Luisa de Donato

Visual Artist

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GRAFTED

Installation

2019

Grafting is an agricultural technique that exploits a plant property that is mostly unknown to the animal world. A plant is not just a plant, in it remains the archetypal essence of the plant, which makes it universal and individual at the same time. Each plant is every plant. Simply by duly bringing two severed parts of different species into contact, they will merge into a single organism, perfectly capable of guaranteeing their livelihood. The roots of one vegetable can provide sustenance to the stem of another and vice versa. The example we draw from it is absolute, it realizes that symbiosis of the diversity of which our social tissues are dry, demonstrating coexistence, mutual collaboration for the growth of the community, even the extension of possibilities, without the fear of a loss of identity of its components, without rejection. Even the artifice of the human hand that performs the grafting does not give the taste of an intrusion to any of the parts, but instead of enrichment, almost to establish that there is no threat or forcing for those who are ready to recognize and accept the differently similar.

The photograph, in its two-dimensional shape, recalls the geometric plane in which the branches composing the graft are each other's extension. This association gives the work a mathematical and therefore universalizing identity of the idea of mutual support: the formulas themselves, which determine the characteristics of a straight line passing through two points, become the natural visual and conceptual continuation of the two extremes, which are prolonged following a sort of rectification that goes on far beyond the edges of the picture.

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Il progetto realizzato con la Fondazione Morra, Fondazione Lac o Le Mon e Cantiere Giovani, vincitore del Bando 2018 “PRENDI PARTE! Agire e pensare creativo” ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del Ministero per i Beni e le Attività Culturali  presenta IN SEI ATTI.

IN SEI ATTI sono le forme - del vivere, del conoscere, del fare esperienza – che acquisiscono priorità. Il prodotto dell'esperienza formativa mette inevitabilmente in discussione ogni possibile contenuto, identificando proprio nel "niente" l'argomento intorno a cui - ma anche all'interno di cui – lavorare. 

Uno

Estraneazione come azione di disaccordo/rifiuto da ciò che viene imposto, raggiungendo uno stadio di piacere e coesione con l'Io negato dalle strutture sociali. La performance consiste in un torneo di Burraco limitato a quattro soli componenti, i quali in coppia si sfidano per otto ore, mentre il quotidiano continua a svolgersi regolarmente. Affermare il concetto di alienazione ​ con un atteggiamento ludico, è l'intenzione di questo atto, spiegare tramite il suo    paradosso (ovvero il gioco) una condizione oppressiva. Entreranno a​"giogare" ​ vari fattori già provati in precedenza, quali la competizione, la "guerra alla sopravvivenza", il crearsi un rifugio astratto nel quale estraniarsi e trovare il proprio spazio/luogo.Potrebbe non essere un piacere, anzi, l'obbligo a stare isolati dal contesto sociale potrebbe avere una sola conseguenza, il delirio; quella coesione con l'Io negato non è una negazione positiva bensì in quel gesto di astenersi dalla realtà trovando come escamotage il gioco, che è l'affermazione del Nulla.

Due

​ è un lavoro che nasce da una riflessione sulla scala come elemento di                passaggio e di unione tra due spazi differenti. Le scale in questione uniscono l’ingresso, al piano terra della Fondazione Lac o Le Mon, con le camere da letto al primo piano. La scala diventa così non solo uno spazio di transizione, ma soprattutto di condivisione. Il salire,  l’andare avanti ed in alto diventano metafore della creazione di scopo. Una serie di registratori sono stati nascosti tra le scale della Fondazione durante le ore serali e quelle notturne, diventando dispositivi di sorveglianza sonora. Il risultato è la raccolta di una serie di suoni dei passi delle persone, dei bisbiglii, delle confessioni ed degli ultimi saluti prima di andare a dormire. La scala si fa custode di tragitti e segreti. L’installazione raccoglie tutti questi elementi sonori e li ripropone in un altro spazio, quello di     Casa Morra, stabilendo un canale relazionale con le sue imponenti scale. Il visitatore si trova così ad esperire una condizione di spaesamento fisico ed allo stesso tempo di  partecipazione emotiva alla vita quotidiana della casa.

Tre

“Su ciò di cui non si può parlare si deve tacere”: è con questa asserzione che Wittgenstein conclude la sua opera più importante, lasciando aperto e propriamente “non-detto” il campo dell’indicibile, dell’impossibile restituzione linguistica di quella​cosa ​ , che in questo contesto si manifesta e tenta di delinearsi come ​niente.  Attraverso un approccio paradossale si inscena un discorso dal tono ironico e scientifico, che cerca fallacemente di avvicinarsi all’impossibile traduzione del niente.  Il tentativo di esperibilità del nulla avviene attraverso un dialogo informale e un monologo in cima ad una ​scala apparentemente inutile, su un terrazzo-palcoscenico dove i limiti della parola compongono una dissertazione che non può che essere “​Discorso sul niente o  dell’impossibile dirsi del nulla ​ ”.  

Quattro

Il progetto si inserisce nell’ambito della ricerca su suono e spazio, in una dimensione familiare che tiene conto delle peculiarità dei luoghi vissuti in comune. ​Quattro (Cavità) nasce dall’esigenza di interrogare l’ambiente lasciato inabitato per alcuni decenni, ponendosi al contempo come ascoltatori e donatori nei confronti di uno spazio ambiguo, inesplorato fino in fondo. La cucina rurale, luogo della comunità per eccellenza, prende cosí vita attraverso il canto delle persone che ne ascoltano silenziosamente la storia. La voce diventa mezzo per  riempire i vuoti del forno, centrale, maestoso, come un grande corpo una volta caldo e umano. Un antico corpo spento attende senza peso o sente sovrapporsi la densità del tempo?  Attraverso l’azione spontanea e potente evocata dal gruppo si è attivata una forza suggestiva che allo stesso tempo accoglie e abbandona.  

Cinque

In ​Cinque (We are too sad to tell you) ognuno dei partecipanti invita negli spazi di Casa Morra una persona a scelta fra tutte quelle non presenti all’evento. Questo invito avviene mediante un anomalo componimento d’orchestra, dove ogni membro è munito dello stesso strumento musicale: il proprio cellulare. Diciannove telefonate simultanee, indirizzate verso diciannove destinatari differenti, sono amplificate in vivavoce, a vuoto. I cellulari emettono il segnale di chiamata, le persone dall’altro capo rispondono, ma trovano in risposta un silenzio imprevisto e al contempo parlato. Le voci, le parole udite da chi risponde non sono quelle di chi ha avviato la telefonata, ma appartengono a qualcun altro. A chi? Potrebbe capitare che due o più fra gli inconsapevoli partecipanti del rito telefonico inizino una conversazione fra loro, potrebbe invece accadere che nessuno risponda. Ciò non importa, il meccanismo è il seguente: un gruppo di persone è connesso a propria insaputa nel medesimo luogo, per mezzo di una telefonata; in modo indiscriminato, tutto ciò che avviene all’ interno di questo processo entra a far parte di uno spartito cacofonico desiderato.

Sei

Sei (Manifesto del non fatto) “Quello che non si può dire in poche parole non si può dirlo neanche in molte”. [da ​Semplificare è più difficile, Bruno Munari]

side projects:

Publication by Fondazione Morra

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I’M NOT A ROBOT  (w.i.p.)

installation

2019

By

Luisa de Donato Valerio Mattiacci Simone Esposito

Digital democracy grants information the power to spread quickly and without filters, but this lack of control has introduced the question of the veracity of data that travels the web. The authority of a website is sometimes compared to that of a newspaper regardless of sources, almost ignoring that the words of a news, an article, a blog may contain visions of a unconsciously or deliberately distorted reality. What had to be a means without filters is gradually becoming a network managed and monitored by computerized automatisms, bots and artificial intelligences, necessary to manipulate data on a large scale, sometimes to steal or corrupt it, sometimes to verify its integrity and correctness. A real technological war, man against the machine and machine against machine, which aims at reconquering the centrality of man in communication with the other man. "I’m not a robot" is placed between the digital publishing on the web and the original one, made of printed paper, which loses more and more following. The captchas represent precisely the will to verify the human nature of the reader, a reflection of a desire for more direct and more truthful communication, an approach that has always been a primary social need.

ITA

la democrazia digitale concede all'informazione il potere di diffondersi rapidamente e senza filtri, ma proprio questa mancanza di controllo ha introdotto la questione della veridicità dei dati che viaggiano sul web. L'autorevolezza di un sito web viene talvolta equiparata a quella di un quotidiano a prescindere dalle fonti, quasi ignorando che le parole di una news, di un articolo, di un blog potrebbero contenere visioni della realtà inconsciamente o volutamente distorte. Quello che doveva essere un mezzo senza filtri man mano si sta trasformando in una rete gestita e monitorata dagli automatismi informatici, i bot e le intelligenze artificiali, necessari per manipolare su larga scala i dati, talvolta per rubarli o corromperli, talvolta per verificarne l'integrità e la correttezza. Una vera guerra tecnologica, l'uomo contro la macchina e la macchina contro la macchina, che mira alla riconquista della centralità dell'uomo nella comunicazione con l'altro uomo. "Are you human?" si colloca tra l'editoria digitale sul web e quella originale, fatta di carta stampata, che perde sempre più seguito. I captcha rappresentano proprio la volontà di verificare la natura umana del lettore, riflesso di un desiderio di comunicazione più diretto e più veritiero, di un avvicinamento che è da sempre un'esigenza sociale primaria.

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PRINCIPI (w.i.p.)

installation

2017

Naples, Spazio Intolab, ex wool factory

ita

La scrittura è la concretizzazione di un desiderio di permanenza prettamente umano, che forse trova la sua massima espressione in quanto manifestazione, dichiarazione di una volontà collettiva che volge all’immortalità.” Il nero su bianco è stato l’incipit di una riflessione su di un gesto che è principio di tutta la forza comunicativa su cui, oggi come in passato, si fonda l’umanità: la scrittura. Sforzo ultimo di una volontà comunicativa, di diffondere e di permanere dunque, essa è l’attività umana su cui si sono espresse le civiltà, dalle più antiche a quelle odierne, capace di evolversi con esse, palesando una natura liquida. La visione artistica qui è più profonda e volge alle fondamenta della scrittura, generatrice di testi dal forte potere di aggregazione sociale, religioni, etnie e scuole di pensiero. Testi come la Costituzione, sacri etc. sono una testimonianza concreta, nero su bianco appunto, della coesistenza di una collettività manifesta in molteplici forme comunicative. L’intervento artistico qui conduce ad una relazione tra la parete e l’uomo, in cui il potenziale del vuoto della parete diventa un invito, quasi una tentazione, per l’uomo: un desidero primordiale che riecheggia ancora nelle caverne dei primi graffiti e si protrae nel tempo fino ai manifesti propagandistici o pubblicitari ed ai murales odierni. L’artista intende donare allo spettatore, che diventa dunque fruitore dell’opera, un vuoto che simboleggia in primis libertà di espressione ma sensibilizza anche al rapporto con il proprio personale desidero di prevalere, di permanere, di lasciare una parte di sé, un’impronta.In questo movimento relazionale in cui il muro accoglie tutti questi desideri, tutte queste espressioni dell’ego, è possibile scorgere anche un altro movimento: il graduale sovrapporsi delle scritture, delle volontà, dei tratti, dei segni e dei disegni genera nella dimensione temporale un gradiente che porta il bianco iniziale, assenza di informazione e di comunicazione, a diventare nero, oscuro, confuso, mescolato, ritornando quindi in un certo senso allo stato informativo iniziale.

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ANIMUS ET SPIRITUS

video installation

loop

2017

L'opera si propone come naturale continuazione di una ricerca che parte dalla performance "spiritus e animus", riguardo una riflessione sul pensiero di Telesio. "Animus" immerge la filosofia telesiana nella modernità in un rapporto di dialogo con l'evoluzione storica del pensiero filosofico e scientifico. Il pensiero di T. circa lo spiritus e l'animus non ha mai trovato riscontro effettivo, nel caso specifico di un singolo lifetime. Lo spiritus, volto ad animare il corpo coscientemente e destinato a morire col corpo fisico in cui risiede, l'animus immortale che sopravvive al decadimento della materia e della forma stessa. Si nota tuttavia un parallelismo sull'evoluzione del concetto di spirito a livello sociale. In una società che vive e decade e muore e rinasce come un organismo, il pensiero di telesio diventa allegoria della sensibilita' storica nei confronti del concetto di anima. Con l'indebolirsi del pensiero e dell'autorità religiosa gli interrogativi circa l'origine e il destino dell'anima sono in evidente crisi nella società odierna, conducendo il concetto ad una morte in termini sociali. Vi è invece una componente che funge da subrstrato immortale, un tema quasi intrinseco dell'intelletto umano, rappresentata dall'interrogativo circa l'origine della coscienza, della consapevolezza, del libero arbitrio. In altri termini si potrebbe dire che la scintilla vitale, lo spiritus di cui parla Telesio, sopravviva ed acquisisca nuova vita destando l'interesse della società e della comunità scientifica, sempre più attenta alla questione. Si può quindi individuare un capovolgimento concettuale tra l'idea telesiana di spiritus e animus e questo parallelismo sociale del concetto, in chiave moderna. Lo spettatore è coinvolto in un'esperienza audiovisiva paradossale in cui i due concetti si fondono ancora. Coesistono staticità e decadimento in un'unione che sembrava impossibile. Il tronco diviene quindi al contempo simbolo dello spiritus e dell'animus, del decadimento e dell'immortalità, quasi a voler placare i contrasti nelle forme, nelle interpretazioni; il flusso mette in risalto la forza vitale unica che pulsa nei suoi cicli di permanenza, vita e morte, in qualsiasi forma essi si manifestino.

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IL MONDO DICHIARATO  (w.i.p.)

painting

ink and paper

2017

Nell`intraprendere l’analisi del pensiero vichiano si viene spesso portati ad una serie di interrogativi sui i limiti umani della conoscenza . La sua teoria a riguardo, è sicuramente una delle porzioni più caratteristiche del suo pensiero, nota anche per contrapporsi fortemente a quella di un altro grande pensatore del secolo precedente: Cartesio. Quest’ultimo difatti poneva al centro della conoscenza la razionalità, ovvero ogni conoscenza è di fatto sottoposta ad evidenza razionale, implicando quindi che anche l’esistenza corporea e conseguentemente la realtà stessa potessero essere messe in dubbio. Riprendendo il filone del pensiero cartesiano , Hilay Putnam, sintetizzò tale concetto con l’immagine del “cervello in una vasca”: non è possibile dimostrare che un esperienza sensibile non sia puro raziocinio, ovvero pensiero, e che quindi il corpo e la realtà stessa siano un “sogno”, un’illusione.

Dal canto suo, Vico intraprende un percorso differente: la sua idea di conoscenza è legata al concetto di “creazione”, ovvero così come il creatore di tutte le cose, Dio, possiede conoscenza eterna e perfetta  di esse, l’uomo può conoscere intimamente soltanto ciò che è frutto della propria attività creativa, che si tratti di prodotti concreti o astratti (ad esempio la Matematica). In altre parole, il campo della conoscenza umana è limitato alla sua potenza creatrice, contrapposta a quella illimitata della divinità. Da ciò deriva l’identità latina tra i termini verum (vero) e factum (fatto), ovvero il vero è il fatto stesso (“verum ipsum factum”) e quindi si ha conoscenza solo di ciò che si fa. Questa intercambiabilità tra “vero” e “fatto” porta Vico a supporre che il vero non è fuori dalla mente né tantomeno la mente fuori dal vero ma questi due elementi diventano facce della stessa medaglia, sono congiunti in un’unica entità.

Dati tali presupposti il lavoro verte su entrambe queste teorie e assume la forma, quasi provocatoria, di una serie di interrogativi esistenziali: la verità che può essere conosciuta può provenire dall’azione creatrice dell’uomo? La realtà coincide con la nostra percezione di essa? Può la nostra esistenza essere una mera illusione o, perché no, frutto di una tecnologia avanzata?

Il racconto della Putnam del 1891 suggerisce una realtà quasi fantascientifica, al tempo era impossibile pensarne la realizzabilità ma oggigiorno con le moderne tecnologie quello scenario puramente ipotetico diventa sempre più verosimile. Il “cervello in una vasca” si traduce quindi nel moderno concetto di Realtà Virtuale: una riproduzione attraverso mezzi tecnologici dell’esperienza sensoriale umana al fine di “ingannare” la sua mente e fargli percepire una realtà alternativa, spesso verosimile, ma fittizia, totalmente creata da zero da un calcolatore. Il mondo della tecnologia ci riporta anche al titolo dell’opera: in termini informatici la “dichiarazione” di una variabile determina la creazione di un ente fittizio nella memoria di un calcolatore che è alla base di qualsiasi codice informatico e si pone come “punto zero” del processo di creazione di qualsiasi programma, inclusi quelli che riproducono la nostra realtà, trasponendola quindi nel mondo del virtuale.

“Il mondo dichiarato” basa la sua essenza nella riflessione sulle conseguenze estreme della spinta umana verso la conoscenza e l’evoluzione e sulle sfide che ne derivano, non solo tecnologiche ma anche esistenziali, che ci portano spesso alla negazione delle verità che ritenevamo certe, all’identificazione di quelle che sembravano opposte ed alla concretizzazione di quelle che percepivamo come impossibili.

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DANAE

video  installation 

2016

Inevitability is a broad theme that recurs since ancient times, one of the first major pre-philosophical questions of man, because in it lies the seed of a sense of power to which the human being is tied so tightly that he made it part constituent of his way of thinking. The project aims to tap into one of the myths that mostly bind to that era and that way of looking at life: the Danae. The story of Danae brings us back to the golden rain whereby Zeus accomplished the fate of the girl, although he himself was unconscious part of a bigger design. In the Christian culture divinity and inescapability are two concepts that reinforce mutually, showing how the consequentiality of the facts is both consequence and cause of a higher power that you can not escape. The punishment or penance always persecute the sinner, in a way or another. In greek thought of myths and legends this concept is even more evolved, in fact the fate determines not only the life story but also what might be called the “role” of the individual in society, in history, in the line of the events articulated by big challenges, the heroes, the battles, the tragedies. In this plan finds its place Danae, a woman whose role, whose fate was already written, and against which there is no sense to fight against it nor even think to do so. It lacks the most basic concept of rebellion to an imposed role. A modern social parallelism comes naturally with the condition of so many human beings, whose life path is partly predetermined by the conventions, the prejudices, the expectations, the economic and cultural conditions, the law of large numbers. This has transformed the modern society in the fate of its own components, individuals. And so the queen bee too remains physically locked up in his cell, but also ideally, in her role as mother who generates workers that do nothing more than what they were born for, playing their part in this big stage without spectators.

ita

L'ineluttabilità è un tema vasto che ricorre sin dall'antichità, uno dei primi grandi interrogativi dell'uomo pre-filosofico, perché in essa giace il seme del senso di potenza a cui l'essere umano si è legato così saldamente da renderlo parte costituente del suo modo di pensare. Il progetto vuole attingere da uno dei miti che maggiormente si legano a quell'era e a quel modo di intendere la vita: la Danae. La vicenda della Danae ci riporta alla pioggia dorata con cui Zeus compí il destino della fanciulla, pur essendo egli stesso parte inconsapevole di un disegno piú grande. Nella cultura cristiana la divinità e l'ineluttabile sono due concetti che si rafforzano vicendevolmente, mostrando come la consequenzialità dei fatti sia conseguenza e causa di un potere superiore a cui non si può sfuggire. La punizione o la penitenza perseguiteranno sempre il peccatore, in un modo o nell'altro. Nel pensiero greco dei miti e delle leggende questo concetto è ancora più evoluto, difatti il fato determina non solo il percorso di vita ma anche quello che potremmo definire come il “ruolo” dell'individuo nella società, nella storia, nella linea degli eventi scandita dalle grandi imprese, dagli eroi, dalle battaglie, dalle tragedie. In questo disegno trova la sua collocazione Danae, una donna il cui ruolo, il cui fato, è stato già scritto e contro cui non ha senso opporvicisi nè tantomeno pensare di poterlo fare. Manca la concezione più basilare di ribellione ad un ruolo definito dall'alto. In chiave moderna il parallelismo sociale nasce spontaneo con la condizione di tanti esseri umani, il cui percorso di vita è in parte predeterminato dalle convenzioni, dai pregiudizi, dalle aspettative, dalla condizione economica e culturale, dalla legge dei grandi numeri. Tutto ciò ha trasformato la società odierna nel fato dei suoi stessi componenti, gli individui. E così anche l'ape regina rimane rinchiusa fisicamente nella sua cella, ma anche idealmente, nel suo ruolo di madre, generatrice di operaie, che a loro volta non fanno altro che ciò per cui sono nate, recitando la loro parte in questo grande palcoscenico senza spettatori.

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DANAE

painting

ink and gold leaf

2016

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DANAE

installation 

queen bee and gold

2016

Inevitability is a broad theme that recurs since ancient times, one of the first major pre-philosophical questions of man, because in it lies the seed of a sense of power to which the human being is tied so tightly that he made it part constituent of his way of thinking. The project aims to tap into one of the myths that mostly bind to that era and that way of looking at life: the Danae. The story of Danae brings us back to the golden rain whereby Zeus accomplished the fate of the girl, although he himself was unconscious part of a bigger design. In the Christian culture divinity and inescapability are two concepts that reinforce mutually, showing how the consequentiality of the facts is both consequence and cause of a higher power that you can not escape. The punishment or penance always persecute the sinner, in a way or another. In greek thought of myths and legends this concept is even more evolved, in fact the fate determines not only the life story but also what might be called the "role" of the individual in society, in history, in the line of the events articulated by big challenges, the heroes, the battles, the tragedies. In this plan finds its place Danae, a woman whose role, whose fate was already written, and against which there is no sense to fight against it nor even think to do so. It lacks the most basic concept of rebellion to an imposed role. A modern social parallelism comes naturally with the condition of so many human beings, whose life path is partly predetermined by the conventions, the prejudices, the expectations, the economic and cultural conditions, the law of large numbers. This has transformed the modern society in the fate of its own components, individuals. And so the queen bee too remains physically locked up in his cell, but also ideally, in her role as mother who generates workers that do nothing more than what they were born for, playing their part in this big stage without spectators.

ita

L'ineluttabilità è un tema vasto che ricorre sin dall'antichità, uno dei primi grandi interrogativi dell'uomo pre-filosofico, perché in essa giace il seme del senso di potenza a cui l'essere umano si è legato così saldamente da renderlo parte costituente del suo modo di pensare. Il progetto vuole attingere da uno dei miti che maggiormente si legano a quell'era e a quel modo di intendere la vita: la Danae. La vicenda della Danae ci riporta alla pioggia dorata con cui Zeus compí il destino della fanciulla, pur essendo egli stesso parte inconsapevole di un disegno piú grande. Nella cultura cristiana la divinità e l'ineluttabile sono due concetti che si rafforzano vicendevolmente, mostrando come la consequenzialità dei fatti sia conseguenza e causa di un potere superiore a cui non si può sfuggire. La punizione o la penitenza perseguiteranno sempre il peccatore, in un modo o nell'altro. Nel pensiero greco dei miti e delle leggende questo concetto è ancora più evoluto, difatti il fato determina non solo il percorso di vita ma anche quello che potremmo definire come il "ruolo" dell'individuo nella società, nella storia, nella linea degli eventi scandita dalle grandi imprese, dagli eroi, dalle battaglie, dalle tragedie. In questo disegno trova la sua collocazione Danae, una donna il cui ruolo, il cui fato, è stato già scritto e contro cui non ha senso opporvicisi nè tantomeno pensare di poterlo fare. Manca la concezione più basilare di ribellione ad un ruolo definito dall'alto. In chiave moderna il parallelismo sociale nasce spontaneo con la condizione di tanti esseri umani, il cui percorso di vita è in parte predeterminato dalle convenzioni, dai pregiudizi, dalle aspettative, dalla condizione economica e culturale, dalla legge dei grandi numeri. Tutto ciò ha trasformato la società odierna nel fato dei suoi stessi componenti, gli individui. E così anche l'ape regina rimane rinchiusa fisicamente nella sua cella, ma anche idealmente, nel suo ruolo di madre, generatrice di operaie, che a loro volta non fanno altro che ciò per cui sono nate, recitando la loro parte in questo grande palcoscenico senza spettatori.

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UNO, NESSUNO E CENTOMILA

installation   

photo,light box 

variable size  

2016

the work draws inspiration from the novel by Luigi Pirandello and tries to give an interpretation which results in the analysis of the main theme of the novel: the ego disintegration. The three frames represent the three basic stages of interiority of the protagonist Vitangelo Moscarda, that is the evolution he met in the novel. These bears a condition which in truth is almost intrinsic of the human being and his effort therefore reflects a far more universal condition. The first frame is "the one", its still intact and compact, pure and untouched, inseparable and granite. Enclosed in his condition of illusory objectivity, man clings to this chimera determining himself. The "original" frame is then "origin" of a change that will result in total negation of self and of the ego. In fact in the second frame the "one" disappears to make room for "nobody", a being without an identity, outside of any kind of classification, absolutely undetermined and lost in itself, in its primordial awareness of a relativity which destroys all certainty. The third frame finally contains "one hundred thousand" contaminations that the protagonist feels on himself. It does not matter if these came from others or from himself: there is no distinction. These manipulations of its objective reality are so strong that they mould his very being to achieve a (mental) shape that is "foreign" even to the society itself that caused its born: the monster. Yet in this blur and socially rejected shape, in this overlapping of judgments, of souls and thoughts, Vitangelo finds a new place in the world, finally disconnected from the concept of identity, which flows into the total rejection of himself as an individual. The third part is therefore a synthesis of everything else as it contains the one, which is none because sum of a hundred thousand souls, a hundred thousand identities, one hundred thousand entities slaves of their own unity.

ita

l'opera trae ispirazione dall'omonimo romanzo di Luigi Pirandello e cerca di darne una interpretazione che sfocia nell'analisi del tema principale del romanzo: la disgregazione dell'Io. Le tre cornici rappresentano i tre stadi fondamentali dell'interiorità del protagonista Vitangelo Moscarda, nell'evoluzione a cui è andato incontro nel corso del romanzo. Questi si fa carico di una condizione che in verità è propria, quasi intrinseca, dell'essere umano ed il suo personale travaglio riflette quindi una condizione ben più universale. La prima cornice è l'uno, il suo essere ancora integro e compatto, puro e intoccato, inscindibile e granitico. Saldo nella propria condizione di illusoria oggettività, l'uomo si aggrappa a questa chimera autodeterminandosi. L'originale si fa quindi origine di un mutamento che sfocerà nella negazione totale di sè, dell'Io. Difatti nella seconda cornice l'uno scompare per dare spazio a nessuno, un essere senza identità, al di fuori di ogni classificazione, assolutamente indeterminato e perduto in sè stesso, nella sua primordiale consapevolezza di un relatività che distrugge ogni certezza. La terza cornice infine si fa contenitrice delle centomila contaminazioni che il protagonista sente su di sè. Che queste provengano dagli altri o da sè stesso non ha più importanza: non c'è più distinzione. Queste manipolazioni della sua realtà oggettiva sono così forti che plasmano il suo stesso essere fino al raggiungimento di una forma (mentale) che è estranea persino alla società che ne è stata artefice: il mostro. Eppure in questa forma indistinta e socialmente rigettata, in questa sovrapposizione di giudizi, di anime e di pensieri, Vitangelo trova un nuovo posto nel mondo, slegato finalmente dal concetto di identità, che sfocia nel rifiuto totale di sè in quanto individuo. La terza parte è quindi sintesi di tutto il resto in quanto contenente l'uno, che non è nessuno in quanto summa di centomila anime, centomila identità, centomila entità schiave della loro stessa unità.

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UNTITLED 

photo,light box 

variable size

 2016

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386

installation 

  2016

The work manifests the condition of life in Norwegian forests, which revolves around the concept of dwelling, “home”, with a broad meaning of the term. The house is venue for coexistence, heat, protection, rest but it is also a presence on its own. The installation reproduces the crystallization of a house in the forest, which remains suspended in a condition of permanence, which portends a sort of integration, of harmony with the surrounding, although it maintains aritificial identity. The inner cosmos that is created in the hearth here merges with the outside world, the macrocosm made of the entire life of the forest surrounding and permeating the building itself. Here the house is not only the bright center of the installation, but the whole representation, which harmoniously blends the concept of residence for the man and the animal.

ita

L'opera manifesta la condizione di vita nelle foreste norvegesi, che ruota attorno al concetto di abitazione, di “casa”, con un'accezione larga del termine. La casa è sede della convivenza, del calore, della protezione, del riposo ma è anche presenza a se stante. L'installazione riproduce la cristallizzazione di una casa nella foresta, che resta sospesa in una condizione di permanenza, la quale lascia presagire una sorta di integrazione, di armonia con il resto, pur mantenendo la sua identità artificiale. Il cosmo interiore che si crea nel focolare qui si fonde con il mondo esterno, il macrocosmo costituito da tutta la vita della foresta che circonda e permea la costruzione stessa. Qui la casa non è solo il centro luminoso dell'istallazione, ma la rappresentazione nel suo complesso, che miscela sapientemente il concetto di abitazione per l'uomo e per l'animale.

side projects:

more info

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TORP 70

installation  

mixed media  

variable size  

2016

The work manifests the condition of life in Norwegian forests, which revolves around the concept of dwelling, "home", with a broad meaning of the term. The house is venue for coexistence, heat, protection, rest but it is also a presence on its own. The installation reproduces the crystallization of a house in the forest, which remains suspended in a condition of permanence, which portends a sort of integration, of harmony with the surrounding, although it maintains aritificial identity. The inner cosmos that is created in the hearth here merges with the outside world, the macrocosm made of the entire life of the forest surrounding and permeating the building itself. Here the house is not only the bright center of the installation, but the whole representation, which harmoniously blends the concept of residence for the man and the animal.

ita

L'opera manifesta la condizione di vita nelle foreste norvegesi, che ruota attorno al concetto di abitazione, di "casa", con un'accezione larga del termine. La casa è sede della convivenza, del calore, della protezione, del riposo ma è anche presenza a se stante. L'installazione riproduce la cristallizzazione di una casa nella foresta, che resta sospesa in una condizione di permanenza, la quale lascia presagire una sorta di integrazione, di armonia con il resto, pur mantenendo la sua identità artificiale. Il cosmo interiore che si crea nel focolare qui si fonde con il mondo esterno, il macrocosmo costituito da tutta la vita della foresta che circonda e permea la costruzione stessa. Qui la casa non è solo il centro luminoso dell'istallazione, ma la rappresentazione nel suo complesso, che miscela sapientemente il concetto di abitazione per l'uomo e per l'animale.

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SET

installation

mixed media, kaleidoscope, teleidoscope

variable size

2016

Interacting with this work, the viewer gets involved a play of reflections that leads back to a harmonious fusion between inner and outer, he is projected in a molded world, warped, curved, filtered by natural and artificial elements. The places where you consume the animal and human existence fuse together according to multiple point ov view: the physical, the conceptual, the visual one. "To Live" becomes "to take part" to something, to a involving nature that welcomes everyone in its geometry, its laws and its freedom to become estranged from itself up to look completely different in a surreal, fairytale and dreamlike landscape. Such natural and artificial elements, physically present in fragments in the kaleidoscope /teleidoscop , become the focus of a new vision of reality that comes to show itself simply as explicitation of its true essence, through a new point of view that does not show anything new, but reworks the existing one to perceive it in a better way, to "take part" of it.The play of light is an incomprehensible, but at the same time unifying, vision of the things that usually are of humans or of animals, to remind us of our common nature, to settle any border and classification. 

ita

Interagendo con questo lavoro, lo spettatore viene coinvolto in un gioco di riflessi che riporta a una fusione armonica tra interiore ed esteriore, viene proiettato in un mondo plasmato, deformato, curvato, filtrato da elementi naturali ed artificiali. I luoghi in cui si consuma l'esistenza animale e umana qui si fondono su molteplici livelli, quello fisico, quello concettuale, quello visivo. "Abitare" diventa quindi "far parte" di qualcosa, di una natura più grande che accoglie tutti nelle sue geometrie, nelle sue leggi e nella sua libertà di estraniarsi da se stessa fino ad apparire completamente diversa in un panorama surreale, fiabesco, onirico.Tali elementi naturali ed artificiali, presenti fisicamente in frammenti nel caleidoscopio / taumascopio, diventano protagonisti di una nuova visione della realtà che arriva a mostrarsi semplicemente come un'esplicitazione della propria vera essenza, mediante un nuovo punto di vista che non mostra qualcosa di nuovo, ma rielabora l'esistente per percepirlo meglio, per "farne parte". Il gioco di luci è una visione indecifrabile, ma al contempo unificatrice, di tutto ciò che è umano e animale, a ricordarci la nostra comune natura, ad appianare ogni confine e classificazione.