Música Latina @leonardocar20 - Tumblr Blog

Posts

Soy ese vicio de tu piel que ya no puedes desprender Soy lo prohibido Soy esa fiebre de tu ser que domina sin querer Soy lo prohibido Soy esa noche de placer...

Olga Guillot

hija de artistas catalanes, nació el 9 de octubre de 1922 en la ciudad de Santiago de Cuba, al sureste de la isla. En su adolescencia se trasladó con su familia a La Habana y, atraída por la música, debutó como cantante junto a su hermana mayor Ana Luisa formando el dúo «Las hermanitas Guillot» en el programa radiofónico. La corte suprema del arte, donde obtuvo una distinción. Formada en las disciplinas del baile y el drama, Olga Guillot estudió canto en el Conservatorio de La Habana con la soprano Hortensia Cohalla y el cantante Mariano Meléndez; también, en la década de 1930, cantaba generalmente durante las reuniones familiares y algunos programas radiofónicos.

Comenzó cantando tangos, influenciada por Libertad Lamarque y Mercedes Simone. En los años 1940, la vocalista formó parte del cuarteto Siboney, dirigido por la compositora Isolina Carrillo y cuyo pianista, Facundo Rivero, le facilitó el debut como solista en el local nocturno Zombie Club, en 1945. A partir de ese entonces, sus actuaciones se acrecentaron en los teatros más relevantes de Cuba y encabezó temporadas en los cabarets Sans Souci, Montmartre y Tropicana.

Guillot contrajo matrimonio, primero con el actor Alberto Insúa (1926-2003) y más tarde con el compositor y pianista René Touzet (1916-2003), con quien tuvo a su única hija: Olga María (n. 1960), que se dedicó a la misma profesión que su madre.

Comienzos profesionales

En 1946 estrenó el bolero «La gloria eres tú», de José A. Méndez, y ese año grabó para Panart la versión en español de la melodíanorteamericana «Stormy Weather» («Lluvia gris», en español), con la que logró su primer éxito discográfico. En el mismo año, debutó en la emisora de radio 1010, a la que le siguieron sus actuaciones en Coco, RHC-Cadena Azul, Radio Progreso, etc.

Seleccionada en 1946 por la ACRI (Unión de Crónica Tele-Radial) como la «cancionista más destacada de Cuba», ese año realizó su primera actuación en la sala de espectáculos Habana-Madrid de Nueva York y llevó a cabo unas grabaciones discográficas bajo el sello de la compañía Decca alentada por Miguelito Valdez. En 1948, junto a René Calbell, se trasladó a México y ahí grabó para la empresa Anfión con la orquesta de Gonzalo Curiel y realizó su primera intervención cinematográfica en la película La venus de fuego al lado de Meche Barba. Posteriormente, una gira de año y medio la trasladó por Argentina, Chile, Perú, Brasil, Colombia y México, donde grabó para Columbia, con el respaldo de la orquesta de Juan Bruno Tarraza y Felo Bergaza en la producción de Sun Sun Dambae, en el cabaret Sans-Souci.

Elegida en 1951 la «reina de la radio» por diversos admiradores del concurso patrocinado por el periódico Mañana, Olga Guillot continuó sus giras por Latinoamérica de forma exitosa entre 1952 y 1953, grabando a su vez con el respaldo del pianista y compositor Juan Bruno Terraza; en 1954 debutó en Radio Progreso con ayuda de Tito Garrote.

Consagración en Cuba

En 1954, además, firmó un contrato para la compañía Puchito y continuamente, grabó el bolero «Miénteme», de Chamaco Domínguez, una de sus canciones más reconocidas, con la que en 1955 obtuvo el Disco de Oro. Según la escritora Yolanda Novo Villaverde, «este bolero puede ser tomado como epítome del estilo interpretativo de la cantante... "Miénteme" constituye uno de los múltiples ejemplos de expresión de un sentir masoquista en el género del bolero.» Sólo en Cuba vendió medio millón de copias y, en México, pasó semanas en los primeros lugares de las emisoras, y se hizo muy popular en el resto de América Latina.

«El bolero no es una música vieja. Lo que pasa es que hubo un tiempo en que la balada entró muy fuerte y eso hizo que el bolero padeciera un pequeño secuestro. Pero en estos momentos está muy bien, porque la gente joven se ha volcado mucho con él. Hay una nueva generación que se arrulla con el bolero y para mi es muy bonito que la gente joven esté conociendo este género a través de artistas de su propia edad.»

Olga Guillot.

La cantante no sólo era reconocida en su propio país, donde se la proclamó «La mejor voz cancionera de Cuba», sino también en Nueva York y diversos países de Latinoamérica. Guillot compartió escenario con Sarah Vaughan, Edith Piaf y Nat King Cole, a quien, según sus allegados, le dio algunos consejos sobre la manera de cantar en español cuando éste grabó un disco en Cuba. Contemporáneamente, participó del espectáculo Cuba canta y baila que se presentó en los teatros América y Radiocentro.

En 1954, 1955 y 1956 ganó el premio de la Crítica Diaria de Radio y Televisión a la mejor voz femenina de Cuba. En 1957 regresó a México, donde popularizó el bolero «Tú me acostumbraste», de Frank Domínguez. En 1958, trabajó en Europa por primera vez, con giras por Italia, Francia, Alemania y España. En el Casino de Palm Beach, en Cannes, compartió el escenario con la cantante francesa Edith Piaf. También grabó para la firma Musart, acompañada por el maestro José Sabre Marroquín. Actuó posteriormente en radio, televisión y espectáculos de cabaret y grabó el disco «Olga de Cuba» bajo la dirección musical de Humberto Suárez. En 1961 recibió un disco de diamante por ser la cantante cubana con más discos vendidos en el período de 1954 a 1960 respectivamente.

Exilio y consagración en países extranjeros

En febrero de 1961, luego de la Revolución cubana liderada por Fidel Castro, abandonó Cuba con su hija Olga María (hija del compositor René Touzet), después de que el gobierno le quitó sus propiedades. Primeramente, se trasladó por seis meses a Caracas (Venezuela), en espera de poder fijar su residencia en Estados Unidos. Al momento de su salida, era una de las figuras invitadas en el espectáculo Serenata Mulata, en el cabaret Capri de La Habana. Finalmente, el compositor José Sabre Marroquín la invitó a asentarse en México, país en el que vivió durante aproximadamente tres décadas y al que consideró su «segunda patria y hogar». En 2008, durante una entrevista, la cantante expresó: «En Cuba silenciaron mis boleros, quemaron mis programas de radio y televisión, como si yo no hubiera existido nunca. Me duele mucho. Fidel me quitó mi casa y mi carrera de 18 años. Me llevaron presa tres veces y cuando mi hija tenía 18 meses me dijeron: "Como sigas hablando mal de la revolución, no la ves más.»

Si bien en México interpretó temas musicales de Armando Manzanero, Luis Demetrio y Lolita de la Colina, en 1963 la Academia de Artes John F. Kennedy de Hollywood le otorgó el premio Palmas de Oro como la mejor bolerista latinoamericana y en 1964 realizó su primer concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. En mayo de 1965, acompañada por el trío Los Panchos y Miguelito Valdez, se presentó en el Teatro Paramount de Broadway. Obtuvo en 1967 el segundo lugar en el Festival de la Canción de Miami, en el que participó con la canción «Bravo» y un año más tarde, viajó a España y actuó primero en el Florida Park de Madrid y posteriormente, en Barcelona, donde recibió el premio Olé por su interpretación de la canción «Adoro», de Armando Manzanero. Es en esa época cuando se presentó al lado de Frank Sinatra en la inauguración del Hotel Manila-Hilton de Filipinas e intervino en el Festival de Eurovisión.

De sus canciones más famosas destacan «Miénteme», de Armando el Chamaco Domínguez; «La gloria eres tú», «Cuando estoy contigo», «Soy tuya», «No», «La noche de anoche», «Qué sabes tú», «Voy», «La mentira», «La canción de mis canciones», «Palabras calladas», «Lágrimas negras», «Campanitas de cristal», «Contigo en la distancia», «Sabor a mi», «Alma mía», etc.7De entre sus más de cincuenta discos de larga duración figuran «Romance y melodía», «La temperamental Olga Guillot», «Canciones de María Grever», «12 éxitos románticos», «Añorando el Caribe», «La Guillot interpreta a Manzanero», etc. En el medio televisivo, se destacó conduciendo El show de Olga Guillot, que se mantuvo durante varios años y en el que comenzó su carrera elmexicano José José. Entre los 16 filmes en que participó se destacan Opio, No me olvides nunca, Yambao, Música de ayer, Una estrella y dos estrellados, etc.

En 1975 grabó en España para CBS el bolero «Me muero...me muero», trabajo al que le continuaron el triple álbum grabado en Buenos Aires para la casa discográfica Orfeón, el realizado ese mismo año en México, los long-play realizados en 1980 y 1982 en Argentina y los recitales que ofreció en el Carnegie-Hall de Nueva York. También trabajó para teatro y televisión. En 1980 debutó en la obra Esperanza Peña, escrita en Miami especialmente para ella, y en televisión protagonizó la telenovela Un color para esta piel. En marzo de 1988, con motivo del espectáculo Los 100 años del Bolero, celebrado a casa llena en el Teatro Nacional de Santo Domingo, República Dominicana, acompañó a otros grandes como Lucho Gatica y Roberto Ledesma, demostrando que aún conservaba y dominaba tanto el escenario como su inigualable voz. En diciembre de ese mismo año celebró sus bodas de oro con el bolero.

Posteriormente, otras actuaciones llevaron a Olga Guillot por Panamá (1990) y a Puerto Rico (1991). La cantante, que en su repertorio incluyó melodías de los más conocidos autores hispanoamericanos y españoles, recibió una gran cantidad de premios. Así, sus grandes éxitos discográficos fueron galardonados con 3 Heraldos de México, 5 Discómetros de Oro, concedidos también en México; 3 Guaicapuro de Oro de Venezuela; 2 Guido de Oro de Perú, 1 Búho de Oro de Panamá, 20 Discos de Oro, 10 Discos de Platino y 1 Disco de Diamante. También fue designada «Máxima representante del bolero cubano en todo el mundo» en condición de la Orden Don Francisco de Miranda, galardón otorgado en el Palacio de Miraflores de Caracas. Fue premiada por la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York (ACE) y por prestigiosas asociaciones de críticos de todo el mundo. Además de los galardones y homenajes recibidos, varias calles del mundo llevan su nombre, así como un premio que se concede anualmente a artistas cubanos en el exilio.

Hasta poco antes de su muerte, Guillot continuó brindando recitales en Nueva York, Miami, México, etc. En 1995 actuó en Santa Cruz de Tenerife con motivo de la segunda edición del Festival Santa Cruz, en el que también participaron los grupos tinerfeños Maresía y Los Sabandeños. Ese año, Guillot recibe un gran homenaje en Venezuela, tierra donde ella vivió sus primeros años al salir de Cuba. En ese homenaje obtuvo una estrella en el paseo de la fama de Caracas "Amador Bendayan", y altas condecoraciones como la Orden Alfredo Sadel, la única orden de estado para homenajear un artista en Venezuela, homenaje organizado por la Casa del Artista de Caracas. Ese mismo año se negó a poner su voz para un disco del grupo español Los Sabandeños, en el que también incursionaba Silvio Rodríguez. En esa ocasión, comentó que «un disco con su voz y la de Silvio resultaría "bonito" para Fidel Castro en caso de que llegase a Cuba», donde ella tenía prohibida la entrada desde hacía 35 años. A menudo, durante sus últimos reportajes, solía comentar que tenía «la esperanza de volver a una Cuba libre, donde todos los artistas cubanos iremos a cantar.» Viajó a España en mayo de 1997 y volvió en 1998, coincidiendo con su sesenta aniversario del inicio de su carrera artística, para realizar una serie de recitales por Madrid,Gijón, Barcelona, Sevilla y Salamanca. En la década de 1990, adquirió un apartamento en el barrio de Polanco del Distrito Federal y otro en Bal Harbour, en Miami Beach. En 2000 firmó un contrato con la multinacional Warner y para el año siguiente, en 2001, lanzó a la venta «Faltaba Yo», en el que incluyó arreglos musicales como «Me muero...me muero», al cual definió como «el bolero más erótico que he cantado», y «Soy lo prohibido», que también interpretó Peret. En enero de 2002 presentó nuevos boleros en Madrid y Barcelona, en el transcurso del Festival del Milenio. Poco antes, había recibido el Premio Laras por sus más de sesenta años de carrera artística y el premio Heroes Awards por su contribución al mundo de la música. Fue distinguida en México con la medalla María Teresa Montoya en 2004, el mismo año en el que recibió el Premio Casandra en la República Dominicana.

En sus últimos años publicó su autobiografía titulada Con derecho a balcón, editada por Editorial Planeta. En 2007, fue distinguida como una de las «leyendas de la música latina» por la Academia Latina de la Grabación, productora de los premios Grammy Latinos.

Fallecimiento

Durante velorio de Roberto Suárez, el fundador de El Nuevo Herald, se sintió indispuesta e ingresó el 9 de julio de 2010 al Hospital Mount Sinaí, de Miami, por su propia cuenta. Ese mismo día sufrió un infarto y el 10 de julio la indujeron en estado de coma para poder colocarle un respirador mecánico. Sin embargo, el 12 del mismo mes se le detectó un coágulo y falleció a los 87 años a causa de un infarto a las 12.45 h, rodeada de su hija y de algunos allegados. Raquel Pouget, la vocera de la familia, recordó que hacía apenas unos días, en una reunión familiar, Guillot expresó que entre los dolores que había pasado en su vida, el mayor había sido el de no ver a su país natal liberado. «Ella dijo: "si yo me muero mañana el dolor que me llevo en el alma es no ver a Cuba libre"».

Su funeral se llevó a cabo el 14 de julio y como parte de éste, representantes de algunas organizaciones cubanas trasladaron el féretro cubierto con la bandera de Cuba la iglesia St. Michael's, donde aproximadamente 500 personas concurrieron a darle el último adiós. Luego de un oficio religioso llevado a cabo al día siguiente por el arzobispo de Miami, Thomas Wenski, y monseñor Agustín Román, sus restos fueron inhumados en una ceremonia privada.

Discografía

Con Panart Records

· 3105 Sus primeros éxitos (1946)

Con Puchito Records

· MLP-509 Olga Guillot (1954)

· MLP-515 Romance y melodía (1956)

· MLP-525 Olga Guillot (1957)

· MLP-526 Intimidades (1958)

· MLP-530 Creaciones de la Guillot (1958)

· MLP-538 Olga en México (1959)

· MLP-555 Olga de Cuba (1960)

· MLP-559 Comunicando (1961)

· MLP-564 Lo mejor de Olga Guillot (1963)

· MLP-580 La insuperable Olga (1964)

Con Musart Records

· DM-672 Olga (1961)

· DM-751 Canciones de María Grever (1962)

· DM-855 Temperamental (1963)

· DM-935 Añorando el Caribe (1964)

· DM-959 12 éxitos románticos (1964)

· DM-1060 Más éxitos románticos (1965)

· DM-1180 Y siguieron los éxitos (1966)

· DM-12561 Bravo (1967)

· DM-1280 Adoro & Celoso (1967)

· DM-1312 Olga le canta a América (1968)

· DM-1360 Olga Guillot interpreta a Manzanero (1968)

· DM-1423 Olga Guillot (volumen 14) (1969)

· DM-1572 La mujer que te ama (1970)

· DM-1507 ¿Quien da más? (1971)

· DM-1576 Y ahora....Olga (1972)

Con CBS Records

· 1479 Se me olvidó otra vez (1976)

Con Orfeon Records

· 11473 Lo nuevo de Olga (1978)

Con Interdisc Records

· 526066 Para mi público (1982)

Con Warner Records

· 87844-2 Faltaba yo (2001)

Tito Puente

Tito Puente nació el 20 de abril de 1923, en el Harlem Hospital Center de la ciudad de Nueva York. Sus padres eran puertorriqueños, Ernest Puente (que era el capataz en una fábrica de hojas de afeitar) y Ercilia Puente, aunque residían en el vecindario conocido como El Barrio, en Spanish Harlem (Nueva York). Su familia se mudaba con frecuencia, pero pasó la mayor parte de su infancia en esa ciudad. De niño, fue descrito como hiperactivo, y después de que los vecinos se quejaran del ruido que Tito, con siete años de edad, hacía golpeando potes y marcos de ventanas, su madre lo envió a recibir clases de piano. A los 10 años, pasó a la percusión, influenciado por el baterista de jazz Gene Krupa. Posteriormente, en la década de 1930, creó un dúo de canto y baile con su hermana Anna, que pretendía convertirse en una bailarina aunque una lesión de tendón del tobillo le impidio seguir la danza como una carrera. Cuando el baterista de la banda de Machito se alistó al ejército, Puente ocupó su lugar.

Tito Puente sirvió en la Marina durante tres años durante la segunda guerra mundial, reclutandose en 1942.

Trayectoria musical

Estudió piano y batería durante siete años, aunque su carrera profesional la comenzó tocando percusiones latinas, a los quince años, en unaorquesta de Miami, antes de entrar a formar parte de la de Noro Morales. Vuelve a realizar estudios de piano, además de composición y orquestación en la Juilliard School of Music, aunque mantiene su actividad profesional en las bandas de los cubanos Machito, José Curbelo y Pupi Campo.

En 1947, o 1949, forma su propia orquesta, bajo el nombre de "The Picadilly Boys", con la que toca jazz latino, especialmente el subgénero conocido como cubop. Simultanea su banda con colaboraciones con músicos como Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Ben Webster, Miles Davis,Thad Jones, Count Basie y Duke Ellington. Durante los años 1950, la popularidad de Puente llegó a su mayor nivel y logró que músicas de origen cubano, como el mambo, el son o el cha cha cha, llegaran a una mayor audiencia. Dance Mania, posiblemente el álbum más conocido de Puente, fue lanzado en 1958. Más tarde, se trasladó a unos sonidos más diversos, incluyendo música pop, bossa nova y otros, para finalmente establecerse con una fusión de géneros dentro del jazz afrocubano. Posteriormente, ya en los años 1960, Puente se sumó, a pesar de sus reticencias a la nueva etiqueta, a la corriente de la salsa, que había sustituido en el fervor del público a la música afrocubana, manteniendo su orquesta dedicada, principalmente, a la música de baile. Mucho más tarde, ya en la década de 1970, vuelve al jazz latino, interviniendo en numerosos festivales y grabando un gran número de álbumes, algunos con grandes ventas.7

Sus participaciones junto a la cantante cubana La Lupe con temas como: "Salve Plena" se hicieron muy conocidos en muchos países de raíz iberoamericana, pero su sonido inconfundible al interpretar los timbales lo hizo mundialmente conocido. Lo mismo sucedió cuando Tito Puente toco en Japón: ello inspiró a una agrupación de músicos japoneses a interpretar el género salsa, la Orquesta de la Luz.

En 1992, Puente ganó el Premio Bicentenario de James Smithson y participó en la película: The Mambo Kings junto a Celia Cruz. Ganó también un premio Grammy por su grabación Mambo Birdland, en la categoría de mejor disco de música caribeña tradicional, en los primeros premios Latin Grammy. También participó en varias producciones cinematográficas, primero con Woody Allen (1980), después en "Salsa" (1988), The Mambo Kings (1992), junto a Celia Cruz y Antonio Banderas, y en un documental de Fernando Trueba, llamado Calle 54, en el que interpreta su tema de latin jazz "New Arrival", con un excitante solo de congas interpretado por Giovanni Hidalgo, y con la flauta de Dave Valentin.

Aunque es principalmente reconocido como músico, también se hizo popular por las apariciones televisivas, como en Plaza Sésamo interpretando su temas "Ran Kan Kan" y "El Timbalón". Asimismo apareció, como él mismo, en la serie animada Los Simpson, en el capítulo Who Shot Mr. Burns?, cuando iba a dar clases de música en la Escuela Primaria de Springfield. Se menciona a menudo el nombre de Tito Puente en una producción televisiva llamada La Época, una película sobre la época del Palladium en Nueva York, la música afrocubana y los ritmos mambo y salsa, como danzas, música y mucho más. La película aborda la figura de Tito Puente, así como contribuciones de Arsenio Rodriguez, y cuenta con entrevistas con algunos de los músicos de Puente, como Alfonso 'El Panameno' José, Luis Mangual, Julian Lianos y otros.

El hijo menor de puente, Tito Puente, Jr., ha continuado el legado de su padre interpretando muchas de las mismas canciones en sus presentaciones y grabaciones, mientras que la hija Audrey Puente es un meteoróloga de la televisión para WNYW y WWOR-TV en Nueva York.

Premios y reconocimientos

· Durante la presidencia del senador Roberto Rexach Benítez, Tito Puente recibió el honor de haber tocado una sesión especial en el Senado de Puerto Rico dedicado a él.

· En 1969, recibió la llave de la ciudad de Nueva York por el ex alcalde John Lindsay.

· En 1984 recibió un decreto honorario del Ayuntamiento de Los Angeles.

· Un anfiteatro fue nombrada en su honor en el Parque Luis Muñoz Marín, junto al Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico.

· En 1990 recibió una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

· En 1993 recibió la medalla Bicentenario de James Smithson del Smithsonian Institute.

· Puente actuó en la ceremonia de clausura en los Juegos Olímpicos de 1996 en Atlanta, Georgia. Los timbales que usó allí están en exhibición en el National Museum of American History enWashington D.C.

· En 1997, fue condecorado con la Medalla Nacional de las Artes.

· El 05 de junio de 2005, Puente fue honrado en Union City, Nueva Jersey, con una estrella en el Paseo de la Fama del parque Celia Cruz.

· El 10 de septiembre de 2007, una oficina de correos de Estados Unidos en Spanish Harlem fue nombrada con su nombre en una ceremonia presidida por el Presidente de la casa Ways and Means Committee Charles Rangel (D-NY) y el Representante José Serrano (D-NY).

Discografía

A lo largo de su larga carrera, Tito Puente grabó un total de 198 discos, entre producciones propias y colaboraciones con otros artistas. Entre sus álbumes de larga duración, grabados o reeditados en disco compacto durante los últimos años, destacan:

Como líder

· Mambos Vol. 2 (1951)

· Puente in Percussion (1956)

· Dance Mania (1958)

· Pachanga in New York (con Rolando Laserie) (1961)

· El Rey Bravo (1962)

· La Excitante Canta Con el Maestro (con La Lupe) (1965)

· Cuba y Puerto Rico Son... (con Celia Cruz) (1966)

· El Rey (The King) (1968)

· Quimbo Quimbumbia (con Celia Cruz) (1969)

· En España (con Celia Cruz) (1971)

· Para los Rumberos (1972)

· Algo Especial Para Recordar (Something Special To Remember) (con Celia Cruz) (1972)

· Tito Puente and His Concert Orchestra (1973)

· No Hay Mejor (There is No Better) (1975)

· The Legend (1977)

· Homenaje a Beny (1978) - Ganador del premio grammy a la mejor grabación latina en 1979

· On Broadway (1983)

· El Rey: Tito Puente & His Latin Ensemble (1984)

· Un Poco Loco (1987)

· Salsa Meets Jazz (1988)

· Latina Familia (1989)

· Goza Mi Timbal (1990)

· Tito Puente Presents Millie P. (1990)

· The Mambo King: 100th LP (1991)

· Mambo Beat: The Progressive Side of Tito Puente (1994)

· Mambo y cha cha cha (1994)

· The Best of Dance Mania (1994)

· Barbarabatiri (1994)

· Tito Puente's Golden Latin Jazz All Stars (1994)

· Top Percussion/Dance Mania (1994)

· 20 Mambos/Take Five (1995)

· Fania Legends of Salsa Collection, Vol. 3 (1995)

· Fiesta con Puente (1995)

· Jazzin (1995)

· Mambo Mococo (1949-51) (1995)

· Mambos with Puente (1949-51) (1995)

· More Mambos on Broadway (1995)

· Tea for Two (1995)

· The Complete RCA Victor Revolving Bandstand... (1995)

· Tito's Idea (1995)

· Yambeque: The Progressive Side of Tito Puente (1995)

· Cha Cha Chá: Live at Grossinger's (1996)

· El Rey de la Salsa (1996)

· El Rey del Timbal (1996)

· Special Delivery (1996)

· The Very Best of Tito Puente & Vicentico.. (1996)

· Greatest Hits (1996)

· Jazz latino, vol. 4 (1996)

· Percussion's King (1997)

· Selection of Mambo & Cha Cha Cha (1997)

· 50 Years of Swing (1997)

· Tito Meets Machito: Mambo Kings (1997)

· Cha Cha Cha Rumba Beguine (1998)

· Dance Mania '98: Live at Birdland (1998)

· The Very Best of Tito Puente (1998)

· Timbalero Tropical (1998)

· Yambeque (1998)

· Absolute Best (1999)

· Carnival (1999)

· Colección original (1999)

· Golden Latin Jazz All Stars: In Session (1999)

· Latin Flight (1999)

· Latin Kings (1999)

· Lo mejor de lo mejor (1999)

· Mambo Birdland (1999)

· Rey (2000)

· His Vibes & Orchestra (2000)

· Cha Cha Cha for Lovers (2000)

· Homenaje a Beny Moré. Vol. 3 (2000)

· Dos ídolos. Su música (2000)

· Tito Puente y su Orquesta Mambo (2000)

· The Complete RCA Recordings. Vol. 1 (2000)

· The Best of the Concord Years (2000)

· Por fin (Finally) (2000)

· Party with Puente! (2000)

· Obra maestra (2000)

· Mambo Mambo (2000)

· Mambo King Meets the Queen of Salsa (2000)

· Latin Abstract (2000)

· Kings of Mambo (2000)

· Cha Cha Cha for Lovers (2000)

#titopuente #timbal #rey

Antonio Machín - No me vayas a engañar No me vayas a engañar di la verdad, di lo justo a lo mejor yo te gusto, y quizás sea bien para los dos No me vayas a d...

Antonio Machín - El manisero Maní Maní Si te quieres por el pico divertir cómete un cucuruchito de maní Qué calentito y rico está Ya no se puede pedir más Ay...

Antonio Machín

Miembro de una familia pobre (de unos quince hermanos) de la localidad cubana de Sagua la Grande, Antonio trabajó de niño en diversos oficios. Fueron sus padres un emigrante español, gallego, José Lugo Padrón, y una negra cubana, Leoncia Machín. El artista recuerda haber sido feliz en su familia, que no era «ni muy rica ni muy pobre». Muy pronto se manifiesta su afición al canto. Alternaba su trabajo de joven albañil con el canto en la iglesia, en los teatros y tras la pantalla del cine mudo de su ciudad. Llega a unirse hasta tres veces con grupos de músicos ambulantes que pasan por su ciudad camino de La Habana. En 1911, el párroco de Sagua le pone a cantar en su altar mayor. En cierta ocasión, con motivo de una fiesta benéfica, interpreta el Ave María de Schubert subido a una silla: se gana el aplauso de toda la población. Al cumplir veinte años manifiesta su deseo de ser barítono, y estudiar bel canto y ópera, pero comprende que, dado su color, su repertorio quedaría reducido a Otelo. Mientras su madre le inculcaba el amor al canto, el padre veía su actividad como propia de individuos de vida irregular y rayana en lo inmoral.

No sin dificultades llega a La Habana en 1926, donde se inicia como solista en los cafetines acompañado del guitarrista Manuel Zaballa. La reputación del dúo llega a oídos de la burguesía habanera, que ya no duda en contratarlos. Por azar del destino llega a cantar a una emisora en la que coincide Don Azpiazu, quien lo contrata como segundo cantante de su orquesta. Sería, pues, el primer cantante negro que actuara en elCasino Nacional de La Habana, lugar de la burguesía más racista y excluyente, ya como todo un profesional. Sin dejar a Azpiazu, funda un sexteto que hace sus primeras grabaciones en 1929 y a partir de los medios de la época, es decir, las victrolas de cuerda y la radio que empezaba a desarrollarse. El éxito fue inmediato con Aquellos ojos verdes, al que siguió El manisero. En 1930 deja Cuba (adonde no volvería hasta 1958). En abril de 1930 llega a Nueva York, integrando la orquesta de Don Azpiazu. Estuvo cuatro años en la gran metrópoli, formando parte de otras muchas agrupaciones (José Escarpenter y su Orquesta, Orquesta Antillana de Rafael Hernández, Julio Roque y su Orquesta, Armando Valdespí y su Orquesta, además de las dirigidas por él mismo: la Orquesta Machín y el Cuarteto Machín).

Muy conocido ya en los escenarios latinos de Nueva York, donde popularizara «El Manisero» de Moisés Simons y grabara una larga serie de títulos a lo largo de la primera mitad de la década del treinta, marchó a Europa en 1936. Tras breve estancia en Londres (actuando en el teatro Adelphya), llega a París, donde la música cubana tenía fuerte presencia desde los años 20. En París forma el grupo Antonio Machín y su Orquesta, con Moisés Simons al piano, realizando a partir de entonces varias grabaciones. En 1936 graba también con la Orquesta de Eduardo Castellanos. Enamorado de una joven francesa llamada Line, con ella y con su orquesta realizaría una gira por Suecia, donde no quiso quedarse debido al frío clima, volviendo a París.

Machín llegó a España, país de su padre, donde vivirá hasta su fallecimiento en 1977. Ya desde la década de los veinte tenía un hermano que vivía en Sevilla. Antonio llega de vacaciones en 1939, tratando de escapar de la II Guerra Mundial, mas se halló con la dura realidad de la posguerra española y la consiguiente zozobra. Llegaba con el saxofonista dominicano Napoleón Zayas y optó por quedarse en Madrid. En 1943 se casó en Sevilla con María de los Ángeles Rodríguez. A Sevilla trajo parte de sus familiares cubanos. Actuó en algunas salas de fiestas como "Shanghái" (llamada, tras el cambio de nombres extranjeros por nombres castellanos, "Sala Bolero"), cobrando veinticinco pesetas diarias. El primer éxito que tuvo en España fueNoche triste, un fox melódico grabado con los Mihuras de Sobré, orquesta que acompañó a Machín en sus primeros éxitos y de la que después se desligó. Otros de sus primeros éxitos fueron Cómo fue, Moreno, Amor sincero, etc. En 1947 llegaría su gran éxito en España: la "canción moruna"Angelitos negros, convertida en bolero merced a arreglo musical en la década de los sesenta.

Dos compositores importantes en su carrera, fueron el cubano Oswaldo Farrés: autor de temas como Madrecita, Toda una vida, No me vayas a engañar, Quizás, quizás, quizás, Ay de mí... y la mexicana Consuelo Velázquez: autora de Bésame mucho, Será por eso y Amar y vivir. Mención aparte merece la única versión de la cubana Isolina Carrillo, que convirtió en uno de sus grandes éxitos, Dos gardenias.

En España, ya con más de sesenta discos grabados y con su "Cuarteto Machín", le llega la consagración gracias a una adaptación absoluta al país como lo demuestra la frase, muy citada, de que se trataba de "El más cubano de los españoles y el más español de los cubanos". En España, Machín encuentra todo lo que buscaba y le gustan especialmente Madrid, Sevilla (donde encontró el amor); Alicante donde pasaba largas temporadas en su apartamento de Playa de San Juan. También frecuentaba Barcelona, donde actuó por primera vez al llegar a España y en la actualidad se le recuerda con un monolito en la Plaza Vicenç Martorell del Distrito de Ciutat Vella, al lado de la Plaça de Bonsuccés, donde pensaba trasladarse a vivir justo antes de su muerte.

Empezó prácticamente desde abajo y llegó a ser testigo y banda sonora de las historias de amor de los españoles en unos tiempos difíciles, su popularidad fue creciendo hasta ser idolatrado como lo eran las grandes estrellas de la copla, sus canciones pasaron a ser parte de la memoria sentimental de varias generaciones a través de la radio.

Por su carácter serio y humilde, Machín fue muy bien acogido en la España de la época. Impuso su personal estilo en el bolero y hasta entró en el refranero popular con el dicho "Te mueves más que las maracas de Machín." En Alcalá de Guadaira (Sevilla) el 7 de junio de 1977 salió muy agotado de escena y no pudo regresar. Fue su última actuación. Machín falleció en Madrid el 4 de agosto de 1977, en su casa de la calle General Mola (hoy Príncipe de Vergara), a los 74 años de edad. Descansa en el Cementerio de San Fernando de Sevilla, donde sus compatriotas y familiares le recuerdan cada año rociando su tumba con ron cubano y cantando alguno de sus boleros.

#antoniomachin #musica #latina