Origami Around
Aqua Utopia｜海の底で記憶を紡ぐ
KIROKAZE
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@leituragrafica
Olá, o meu nome é O. Schrauwen e vou estar no Porto
Pois é, parece que um dos artistas contemporâneos mais interessantes na banda-desenhada, Olivier Schrauwen, vai ter uma exposição na Galeria da Livraria Mundo Fantasma. Inaugura dia 14 de Novembro pelas 17 horas e inclui o lançamento do livro CINZAS. É uma co-edição MMMNNNRRRG (que editou O Espelho de Mogli ) com a Mundo Fantasma. RSVP e + info aqui.
Três perguntas à Lagon
Reparei na primeira vez na Lagon quando apareceu no Tumblr o poster a anunciar o segundo número da revista, Volcan. Estava lá listada a nossa Amanda Baeza ao lado de veteranos que cagam ouro, como o CF e o Yuichi Yokoyama. Não só tinha óptimo aspecto como a pista ia dar a outras coisas com igual afinco. Contactei-os para perceber melhor como cozinham o peru, e eles lá responderam aos mails.
João Machado: Primeiro que tudo, como é que aparece a Lagon? Sei que o Sammy [Stein] estava envolvido com a Collection Revue, mais focada no desenho, e agora a Lagon é dedicada especificamente à bd. Podem explicar melhor o projecto e o racional por trás dele?
LAGON: Nós (Alexis Beauclair e Sammy Stein) conhecemo-nos há dois anos no Festival de Angoulême. O Alexis estava a apresentar o último número do magazine Belles Illustrations (artistas de bd e jovens ilustradores) e o Sammy a última Collection Revue, um magazine sobre desenho contemporâneo (incluindo entrevistas com artistas contemporâneos, artistas de bd, designers gráficos, outsider art..). Conhecíamos o trabalho um do outro, mas nunca nos tínhamos conhecido pessoalmente. Depois do festival, trocámos alguns emails e decidimos criar um magazine com artistas que escolheríamos em conjunto.
(O Belles Illustrations #5, seguida do Collection Revue #4)
Lagon é uma colaboração de dois ateliers de impressão: o Papier Machine para a risografia (O Alexis e a Bettina Henni, ilustradora e também impressora) e o L’Institut Sérigraphique para serigafia (a Séverine Bascouert). Portanto, somos quatro, artistas, impressores, editores.
O primeiro número, chamado Lagon, era dedicado ao desenho e à banda desenhada. No segundo, Volcan, só se encontram bandas desenhadas. Quando pensámos na lista de autores para Volcan, percebemos que a maior parte fazia banda desenhada, e então corremos com a bola e fizemos uma antologia de bd.
(Percurso em GIF do primeiro número da Lagon)
Então e como é que seleccionaram os artistas para cada número? Estão relacionados entre si, com um tema, são relações pessoais vossas?
Visitamos galerias, estamos sempre na internet, e vamos a feiras do livro. Fazemos listas de artistas e discutimo-los um a um. Queremos ser surpreendidos.
No livro procurámos contrastes entre páginas. Convidámos artistas de mente aberta, e alguns nem são especificamente “artistas de bd”, também fazem música, design gráfico, escultura, pintura.. Não, não há tema, e não conhecemos quase nenhum dos artistas pessoalmente.
(Vista aérea de algumas páginas de Volcan)
Quando é que começam a produzir cada número? Interessa-me saber o vosso processo, e como lidam com os aspectos da impressão e da encadernação.
Começámos a pensar na primeira Lagon seis meses antes do prazo limite para impressão. Não vivemos na mesma cidade, portanto trocamos muitos emails e falamos várias vezes ao telefone.
O Alexis e a Bettina tinham que se mudar para outra parte de França, portanto tivemos que trabalhar rápido. Primeiro convidámos 33 artistas para produzir poucas páginas com uma paleta cromática riso muito diversa. O Sammy fez a capa (a Alexis fê-lo para a Volcan). O design gráfico e as páginas de texto (índice e cólofon) foram feitos Jean-Phillippe Bretin e o Jeremy Perrodeau (que também desenharam páginas nos dois números.
Imprimimos 50.000 páginas para o primeiro número e 300 capas. Depois, juntámo-nos todos numa casa no campo e encadernámos todos os livros à mão. Foi a primeira vez que estivémos juntos e foi uma experiência muito boa. Fizemos o mesmo com a Volcan, mas aí tivemos mais tempo para nos preparar: um ano. Foi mais confortável para os artistas que convidámos.
Obrigado e boa sorte!
A Lagon já está esgotada online. O número de cópias disponível ficava-se pelas 100, a 40€ o pedaço. O nosso João Sobral, que esteve no último Safari Festival, ainda conseguiu caçar uma cópia. A publicação vai andar pela Europa numa série de festivais, até chegar a Angoulême no início de 2016. Ah, e eles também vão estar em Nova Iorque já em Setembro. Se catarem uma cópia, dêem-lhe beijinhos e ponham logo no congelador.
— JM
Segundo a Wikipédia não há Banda-Desenhada em Portugal desde 2006
É verdade, nem sequer estou a gozar.
"Então, como último fôlego, a BD tenta ressurgir com a publicação de revistas Disney pela editora Morumbi e com álbuns franco-belgas, onde se destaca a editora Meribérica.Depois do desaparecimento das revistas Disney e da editora Meribérica/Liber, tornou-se evidente que a "Era da BD" tinha acabado."
Ainda bem que no ano seguinte eu comecei a fazer fanzines e acabei por estabelecer a RURU COMIX em 2011. Entre 2011 e 2012 editei a antologia internacional de banda-desenhada LODAÇAL COMIX. Nesta participaram alguns dos nomes mais sonantes da coqueluche da banda-desenhada dita independente e alternativa da actualidade. Isso não importa que são coisas aqui do ego...
Mas temos a Chili Com Carne (que faz este ano 20 aninhos! Parabéns Chili!), MMMNNNRRRG, a malta do Clube do Inferno, o panda gordo, Mr. Spoqui, El Pep, malta que se auto-edita sem selo editorial ou que deita cá para fora as cenas na net tipo o Zé Burnay ou a Daniela Viçoso, entre outros como é óbvio. Mas a BD em Portugal morreu né? Já sei que tudo o que eu disse são notas de rodapé da "história da bêdê" nos olhos dos cromos. Mas eu também sou cromo e não desvalorizo as coisas...
No entanto, parece que quem morreu foi aqui o Clube de Leitura Gráfica... Mas desenganem-se! Está bem vivo... A culpa deste desleixe é minha, Rudolfo, chefe supremo.
Estaremos de volta a todo o gás ainda este mês!
Até já, R
p.s.: eu sei que posso editar o artigo e acrescentar informação mais realista.
Circuito Ambrosia lança campanha de crowdfunding para editar cenas novas em 2015
A maltinha do Ambrosia começou a editar cenas este ano. Como há uma carrada de artistas de qualidade por todo o Brasil, porque não editar 12 livros de 12 artistas?
A seleção de artistas é porreira. Desde a "nossa" Paula Almeida, passando pelo Pedro Cobiaco, Julia Balthazar, Igor Machado (que faz este webcomic muito fixe em conjunto com Leandro Borges), Eduardo Filipe Sama, entre outros. Fica aqui a lista completa:
Para isto acontecer, a malta precisa de 50.000R$ (mais ou menos 15.000€). Esse dinheiro vai servir para pagar custos de impressão, aos artistas, distribuição, e claro, produção de extras (zines, calendário...).
Se quiserem saber mais, podem visitar o Catarse da cena!
Resenha gráfica: "Papá em África", de Anton Kannemeyer
Oi, estão lembrados desta imagem?
É do vídeo dos Die Antwoord, Fatty Boom Boom, onde a Yolandi Visser está de blackface versão Golliwog e o pessoal à volta dela, incluíndo o comparsa Ninja, está pintado de branco. No vídeo uma sósia da Lady Gaga visita a selva urbana da África do Sul, e o motorista faz-lhe uma mostra etnográfica dos nativos, onde se incluem um leão e uma pantera. Depois vem um gang armado e ela tem que se pôr a monte. Aparece em cena a banda. Percebe-se onde isto vai? Lá vem a apropriação degenerada do imaginário racista que nos filtra a visão de África, só que Die Antwoord quer dizer "a resposta" em afrikaans, e se lhes tentarem sacar qual é a pergunta, eles encolherão os ombros.
PAPÁ EM ÁFRICA Anton Kannemeyer 64 páginas a cores, A4, capa dura, 15€ Ed. MMMNNNRRRG
Estão os sul-africanos brancos mais aptos a safar-se com estas provocações sobre as questões raciais, ou é o facto de saberem bem o que a casa gasta que os torna particularmente capazes de espalhar a palavra? Não só pelo história hedionda do apartheid, mas pelo negacionismo e relativismo da população branca face aos crimes cometidos na era do National Party, e a paz podre que lhes sucede. No início de Papá em África de Anton Kannemeyer, dois putos tornam-se amigos por vizinhança, e um dia o branco empresta ao preto o Lótus Azul do Hergé; o livro vem devolvido porque o pai do preto diz que este é racista e proíbe-o de o ler. Confuso, o miúdo branco pergunta-se como é que o outro rapaz pode saber de tal coisa se não tem acesso aos livros. O pai branco comenta que é precisamente por ser considerado racista que ele os deve ler.
A mesma história que inicia Papá em África também tem alguma ironia — a existir racismo em Lótus Azul, ele não é dirigido aos negros, mas aos asiáticos. Na verdade, o livro de cabeceira de Kannemeyer também é da colecção Tintim, mas obviamente trata-se do Tintim no Congo. Papá em África é uma amostra antológica e não uma única história, mas a forma final de álbum habilita-o a parasitar a colecção Tintim em qualquer estante. Kannemeyer dispõe do estilo do velho belga para compôr episódios que podiam encaixar em Tintim no Congo, e noutros momentos há pinturas no mesmo estilo (que funcionam autonomamente) e histórias cuja arte a preto e branco está mais próxima da produção independente ocidental. As aproximações a Hergé determinam a medida do barbarismo: quanto mais parecido é o trabalho de Kannemeyer, mais ostenta, com efeito provocador, a ideologia vetusta do outro. A esse respeito, o paternalismo da era de Hergé nunca teria permitido olhar de frente um dos piores genocídios da história, coisa que às páginas tantas envolveu uma bizarra colecta de mãos humanas. É preciso ir lá aos interstícios da ligne claire buscar o que foi eclipsado.
Continua a existir muita gente que acha que o racismo "acabou", ou que em termos jurídicos tem os dias contados, portanto desaparecerá ao longo do século. A memória histórica assombra de todas as maneiras, e episodicamente há momentos de expiação branca — a popularidade de filmes de Hollywood como Django Unchained e 12 Years a Slave, pedidos de desculpa institucionais como o que se apresentou na Austrália à população aborígene, museus e espaços expositivos multiculturais, quotas de representação.. a lista é longa e sobre a relevância de cada um destes gestos haveria muito por dizer.
O importante, julgo, é dividirmos a questão em duas — sobre a memória histórica, afirmar responsabilidade e corrigir a narrativa heróica de episódios passados que assentaram na exploração brutal de várias populações tem consequências, e temos que estar preparados para elas. A título de exemplo, basta consultar o popular tumblr Medieval PoC para perceber que no caso da história da arte há muita coisa a recontar e reperspectivar. A segunda parte da questão diz respeito à actualidade, e à capacidade das sociedades contemporâneas de detectar justa e atempadamente o preconceito banal e a ofensiva mais canalha. Aí, as últimas semanas foram fiéis à tradição — o uso vazio e parolo da blackface pelos Gato Fedorento, numa operação destinada a vender telemóveis, não levantou grandes ondas, e a violência impune da polícia sobre as populações negras, guetizadas, dos EUA, exigiu duas mãos de vítimas muito públicas até alguém mexer uma palha.
Um artigo recente do Público dedicado ao livro de René Pélissier e Douglas Wheeler sobre a história de Angola ainda gastava alguns parágrafos com a fútil comparação moral entre colonialistas. Sobre isso, a história do início de Papá acaba com Kannemeyer a meditar sobre o puto que não pode ler o livro racista, portanto, sobre a História-tornada-tabu. Na biblioteca caseira Kannemeyer abre um dicionário de afrikaans para recordar o campo semântico de "kaffir", expressão que o português apropriou como "cafre" ("pessoa rude, bárbaro, selvagem"), e logo traz à baila uma listinha de estereótipos esotéricos. Cada inscrição na língua pode ser suavizada na pragmática mas fica sempre um pé de fora, e como se lembra no posfácio de Papá, ainda por cá se pergunta "e eu sou preto, não?", ou nos queixamos de "trabalhar com um preto". Qualquer "top" do colonialismo pode graduar os opressores pela sofisticação, mas na gíria os instrumentos de apoucamento do Outro operam da mesma maneira.
Não há nenhuma mentira contada em Papá em África. Provavelmente a quantidade de Errado é desinteressante para quem está à espera de encontrar críticas "complexas". Ao usar os "conguitos" como lego irónico, Kannemeyer revela um subconsciente obsceno e consegue gargalhadas garantidas, mas é no meio do livro, quando descreve com rigor uma violação, só para apresentar como "punchline" o racismo estrutural do tratamento jornalístico, que o autor arrisca mais. Para não contradizer o início do parágrafo, o que isto quer dizer é que à primeira vez que li senti um frio na espinha, não só por desgosto, mas por não perceber "a piada". E se o livro, primariamente dirigido a "educar" brancos sobre uma questão, estivesse a rir de mim? Foi a única vez que me ocorreu que talvez isto não tenha graça nenhuma.
JM
Resenha gráfica: "The Abolition of Work" Part 2, de Bruno Borges
THE ABOLITION OF WORK #2 (inc. #1) Bruno Borges 24 páginas A3, a duas cores, 15€ (Inclui o primeiro número, em a5, p/b, papel amarelo) Ed. Oficina Arara
É tarde demais para dar outro pontapé no século XX? Será que o dito ainda aguenta uma pêra no sobrolho? Com tudo o que já foi escrito sobre ele, é difícil dizer porque é que ainda não foi expulso da história. Duas guerras mundiais, várias crises económicas severas, e a pedrada final na saúde do planeta, que ameaça tornar-se muito hostil no espaço de décadas. Nada de grave, claro, se considerarmos os episódios como o corolário do Antropoceno.
O século XX, diz-se também em The Abolition of Work, foi o do antagonismo cerrado de dois campos, o dos capitalistas e o dos comunistas, uns a puxar pela pujança maravilhosa da maré que içará todos os barcos, outros a tentar, e falhar, recriar a economia política com as ferramentas legadas pela Modernidade. Foi, tanto quanto o século XIX, ou mesmo pior, dado o avanço derradeiro da acumulação primitiva, o século do trabalho, quer dizer, do trabalho assalariado como forma de vida da maioria da população terrestre, e da ideologia que essa necessidade comporta, tal como ela é reproduzida no nosso quotidiano.
Afirma-se em The Abolition of Work algum desdém pelo marxismo, que identificou a luta de classes como motor da história e veio fornecer armas à parte em sistemática perda, o trabalhador. Na prática, a luta de classes não foi suplantada, e mantém-se o problema ontológico do trabalho. Contudo, é possível ser a favor do trabalhador e contra o trabalho, visto que as décadas de luta sindical e conquistas sociais que nos antecedem ainda não alumiaram uma terceira via: mais dinheiro, mais condições, mais tempo, mas na mesma o trabalho, um kapo à cabeça de uma organização a gerir metade do nosso dia, e se não temos cuidado, tornamo-nos nós o patrão, como profetiza o empreendedorismo neoliberal.
Que o entendimento tácito existe, parece evidente a quem pensa duas vezes sobre o assunto. Pode porém recusar-se que isto não está no marxismo ou nos seus descendentes, que sempre são convocados quando é necessário diagnóstico. Devemos-lhes a noção lúcida de que o capitalismo é feito primariamente de trabalho; o trabalhador produz mercadoria em nome do capitalista, e é esse tempo de trabalho que gera a mais-valia. Os capitalistas competem no mercado auxiliados pelos ganhos de produtividade — quem conseguir produzir em menos tempo e com maior rentabilidade, leva a dianteira. Precisam do trabalhador, mas competem para expulsar força de trabalho do sistema. Daí decorre também a ideia de que o avanço tecnológico e a eficiência acrescida da máquina, poupando horas de trabalho, não vêm apenas melhorar-nos a vida; menos trabalho necessário, mais desemprego, salários mais baixos porque a força de reserva é maior, e esquemas de workfare que complicam e disciplinam o indivíduo na hora de receber a prestação social mínima (muitos deles recorrendo ao auto-emprego como estratégia de responsabilização individual e transferência de risco).
The Abolition of Work 1 e 2 são as primeiras partes de uma adaptação em banda desenhada de um texto do americano Bob Black pelo português Bruno Borges. Sobre os BBs, mas em especial o primeiro, pode enfatizar-se, com muita tinta vermelha e alguns apitos, que são subsidiários do anarquismo e do situacionismo, embora a crítica do trabalho seja cada vez mais vasta e nem todos recorram, como faz Black, a lições de sociedades pré-modernas, pré-industriais. Ocorrem-me, em contrapartida, o pessoal do Rendimento Básico, os tributários da Steady State Economics e do movimento do Decrescimento, ou, por afinidade pessoal, inflectindo em algumas coisas que escrevi acima, o Krisis Group.
O texto de Bob Black tem cerca de trinta anos e encontra-se na internet com facilidade. De vê-lo percebe-se que a adaptação de Borges vai mais ou menos a meio, mais coisa menos coisa. É importante, para quem desespera com continuidades ou falta delas, que se perceba que a Oficina Arara (com quem rema Borges) está a publicar o segundo número junto com o primeiro, e que de sobremaneira cada fascículo se pode ler individualmente. Nesta colecção anti-Planeta de Agostini um tipo pode ficar com uma iniciação escorreita à problemática do trabalho, e por graça das “sticks figures” do Bruno Borges, que tão bem casam com tanta conversa sobre “o lúdico”, instruir as criancinhas mais próximas para uma questão que deve ocupá-las assim que sairem do estado inane.
Por outro lado, se se recomenda a publicação pelo seu valor extrínseco, ou seja, o dar fôlego a um texto importante que a antecede, não se pode recusá-la como obra de bd autónoma, talvez a mais importante da carreira de Borges (n. 1976), um tipo que por fazer bonecos de aparência elementar dribla as categorias mais típicas dentro das escolas de bd independente. Lembro de um texto do Pedro Moura em 2005 onde ele tentava encontrar “primos” ao Borges, mas o trabalho parecia infrutífero. Mais acertado é admitir que é simplesmente um gesto político: o regresso à bd profana das grandes rotativas, do papel de jornal, antes do paperback que dava espinha aos fascículos. Essa bd era descartável, mas a sua iconologia foi sucessivamente elevada até à galeria. O trabalho do Borges vem no inverso, e sugere que temos que começar pelo pindérico, vide a temível e passageira clip art, para corromper o sinal. Esqueçamos aquelas tshirts horríveis com piadas de sexo oral, e pensemos no esquemático, no facto de cada bd ser em si um esquema, uma infografia de conceitos ligados. Depois pensemos, que é suposto este esquema querer dizer? Vamos ao mínimo e estamos no Borges.
A edição do primeiro número de Abolition of Work, puxava a publicação para o livro de artista, dado o preço (15€), lacuna que a inclusão do primeiro número no segundo (em formato a5, p/b em papel amarelo, no mesmo saco de plástico) vem limar ligeiramente. Abolition of Work é filiado na Oficina Arara, portanto num modus operandi de controlo integral, que não é a mesma coisa que a Disneylândia habitual da produção artesanal, onde costuma interessar mais o esgalhamento das técnicas e a raridade do exemplar. A serigrafia aqui justifica-se, creio, pelo uso da cor, que normalmente é tão mais cara quanto o número e tamanho das páginas. Em Abolition of Work ela é domesticada — plana e quente, cai num papel excelente. Sem agrafos, sem merdas. A única incógnita é o subtítulo em cada fascíulo, comics by Bruno Borges. Não devia ser comic, singular? (“a comic by..”)? Ou será como aquelas pessoas que pedem um donuts? Na dúvida, é melhor prender já este gajo.
JM
Resenha Gráfica: "Preto no Branco #4" de V/A e "O Andar de Cima" de Francisco Sousa Lobo
PRETO NO BANCO #4 Vários Autores 100 páginas p/b, formato a5, PVP 4€ Ed. Façam Fanzines, Cuspam Martelos
O ANDAR DE CIMA Francisco Sousa Lobo 20 páginas sépia, formato sub-A4 (21x27 cm), PVP 5€ Ed. Chili Com Carne
No centro de Preto no Branco #4 está um texto breve do Tiago Baptista sobre os Laibach, uma banda industrial/projecto artístico esloveno cuja co-optação de uma estética totalitária para efeitos de crítica política e geral trolanço suscita pausa do articulista — porra, que cativante este imaginário, e tão fatal a sua circulação! A dica que o tipo dos Calhau! que lhe deu em 2009 dá, cinco anos mais tarde, um ensaio de oito páginas onde se fala com algum grau de detalhe dos Laibach no contexto do caos nos Balcãs, sempre com renitência do Tiago porque quando decorria essa história, nos anos 90, ainda ele era puto. Nada disto tem a ver com banda desenhada, mas é peça central do que se faz no Preto no Branco.
Preto no Branco é uma série antológica da Façam Fanzines, Cuspam Martelos, a editora, colectivo, onde o Tiago Baptista e a Catarina Domingues publicam o seu trabalho em bd, ilustração, e fotografia. No início esse selo servia para os zines do Tiago, mas a expansão do catálogo e de uma fiada de relações foi compondo uma dinâmica que extravasa o autor singular. Em Preto no Branco os dois convidam outros autores, e neste número, depois de uma ausência nos bastidores, o Tiago até tem uma história em banda desenhada em que o trabalho da Catarina lampeja brevemente.
O texto sobre os Laibach não é esquisito neste tipo de publicação. Em números anteriores tínhamos ensaios do Tiago sobre os Swans e os Crass onde também se falava da música por via da imagem, de novo uma imagem minimalista, absoluta, desarmante. Preto no Branco acompanha de perto essa austeridade estética, e se os primeiros três números tinham quadrados na capa a lembrar o suprematismo, neste a capa é preta e acartonada, limita-se a apresentar o título a cinzento, e dá mesmo aquela pausa de grande mono.
Não é que estejamos a falar de jarrões de sala; o conjunto é que faz jogo do sério, mesmo quando as histórias são curtas. Fala-se da guerra, de imigração, das crianças maldosas, da psicose, e da casa da Imperatriz. Entre páginas com fotografia, colagens, ou trabalhos de ilustração mais abstractos, pelas quais são responsáveis metade dos autores deste número, temos quem faz bd — Amanda Baeza, Tiago Baptista, Francisco Sousa Lobo, Aleksandar Zograf, André Lemos (este depende da lente que se usa). Paradigmática é a aparição no meio desse grupo do José Lopes, autor mais marginal, veterano num circuito "baixo" da bd portuguesa, um tipo que não via desde o "Há uma Luz que Nunca se Apaga", a mesma bd que o Tiago encontrou numa feira e lhe suscitou o convite. Nesta história reconhece-se o estilo dele, de linha fina a caneta e fundos planos de preto, e não é ovni nenhum, antes parece taco-a-taco com as últimas do Gilbert Hernandez.
A questão dos comebacks de que ninguém dá conta também se pode aplicar ao Francisco Sousa Lobo, embora o mais prudente seja admitir que existiram contributos no suposto intermezzo, mesmo que demasiado insulares para nos apercebermos. Lembro-me de ouvir falar e ler histórias do Lobo no início dos anos zero, e depois nada. Desde o ano passado que o autor nos tem presenteado com uma sequência de trabalhos que expõem um tipo que fritou, deu a volta, e desenha para recompor a sua narrativa.
Pondo de parte O Desenhador Defunto (Chili Com Carne, 2014), a obra mais longa desta sequência recente, que ainda não li, podemos montar um puzzle com as participações de Sousa Lobo em Preto no Branco #4, Crumbs (Kingpin Books), e Zona de Desconforto (Chili Com Carne). A esses junta-se o recém-editado comic a solo, O Andar de Cima, pela Chili Com Carne, coisa para 20 páginas que parecer ser fiel à dimensão dos originais.
O Andar de Cima apresenta, logo no verso da capa, uma fanfarra em forma de logotipos e missivas professorais sobre o Ano do Cérebro, mais uma daquelas buzzwords destinadas a marcar a agenda mediática. No caso em apreço, deu uma palestra na FCT acorrida por estudiosos e "personalidades", mas nada disso interessa muito, porque as meditações do Sousa Lobo são dispersas e inconclusivas, e em nada se aproximam de acta do evento.
O Andar de Cima é narrado na primeira pessoa por um tipo que foi torturado pela PIDE com discos da Amália, som que nunca mais lhe saiu do cérebro, e a espaços se juntou com outros, as vozes do "andar de cima". Fique claro aí que a conversa do homem está longe de suscitar choradinho, porque mesmo com consciência desses sussurros enquanto problema, adverte-nos que não pertence ao grupo das vítimas, mas mais ao dos estóicos ("não sou esquizofrénico, nem uma curiosidade tipo [as do] Oliver Sacks").
N'O Andar de Cima, claro, o protagonista tem que ser velho o suficiente para ter sido apanhado pelos fachos, mas Lobo nasceu em 73. Pode não ser ele. Mas é ele, ainda que tangencialmente. De lembrar que, por exemplo, a história de Zona de Desconforto é autobiográfica a nu, espécie de Art School Confidential com menos tiques e a ir mais fundo: dois dedos de conversa sobre o doutoramento na Goldsmiths e um historial depressivo com um surto psicótico. Não é por acaso que isto nos põe desconfortáveis — ver um gajo desbobinar-se numa bd não é pêra doce —, e somos quase forçados a concluir que aí sim, foda-se, o gajo viveu para contá-la, isto é que é bd. Tanto ele como nós sabemos que não é bem assim, daí as tangentes e as reviravoltas, porque narrar-se é mais do que uma estratégia argumentativa em banda desenhada; é uma estratégia identitária também.
Francisco Sousa Lobo já é como um José Carlos Fernandes virado para dentro, mas ainda não sabemos onde é que a mina da sua vida pessoal vai dar nem se se pode exaurir tão cedo. Certo é que, como em Preto no Branco, e agora lembro-me de trabalhos como o Journal do Fabrice Néaud, contar histórias não é nenhuma função primordial da banda desenhada. História é a forma final da coisa, quer a contes, quer não. Algumas lutam com a página como se o fim fosse uma deadline qualquer, mas trabalhos como Preto no Branco e O Andar de Cima sugerem que a reversibilidade é um factor importante: voltar atrás, rememorar, repisar um raciocínio, nada disso é trabalho parcelar, antes documento dum processo fundamental.
JM
Louie Louie recebe exposição de RUDOLFO
Pois é, pelos vistos a loja da LOUIE LOUIE no Porto tem andado a fazer exposições regulares e desta vez vamos ter o "nosso" gordo hiperactivo, RUDOLFO. A exposição inaugura dia 12 de Dezembro e vai estar patente até dia 12 de Janeiro! (uau, sabemos ler as informações do cartaz!!) Pelo que sabemos, vão poder contar com ilustrações e originais de BD feitos nos últimos dois anos. Ou seja, a primeira vez que as pranchas da MOLLY vão estar expostas ao público?? Espectacular!!
"RUDOLFO é um mestre de todos os ofícios e mais algum. Faz bonecos desde sempre, mas foi em 2007, quando tinha 16 anos, que começou a editar os seus fanzines de banda-desenhada que entretanto se viram misturados com toda a sua raiva emocional através dos seus discos carregados de Hate Beat e concertos cheios de espasmos, caos, fritaria e bastante rabetice... Do seu pequeno percurso hiperactivo contam-se uma série de fanzines próprios (ninguém quer saber de fanzines!), participação em várias antologias de banda-desenhada da Chili Com Carne ou oriundas de outros países/continentes, ilustrações para aqui e para acolá (agora faz imenso lixo para a VICE) e também alguns discos em formato CD-R/MP3. No entanto, os seus feitos mais importantes podem ser reduzidos a uma lista: a criação e morte da antologia de banda-desenhada trimestral e internacional LODAÇAL COMIX, que foi editada entre 2011-2013 através do selo Ruru Comix; ter sido a primeira e talvez a única pessoa a ser expulsa do Milhões de Festa; ter criado o bootleg mais másculo de sempre daquele rato amarelo que dá choques (MUSCLECHOO); e, mais recentemente, do seu trabalho contínuo a ilustrar NEGATIVE DAD, uma BD escrita pelo Nathan Williams (WAVVES) e o seu amigo, Matt Barajas (HEAVY HAWAII). Ah, também tem andado a fazer bimestralmente a sua nova revista de bd, MOLLY!"
Resenha Gráfica: "SPACE" e "PIZZA MAN" de Afonso Ferreira
SPACE Afonso Ferreira 24 páginas a cores, formato sub-A4 (17x24 cm) Ed. Edições El Pep PIZZA MAN Afonso Ferreira + Tomás e Vasco 16 páginas a cores, formato sub-A4 (17x24 cm) Ed. Edições El Pep
Durante a última Feira Morta estive ao lado do Afonso Ferreira, presença permanente na banca porque o coitado ficou entalado num L de mesas. Rimos disso e mais, e no fim da feira lá fomos à nossa vida, e aí é que lembrei: não tinha comprado as publicações novas dele! Felizmente servi de correio para umas quantas, e guardei. O lapso explica-se por distracção, embora suspeite que lá no fundo desconfiava que as publicações não eram bem "a minha cena", e contudo, o rapaz nunca mereceu tanto que se escrevesse sobre ele.
Space e Pizza Man são duas publicações em formato comic da El Pep Books, uma editora que tem tido desdobramento em loja ao longo de 2014. As tiragens não aparecem no interior dos livrinhos, mas os valores de produção e as burocracias do costume (ISBN e depósito legal) sugerem que a coisa foi feita para se meter numa distribuidora e passear pelo país todo. Para mais, têm títulos em inglês, portanto se vires alguém que domine esse código, mostra-lhe o peru.
Para recordar, o Afonso Ferreira nasceu em 88 e ainda está na casa dos vintes, embora não seja novo nas lides literárias. Antes tinha editado, com outros três macacos, o QCDA #1000 (Chili Com Carne), e há dois anos havia o Love Hole (Chili Com Carne, em parceria com a Ruru Comix). Esta segunda publicação, que compilava capítulos curtos que saíram em vários números da antologia Lodaçal, já carregava em todos os botões e sugeria a iminência do asteróide Ferreira.
Publicação controversa, Love Hole foi acusado de homofobia em conjunto com o Musclechoo do Rudolfo, e mal lida por gente que tinha obrigação de saber comportar-se. Para rolar com a bola, Love Hole, ao deslindar peripécias dum gajo que tem oportunidade de se foder a si próprio, era literalmente homofóbico. Atenção que o Oxford Dictionary acabou recentemente com a distinção entre literal e figurativo, tão corrupto é o uso que fazemos dos dois termos. Literalmente homofóbico quer dizer que enfrentava a coisa de frente, e punha em cena um fantasma do heterossexual, enquanto ria de barriga cheia.
O humor do Afonso oscila entre o infantil ecchi à gag manga tipo Dr. Slump e o subversivo de animações como o South Park. Não sei se foi por causa do Love Hole, mas depois desse livro as aventuras do Afonso foram mais tímidas, com uma strip ordinareca chamada Dolphin and Dolphino, e exercícios casuísticos com paródias de personagens conhecidos, como é o caso do Indiana Jones, no QCDA #1000 (ver acima). Desde o início do ano que tem expandido o vocabulário com a apresentação de uma personagem diferente por dia, no Tumblr, coisa que há-de gerar um poster ou outras tantas toneladas de merchandising. No meio disso, há coisas como esta pequena bd com um tomate e uns pombos..
Assim mesmo para nos foder o juízo e demonstrar que está tudo no como e menos no porquê, um dos novos livros do Afonso é escrito por putos com 6 e 8 anos, o Tomás e o Vasco. Pizza Man é a história dum homem-pizza que é atacado no seu sossego por um ninja-salsicha. Sabe Deus o que move o antagonismo dos dois, mas a batalha, a gozar com comics de pancadaria ou puro shonen, inclui o disparo de rodelas de pepperoni e um caranguejo de aquário à deriva. A premissa não tem subtileza nenhuma, mas as vinhetas sim: o Afonso investe em micro-acções, expressõezinhas, e umas cores quentes que mandam a bola para as silvas.
O outro comic, Space, tem um registo diferente. Tem graça que a Amanda Baeza tenha sublinhado, na Feira Morta, apresentando o QCDA #2000, a ideia de comics for wanderers, como que distinguindo a edição das raparigas da dos rapazes no desprezo dado à finalidade das quests. Neste Space, seguimos um cérebro à deriva no espaço, mas não há corolário nem explicação, se excluirmos a citação do Ricardo Martins, amigo e um dos tipos por trás da Desisto, sobre a relação de aprisionamento da caveira com o cérebro. O Afonso dá-lhe brevemente na xenoestética quando inventa um curioso planeta para poiso do cérebro, e em dois tempos até há por lá um humanóide, mas a bd é cíclica, e a primeira página como que se repete no fim.
Apesar de estarem cá fora em simultâneo, Space e Pizza Man têm afinamentos visuais bastante distintos. Em Space há atenção a texturas suaves, e as vinhetas de canto arredondado aludem precisamente à introspecção e ao sonho. Também não há contorno das vinhetas (só o corte para o branco), expressões labiais, nem qualquer texto, o que reforça a ideia anterior. Aliás, a depuração é tal que o Afonso quase se excusa a utilizar contornos de figuras, recorrendo sobretudo aos contrastes na paleta para as definir.
A cor é o segredo de Space, a melhor das duas ofertas, que talvez seja um tratado sobre esse aspecto, com pontada forte e refracções subtis, transportando para a banda desenhada aquilo que só parece sair bem na animação, visto que o movimento modela o impacto de cada superfície. Um empenho raro num trabalho para uma audiência lata, e se na Feira Morta falei de um meme do Putin que tenho ganas de usar a toda a hora, está na hora de o partilhar com e para o Afonso:
JM
ALTCOM 2014: POSTAPOKALYPS - Nova Geração de Banda-Desenhada portuguesa na Suécia
Parece que este ano de 4 a 9 de Novembro há ALTCOM, festival de banda-desenhada independente e alternativa que acontece na Suécia de dois em dois anos ou lá o que é. A cena fixe, é que vai haver uma exposição focada nos dois números da coleção QCDA editada pela Chili Com Carne.
Para quem não sabe, QCDA é um livro enorme com banda-desenhada de 4 novos artistas por número. O #1000, conta com a presença de Afonso Ferreira, André Pereira, Rudolfo e Zé Burnay. O #2000, que vai ser lançado oficialmente no festival, conta com a presença de Amanda Baeza, Hetamoé, Silvia Rodrigues e Sofia Neto.
A exposição dedicada ao QCDA inaugura já no dia 6 de Novembro, no Mitt Möllan em Malmö. Nesse mesmo espaço vai haver simultaneamente uma exposição de Yvan Alagbé & Amandine Boucher e outra colectiva da Tusen Serier. Parece que nessa inauguração vai haver concerto de Feberdröm e do nosso Rudolfo. Espectacular.
Ah, como o Afonso, a Amanda, a Hetamoé, o Rudolfo e a Sofia vão estar presentes em carne e osso, podem contar com uma reportagem do festival e afins! YES!!!
Mais info do evento aqui e aqui.
Webcomics do Clube: "PAT" pt.1 de Afonso Ferreira
Resenha Gráfica: "Oasis 1" e "X-Files: Slime and Bugs" de Josephin Ritschel
Não tenho o mérito de descobrir tudo. Foi o Rudolfo que descobriu a Josephin Ritschel, cujo site bonitinho atestava saber como se faz a maionese, mas percebi que era a mim que ela estava a piscar o olho. Isto porque com tantas adaptações e remixes de cartoons por aí, ora com o Dragonball, as Tartarugas Ninja, os Transformers, e até o memético Bartkira (Simpsons+Akira), havia na loja dela um zine sobre os X-Files.
Os Ficheiros Secretos. Isto para mim representava o upgrade da mão-na-mão nostálgica. Via com assiduidade, comentava, vi o filme... depois acho que mudei de escola. Já mais velho, revi até a chamada "mitologia" de uma fiada — o conjunto dos episódios em que o Mulder e a Scully não vão às aldeias resolver mistérios e se dedicam estritamente ao combate àqueles extraterrestres e conspiradores que lhes querem mal. Qualquer pessoa com o mínimo de afeição à serie argumentará que os X-Files não precisam de fan fiction, porque o segundo filme, tardio, espécie de afterthought, já faz esse esforço. A Josephin Ritschel fez-se ao piso, usou os nomes e as parecenças, cagou e andou, ninguém a processou.
Porque é que uma artista alemã com um trabalho nitidamente "gráfico" que o It's Nice That adianta ser, e com razão, mais dedicado a espaços imersivos e arquitectura modernista, se investe nos X-Files? Pelo carcanhol? Como ela não tem Tumblr nem fandom para minar, pus o raciocínio de parte e li o outro zine que encomendei, Oasis 1: Last Grain. Espécie de thriller com laivos de absurdo, trata afinal de uma corporação nos moldes da terrível Monsanto e dos seus efeitos na reprodução de sementes geneticamente modificadas. A acção passa-se num futuro próximo onde o monopólio global dos eco-gangsters foi mais longe, e o primeiro número acaba com a promessa duma continuação a ter lugar numa estação espacial, no futuro distante.
Afinal, pondo de lado os temas, o que une o trabalho da Josephin Ritschel é o espaço sombrio e exótico — casas modernistas, sim, mas mais importante é o isolamento destas, comidas pela paisagem sombria e escandinava. Desenhando com lápis que recobre toda a superfície da página, ela usa texturas para cima e para baixo, do 30H ao 1000B. A figura humana tem pose hierática, como um Sim, e os seus contornos perdem para o investimento atmosférico. O desenho ainda sugere um falhanço qualquer utilizado como vantagem, como se fosse uma elaboração de um desenho mais infantil, resolvida pela noção básica de isometria. Em Oasis as figuras são genéricas e escasseiam os planos aproximados, mas em X-Files não parecem nada inocentes as cabeçorras do Duchovny e da Anderson, como que desenhadas à vista.
Temos que falar de uma escala pós-humana para certo tipo de artistas, que se desinteressam de ter a figura humana ao centro da acção visual. O interesse materialista da Ritschel tem mais a ver com a composição na página e a carga onírica, e menos com a exploração fetichista, como a do Yuichi Yokoyama no Garden, onde um grupo vai andando pelo jardim e encontrando objectos em séries, o que é um fartote de rir (a sério!). Depois de ler Oasis percebe-se que o zine de X-Files, que afinal acaba em forma de piada, cumpre objectivos de apropriação estética. Nele ela atravessa todos os clichés do monster of the week com precisão atonal: temos acesso ao crime misterioso; ao memorável edifício brutalista; ao momento eureka junto ao gabinete de curiosidades do Mulder; à cena de crime povoada de feds; ao motel suburbano onde nunca se chega a passar pelas brasas porque há uma reviravolta no caso.
Cada cliché de X-Files é executado na perfeição, como se fosse um storyboard do episódio. Explora-se a pobreza da televisão, onde se regressa circularmente aos mesmos sítios. Os diálogos aparecem no limite da vinheta, no mecanismo geralmente usado para narração, como se se atropelassem, como se alguém estivesse a ler em voz alta uma história "de género" e se recusasse a dar o devido ênfase aos catalisadores de acção. Em Oasis já há balões, mas são rígidos e propositadamente verbosos. O facto de toda a história de Oasis ser previsível atira também para a graça de um filme de série b, onde a awkwardness abre releituras a uma audiência mais sabidona.
No final de X-Files percebi que o zine que tinha nas mãos era já uma quarta edição, de 50 exemplares (de 2013, quando o zine foi lançado em 2011). Pensei no produto que tinha em mãos, e olhando para Oasis, tive sérias dúvidas sobre o papel das editoras. Cada vez mais há autores deste tipo, capazes de fazer a embalagem toda com afinco profissional. Oasis 1 é aliás um comic regular como outro qualquer, embora a encadernação a linha sugira um método artesanal, o que só o enriquece. Procuramos, afinal, qualquer coisa mais especial. A Josephin teve a simpatia de devolver dinheiro dos portes, fazer chegar o envelope em três dias, e ainda forrar a coisa com extras (um poster e um jornal Kuti onde participou). O seu próximo lançamento é uma republicação de Solitude, a sair pela editora italiana Canicola, o que talvez lhe vá dando "acesso aos mercados". Sei que o essencial já está feito.
JM
LAGON, uma antologia massiva oriunda de França
Ok, já estamos um bocado atrasados a relatar o lançamento de LAGON, uma antologia surpreendente de 334 páginas impressas em risografia que saiu em Junho deste ano. Foi editada por Sammy Stein e Alexis Beauclair.
Conta com a participação de 33 artistas internacionais ligados à banda-desenhada, ilustração, etc dos quais fazem parte Ben Wheele, Amandine Meyer, Benjamin Marra, Etienne Chaize, Jean-Philippe Bretin, Aidan Koch, Bettina Henni, entre outros.
Podem ver mais sobre a antologia aqui. ( e claro, encomendar a respectiva e chorar pois já está esgotada!!)
(pelos vistos ainda está disponível em raros acontecimentos onde os editores vão estar presentes. Se alguém estiver por França e nos quiser comprar, que entre em contacto connosco! )
Tiras de Jan Soeken
Jan Soeken pinta e pelos vistos faz volta e meia estas tiras bem engraçadas. Podem ver mais do seu trabalho aqui.
Bonecada da Maren Karlson
Podem ver mais do seu trabalho no seu tumblr ou website.
Resenha Gráfica: "O Espelho de Mogli" de Olivier Schrauwen
Foi editado há pouquíssimo tempo um livrinho do belga Olivier Schrauwen, de quem já se falou aqui no Clube, pela portuguesa MMMNNNRRRG (e distribuído pela Chili Com Carne). São 40 páginas a três cores e em papel próximo do de jornal, e eis uma comparação de tamanho:
Porque é que isto é importante? Para a malta que se limita a encomendar pela internet para poupar tostões, raros são os casos em que os livros se mostram na sua forma final. Vamos evitar o unboxing e o vídeo de manuseamento porque ninguém precisa da fruta toda; basta dizer que o livro cabe em duas mãos generosas e tem que ser bem protegido da chuva.
A edição deste Mogli agarrou-se ao papel na Estónia, numa co-impressão entre Portugal, Espanha, Noruega e Finlândia. Com efeito, o livro é um remake do que foi publicado pela Ouvroir Humoir em 2011, tendo acedido à selecção dos prémios de BD de Angoulême no ano seguinte. Tem mais páginas, cores ligeiramente diferentes, e outro formato. É difícil dizer para quem não se destina. Está firmado que a era da morte do livro, tal como a do rock, trará muitas e belas surpresas, com afinco máximo nos aspectos que ainda definem o objecto, tais como o papel, a cor, e a encadernação. O facto de Mogli ressoar de um clássico e se apresentar como objecto bonito torna-o irresistível dos 7 aos 77.
Conheci o trabalho do Olivier Schrauwen por altura do blitz promocional do Mould Map 3, um serviço de encadernação que foi feito à cena do Tumblr onde entraram milhares de tipos relevantes (falei sobre um aqui, hoje faz cenas para a Kenzo e a Art Forum, e só passaram uns meses). Aí, claro, já eram os anglo-saxónicos a apanhar o comboio, e fica a memória dum textinho do Matt Seneca sobre o primeiro número de Arséne Schrauwen, o comic do Olivier que a Fantagraphics vai agora compilar, embora com atraso, porque o mono já saiu aqui ao lado.
Mogli, vamos lá insistir, remete para o Livro da Selva, e reconta o contacto do puto selvagem com uma orangotango. Ver a símia materializa a experiência de espelho na selva, um espelho ainda mais perfeito que a água, porque ela mimetiza o seu comportamento em carne e osso. Porém, ao contrário da fábula popularizada pela Disney, a inocência logo se perde, e a relação interprimatas demonstra-se impossível, pois apesar do que demonstram bestialistas e os exemplos de cooperação na natureza, a amizade íntima mantém-se um valor humano. Bem a procura Mogli entre os primatas e demais mamíferos da floresta, mas o destino dele é a civilização, um desfecho que já nos aparece como triste e parolo.
Para atravessar esta fábula, Schrauwen move-se entre a estrutura mais clássica e os mecanismos mais avant-garde. Lá vem a puta da grelha resolver o assunto, mas é secundada por uma harmonia cromática ímpar, que dá a entender que nada é deixado ao desequilíbrio. A espaços o Schrauwen leva a floresta à dissolução, e as páginas ganham espessura grossa pictural; desaparece o cartoon e percebe-se que talvez a coisa seja uma experiência de fronteira.
Como nota pessoal, recordo-me de uma exposição que vi há vários meses sobre Tiki pop, o fascínio comercial com a Polinésia que atingiu o pico nos anos 60 e hoje é alvo de revisitações. À época a questão era a de saber se o apogeu do progresso e conforto humanos se resolveria com luaus e palhotas tropicais, ou robôs de processamento de comida. Uns escolheram o exotismo, outros o futurismo. Pensando em Mogli, mas também na história que Schrauwen fez para o Mould Map 3 no início deste ano, toda ela passada num futuro abstracto a la Yuichi Yokoyama, percebo que estamos agora num eixo mais complicado. Se hoje vivemos no "futuro negro" e só visitamos o passado enquanto nostalgia, a única solução é restituir os dois tempos e comunicar com eles. A banda desenhada é perfeita para isso e Schrauwen um acertado porta-bandeira.
JM
"Erzsébet", o regresso de Nunsky quase 20 anos depois
Desde o número 13 do fanzine Mesinha de Cabeceira*, editado algures em 1997 pela Chili Com Carne, que não sabemos nada de Nunsky. Quase 20 anos depois está de volta com Erzsébet, editado também pela CCC.
17º volume da Colecção CCC editado por Marcos Farrajota. Design por Joana Pires 144p p/b 16,5x23cm, capa a cores 500 ex. ISBN: 978-989-8363-24-4
Sinopse: Erzsébet Bathory, a infame condessa húngara contemporânea de Shakespeare, ao contrário deste, incarnou como poucos o lado negro e animalesco do ser humano. São-lhe atribuídos centenas de crimes inomináveis que lhe grangearam alcunhas como "Tigreza de Csejthe" ou "Condessa sanguinária" e que a colocam no mesmo lendário patamar de bestas humanas como Gilles De Rais ou Vlad, o Impalador. Por detrás do seu rosto pálido, de olhar impassível e melancólico ocultava-se o próprio demónio, Ördög.
*já esgotado mas podem consultar online aqui.