativa. Ê, Brasilzão matuto, que fica todo ouriçado com dois pares de seios e mulheres se beijando. Pô, minha gente, isso não é mais novidade nem na TV aberta. Mas, vá lá: foi impactante e desenvolto.

Durante a cena de sexo entre Bruna Marquezine e Daniel de Oliveira, fiquei matutando: essas produções das 23h da Globo me lembram os filmes nacionais. Assim: tem que pôr uma cena de sexo para dar uma apimentada, mesmo que seja desnecessária.

A essa hora alguém deve estar dizendo “ah, mas que conservador, cena de sexo é legal! ”. E realmente é, mas nem sempre ajuda a contar a história. E calma lá: no caso do episódio dessa terça, ela estava no lugar certo e ajudou a alavancar a história – principalmente as cenas entre Bruna e Letícia Colin. Mas é claro que se usa o sexo como chamariz para as produções do horário.

Eu sinceramente esperava um pouco mais da série. Pode ser, porém, que ela melhore daqui para a frente. E vamos combinar que o fato de ir ao ar só às terças tem atrapalhado um pouco. Aliás, não entendo por que colocar ‘SuperMax’ e ‘Nada Será Como Antes’ no mesmo período. No mais, torço pelo triângulo amoroso.

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