La Discoteca

Los imprescindibles de las bateas

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TO RECORD ONLY WATER FOR TEN DAYS (John Frusciante, 2001)

John Frusciante tiene una carrera solista muy particular: ha sacado muchísimos discos que suenan diferente a lo que ha sido su colaboración en los Red Hot Chili Peppers, lo cual resulta muy interesante.

Frusciante parece pendular todo el tiempo entre la canción pop y la experimentación psicodélica.  En este caso, To Record funciona como cancionero, pero apoyado por el uso de máquinas de ritmo, loops y sintetizadores, mientras su guitarra surfea por encima, logrando un compendio de grandes canciones con un sello distintivo.

Su tercer disco solista posee un tono melancólico y denso pero a su vez pegadizo, y con bellísimas líneas vocales.  Su voz destaca por sus cualidades, suena algo gastada y dulce al mismo tiempo, con un gran manejo para alternar entre tonalidades altas y bajas.

Según cuenta él mismo, este álbum fue concebido e inspirado tras su experiencia de haber salido a su adicción por la heroína.  También describe que la principal influencia en esta etapa fueron bandas como Depeche Mode o New Order, en la línea del post punk o synth pop de los años 80 (basta escuchar el tema “Invisible movement”).

El primer tema del disco “Going Inside” contaba con un videoclip promocional, y a pesar de ser un gran tema, me parece importante mencionar “The First Season”, “Remain” o la bella instrumental llamada  “Murderers”.

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LIVE (Donny Hathaway, 1972)

Donny Hathaway fue un cantante de música soul que tuvo una corta carrera, debido a problemas de salud que lo llevaron al suicidio con tan solo 34 años de edad.  Comenzó como productor y compositor, hasta que sus primeros trabajos como cantante, y sobre todo las colaboraciones con Roberta Flack, lo llevaron a la popularidad.

Live fue grabado en parte en el club Troubadour (Hollywood) y en The Bitter (NY) y es una de las mejores grabaciones de Hathaway, cuenta con algunos temas de su repertorio y versiones de otros músicos como John Lennon, Carole King y Marvin Gaye.

Por encima de todo esto el disco cuenta con una toma de sonido impecable, no solo por la banda que acompaña al cantante sino que refleja maravillosamente al entusiasta público (se puede percibir en los gritos de los presentes, y en la voz del mismo Donny Hathaway).

Destaco del disco joyas como “The Ghetto”, “Jealous Guy” o “Little Ghetto Boy”.

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WHO’S NEXT (The Who, 1971)

Lo que sería un segundo intento de “opera rock” para los Who (Luego del disco Tommy del año 1969), se transformó en un álbum magistral que compilaba un puñado de canciones que hace de este disco quizás el mejor trabajo de la banda.

Inicialmente llamado Lifehouse, el disco hubiese sido concebido como una especie de ópera rock futurista, pero debido a diferentes problemas internos de la banda este concepto quedó en la nada.  Aun así, muchos de los temas y partes de esa obra serian conservados y/o adaptados a las necesidades de lanzar un nuevo álbum.

Who’s next se presenta como una producción mucho más contundente que su antecesor, con un sonido complejo pero directo, que a su vez contaba con el aporte de arreglos de pianos y sintetizadores de la época, introducidos en la banda por el genio creativo y alma mater del grupo, Pete Townshend.

De este trabajo encontramos varios de los himnos de la banda, cómo “Won’t get fooled again”, “Baba O’Riley” (con su larguísima y reconocida introducción de sintetizador) y la balada “Behind Blue Eyes”.  Pero si no nos detenemos en estos mal llamados grandes éxitos, nos topamos con excelentes canciones como la excepcional “Going mobile” cantada por el propio Townshend, o el tema “My wife” escrita y cantada por su bajista, John Entwistle.

En su totalidad, Who’s next tiene una fuerza absolutamente rockera, pero que contiene muchísimos pasajes y arreglos musicales de gran calidad musical, lanzado en lo que fue sin dudas una etapa muy alta de la banda.

Un disco indiscutido, y un clásico de todos los tiempos.

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PELÍCULAS (La maquina de hacer pájaros, 1977)

La máquina de hacer pájaros fue un grupo fugaz, que posiblemente a Charly García le haya servido como transición y búsqueda por componer música mucho más orquestal, cosa que sucedió entre la separación de Sui Generis, y la gestación de Seru Giran.

Películas, es el segundo y último disco de la banda, que muestra una importante sofisticación en relación a su trabajo anterior (El homónimo “La maquina de hacer pájaros”), con un gran detalle en los arreglos instrumentales y una gran variedad de estilos que van desde la música clásica (“No te dejes desanimar” que incluye unos exquisitos arreglos de cuerdas) a música latinoamericana como el candombe “Hipercandombe” y la bossa nova “¿Que se puede hacer salvo ver películas?”.

El despliegue musical está fuertemente influenciado por las bandas de rock progresivo que dominaban el sonido de la década, como Yes o Genesis (basta escuchar “Marylin, la cenicienta y las mujeres”, “En las calles de Costa Rica”), siendo claros referentes para las composiciones de García.  El sonido de los sintetizadores se destaca durante los ocho temas que hacen al disco, ya que el grupo contaba además con Carlos Cutaia (Ex Pescado Rabioso) como otro integrante dedicado a los órganos y teclados.

En cuanto a las letras, parece haber una especie de arco temático basado en lo cinematográfico, y complementado a esto, aparecen tópicos que serían recurrentes en varias etapas de la carrera de Charly, como la alienación, la crítica a la vida moderna, la violencia y la censura (haciendo clara referencia a lo que sucedía durante el gobierno de facto) fusionando la fantasía con la realidad como recurso metafórico.  

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THE END OF VIOLENCE (Varios artistas, 1997)

Wim Wenders es uno de los directores más importantes que ha dado el llamado “nuevo cine alemán” de los años 60 y 80.  Luego de un tiempo de dirigir en su país, inició una carrera que le permitiría filmar co-producciones con otros países europeos, e inclusive rodar en Estados Unidos.  

A pesar que The End of Violence es una película floja dentro de su extensa filmografia, su banda sonora es una hallazgo, constituyendo un verdadero dream team de músicos y bandas.  Y aunque son artistas muy dispares, todo confluye en un disco agradable y llevadero.  Para nombrar algunos aquí aparecen Ry Cooder (conocido colaborador de Wenders en “Paris, Texas”), DJ Shadow, Medesky Martin & Wood, U2 con Sinead O’Connor, Tom Waits, Los Lobos, Roy Orbison, Michael Stipe y Eels, entre otros.

Posee también algunos tracks con diálogos de la película, que siempre funcionan como una forma de “enlace” entre tema y tema, algo que se suele hacer en muchos soundtracks.

Un disco interesante, sobre todo para descubrir artistas que no conocemos y que han participado en esta excelente banda sonora

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CHAOS AND CREATION IN THE BACKYARD (Paul Mc Cartney, 2005)

Hay algo que los integrantes de los Beatles tienen en común: todos poseen una vasta discografía solista, en la cual encontramos obras muy dispares en cuanto a calidad.  Ninguno de los fab four escapa a esto.

Paul Mc Cartney tuvo momentos muy iluminados y etapas donde no se sabe muy bien qué estaba pensando... posiblemente intentó encajar con el “sonido del momento” en décadas pasadas, pero Chaos And Creation In The Backyard es una joya de los ‘00.

El disco fue producido por el viejo colaborador de Radiohead, Nigel Godrich, quien tuvo el suficiente coraje de haber “sacudido” un poco al ex Beatle y sacarlo de su lugar de confort, empujándolo a sacar canciones de una gran calidad compositiva, así como también, aportando un nuevo sonido a sus temas (“How Kind of you” tiene reminiscencias sonoras a “Motion Picture Soundtrack” de Radiohead).

Aquí la capacidad de Mc Cartney está potenciada.  Todo el talento desplegado en su etapa beatle aparece en canciones como “Jenny Wren” (un claro regreso al estilo de Blackbird) o “Promise to you Girl” (una cancion pop con unas voces al estilo “Because”).

No puedo dejar de mencionar “At the mercy”, donde Paul canta maravillosas líneas vocales sobre una serie de acordes algo disonantes en el piano, y la bella “Friends to go”, que tiene ese cierto aire Harrison en la guitarra (posiblemente estaría pensando en su viejo amigo).

Para terminar, les dejo este especial hecho para televisión de la presentación del disco, una especie de show experimental en los estudios Abbey Road.  Disfrútenlo haciendo clic aqui 

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THE MIX-UP (Beastie Boys, 2007)

Los Beastie Boys ya se habían tomado su tiempo para dejar los samples de lado y grabar instrumentos en sus discos, conformándose como un trío de batería, bajo y guitarra (gracias a sus experiencias pasadas en el hardcore punk de los 80).  El tema “Sabotage” es el perfecto ejemplo de la combinación de bandejas, teclados, percusión y una banda tocando en vivo.  

Hay excelentes secciones instrumentales en muchísimos de sus temas, y parece que toda esa necesidad de hacer solo música y dejar de lado las rimas se manifiesta en este disco, una joya dentro de su discografía, que simplemente suena a gente haciendo una gran zapada en una sala y tratando de capturar el “groove” en cada tema.

Gobernado casi en su totalidad por la sección percusiva y unas pegadizas líneas de bajo, el resto de los instrumentos acompañan generando melodías como en “B for my name” o cierta psicodelia como en “The Gala Event”.

Hipnótico por momentos, y muy agradable hasta para la escucha de cualquier oyente promedio, The Mix-Up es un poco lo que ilustra la tapa, una máquina que mezcla, procesa, y devuelve sonido, enmarcado en un espíritu muy funky.

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SELECTED AMBIENT WORKS 85-92 (Aphex Twin, 1992)

La música electrónica le debe muchísimo al señor Richard David James, más conocido por su seudónimo Aphex Twin.  Este disco del año 92 es su primer trabajo discográfico, luego de un par de EPs que delinearon el camino estético hasta aquí, su primer LP.

Pionero del ambient/tecno, fundó las bases del sonido electrónico contemporáneo y del trip hop de mediados de la década.  Construido en base a loops percusivos, samples y sonidos ambientales sostenidos en el tiempo, el disco atrapa al oyente y lo transporta a un espacio tanto intimista como futurista, porque Selected Ambient Works es por definición un disco “moderno”.

Basta con escuchar temas como “Tha” o “We are the music makers” para darse cuenta que el planteo era elevar el género, demostrar que no solo estaba hecho para las pistas de baile, sino que también detrás de las máquinas, computadoras y sintetizadores, se podía hacer música que era inteligente y orgánica, que podía ser generadora de sensaciones y estados de ánimo.

Aunque por momentos hay temas que pueden tener reminiscencias a un sonido “8 bits” (como en el tema “Green Calx”), el disco se sostiene como una unidad sólida en su paleta de sonora.

Queda claro en los trabajos de Ahex Twin que para hacer musica electronica, primero hay que saber sobre música, y que no simplemente se trata de ponerse a tocar perillas.  En épocas donde cualquiera tiene acceso a hacer música con una computadora personal, repasar este disco de principios de la década del noventa es una tarea obligada.

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CURE FOR PAIN (Morphine, 1993)

Morphine fue siempre una banda aparte en plenos años 90.  Nunca encajó en ninguna categoría musical de la época, pero formó parte del sonido underground del rock alternativo/indie de la década, incorporando el jazz como su principal forma de expresión musical.

Tres instrumentos bastan para crear el sonido de la banda, un bajo de dos cuerdas (tocado en muchas ocasiones con slide), un saxo y batería.  Y sumado a todo esto, la poderosa voz barítono de Mark Sandman, que parece sonar como otro bajo más, porque Morphine parecía interesado en hacer música sólo en un rango, el de las frecuencias graves.

De tiempos lentos y de clima intimista por momentos, el disco te traslada a los suburbios de los clubes nocturnos, al humo del cigarrillo en el ambiente, al mundo de los outsiders que no encajan en la sociedad, a los engaños sentimentales, y al lamento del blues en sus melancólicas letras.  Morphine es (o al menos para mi) la perfecta banda sonora de las lecturas de Henry Miller o de Jack Kerouac.  

No es muy difícil comprender que las líricas de Sandman tiene un tinte autoreferencial, con solo leer alguno de los títulos de sus temas como “cure for pain”, “all wrong” o “A head with wings”, intuimos que el alma mater de la banda tenía algunos problemas por resolver (sobre todo con algunas substancias).

Uno de mis temas favoritos del disco es “In Spite of me” una pequeña balada cautivante tocada con mandolina, que relata con mucha ironía las contradicciones de un relación de pareja que se terminó por celos profesionales.

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PEEPING TOM (Peeping Tom, 2006)

Mike Patton es uno de los tipos más multifacéticos dentro del mundo del rock.  Su indiscutida voz en Faith No More, no sólo logró darle éxito a la banda sino que le proporcionó búsquedas musicales diferentes, sobre todo en sus últimos discos.  Luego de su primer separación (FNM se vuelve a reunir en el año 2008) los proyectos paralelos de Patton, Mr. Bungle, Fantomas, Tomahawk y Mondo Cane (entre miles de colaboraciones más) tomaron mayor relevancia en su carrera.

Peeping Tom es un proyecto de un solo trabajo discográfico hasta el momento, que posee una gran variedad de colaboradores (Norah Jones, Massive Attack, Bebel Gilberto, por nombrar algunos).

Dentro de esa fusión de sonidos que presenta Peeping Tom hay melodías pegadizas y bases electrónicas con gusto a hip hop, pero con un halo de funk durante todo el disco, sin perder algo de “oscuridad”.  El tema de difusión del disco fue “Mojo”, pero también destaco temas “gancheros” como “Your Neighborhood Spaceman” o “We’re not alone”.  Mike Patton otorga una variedad vocal asombrosa, sea, cantando suavemente, rapeando, o gritando como un desaforado.

Una propuesta que daba para mucho más y que se quedó en el camino con solo un registro.  Ojala en un futuro no muy lejano, pueda haber más material disponible de esta banda/proyecto.

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ADVAITIC SONGS (Om, 2012)

El stoner puede dar lindas sorpresas.  Om es una banda que desde su nombre, propone un estado mental.  Acá encontras el sonido clásico del género (caracterizado por su densidad y lentitud) y una propuesta climática de tiempos laxos, apoyado vocalmente con antiguos cánticos hinduistas y del oriente medio.

Las guitarras no tienen tanto protagonismo como en sus discos anteriores, y dejan espacio para los arreglos de cuerdas y sintetizadores.

Es posible que a los fundamentalistas del género no les llegue a conformar del todo, pero Advaitic songs es una pequeña obra maestra, a partir de una búsqueda muy diferente.  Yo estaría atento a sus próximos trabajos discográficos.

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THE RIVER IN REVERSE (Elvis Costello & Allen Toussaint, 2006)

Para mi, el mayor talento de Elvis Costello esta en su capacidad de trabajar con otra gente, tanto como compositor o colaborador musical (Pueden chequear también el disco que hizo con Burt Bacharach).

En este caso, se junta con la leyenda musical de New Orleans, para cantar lo mejor de su repertorio, en impecables versiones de rhythm and blues.  La voz de Costello se luce, así como los arreglos de piano y vientos de Toussaint.  En algunos de mis temas favoritos como “The Sharpest Thorn” y “Freedom for the Stallion” el verdadero sonido de los black spiritual se hace tan tangible, como fascinante.

Costello supo tener un programa de entrevistas con reconocidos músicos llamado “Spectacle: Elvis Costello with…”.  Tuvo dos temporadas, y fue transmitido en algunas señales de cable.

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SACRED FIRE: LIVE IN SOUTH AMERICA (Santana, 1993)

Quizás haya discos mas importantes en la extensa discografia de Santana como “Abraxas” o el homónimo “Santana”, pero yo me quedo con este por el impacto que me dejaron las versiones registradas de una de las bandas mas aceitadas que tuvo Carlos durante toda su carrera, integrada (por nombrar a algunos) por el virtuoso Chester D. Thompson en teclados (quien fue miembro de Tower of Power en su pico de popularidad) y una destacadísima sección percusíva a cargo de Raul Rekow y Karl Perazzo.

El setlist es un paseo por sus temas clásicos como “Samba pa ti”, “Oye como va” y “Black Magic Woman”.  El único tema innecesario es la floja y “melosa” balada “Make somebody happy”.

La versión en DVD incluye temas que no se encuentran en el disco.

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FROM THE CRADLE (Eric Clapton, 1994)

“All along this path I tread, my heart betrays my weary head, with nothing but my love to save, from the cradle to the grave….”

El titulo lo dice todo: desde la cuna, Clapton mamó blues, y decidió hacer este disco homenajeando a sus grandes mentores.  Eric pasó por muchos géneros, el rock eléctrico, el pop de los ochentas, la balada acústica, el Folk y hasta el reggae.  Pero por debajo, en la raíz de su forma de tocar, la música negra siempre fue la base desde donde hacer canciones.

Clapton decidió grabar los temas en estudio, pero en una sesión en vivo, con la intención de darle la mayor frescura e inmediatez al disco y lo logra de forma contundente cuando se lo escucha.  En el interior del disco se aclara que pocos overdubs se hicieron durante la grabación (casi como tratando de pedir perdón por los mismos).  

Se puede sentir el espacio entre los músicos, entre los instrumentos, es como sentarte ahí, entre medio de ellos.  Para mi gusto, acá encontras el mejor despliegue de guitarra de Eric y su mejor de capacidad vocal para cantar el blues.  Destaco algunos temas como “Motherless Child” y “Someday After A While”.

Existe un documental dirigido por Martin Scorsese llamado “Nothing but the blues” que lo podes ver en youtube haciendo clic aqui, que retrataba el momento de este disco, con entrevistas y temas en vivo. 

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THE BENDS (Radiohead, 1995)

Pasa algo con las grandes bandas, en general, el segundo disco siempre es el que define el sonido que los caracterizará de por vida.  The Bends es el puente evolutivo entre su primer trabajo y quizás su obra mas consagrada, el archiconocido Ok Computer.

Hay algo en este disco que lo hace muy sólido: la producción, la fluidez con que recorres sus 12 temas, la impregnada melancolía de sus letras, y el contraste entre el sonido acústico y la histriónica electricidad de la guitarra de Greenwood.  Por momentos Tom Yorke peca de cantar obviedades depresivas en alguna de sus letras, pero la belleza de sus líneas vocales es indiscutible.

Párrafo aparte para su tapa, una de las mas feas que se hayan visto.