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NUA

poesias de Renata Arruda

Renata Arruda é cantora e compositora residente em João Pessoa, Paraíba. Em 2016 colaborei com ela neste livro de poesias intitulado NUA. Cuidei do projeto gráfico do livro e as ilustrações da segunda parte, a primeira ficou por conta do artista André Mendes. No centro do livro, dividindo-o,  inserimos o disco de audio com os poemas. Na capa usei a imagem de uma escultura de Auguste Rodin, La Danaïde, disposta na frente, no verso e abas. Fiz cada uma das 8 ilustrações com o uso de linhas variando espessuras para gerar contrastes.  Usei uma leve camada de cinza em todas as paginas para amenizar o brilho do papel e consequentemente trazer uma sensação mais agradável à leitura. 

direção de Arte - Consuelo Cornelsen ilustrações - Andre Mendes e Marciel Conrado design - Marciel Conrado capa - Auguste Rodin ‘La Danaïde’, Mármore 1889

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João Vilanova Artigas

nos pormenores um universo

Artigas foi um importante arquiteto, engenheiro, urbanista e professor brasileiro. Nasceu na cidade de Curitiba e migrou ainda jovem para São Paulo onde se estabeleceu. Integrou o conjunto de professores que deram origem à Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo, a FAUUSP, sendo também autor da reforma curricular implantada nos anos 60 e do projeto do edifício que abriga a instituição. Devido seus posicionamentos e sua filiação ao Partido Comunista do Brasil, em 1964 é afastado de suas atividades como professor pelo regime militar. Depois de um período exilado no Uruguai volta a lecionar na faculdade em 1967, quando defende que a ação de projetar se configure resistência à opressão. Em 1969 é afastado novamente com o AI5 e retorna após uma década com a lei da anistia, agora como auxiliar de ensino. Em 1984 participa de concurso e reassume sua posição de professor titular. Sempre preocupado com o papel social da arquitetura, combinou requinte formal, técnico e construtivo, com poesia e experimentação. Foi fundador e o principal expoente do movimento conhecido como "brutalismo paulista", marcado pelos imensos vãos e o uso do concreto armado aparente.

Tive a oportunidade de participar da exposição que ocupou duas salas do Museu Oscar Niemeyer em 2015, desenvolvendo a identidade visual da mostra aplicada ao catalogo, folder, plotagens, convite e materiais de divulgação virtual. A mostra ocorreu no ano do centenário do arquiteto, com projeto expográfico de Felipe Tassara, que propôs o uso de painéis de compensado e impressões diretas na madeira.

Pensei o lettering da exposição a partir de um dos principais ícones de sua obra, combinando o V e o A nas proporções do desenho das colunas do edifício da FAUUSP. Isso guiou maior parte do projeto no uso de forma, linhas e caixas de texto. As cores primarias, o branco e o cinza, foram empregadas por integrarem o vocabulário da arquitetura modernista, na qual Artigas se insere.

O folder contou com uma faca especial, na compondo a forma da coluna. O catalogo possui grande formato, em capa dura com um acabamento de verniz fosco e rugoso.

artista: João Batista Vilanova Artigas curador: Giceli Portela e Maria José Justino local: MON, Salas 4 e 5 design: Marciel Conrado da Silva

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CRASH!

Regina Silveira é artista multimídia e professora brasileira, nascida em Porto Alegre RS onde iniciou-se na pintura como aluna de Ibere Camargo, Ado Malagoli e Aldo Locatelli. Em seu percurso investigou diversas tecnicas e novas midias, comprometida com uma arte conceitual onde explora a resignificação de propriedades icônicas de objetos, animais e estruturas arquitetônicas. Faz amplo uso e subversão de linhas de perspectiva, malhas geométricas, silhuetas e sombras projetadas. Na exposição Crash!, exibida em 2015 no Museu Oscar Niemeyer, estiveram presentes obras que continham silhuetas de armas de fogo, tanques guerra, bombas, punhais e outros elementos que denotam hostilidade. Em sua poética, Regina indica que estas formas e volumes podem ser alteradas, manipuladas. Que o som do disparo pode ser amplificada ou silenciado, conforme os interesse do poder. Em louças brancas, rachaduras são sobrepostas por um simulacro de rachaduras e furos de projeteis, são intensificadas. Obras que remetem ao estado constante de vigilância em razão do medo da violência, que afeta o cotidiano e nos submete a traumas físicos e psicológicos. Cacos de uma noção de solidez e segurança sempre almejada, e que não pode ser atingida em curto prazo, permanecendo irreal e distante em meio a crises e dissolução de conquistas. Por meio da visão escutamos a onomatopeia, e é a imagem que ecoa em nossa mente lembrando o ruir deste ideal inatingível. Fui encarregado de desenvolver e aplicar a identidade da mostra, em materiais de divulgação virtual, plotagens, folder e catalogo.  Desenhei o lettering com referencia nas onomatopeias de Hqs, com uma distorção que indicasse movimento, buscando manter a simplicidade de leitura para o caso de tamanhos reduzidos. A palavra Crash também poderia ser apresentada sem as ondas de força. Usei ela como relevo apenas no branco na capa do catalogo, que apesar de simples tem uma aba grande dobrada para aumentar a resistência. 

artista - Regina Silveira local - MON, Sala 3 design - Marciel Conrado

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Painel Magnético

Em 2014 realizei este painel magnético com peças triangulares enquanto trabalha no Museu Oscar Niemeyer. Os visitante podiam movimentar as peças e construir formas. A palavra “Olho”, como o museu é popularmente conhecido, aparece em diversos idiomas. O interesse foi renovar uma plotagem institucional que havia anteriormente ali, valorizando e trazendo ludicidade a um espaço que era pouco utilizado.

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Poty

poeta do traço

Exposição realizada pelo Museu Oscar Niemeyer em parceria com a Itaipu Binacional, reunindo cerca de 130 obras do artista brasileiro Poty Lazzarotto no Ecomuseu em 2015. Ilustre desenhista, gravador e professor curitibano, entre tantos feitos é reconhecido principalmente pelos diversos painéis públicos que realizou na cidade. Desenvolvi a identidade da exposição e apliquei-a nos materiais de divulgação, em plotagens no interior da mostra e no catálogo. Para o lettering principal escolhi uma tipo de serifa blocada, bem robusta ao estilo letterpress, por se associar melhor à personalidade do artista que fora simples e convicto. Fiz algumas interferências nesta gerando uma versão outline, e outra com uso de quebra em silaba, na intensão de comprimir a palavra em um ícone de forte unidade. Algumas vezes substitui a letra "O" por desenhos que apresentassem elementos circulares, como uma lua ou a própria cabeça do artista que autorretratou-se de forma humorada. Na entrada da exposição esta configuração foi reproduzida em adesivo recortado, branco sobre um painel azul. No catalogo, que era pra ser econômico, fiquei bem satisfeito com o uso do papel kraft na capa, da tipo em relevo e da impressão apenas em preto. Dado o formato pequeno, escolhi zerar o fundo das dezenas de desenhos e apresenta-los soltos, ampliando o vazio do entorno e permitindo dispo-los maiores, sem perder a leveza dos originais. Algo que só foi possível pela característica altamente gráfica do trabalho de Poty Lazzarotto .  

artista - Poty Lazzarotto curadoria - Equipe técnica do MON local - Foz do Iguaçu, Ecomuseu de Itaipu design - Marciel Conrado

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Frida Kahlo

as suas fotografias

Na exposição que aconteceu em 2014 no Museu Oscar Niemeyer, o publico teve acesso a uma serie de momentos eternizados por amigos e familiares fotógrafos que conviveram com Frida por anos, e também fotografias tiradas pela própria artista. A exposição trata da intimidade desta personalidade importante da historia da arte, reconhecida por sua imensa força de superação dos eventos trágicos em sua vida, e pela postura politica e social que ousou expressar por meio de sua pintura, vestimentas e posicionamentos. Como mulher latino americana defendeu a libertação feminina e confrontou o imperialismo, sempre valorizando a cultura tipica do México, em especial de Tehuantepec. As mulheres desta região viviam em uma sociedade matriarcal e participaram ativamente da Revolução Mexicana.

Desenvolvi a identidade da exposição e apliquei-a nos materiais de divulgação online, em plotagens no interior da mostra e no folder.  Frida adorava flores e as usava presas as tranças em seus penteados tradicionais tehuanos. As rosas com sua beleza e espinhos estão muito presente em sua obra. Combinei o ícone do botão de rosa com uma tipo caligráfica para o lettering, com o desejo de remeter a este universo intimo dos escritos de diário e anotações da artista nas fotografias. Fiz uma representação gráfica a partir de um dos retratos e usei como plotagem de recorte na entrada da exposição. O marrom utilizado na identidade remete a terra dos cenários desérticos do México representados nas pinturas, e ao sépia das fotografias antigas. Por fim, no folder foi possível criar uma área destacável para ser enviada como cartão postal, funcionando com divulgação e lembrança da mostra.

artista - Frida Kahlo curador - Pablo Ortiz Monasterio local - MON, Sala 3  design - Marciel Conrado

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Golegole golegolegah!

Marcio Renato é um escritor brasileiro, mestre em estudos Literários pela UFPR, é jornalista e atua na Biblioteca Pública do Paraná. Em 2013 ilustrei e diagramei seu livro Golegolegolegolega!, a parceria foi lançada pela Travessa dos Editores. Ao invés de ilustrar cada conto, com nanquim fiz um desenho prolongado que sugere um efeito em cadeia. Este foi dividido em varias partes, gerando uma pagina dupla antes de cada conto. Para capa fiz uma orelha maior que o comum, para também abrigar partes do desenho. Todo o livro foi impresso em preto, com miolo em papel offset e capa em duo design com laminação fosca.

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O Brasil de Marc Ferrez

Marc Ferrez (1843-1923) testemunhou através de suas lentes o Brasil do século XIX com maestria, desenvolvendo técnicas e explorando lugares, vencendo distancias enquanto transportava o grande volume e peso de seu equipamento. Ferrez é conhecido por suas fotografias de paisagens, em especial as imagens panorâmicas do Rio de Janeiro, feitas com negativos em vidro. Retratou a população brasileira na cidade, no campo, em minas e na construção de ferrovias. O conjunto de sua obra está sob cuidado do Instituto Moreira Salles.

Na mostra que ocupou o Museu Oscar Niemeyer em 2013, fui responsável por desenvolver a identidade visual e aplica-la nos materiais de divulgação virtual e impressa, e também em um catálogo.

Pensando nas lentes usei vários círculos concêntricos como grafismo, ora aplicado sobre imagens ora como efeito de meio tom. Recurso simples e de resultado agradável. No lettering composto por uma fonte de serifa blocada, fiz uso de pesos distintos e a interferência de linhas em "MARC", onde o "C" associou-se ao grafismo dos círculos. O catálogo contou com capa dura e parte do miolo em polem bold, impresso apenas com pantone marrom e preto. Para as fotografias que exigiam detalhamento foi mantido o couché fosco. Usei ilustrações de câmeras antigas que Ferrez trabalhava, o próprio logo caligráfico de seu estúdio à época, e também um mosaico com detalhes da fotografias.

artista - Marc Ferrez acervo - Instituto Moreira Salles curador - Sergio Burgi design - Marciel Conrado local - MON, Galeria Niemeyer 

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Múltiplo Leminski

As múltiplas faces do poeta Paulo Leminski foram apreciadas de forma estimulante na exposição que em 2012 ocupou o salão principal do Museu Oscar Niemeyer. Sua extensa e diversificada produção foi exibida por meio de originais manuscritos e datilografados, entrevistas, cartas, documentos pessoais, crônicas de jornais e vídeos.

Tive o prazer de desenhar o folder e o catalogo da exposição, reunindo e adaptando conteúdo, tratando imagens, diagramando e ilustrando. Entre os recursos visuais utilizados no livro de capa dura, destaco a inserção no corte do miolo por meio da distribuição de áreas de preto em cada pagina, o poema: confira tudo que respira conspira

Na mostra houve a realização de um painel de graffiti com os poemas de Leminski no qual também participei junto aos artistas Jorge Galvão e Thiago Syen.

artista - Paulo Leminski curador - Alice Ruiz local - MON, Salão principal (Olho)  design - Marciel Conrado

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Salvando Aparências

Joao Ozorio Brezinski é um artista e professor brasileiro, residente na cidade de Curitiba. Em sua trajetória trabalhou com elementos da cultura popular e kisch, compondo assemblages com objetos utilitarios e tecidos estampados, como a chita. Em 2002 realizou uma exposição intitulada "A Farsa da Cruz", onde reconfigurava com pintura a sombra projetada de objetos icônicos. Na mostra no Museu Oscar Niemeyer em 2013 retomou esse processo, examinando conflitos e urgências de nosso tempo, como ambientalismo, midiatização, gênero e religião.

Criei a identidade visual da mostra a partir de um retrato que fizemos do artista, invertendo sua sombra projetada, como se esta o confrontasse. Para o lettering repeti e desloquei o título, em meio tom com linhas diagonais para gerar um efeito de sombra. Ele foi reproduzido na entrada da exposição em adesivo de recorte. O folder teve estrutura de livreto para servir como um pequeno e econômico catalogo. Foi impresso em offset, com um visual bem limpo, e no interior inseri uma pagina prolongada e dobrada. 

artista - João Osorio Brzezinski curador - Fernando Bini local - MON, Sala 9 design - Marciel Conrado

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Sergio Camargo

percurso escultórico

Sergio Camargo foi um importante escultor brasileiro ligado à vertente construtiva. Realizou uma serie de experimentações com volumes e relevos, principalmente com mármore e madeira. Em sua obstinação pela forma, explorou cortes, incisões, repetições e rearranjos de peças geométricas, geralmente cilindros e paralelepípedos. Sergio preferia evidenciar o volume e a materialidade, escolhendo o branco ou preto.

A exposição trouxe em 2012 ao Museu Oscar Niemeyer uma amostra concisa da trajetória do artista, exibindo tridimensionais, desenhos e estudos, sob curadoria de Paulo Venancio Filho. Participei elaborando a identidade visual que desdobrou-se em plotagens para o interior da sala, materiais de divulgação virtual, convite impresso, folder e catálogo.

Desejei que o design fosse sóbrio e construtivo, valorizando o branco e o cinza bem claro. Para o painel de entrada da sala, rotacionei o título e sobrepus à imagem principal da mostra, com uma tipo sem serifa bem desenhada e objetiva ao estilo DIN. Escolhi o azul para destacar algumas palavras e elementos, e causar alguma vibração de cor em meio a totalidade em tons de cinza. O catalogo contou com um box onde a obra aparece sozinha, o titulo em tamanho menor foi reservado para capa alinhado na borda do corte, discretamente e na vertical. A cronologia impressa no livro foi disposta na extensão horizontal da pagina dupla. Para o folder pensei uma dobra interessante, que ia se construindo ao abrir, revelando uma imagem de uma escultura em grande escala.

artistas - Sergio Camargo curador - Paulo Venancio Filho local - MON, Sala 5 design - Marciel Conrado

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Dorothea Wiedemann

aqui ou em qualquer lugar

Dorothea Wiedemann foi uma gravadora alemã que aplicou-se na xilogravura como principal meio de expressão. Sua relação com a natureza marcou sua obra. Observava com sensibilidade formas e texturas em troncos, folha, galhos e solo. Buscava perceber em cada madeira características únicas que guiavam sua mente criativa nas incisões, ao produzir a matriz.

A exposição  realizada em 2012 no Museu Oscar Niemeyer exibiu 51 trabalhos da artista, que residiu parte de sua vida no Brasil, na cidade de Castro. Fiquei com responsabilidade de criar a identidade visual da mostra, aplicada em plotagens no interior da sala, materiais para divulgação virtual, folder e catálogo.

Usei o laranja combinado com o verde oliva, extraído de algumas obras da artista, alusão ao sol do entardecer e as cores da vegetação. Um ícone com as iniciais “DW” serviu de redução do titulo, e a partir de umas das gravuras foi adaptado uma textura usada na capa do catalogo e na entrada da mostra, impressa em adesivo translucido sobre o vidro. A escolha do formato permitiu que a capa simples fosse dobrada ao meio e melhorasse a sustentação. A longo do livro coloquei detalhes ampliados das obras, o que conferiu uma dinâmica melhor que a mera reprodução.

artista - Dorothea Wiedemann curadores - Simone Landal local - MON, Galeria Niemeyer design - Marciel Conrado

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MAP/MON

MAP, o início do acervo MON

Em 2011 a exposição reuniu obras provenientes da coleção do antigo Museu de Arte do Paraná, que foram incorporadas e deram origem ao acervo do Museu Oscar Niemeyer. Entre gravuras, desenhos, pinturas e tridimensionais, o público teve acesso a trabalhos de artistas como João Turin, Hermann Schiefelbein, Theodoro De Bona, Freyesleben, Erbo Stenzel, Fernando Velloso, e outros.

Desenvolvi a identidade visual da mostra, aplicada nas plotagens para o interior da sala, divulgação virtual, convite impresso e folder. Alinhei um conjunto de círculos e inseri neles cada letra das siglas MAP/MON e alguns detalhes de obras. Queria transmitir a ideia de coleção, e a passagem deste acervo entre as instituições. O folder teve um resultado que lembrou uma revista ilustrada, com vários usos deste arranjo.

curador - Ennio Marques Ferreira local - MON, Sala 3 design - Marciel Conrado

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Piotr Kunce

cartazes poloneses Em 2011 Museu Oscar Niemeyer recebeu a exposição do professor e artista gráfico polonês Piotr Kunce, exibindo 84 cartazes ao longo da torre de acesso a sala principal, conhecida como Olho. Piotr é um proeminente na tradição dos cartazes poloneses, reconhecido por congregar arte e comunicação na divulgação de produtos de consumo, peças teatrais, cinema e apresentações musicais. Sua obra é marcada por uma linguagem bem humorada com referencia no popular, e o uso de imagens de bonecas.

Criei a identidade visual da mostra, aplicada em plotagens para o interior da sala, divulgação virtual e folder. A combinação branco e vermelho são também as cores da bandeira polonesa. Na capa do folder, que foi dobrada um pouco menor para que tornasse visível o nome do artista na borda da pagina seguinte, usei um conjunto de imagens reduzidas das obras de Piotr Kunce, e uma microserrilha que a tornavam destacáveis. No verso as palavras Wystawa Plakatu, exposição de cartazes em polonês, foram sobrepostas a um retrato reticulado de Piotr. 

artista - Piotr Kunc curador - Consuelo Cornelsen local - MON, Torre design - Marciel Conrado

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Os Caprichos de Goya

Francisco Goya foi pintor e gravador espanhol. Reconhecido como precursor da arte moderna, influenciou pintores de movimentos distintos como romantismo, impressionismo, expressionismo alemão e surrealismo. Sua obra é permeada por uma critica sutil ao modo de vida aristocrático. Mesmo como pintor da corte, buscava retratar a nobreza despida de idealismos. 

Em 2012 a série “Os Caprichos” de Goya, foi exposta no Museu Oscar Niemeyer em parceria com o Instituto Cervantes de Curitiba. As 80 gravuras foram produzidas entre 1797 e 1799 com água-forte, água-tinta, ponta seca e buril. Representam na sua maioria temas sombrios, permeados por vicio e corrupção, figurando demônios, bruxas e outras bestas que ocupavam o imaginário popular. Para o lettering usei uma tipo pesada, com um desenho das antigas letterpress, destacando a palavra curta e emblemática do nome do artista. Em alguns momentos preenchi as letras com detalhe das obras, como no convite virtual. No caso da plotagem de abertura na mostra, por ser no vidro, fechei todo entorno com adesivo preto fosco e deixei a palavra “GOYA” vazada no recorte. Com isso foi possível entre ela ter a visão do painel atras, que foi coberto com a ampliação de uma gravura da mostra. Justaposto, um autorretrato do artista com expressão placida, talvez descrente, ampliado e impresso no vinil translucido. O restante do título e alguns detalhes foram recortados em adesivo metálico cobre, aludindo ao metal usado em matrizes de gravura. O folder foi impresso em preto e pantone cobreado, sobre o papel kraft. Concebido como livreto, serviu como um pequeno e econômico catálogo. A capa teve quase totalidade fechada em preto, preservando somente o lettering para revelar o substrato. Na primeira pagina o autorretrato de Goya surge impresso no pantone cobreado.

artistas - Francisco Goya curador - Salvador Lopes Becerra local - MON, Galeria Niemeyer design - Marciel Conrado

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Arcangelo Ianelli

Arcangelo Ianelli foi um importante pintor e escultor autodidata brasileiro. Sua obra é marcada por uma evolução estilística notável, iniciando-se com paisagens urbanas e marinhas que o levaram a um abstracionismo geométrico, com planos superpostos e interpenetrados. Em 2011, o Museu Oscar Niemeyer realizou uma exposição de suas obras doadas pela família do artista, permitindo uma análise completa de seu percurso e amadurecimento artístico.

Na tarefa de criar e aplicar a identidade visual da mostra, em plotagens para a sala, materiais de divulgação online, convite impresso e folder, fiz um lettering a partir do abstracionismo e tonalidades empregadas por Ianelli. As letras formam um continuum, com áreas de poucas diferenças tonais que se interpõem tal como algumas de suas pinturas. Este foi plotado na entrada da sala e usado na capa do folder, uma versão linear também serviu como grafismo. O folder de dobra estilo janela foi impresso em duo design e revelava na primeira abertura a imagem de uma das obras principais. O azul e o cinza delimitaram áreas para a hierarquizar a informação, e o magenta ressaltou os títulos e capitulares.

artistas - Arcangelo Ianelli curador - Equipe Técnica do MON e Família Ianelli local - MON, Sala 7 design - Marciel Conrado

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O Estado da Arte

Arte Contemporânea no Paraná 1970-2010

A exposição no Museu Oscar Niemeyer apresentou uma seleção de cerca de 150 obras de artistas paranaenses contemporâneos dos últimos 40 anos, divididos em dois núcleos: "Poéticas Transitivas" e "Expresso 2000". Ambos os núcleos revelaram a necessidade desses artistas em quebrar as narrativas convencionais e propor novas formas de pensar a arte e sua relação com a sociedade.

A identidade visual da exposição foi criada para integrar a diversidade de linguagens presentes nas obras, os nomes dos artistas foram destacados em uma caixa de texto, pressionada por uma contra forma curva. Esta estrutura buscou representar graficamente a ambiguidade do título da exposição. O termo o estado da arte é usado para se referir ao estado atual de conhecimento a respeito de algo, que está sendo objeto de análise ou estudo. Por se tratar de uma coletânea que reuniu apenas artistas paranaenses, indica também que estes podem apresentar temas e motivações em comum, dado o fato de pertencerem a um mesmo território. Há ainda a relação entre estado e arte como forças antagônicas.

A família de tipos Futura está em toda a identidade visual, no folder foi utilizada a impressão em pantone para o verde, uma faca, e verniz localizado sobre os nomes. Na sala da mostra, foram usados adesivos de recorte aplicados sobre o painel pintado.

curador - Artur Freitas e Maria José Justino local - MON, Salas 5 e 6 design - Marciel Conrado