Na ponta da agulha

"A alma vive de música. Respira e transpira sons e melodias." - RT

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A banda finlandesa de metal sinfônico, e pioneira no estilo,Nightwish, acaba de lançar seu mais recente álbum “Endless Forms Most Beautiful”(2015), uma viagem complexa, e com um trabalho de orquestração digno de prêmiose bajulação. Tuomas, tecladista e principal compositor, mais uma vez se superouneste quesito, trazendo novamente a orquestra sinfônica de Londres para criarum clima tão épico e grandioso, que chega a causar certo estranhamento nas primeiras audições.

O Nightwish inspira e transpira uma grandiosidade sonora tão complexa e genuína, que veio sendo desenvolvida nos quase 20 anos de música e chega no seu ápice com este novo álbum, que pode causar até certo desconforto aos ouvintes mais antigos e causar deleite para os que começaram a acompanhar a banda nos dois últimos lançamentos.

O novo álbum soa como uma releitura de alguns clássicos. Se parece bastante, nos riffs, nas melodias vocais e na pegada de “Dark Passion Play” (2007), “Imaginaerum” (2011) e “Once” (2004), como em “Shudder Before the Beautiful”, “Élan”, “Yours in an Empty Hope”, “Endless Forms Most Beautiful”, “Alpenglow” e esse talvez seja o ponto que deixa o álbum um pouco morno, apesar de ser muito bem executado, alguns fãs vão ter deja vús por todo o álbum. (Exemplos: https://www.youtube.com/watch?v=7lRguAsHfMM)

Este sentimento pode ser corrigido pela audição do 3º CD que acompanha a versão “Earbook” do álbum, onde se ouve apenas a orquestra isolada. E que maravilhoso é este CD, envolvente, forte e simplesmente brilhante. O que nos leva a questão, “Com essa orquestração tão grandiosa e completa, cabe uma banda inteira no meio disso?” Bom, esta pergunta deve ser respondida por cada um depois de ouvir as duas, das três versões do álbum, sendo a primeira completa, a segunda sem voz e a terceira, como já havíamos dito, apenas orquestra.

O álbum é bem completo, talvez ultrapasse as expectativas de alguns pela musicalidade abundante e feliz, ou então cause estranhamento pelo excesso de instrumentos e sons juntos. Vale ressaltar que neste álbum consta a mais longa composição do grupo “The Greatest Show on Earth” com 24 minutos, que vamos deixar para vocês, ouvintes, julgarem se foram ou não bem aproveitados.

O álbum foi inspirado no livro “A Origem das Especies” de Charles Darwin, e pode ser conferido nos links abaixo:

“O resultado direto desta guerra da natureza que se traduz pela fome e pela morte, é, pois, o fato mais admirável que podemos conceber, a saber: a produção de animais superiores. Não há uma verdadeira grandeza nesta forma de considerar a vida, com os seus poderes diversos atribuídos primitivamente pelo Criador a um pequeno número de formas, ou mesmo a uma só? Ora, enquanto que o nosso planeta, obedecendo à lei fixa da gravitação, continua a girar na sua órbita, uma quantidade infinita de belas e admiráveis formas, saídas de um começo tão simples, não têm cessado de se desenvolver e desenvolvem-se ainda!” ― Charles Darwin, A Origem das Especies

“Thus, from the war of nature, from famine and death, the most exalted object which we are capable of conceiving, namely, the production of the higher animals, directly follows. There is grandeur in this view of life, with its several powers, having been originally breathed into a few forms or into one; and that, whilst this planet has gone cycling on according to the fixed law of gravity, from so simple a beginning endless forms most beautiful and most wonderful have been, and are being, evolved.” ― Charles Darwin, The Origin of Species 

Destaques: “Shudder Before the Bautiful”, “Weak Fantasy”, “Yours is an Empty Hope”, “Endless Forms Most Beautiful”, “My Walden”.

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Sincronia vocal perfeita; Instrumental envolvente; Letras inspiradas, espirituais e muito conscientes. As gêmeas franco-cubanas, Naomi e Lisa-Kaindé chegaram com grande e positiva repercussão perante a mídia musical internacional e não por menos. A originalidade das meninas fazem uma mistura intrigante de batidas eletrônicas, harmonizações, percussões e um trabalho vocal magnífico e muito sincronizado. Elas debutam com o álbum ’Ibeyi”(2015), que também é o nome definido para identificar o duo, e desde a introdução “Oya”, já constatamos esta sintonia tão orgânica que vem das meninas, como elas mesmas descreveram para o The Guardian “Não é estranho que isso aconteça conosco. (quando ambas estão cantando a mesma música, coincidentemente na mesma parte, no mesmo momento) Com a música, nós somente olhamos uma para a outra e nós sabemos.”

Aos 19 anos, as meninas estão conquistando sucesso cantando sobre a cultura negra, não apenas em inglês, mas em iorubá, língua africana que chegou a Cuba com a importação de escravos e é lá chamada de lucumi, o que torna a experiência ainda mais interessante. Vale ressaltar também que as gêmeas são filhas do famoso percussionista Miguel “Angá” Diaz, que tocou com “Buena Vista Social Club”, e é homenageado na canção “Think of You”.

O álbum segue com canções marcantes que soam tão puras e cheias de vida. Um novo clássico do “R&B for headphones”, algo como R&B para fones de ouvido. E isso é verdade, a experiência sonora do álbum quando ouvido com bons fones, torna cada canção especial e assim é possível atentar-se aos inúmeros detalhes aos quais tornam a música de “Ibeyi” tão digna de atenção.

“É por isso que eu amo canções. É como viver sua dor novamente, mas vencer. No final de cada música eu penso, “Eu venci esta guerra, eu venci está dor, acabou.” – Lisa-Kaindé para o The Guardian.

A entrevista completa, em inglês, pode ser lida no site do The Guardian.

Destaques: “Oya”, “Weatherman”, “Think of You”, “River”, “Singles”.

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O Korn apareceu em meados de 1994 com uma proposta bem diferentepara a época, misturar metal, alguns alguns efeitos nos instrumentos que lembravam sonoridades eletrônicas, o que foi realmente introduzido anos depois no álbum Untouchables (2002) , uma sonoridade que flertava com o Hip-hop, influências de Faith no More e assim foi que surgiu a onda do New Metal, juntamente com Limp Bizkit e posteriormente Linkin Park. A sonoridade pesada sempre foi marca registrada, vocais agressivos e letras depressivas e explicitas que traziam as dores e frustrações do vocalista Jonathan Davis, como bullying, problemas com os pais, dentre outros.

A banda se tornou uma das maiores lendas do rock pesado por tudo isso e conquistou fãs no mundo todo, grammys e recentemente lançou um álbum chamado The Paradigm Shift(2013), que infelizmente deu uma baixada nos nervos e trouxe um som mais comercial e letras menos carregadas de ódio, talvez pela volta do guitarrista Brian "Head" Welch, que havia deixado a banda para se dedicar a religião, e consequentemente, podemos ouvir mais letras de arrependimento, do que de desespero neste. Porém, se essas eram marcas registradas da banda, isso nos leva à 1999, para o álbum “Issues”.

"Issues", assim como boa parte dos álbuns do Korn possuem faixas pesadíssimas, cheias de um sentimento bem forte de dor, ódio, e o que parece soar demais, pode ser de certa forma libertador. Jonathan Davis, vocalista e principal letrista sabe bem o que dizer quando o assunto é revolta, então nada parece detê-lo de expressar isso através de canções como “Trash”, “Hey Daddy”, “Make me Bad”, que estão entre clássicos como “Falling Away from Me”, “Somebody Someone”, está última evidencia uma das características mais marcantes no som do Korn, a afinação bem baixa dos instrumentos, e o um baixo violento e matador.

Se está procurando um som pesado, forte e marcante, não deixe de conferir este clássico. Talvez o melhor álbum da banda, e uma válvula de escape para os que não gostaram da mudança drástica apresentada nos dois últimos lançamentos da banda.

Destaques: “Trash”, “Falling Away from Me”, “Somebody Someone”, “Hey Daddy”, “Beg for Me”

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Nick Jonas cresceu e parece que isso fez muito bem para sua carreira. O ex-Jonas Brothers, grupo formado por Nick e seus irmãos,teve grande sucesso mundial entre 2005 e 2013, vindos da mesma ninhada de Miley Cyrus, Selena Gomes e Demi Lovato, todos atores de Disney. A nova leva da música pop tem causado grandes polêmicas, uns envolvidos com drogas, outros com nudez, letras explicitas, relacionamentos conturbados, mas os Jonas parecem ter administrado muito bem seus caminhos, e o maior exemplo é mesmo Nick Jonas.

O rapaz de 22 anos lançou seu mais recente álbum “Nick Jonas” (2014) no final do último ano e adicionou mais um ótimo lançamento ao seu currículo, que conta com diversos trabalhos como ator, compositor, produtor, diretor de turnês (Demi Lovato), musico e tudo isso com ótimo retorno crítico.

Voltando ao álbum, Nick se mostra bem mais maduro e traz um apanhado de ótimas composições musicais no estilo R&B/Pop. O instrumental lembra muito o som sensual e dançante de Justin Timberlake, combinados com a boa voz do “garoto”. As batidas são bastante envolventes e apesar das influências, tudo parece muito bem feito para que o garoto tenha o destaque merecido, e a prova disso está em “Teacher”, “Chains” e “Jealous”, os maiores destaques e hits do álbum.

As letras são bem inspiradas no que vem sendo feito dentro do estilo por Justin Timberlake, Justin Bieber, Usher, e até mesmo Ed Sheeran, em “Wilderness”, com a pitada romântica, galenteadora e sem a pegada explicita e excessiva de alguns outros no meio pop. O que é bem curioso, levando-se em conta que alguns álbuns pops de artistas femininas estão bem mais apelativos que os dois meninos.

Além das canções mais agitadas e dançantes, o álbum tem espaço para ótimas baladas como “Warning”, “Push”, “Nothing Would be Better”, e a colaboração de Demi Lovato em “Avalanche”, que em momentos poderia ter sido descartada, mas levando em conta a amizade dos dois, o dueto ficou até bem bacana.

Se está procurando algo simples para curtir, com batidas intensas, dançantes, sensuais, romantismo e menos apelação, este é o álbum para hoje, na ponta da agulha.

Destaques: "Chains", "Numb", "Wilderness", "Jealous", "Teacher"

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“Não quero lhe falar, meu grande amor, das coisas que aprendi nos discos...”

Na verdade, quero sim.

E se tem uma coisa que aprendi com eles, foi que devemos ter ouvidos livres para experimentarmos de tudo. Ouvir MPB, nos dias de hoje, não é mais tão comum, como outrora foi. Ainda mais quando não se trata do MPB “moderno” de Maria Gadú, Ana Carolina e afins. Mas sim do que já aconteceu, do que já brilhou e do que será eterno. E se “esses ídolos ainda são os mesmos”, Elis Regina é a prova viva de que “o que há algum tempo era novo, jovem, hoje é antigo”, mas continua tão bom e tão revigorante como nunca.

O álbum em questão é “Falso Brilhante”, e apesar de dizer que “o passado é uma roupa que não nos serve mais”, e que “precisamos todos rejuvenescer”, talvez para que isso seja adaptado à música, seria realmente necessário voltar ao passado e experimentar o que foi “novo” e hoje é “antigo”.

Lançado em 1976, durante a ditadura militar, período em que a música popular brasileira teve maior força através das brilhantes composições de Caetano, Gil, Chico, Belchior, dentre tantos outros que foram de grande importância por suas letras que misturam um pouco da história de suas vidas, e também as críticas disfarçadas contra a ditadura militar. Em “Falso Brilhante”, podemos ouvir clássicos absolutos e que emocionam pela voz marcante e fascinante de Elis, como “Fascinação”, “Como Nossos Pais”, “Quero”.

Um detalhe sobre a voz de Elis que salta aos ouvidos, é como soa bela, doce e clara a língua portuguesa cantada por ela. A dicção é perfeita. Todas as palavras são ouvidas e compreendidas sem nenhuma dificuldade, coisa rara hoje em dia. Este detalhe parece não fazer tanto sentido, mas ouça e tire suas conclusões.

Apesar de bem curto, cerca de 35 minutos, o disco é tão simples e musical, que se torna difícil pular faixas ou se cansar de alguma das 10 canções. Esqueça as parafernálias e efeitos eletrônicos, os sintetizadores, e viva uma viagem a uma época onde música era tirada da voz e dos instrumentos, e não dos efeitos e autotunes. De onde o talento vinha do dom, não do computador.

Para quem, como eu, não teve a oportunidade de viver o auge da carreira da maior interprete brasileira, deve ouvir este álbum com o cuidado de um brilhante, seja ele “falso” ou não.

Mario Viana, jornalista e dramaturgo: "Em 1975, eu tinha 15 anos. Meu chefe perguntou se eu não queria ir ao show da Elis Regina, chamado "Falso Brilhante", em cartaz no Teatro Bandeirantes. Até então, pra mim, Elis Regina era uma cantora conhecida dos tempos do “Fino da Bossa” e por algumas músicas legais que tocavam no rádio. Quando o show começou, uma baixinha de perucão loiro e vestido cor de rosa começou a cantar – era a própria! Foi a primeira vez que vi Elis ao vivo. Foi a primeira vez que todo mundo ali escutava "Como nossos pais", "Gracias a la Vida" e a arrasadora versão de "Fascinação".Pra mim, o show foi mesmo um divisor de águas. Eu não era o mesmo quando saí daquele teatro. Alguma coisa tinha mudado, eu não sabia – obviamente – o que era. Mas nada seria como antes. Até hoje lembro de "Falso Brilhante". Quando algum desinformado diz que a arte não muda as pessoas, rio por dentro e lembro de Elis cantando “Volare”, “Aquarela do Brasil”, “Upa Neguinho”, “Como nossos pais”... Muda, sim. A arte pode mudar a gente. Muda pra melhor"  - Fonte: Saraiva Conteúdo

Destaques: "Um Por Todos", "Fascinação", "Como Nossos Pais", "Jardins de Infância", "Gracias a la Vida"

Confira abaixo a última entrevista cedida por Elis Regina antes de seu falecimento em Janeiro de 1982:

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"Se alguém ainda acha que Madonna pode estar velha, feia, magra demais, virou uma "múmia" e por isso não pode fazer música de qualidade, aconselho que ouça o novo álbum, "Rebel Heart" (2015). A eterna rainha do pop está de volta, depois da super bem sucedida turnê MDNA, Madonna vem com divulgação forte, entrevistas, mistérios, vazamentos, prisões e 25 canções inéditas. Isso mesmo, 25 canções inéditas e todas bem acima da média.

As musicas refletem claramente os anos de desenvolvimento e experimentação musical da artista, passando por baladas que lembram de Like a Prayer, canções grudentas de True Blue, a ousadia de Erotica, principalmente, a revolução musical de Ray of Light, o pop pulsante de Music, o hip hop de Hard Candy e por aí vai.

O álbum é mais musical do que dançante, isso é fato. Para ficar mais claro, faixas como "Body Shop", "Ghost Town", "HeartBreak City", são ótimas, mas talvez não sejam as melhores opções para tocar nos clubes. Porém, “Living for Love”, com um dos melhores vídeo clipes da cantora, “Bitch I’m Madonna”, “Iconic”, “Illuminati” e “Addicted” mesmo não trazendo o pop melado, possuem batidas cativantes e são pontos altos no álbum. Outras canções lembram muito a proposta de Ray of Light como em, “Best Night” conduzida por uma percussão que lembra algo indiano. “Beautiful Scars”, com uma proposta mais disco, é uma faixa que lembra muito faixas do álbum Erotica, assim como a temática nas letras de “S.E.X”, “Holy Water”, esta cheia de duplos sentidos e que gerará muita controversa ainda, e “Inside Out” e como ela mesma diz “Isto pode soar como se eu fosse uma vadia sem vergonha”, em “Unapologetic Bitch”, o que a gente nunca duvidou, no bom sentido é claro.

Acho que o leitor, que é fã da diva, já entendeu que a proposta do álbum mistura, talvez em excesso, os temas sexo e religião, Ray of Light e Erotica. Para quem não é fã, já deixo mais fácil de entender. Esta é Madonna. E não, ela não quer causar agora, porque ela começou a causar com essa junção desde os primeiros álbuns nos anos 80. Sexo e religião sempre foram pontos fortes nas composições de Madonna, desde as polêmicas com Like a Prayer, a nudez que chocou em Erotica, e assim ela moldou tudo o que veio depois.

Rebel Heart também aposta, além da forte questão sexual, nas baladas mais apaixonadas como em “Ghost Town”, “Joan of Arc”, “Borrowed Time”, “Graffiti Heart”, “Queen”, "Rebel Heart", todas com a carga precisa de sentimento e batidas pops, black. E todas com um belíssimo trabalho não só da produção musical, mas da voz de Madonna que não soa nem um pouco desconfortável ou cansada. Entre as baladas, uma merece destaque, e é “Wash all Over Me” que apesar de ter vazado antes, teve seu instrumental reformulado e lembra até um tom dark, algo como se Madonna se fundisse com Lana Del Rey, mostrando que a rainha além de se reinventar, está aberta a novas sonoridades.

Participações especiais também são sempre bem vindas, e entre elas estão, Nicki Minaj em “Bitch I’m Madonna”, Chance the Rapper e Mike Tyson em “Iconic” e por último, Nas em “Veni Vidi Vici”.

“Veni Vidi Vici” ( "Vim, vi, venci") é a música que talvez melhor defina tudo o que Madonna construiu e funciona como uma auto reflexão de tudo o que ela já passou, desde um bebê (ouça "Autotune Baby"), até os álbuns, músicas, momentos, frases que marcaram sua carreira. Talvez uma música que caberia bem para fechar um ciclo, se este fosse o último álbum de Madonna, o que a gente espera que não seja.

Concluindo, o álbum segue uma homogeneidade bem típica da artista, e se você é fã, conhece todos os passos musicais dados, desde Madonna até MDNA, conseguirá digerir com facilidade o álbum completo e terá uma overdose de Madonna pela quantidade peculiar de faixas inéditas. Agora, se você não é tão fã assim, melhor esperar pelos singles mesmo, pois a miscelânea e a quantidade de faixas pode tornar a audição um tanto inconstante.

Destaques: "Living for Love", "Bitch I'm Madonna", "Iconic", "Rebel Heart", "Ghost Town", "Devil Pray", "Addicted", "Veni Vidi Vici".

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Em meio ao turbilhão pop que a indústria fonográfica vemapresentando ao público, a cantora canadense Jill Barber vem conquistando cada vez mais ouvintes com seu Jazz finamente executado e tão doce e sensual como poucos poderiam fazer.

Jill teve seu primeiro álbum lançado em 2002, “A Note to Follow So”, mas dessa vez a belíssima moça decidiu deixar as influências mais claras lançando um álbum inteiramente em francês, língua e cultura pelas quais a moça tem forte admiração. O seu mais recente álbum, “Chansons” (2013) continua entre os mais vendidos no iTunes e tem razões suficientes para tal.

O álbum consiste em canções muito inspiradas e cria texturas suaves para os amantes da música. Jill interpreta canções de artistas de Quebec e da França, como Édith Piaf, Serge Gainsbourg, Henri Salvador, Raymond Berthiaume and Raymond Lévesque. O álbum estreou em 1º lugar nos charts canadenses e o motivo fica muito claro desde a primeira faixa, “Petite Fleur” de  Sidney Bechet, Fernand Bonifay e Mario Bua.

A delicadeza no repertório dispensa comentários pela escolha tão precisa. E mesmo que o ouvinte não conheça as interpretações originais, certamente fará uma viagem musical pelas paisagens parisienses através da voz suave e afinada de Barber em “Sous le ciel de Paris”, mais conhecida na voz de Édith Piaf. Outro detalhe quanto a escolha das canções, é a constância que as liga e deixam o álbum perfeito para um jantar a dois, à luz de velas, um bom vinho ou um simples passeio no parque no inverno, o que pode soar um pouco impossível se levarmos em conta o calor em alguns estados do Brasil.

E falando em Brasil, infelizmente a turnê da cantora não tem previsões de passar pela America Latina, até por não ser tão conhecida por aqui, mas isto não é desculpa para não desfrutar de sua música. A artista já recebeu atenção da crítica mundial e ganhou prêmios de artista do ano (2005), artista feminina e álbum do ano (2007) e continua encantando a todos por onde sua voz é ouvida.

 Destaques: “Petite Fleur”, “Melancolie”, “Sous le ciel de Paris”, “Je cherche un homme”, “J’attendrai”.

Fontes: "Chansons","Petite Fleur", "Sous le ciel de Paris", "Sunrise Records", "CBC Music"

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Na ponta da agulha hoje está épico! E mesmo no duplo sentido, não deixa de ser uma verdade. O som do Epica (Holanda) inovou o estilo do heavy metal sinfônico e o elevou a patamares tão altos,beirando ou para alguns, superando a maestria já experimentada antes pelos gigantes do estilo como o Nightwish. Omais recente álbum do Epica traz uma banda confiante e com um pique quetalvez nunca tenha sido mostrado antes. O resultado disso tudo é tão notório que chega a ser “palpável” e está registrado em “The Quantum Enigma”(2014).

Para quem não conhece a banda, mas curte música bem feita epesada, “The Quantum Enigma” vem recheado de inovação, com melodiasrápidas e ricas em detalhes como nunca antes feito pela banda. Pense em misturar metal pesado, rápido, mesclando orquestrações e corais literalmente épicos, vocais guturais do guitarrista e principal compositor Mark Jansen, e para fechar o ciclo, a voz angelical, forte, encantadora, tal como a beleza da sua vocalista Simone Simons. Faixas como “The Second Stone”, “Victims of Contingency”, mostram claramente esta mistura e também que a banda não está aqui para ser uma cópia das outras. Talvez este tenha sido um dos diferenciais neste álbum, pois dificilmente em uma banda neste estilo (Metal Sinfônico), você terá um som tão direto e enérgico como este. Ouça “The Essence of Silence” e tire a conclusão.

O que mais causa impacto é que quando você acha que virá uma balada, mesmo com algumas introduções mais calmas, em questão de segundos, as pedras já começam a rolar sem parar, fazendo com que o álbum soe tão surpreendente que o ouvinte não vai se sentir entediado nem por um instante. Exemplo disto é a excelente faixa “Omen – The Ghoulish Malady” que começa com um piano tocado tão delicadamente, com alguns instrumentos de cordas e de repente as guitarras e os pedais duplos da bateria fazem um trabalho incrível, dando abertura para os corais e a música cresce instantaneamente.

O Epica mostrou que sabe investir em peso também e não é pela voz doce de Simone que o álbum vai ser mais delicado ou terá qualquer influência pop. Mesmo em canções mais longas, como “The Quantum Enigma – Kingdom of Heaven Part II” com 11 minutos, a banda consegue fazer um som tão intrigrante que é praticamente impossível parar ou trocar de música. Outro destaque é a faixa bônus “In All Conscience” que apresenta um trabalho sinfônico e cinematográfico forte que facilmente poderia ser tema de filmes épicos.

Vale lembrar que a banda passa por algumas cidades do Brasil em março deste ano para divulgar o novo trabalho com uma turnê em conjunto com a banda Dragonforce. Shows imperdíveis trazidos pela Overload. (Clique no link para agendas)

Bom, concluindo, mais um álbum de ótima qualidade do grupo Holandês, e em nossa opinião, o mais avassalador, mostrando que a banda conseguiu se superar magistralmente. E para aqueles que não conhecem mas querem ouvir música pesada, com um fundo sinfônico impecável, este álbum satisfará aos ouvintes mais exigentes sem dúvida alguma e com certeza os fará querer ver de perto este espetáculo.

 "Tenho ouvido o nosso novo álbum e eu não consigo me cansar dele. Soa mais moderno, mas com todos os elementos típicos do EPICA dentro. Revigorante, pode ser a palavra certa. Este álbum também tem sido o resultado de um esforço real do grupo. Foi ótimo ver todo mundo tão motivado a criar o nosso melhor álbum. Mesmo que o som mais pesado (as guitarras, baixo e bateria soam tão brutal!), ainda é um álbum muito atraente também. Algumas influências antigas do nosso primeiro trabalho, algumas referências a "Design Your Universe" e alguns novos elementos. Eu não posso esperar até o momento em que você vai poder ouvir o nosso recém-nascido que faz nós todos muito orgulhosos!" - Mark Jansen (guitarrista, compositor e vocalista). Fonte:Wikipedia

Destaques: “The Essence of Silence”, “Victims of Contingency”, “In All Conscience”, “Omen – The Ghoulish Malady”, “Unchain Utopia”.

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No último dia 27 foi lançado oficialmente no Brasil, o novo álbum do Angra, “Secret Garden" e hoje ele está na ponta da agulha!

A banda paulistana de heavy metal iniciou suas atividades em 1991, e alcançou sucesso estrondoso no Japão, na Europa e também aqui no Brasil, se tornando uma das maiores, senão a maior banda expoente do metal nacional. Depois da saída de alguns integrantes, a banda renasce novamente e mais forte do que nunca. Parece clichê dizer isso, mas é a mais sincera opinião, e isto se dá pela pegada incrível do novo baterista Bruno Valverde,prodígio de 24 anos, que mistura a empolgação da idade e a determinação de um músico profissional com técnica e precisão e de Fábio Lione (Rhapsody, VisionDivine, Kamelot, dentre outras) que mostra ser um cantor incomparável e incansável. Sua técnica o permite cantar com uma tranquilidade e competência impressionantes. Digo isto porque quem estava no show de gravação do mais recente dvd do Angra (20th Angels Cry’s Anniversary), viu Lione cantando por 3 horas seguidas sem demonstrar desânimo ou cansaço em momento algum. Além dos integrantes, o Angra também está de empresário novo e contrato com a gravadora Universal, o que certamente auxiliou a banda em toda a exposição e qualidade do trabalho atual. Mas chega de conversa e vamos para o álbum.

Secret Garden traz produção assinada por Jens Bogren(Arch Enemy, Soilwork) e pré-produção pelo renomado Roy Z, além de ter sido gravado na Suécia. A produção se mostrou superior, mais clara e bem organizada que no álbum anterior “Aqua”. Este diferencial faz com que o álbum seja aceito de cara como um dos melhores do Angra se analisarmos em um conjunto. A arte da edição digipack, vendida no Brasil pelo site oficial da banda, é impecável. As imagens são misteriosas, com tons escuros, o que reflete diretamente no conteúdo sonoro de Secret Garden. O álbum é conceitual, mas isto será assunto para um futuro post, podemos adiantar que o tema do álbum gira em torno de uma história fictícia sobre um sujeito que se encontra em um momento de questionamento, algo que remete ao “Temple of Shadows” (2004), mas desta vez, traz uma abordagem mais íntima por não se tratar de um santo ou de um personagem histórico. Por enquanto focaremos na música em si. Vamos então por partes:

A introdução novamente não vem em faixa separada, mas é tão boa e bem produzida que isso se torna um detalhe bem pequeno perto da grandiosidade de Newborn Me, que havia sido apresentada ao público como primeiro single através de um vídeo com a letra da mesma. A música já mostra que o álbum terá base no peso e no lado progressivo da banda.

Apesar disto, a faixa seguinte, Black Hearted Soul, chega a lembrar os trabalhos paralelos de Lione com o Rhapsody e Vision Divine, trazendo orquestrações e corais grandiosos e um metal melódico que se remete diretamente a faixas como Spread Your Fire (Temple of Shadows) e Nova Era (Rebirth). A música é muito fácil de ser assimilada pelos fãs da banda e com certeza trará um sorriso de aprovação imediato.

Final Light chega tão pesada quanto qualquer outra canção do Angra, mas traz a marca registrada da banda de juntar instrumentos mais regionais como no trabalho fantástico na percussão. Pelo ritmo compassado, certamente fará os fãs pularem muito nos shows. Como já era de se esperar, a cozinha continua tão competente e sólida que, mesmo com os novos integrantes, a impressão de que a banda já tinha essa formação a mais tempo fica bem forte.

Storm of Emotions, segundo single do álbum, vem acompanhada de um clipe muito bem produzido e simples, focado na música, na interpretação de cada um dos integrantes. A música em si é mais cadenciada mas bastante pesada para os padrões do Angra. Porém, tem um dos melhores refrões já registrados pelo grupo. Com certeza funcionará muito bem ao vivo, fazendo com que todos acompanhem prontamente ao comando de Lione. A música termina com um coral muito bacana que eleva a música a um grau muito alto e empolgante.

Violet Sky prova que o álbum veio para ser pesado e ponto. Chega a assustar o fã que talvez em algum momento esperou algo mais próximo de trabalhos como Holy Land ou mesmo pelo melódico Rebirth. Esqueça. Como já dito por alguns fãs, este talvez seja o cd mais pesado, mais sombrio e mais impactante da banda. O refrão então, nem se fala, com certeza o Angra superou a fase melódica “simplesinha” de álbuns do início da carreira da banda. A música faz uma reflexão forte na letra que acompanha o conceito principal.

Depois de uma pedrada dessas, somos surpreendidos pela voz angelical de Simone Simons, do Epica, encantando a todos em uma canção que lembra bastante as de sua banda. E não é que a canção não seja boa, mas se você não entender o que proposto na temática, no conceito criativo, pode soar estranho que a moça cante a música sozinha. Talvez haja uma explicação, mas como eu disse, a parte lírica ficará para um próximo post. Do mais, a música é belíssima e como proposto pelo Angra no primeiro álbum, a questão é não ter limites para a criatividade.

A canção da uma esfriada nos ânimos, para que uma venha Upper Levels. A banda volta com a pegada progressiva adotada nos outros trabalhos e que combina muito bem com a proposta atual, mostra que a banda soube inovar e também que o processo de composição a parte instrumental agora traz influências claras dos trabalhos solos de cada um dos guitarristas, Kiko Loureiro e Rafael Bittencourt. Destaque especial novamente para a percussão e para a abertura feita por Felipe Andreoli que provou que está em sintonia perfeita com o novo baterista. Nesta mesma canção, a banda faz um link muito interessante nos solos que lembra muito Rush e algo de Dream Theater, o que talvez não seja apenas questão de gosto dos músicos, ou mesmo a necessidade de explorar algo mais atrativo aos fãs que procuram mais surpresas do que apenas velocidade, mesmo sendo uma faixa muito empolgante.

Crushing Room traz o que talvez seja o dueto mais esperado deste álbum. Rafael toma a frente dos vocais novamente e divide suas partes com a “Deusa do Metal” Doro Pesch (Warlock, Doro). A musa mostra que ainda tem voz marcante para fazer da canção um ponto alto no disco e deixa sua marca registrada na história da banda “brazuca”.

Em Perfect Symmetry, na opinião de quem vos escreve, a melhor do álbum, traz o Angra que talvez boa parte dos fãs espera ouvir, rápido, melódico, com letra positiva, instrumental refinado e empolgante. A voz de Lione faz toda a diferença pra quem já é fã do estilo, por ser tão característica no power metal em metal melódico em geral. Ainda tenho esperanças de um futuro álbum mais focado neste estilo, que remeta à clássicos da banda como Running Alone, Nova Era, Nothing to Say, ZITO, dentre outras.

Para fechar o álbum, a balada do álbum traz Bittencourt e um coral muito especial, contando com nomes cotados pelos fãs como substitutos de Edu Falaschi, entre eles, Alirio Netto (Age of Artemis) e Bruno Sutter, o eterno Detonator do Massacration. A faixa é uma das mais simples e singelas da banda, mas também uma das mais belas composições.

Concluindo, não é um álbum fácil de ser digerido, ainda mais pelos fãs mais antigos da banda. Mas uma vez que se entenda o conceito, a necessidade de soar mais atual e direto, o álbum talvez seja considerado clássico absoluto da banda e divisor de águas entre uma banda com futuro incerto e agora um grupo com mais vontade e força para se manter firme por anos. Como dito pelo próprio Rafael Bittencourt, o álbum é o produto final do que eles gostariam de ter feito no Aurora Consurgens (2006) e no Aqua (2010). O que é mais interessante, é que mesmo causando um impacto nos fãs mais antigos, talvez seja o mesmo choque os fãs já experimentaram na transição entre o “Holy Land”(1996) e o “Fireworks” (1999), por trazer sonoridade mais pesada e orgânica. Sendo das antigas ou não, é um álbum que merece atenção e que em breve receberá o título de clássico absoluto pelo público, pelos fãs mais céticos e pela mídia. Confira abaixo trechos da entrevista com Rafael Bittencourt falando sobre o disco para a revista Roadie Crew:

“O ponto é que mais uma vez tenho orgulho de termos superado as dificuldade, e feito um disco que está muito bom. Sempre tenho como referência Temple of Shadows (2004) , que é uma obra-prima, e acho que Secret Garden o superou.”

“Nunca tivemos problema em produzir bons discos ou ter secado a fonte criativa. O que mais quero simbolizar com esse título é que o jardim secreto é o jardim da criatividade. É o jardim secreto onde é inesgotável a fonte criativa que muito me guia.”

“O Angra por muito tempo ficou sustentando uma película de super-heróis que sempre me incomodou.”

“(Sobre Fabio Lione) Acho que a voz dele é imponente, é uma voz de rei. A voz do Andre (Matos) é mais delicada, mais sútil. Ela tem outro caráter e é muito bonita também, a voz dele é especial. Já o Edu (Falaschi) tinha uma voz carismática, amiga. Uma voz que aproxima você. Já o Fabio tem essa voz de rei, acho que ele trouxe essa glória – é um sentimento meio épico para o Angra.”

“Este é um novo começo. O Angra não tem que provar nada, eles são livres para fazer o que quiserem. Também acho que ao vivo a banda está melhor, está mais carismática. Acredito que eles entenderam que poderiam fazer algo diferente, mais moderno e matador ao vivo. Acho que trago algo para eles e eles para mim também. Posso sentir esse lado brasileiro, a forma de criar músicas e melodias é um pouco diferente das bandas europeias.” – Fabio Lione para a Roadie Crew.

Destaques: “Perfect Symmetry”, “Upper Levels”, “Black Hearted Soul”, “Final Light”, “Crushing Room”, “Newborn Me”.

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E quem disse que a indústria musical estava na pior, com certeza não ouviu falar dos feitos de Taylor Swift. Com apenas 25 anos, a cantora que veio do country para o pop, provou ser a salvação da industria fonográfica americana alcançando a marca de 1 milhão de cópias, apenas nos Estados Unidos, com o álbum “1989” (2014) e é sobre ele que vamos falar hoje.

Taylor é conhecida por ser a menina meiga, sensível, e um tanto “bolada” por seus relacionamentos que não deram certo. Apesar disso, a moça nunca pesa em suas letras, não usa da participação de rappers, como outros artistas pops andam fazendo “por lei” para fazer jus ao seu sentimento de revolta. A fórmula de sucesso de Taylor já fez com que ela acumulasse grammys, recordes por vendas e milhares de fãs pelo mundo todo. Em “1989” não foi diferente, uma vez que a cantora desbancou até mesmo a trilha sonora de Frozen com as vendagens de seu disco. Nele ouvimos uma cantora mais focada, mais popular, sem os exageros de cantoras como Lady Gaga, Katy Perry, mas uma inocência que para alguns pode soar falsa, mas que é marca registrada na personalidade de Taylor; e talvez por isso, o disco se torna tão fácil de ouvir e curtir, o que deve ser irritante para artistas que andam tentando demais e conseguindo de menos.

A sonoridade do disco lembra um pouco o estilo pop tocado nas discotecas no final dos anos 80, início das boybands dos anos 90. Exemplo disso é “Shake it Off”, carro chefe do disco, que traz esta animação e uma auto avaliação de como ela se acha desastrada, e que não se importa com isso, que é feliz assim e que ninguém deve se esconder pelo que sabe ou não fazer. Aliás, o vídeo de “Shake it Off” é um dos maiores “virais” da internet com mais de 500 milhões de visualizações no youtube. “1989” até flerta com a batida hiphop em “Blank Space”, “Bad Blood”, “I Know Places”, mas nada que faça com que ela se renda às indagações mais pesadas do estilo, e sim a situações mais simples e que atingem em cheio os(as) adolescentes apaixonadas, revoltadas, que sofrem com bullying, e também os adultos que gostam de ouvir algo menos pretensioso e chulo como alguns artistas adoraram soltar por aí. Baladinhas como Wildest Dream e This Love, mostram que nem sempre precisamos falar de depressão profunda e redenção ao amor como Adele, Amy, para ter uma canção atrativa, romântica e isso torna o álbum mais fácil de ser digerido. “New Romantics” fecha o álbum como um hino, firmando que ainda existem pessoas que sonham com um romantismo mais clássico e menos apelativo nos dias de hoje.

Outro diferencial de Taylor, além de produzir excelentes álbuns, é sempre investir em um material físico que seja atrativo. Em “1989”, além da arte diferenciada para a versão deluxe, onde o álbum vem em uma embalagem muito bacana e a capa simples, a cantora vai além e presenteia os fãs com bônus bem intimistas, onde fala com o ouvinte sobre como é o processo de composição e disponibiliza as “Voice Memos”, ou notas de voz gravadas no celular, onde ela canta os esboços de canções como “I Know Places”, “I Wish You Would” e do single “Blank Space”. O mais legal disso, é que a moça mostra que canta sim, e não precisa de uma super produção para soltar a voz. Vale destacar que o álbum ainda está em segundo lugar na Billboard mesmo passando alguns meses de seu lançamento.

Se está procurando um disco pop, fácil de ouvir e que traz uma bagagem longe de ser apelativa ou pesada, “1989” é uma boa pedida.

"Uma das coisas que você pode esperar, é que estou realmente me desafiando a escrever canções que não tenham nada a ver com as músicas que fiz antes. Realmente nos divertimos para fazer este álbum, e não nos limitamos. Fizemos um disco que realmente soa como um conjunto, seu som é coeso, e estou muito orgulhosa dele" – Comenta Taylor para em entrevista para a Rádio Capital FM.

 Nota do editor: Nesta postagem, não podemos usar o link para o Spotify para a audição do álbum, pois a cantora retirou tudo o que tinha na conta dela no serviço de streaming. 

"pirataria, compartilhamento de arquivos e streaming haviam encolhido drasticamente os números de álbuns pagos… Música é arte, e arte é importante e rara. Coisas raras e importantes são valiosas. Coisas valiosas devem ser pagas. É minha opinião que a música não deve ser gratuita." - Disse Taylor ao Wall Street Journal.

Destaques: “Shake it Off”, “Blank Space”, “I Wish You Would”, “Bad Blood”, “Wildest Dream”

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“We certainly an unspoken understanding Ah but there's a lot of things unsaid as well We shout and argue and fight, and work it on out”

Com difícil tradução para o português, algo como “Nós somos um entendimento não dito. Mas existe um monte de coisas não ditas também. Nós gritamos e discutimos e lutamos, e resolvemos isto.” E assim se dá o início de uma viagem musical comandada pelo Pink Floyd no último lançamento “The Endless River” (2014), ou mais precisamente por David Gilmour, vocalista e guitarrista da lendária banda sessentista de rock progressivo.

O álbum não tem colaboração de Roger Waters (baixo), mas ainda assim, não deixa falhar no quesito perfeição. Onde tudo se encaixa de forma magistral. Cada detalhe, cada solo, cada nota, seja das guitarras de Gilmour, do baixo de Guy Pratt, a bateria de Nick Mason e dos teclados de Richard Wright, se encaixam em um volume instrumental, ambiental, rico em detalhes e harmonias que parecem sobrenaturais devido a sua suavidade. The Endless River foi criado com base nas sobras de estúdio do álbum The Division Bell (1994), e também com a intenção de ser um tributo ao tecladista, que veio a falecer em 2008. O que realmente faz deste álbum um tributo a Wright, é o fato de que as composições estão sempre sendo guiadas pelos teclados, ele é o foco. Falar de Pink Floyd não é tão fácil quanto parece. A banda possui diversos clássicos, recordes de venda, recordes em paradas musicais, apresentações e trabalhos que sempre levaram a música a um patamar talvez tão quanto quanto qualquer outra banda de rock ousou chegar. Mas como o foco de hoje é o mais recente trabalho, vamos falar um pouco mais dele. O que talvez assuste o ouvinte que é pouco familiarizado com o estilo mais instrumental e ambiental, explorado anteriormente em “The Division Bell”, é que o álbum possue apenas uma música letrada, “Lounder than Words”, o que poderia decepcionar um ouvinte que talvez acompanhe menos a banda, que esperaria algo como “Another Brick in The Wall”, “Wish you Were Here”, “Time”, “High Hopes”. Tente se imaginar navegando em um rio, sereno, calmo, infinito... Agora tente imaginar a trilha sonora para uma viagem sem fim, passando pela calmaria, por algumas turbulências, reflexões, um toque de blues, uma guitarra para improvisar, apenas você e ela, navegando lentamente, se desenvolvendo, amadurecendo, e se tornando tão evoluído quanto se pode ser. Vale notar que o álbum é composto por 4 lados, e cada lado, de 4 partes, sendo então 18 faixas para 4 músicas, o que seria algo comparado aos atos de música clássicas. Apesar das faixas curtas, muitas com menos de 2 minutos de duração, a viagem sonora embala o ouvinte e um rio de sensações interligadas e executadas com uma maestria digna de um dos maiores guitarristas e compositores do rock e seus companheiros que fazem com que a música trabalhe em prol de si. Complexo? Talvez. Mas é isto o que sinto ao ouvir este álbum. Um clássico, para fechar tantas décadas de sucesso e maestria, que começa com a belíssima arte do disco e se desenvolve pelas belíssimas composições. "Tudo que tínhamos de bom está neste disco. Tentar fazer de novo significaria usar material pior, e isso não é bom o suficiente para mim. Sem ele – Wright- , isso seria impossível. Eu estou realmente curtindo a minha vida e minha música. Não há espaço para Pink Floyd. O pensamento de fazer alguma coisa a mais me faz suar frio.” – Gilmour sobre o álbum ser o último do Pink Floyd.  “Roger e eu fazendo tanto barulho nos álbum e na mídia que Rick acabava sendo esquecido. Mas ele era tão vital quanto os outros. Ele criou um cenário sonoro em tudo que dizemos. Isso é algo que você não consegue reproduzir em nenhum lugar. É engraçado como você se vê diante de uma tela em branco e, de repente, termina realizando algo familiar, não importa o quão duro você tente fugir disso. Eventualmente, você entende isso e apenas se sente confortável nesta posição.” – Gilmour sobre Rick Wright  - Em entrevista para Rolling Stone. Destaques: “Calling”, “Eyes to Pearls”, “Surfacing”, “Louder than Words”, “Allons-y (1) e (2)”, “Things Left Unsaid”, “It’s What We Do”. 

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Hoje a ponta da agulha está extrema. Para acompanhar a chuva e os trovões deste domingo, a trilha sonora não poderia ser outra. O Behemoth teve início na Polônia, em 1991, liderada pelo vocalista e musicista Nergal, até então com 15 anos de idade, tendo como base sonora o black metal. A banda se desenvolveu no cenário da música pesada e é uma das principais, se não a maior banda de death/black metal do cenário atual, arrebatando excelentes críticas e liderando as paradas musicais de países como Estados Unidos, Bélgica, República Checa, Finlândia, Polônia, dentre muitos outros. Este sucesso todo veio de anos de trabalho e muitas conquistas, porém, com um empurrão incrivelmente grande do mais recente álbum “The Satanist” (2014). Nergal havia passado por um período crítico em sua vida, submetido a um rigoroso tratamento por conta de leucemia (2010), mas que foi tratado e deu nova vida ao líder da banda e incentivou o músico a dar vida ao álbum mais coeso, complexo, rico, e artístico da banda. “The Satanist” é um álbum para poucos, pela sua carga emocional e radical elevadas ao mais alto nível de insanidade artística e musical. As músicas estão muito mais pesadas e bem trabalhadas, mesmo com a sonoridade brutal, marca registrada do estilo, traz uma banda técnica e madura, como pode ser constatado na faixa de abertura “Blow Your Trumpets Gabriel”. As letras são ainda baseadas no ocultismo e em experiências espirituais do próximo vocalista Nergal, que recentemente lançou sua autobiografia “Sacrum Profanum”(2015) em inglês, e este é um ponto alto, pois tudo o que é escrito tem um significado pessoal e muito forte, cheio de ódio e repulsa; e para quem comprar a versão física do álbum, além de ter acesso às letras, também terá acesso a estes significados com explicações e citações feitas pelo próprio Nergal. Vale contar que o álbum físico também é um diferencial, a embalagem digipack e o cuidado com a arte, não só da capa, mas das páginas, imagens e fonte, são dignas de um clássico. A banda esteve recentemente no Brasil, e teve seu show aclamado pela imprensa, mesmo com a temática ocultista e radical, a banda teve reconhecimento merecido por um trabalho grandioso e pela apresentação de tirar o folego.

Se você procura por um som pesado, com clima obscuro e que soe como uma explosão apocalíptica, este é o petardo certo para você. Fãs de metal ou de música em geral, devem dar uma chance a este álbum, mas apenas se tiver mente aberta e estar aberto a busca de questionamentos sobre o sagrado, o profano e a arte da música como modo de comunicar tudo isso, independente da sua religião. “Quando estava no hospital, eu passei por muitas experiências e emoções diferentes”, diz. “E estou certo de que elas estão nas letras do disco. Teve momentos em que eu me peguei pensando como eu estaria depois de passar por tudo aquilo. Era eu contra a vida, eu contra a morte. Definitivamente, isso me fez pensar de um modo diferente e refletiu 100% nas músicas do novo disco e no que ando escrevendo atualmente. Hoje sou muito mais radical do que costumava ser. É um título que resume de onde viemos e que diz tudo. As novas músicas vão surpreender pela direção artística, mas nossa mensagem ainda continua radical. The Satanist é sobre imortalidade e o amor por ser livre, em todos os aspectos da vida. Considerando todas as nossas experiências de vida, nossos tropeços, os dramas, não poderia achar um nome mais apropriado e firme de onde estamos e de quem somos hoje em dia” – Nergal em entrevista para Music Magazine. Destaques: “Blow Your Trumpets Gabriel”, “Messe Noire”, “Amen”, “The Satanist”, “In Absence ov Light’.

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Em um mundo onde a música eletrônica está cada vez mais dominando a industria musical, ainda existem artistas e produtores que são muito pouco conhecidos, mas adorados por quem já teve o prazer de ouvi-los. Um exemplo disto é o DJ e produtor Irad Brant, o Israelense mais conhecido por seu projeto SWITCH, que é um dos mais competentes da cena Trance mundial. E quando digo mundial, estou certo em que pelo menos aqui no Brasil, para os que acompanham o cenário da música eletrônica, o rapaz se sai muito bem em suas apresentações eletrizantes em raves e clubes do país. Com uma batida hipnotizante, forte, cheio de sons futuristas em uma mistura contagiante, Switch cumpre a promessa de te fazer dançar e pular por horas seguidas. E aí você me pergunta, mas desde quando “psy trance” é música? E eu te respondo: a partir do momento em que ele é feito para passar uma mensagem, seja ela qual for, e essa mensagem é recebia com sucesso (ou não), isto é música, uma mistura de sons, harmonias, compassos, ritmos, que transmitem uma mensagem. A mensagem do trance sempre foi de paz e amor ao próximo, talvez por suas origens inspiradas nos tambores e danças tribais. Tendo início em Israel, Índia e Alemanha em meados dos anos 90, o ritmo se popularizou pela “vibe” positiva das ambientações e pela batida que lembrava rituais shamanicos, hindus quando seus integrantes entravem em transe. Voltando ao álbum em questão, “Raver’s Only” (2008), que é um marco para a carreira do produtor, traz a sonoridade típica do subgênero “Full-On”, onde todos os elementos eletrônicos do trance estão ligados e conectados pela batida forte e constante, sempre acompanhada de uma linha de baixo e outros diversos sons criados por samples e sintetizadores. Para quem ouve pela primeira vez, talvez soe cansativo, mas quem um dia já foi a uma rave e experienciou a energia causada por esse estilo, sabe bem do que eu estou falando. É música de drogado? Se você julga assim, tudo bem. Mas muitos dos “drogados” que frequentam estas festas “raves”, dizem ficarem “ligados” apenas com o poder das músicas, da batida, dos efeitos sonoros inseridos nelas. E falando nestes “efeitos”, eles são detalhes presentes e que intrigam muitas vezes. Switch mistura comandos eletrônicos, vozes, sintetizadores e diversos artifícios para complementar a miscelânea. Música para “viajar”, para dançar, para pular, para fazer aquela hora de bike na academia, um bodyjump quem sabe, ou mesmo um esquenta para a balada. O álbum é constante e não vai te deixar parado por um segundo sequer. Ainda não experimentou uma dose de trance? Vista um bom fone de ouvido, ou ligue um som potente e deixe que a música faça o resto. Sinta na pele, nos ossos, na alma, e não, seu amigo aqui não está drogado, mas também sabe viajar por um estilo pouco popular nas rádios ou na TV, que faz a alegria de milhares de pessoas pelo mundo todo através de DJs como Switch, Eskimo, GMS, Livia, Astrix, Goa Gil e muitos outros. Destaques: “If U Need Power”, “Megasonics”, “Got to Know”, “Shake it”. 

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Na agulha de hoje, um álbum que carrega tantas qualidades, tantos aspectos positivos que fica difícil detalha-los aqui. Beyoncé lançou em Junho de 2011 o álbum “4”. “O álbum debutou em primeiro na parada da Billboard 200, vendendo aproximadamente 310.000 mil cópias no país, tornando Beyoncé a terceira pessoa e a segunda mulher a ter 4 álbuns seguidos debutando em primeiro lugar, além disso ela tem agora 4 álbuns com estreias maiores a 300 mil cópias. Até Outubro de 2012 o álbum vendeu aproximadamente 2 milhões de cópias no mundo todo.” (Wikipedia). O título faz analogia a todos os números 4 presentes na vida da cantora: “O aniversário dele(Falando de Barack Obama) é em 4 de agosto. O aniversário da minha mãe é em 4 de janeiro. Oh, Obama é o 44º presidente. Ele foi eleito em 4 de novembro. Meu aniversário é em 4 de setembro. O aniversário do meu marido (Jay-Z) é em 4 de dezembro. E em 4 de abril de 2008, 8 dividido por 2, alguém colocou um anel aqui (data de seu casamento).” – Beyoncé no dvd Live at Roseland Elements of 4. Algum tempo depois, nasce Blue Ivy (IV), filha do casal, trazendo o número 4 novamente.

Enfim, delongas a parte, vamos ao que interessa. O disco chegou mostrando um ritmo diferente e dançante através do primeiro single “Run the World (Girls)”. Mas quem achou que o mesmo iria prevalecer no decorrer do álbum, se enganou. Até porque, vale citar que Run the World é tão diferente do que é oferecido nas outras faixas, que ficou posicionada como encerramento do álbum, e mesmo assim, parece não fazer sentido algum ali.

Letras poderosas e auto afirmativas, mostram uma artista mais madura e direta do que em canções apresentadas anteriormente pela cantora. O ritmo down-tempo da um andamento bem intenso, romântico e isso é refletido mesmo na maneira de Beyoncé impor sua voz, como um grito desesperado que estava preso na garganta, sentimentos contidos e isso torna a audição tão intima, que é muito fácil se identificar como em “I Care” e “I Miss You”.

No decorrer do disco, temos algumas canções mais dançantes, mas nada tão exagerado assim. Algo para quebrar o gelo, com “Party”, “Countdown”, “End of Time” e “Love on Top”, está última com nítidas influencias de Michael Jackson, grande ídolo de Beyoncé. Mas a festa não dura muito e os questionamentos amorosos da moça voltam a tona em “Start Over”, “Rather Die Young” e “I Was Here” fechando, ou quase isso, com uma declaração muito consciente de toda a jornada artística e como uma mensagem clara de que alguma coisa boa ela fez para as pessoas. Logo depois de “I Was Here”, que serviria bem como encerramento, vem “Run The World”... e não estou dizendo que a música não seja boa, muito pelo contrário. Porém, levando-se em conta todo o aspecto emocional do álbum, o single poderia ter ficado para o cd bônus que acompanha o disco na versão deluxe.

Concluindo, “4”  é um clássico na discografia de Beyoncé. Um álbum que deve ser ouvido, apreciado, curtido, amado e valorizado, talvez bem mais do que apenas os singles dançantes que tocam nas rádios por aí. E mesmo que não seja fã do estilo da cantora, dê uma chance a este disco, tenho certeza que agradará a muitos fãs de música e de vozes e letras marcantes.

Agora, se não estiver convencido, assista ao documentário feito pela cantora durante as gravações de “4” e tenha uma ideia mais clara de toda a paixão investida pela artista na criação deste álbum.

Destaques: “1+1”, “I Care”, “I Miss You”, “Dance for You”, “Start Over”, “I Was Here”.

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A onda de ataques dos hackers não está deixando os artistas concluírem o lançamento de seus álbuns como gostariam. Primeiro foi Madonna, tendo grande parte de seu trabalho vazado na internet no final do ano, culminando no adiantamento de algumas canções e na ira da rainha do pop. Para quem achava que Madonna estava blefando quando soltou o verbo sobre o caso, teve a prova hoje de que foi mesmo a vítima da história, terminando com a prisão do hacker suspeito em Israel. Desta vez quem sofreu com vazamentos e sendo forçada a adiar em 2 meses o lançamento do vindouro sucessor de “Biophilia” (2011) foi Björk. A cantora Islandesa de 49 anos, lança sua mais nova obra prima, “Vulnicura” (2015), que tinha lançamento previsto para Março, quando Björk faz uma grande retrospectiva de seu trabalho com uma exposição no MoMa (Museu de Arte Moderna de Nova Iorque). Contando com a produção dos renomados Arca e o The Haxan Cloak, o álbum é envolvente e pesado. A música de Björk é muito conhecida por suas batidas “Trip-Hop”, mesclando música clássica, experimental e uma “confusão” vocálica que faz com que a viagem seja intensa do começo ao fim.

Não é um álbum para qualquer ouvinte. A música é moldada conforme Björk desenvolve uma narração harmônica cheia de mudanças de andamento, frases e palavras complexas e profundas, intensificadas pela temática forte e, apesar de se tratar de um tema clichê, separação, nada do que você já ouviu até hoje com esse tema, chega perto da complexidade sonora atingida por Björk. Como disse, não é um disco fácil de ser digerido pela complexidade das músicas e das letras, mas isso não quer dizer que deva ser ignorado, muito pelo contrário. O álbum é mais uma obra prima da cantora e deixa claro que ela não se entregará ao movimento “pop da balada”. Depois do aclamado “Biophilia”, que contou com uma divulgação e interação inéditas na indústria musical, com aplicativos imersivos, apresentações que deixariam qualquer amante da música hipnotizado por toda a duração do espetáculo, Björk garantiu que este trabalho também lhe renderá muito boas recompensas. E a imersão musical é tão incrível e inexplicável neste novo álbum, que eu aconselho a vocês leitores, que o ouçam de mente aberta, bem relaxados, com bons fones de ouvido, ou com um sistema de som potente, confie em mim, você não se arrependerá de passar por esta experiência. Bom, difícil explicar em detalhes, por tanto, deixarei para as palavras da própria artista tal trabalho. “ "Fico muito agradecida pela lealdade e pelo respeito durante o vazamento do álbum. Honrada por alguns de vocês esperarem até março, mas talvez vocês não precisem esperar tanto! Calorosamente,

Eu fiquei um ano escrevendo um álbum de partir o coração. Fiquei surpresa com o quão minuciosamente eu documentei isso numa cronologia emocional muito bem precisa. Três músicas antes de um término e três depois [...] primeiro fiquei preocupada em ser muito auto-indulgente mas depois senti que poderia fazer disso algo mais universal. E talvez as músicas poderiam ser uma ajuda, um apoio, e provar o quão biológico esse processo é: a ferida e a cura da ferida, psicologicamente e fisicamente.

E aí algo mágico aconteceu. Enquanto perdi algo, outra coisa chegou. Alejandro (o Arca) entrou em contato comigo no verão de 2013 e estava interessado em trabalhar comigo. Foi o timing perfeito. Para fazer a batida das músicas demoraria 3 anos (igual em Vespertine) mas esse maravilhoso Arca me visitaria repetidas vezes e depois de uns meses tínhamos um álbum inteiro! [...] Perto do final do álbum, comecei a procurar por mixagem e foi apresentada por um amigo em comum, Robin Carolan, ao The Haxan Cloak.” – Björk em seu site oficial.

  Destaques:”Mouth Mantra”, “Family”, “Not Get”, “Stone Milket”, “Black Lake”.

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Fãs acampados na porta dos estádios. Fãs sendo roubados na porta dos estádios. Shows no Brasil nesta semana em várias capitais, que terão transmissão pela internet e pelo canal MultiShow. Shows esgotados e com setlists com média de 3 horas de duração. E assim começa 2015 para o Foo Fighters. A banda americana liderada por Dave Grohl (Vocais), nasceu em 1994, logo após o trágico fim do Nirvana, onde Grohl liderava apenas as paquetas. Desde então, mesmo Dave não acreditando que a banda fosse chegar onde chegou, o Foo Fighters já é uma das maiores bandas de rock do mundo, com hits como: This Is a Call”, “Everlong”, “Learn to Fly”, “All My Life”, “Times Like These”, “Best of You”, “My Hero”, “DOA” e “The Pretender” e milhões de discos vendidos no mundo todo. A banda já conquistou 11 prêmios Grammy, sendo praticamente todos por Melhor Álbum de Rock. E este novo trabalho do Foo Fighters, “Sonic Highways” (2014) não deve ficar de fora de algumas premiações. O álbum é muito direto, com canções enérgicas e soa tão bem que poderia ser tocado na integra ao vivo, sem mudar a ordem, e resultaria em uma apresentação pra ninguém botar defeito. “Something From Nothing”, canção que abre o disco, mostra bem como seria a abertura; possui uma introdução bem calma, mas que logo explode em um rock and roll de excelente qualidade. É muito fácil visualizar este álbum ao vivo, e tenho certeza que os fãs iriam pular muito com a energia investida nas canções. As letras são cantivantes e, com o perdão da palavra, lembram algo do pop/rock nacional, com refrões e passagens bem faceis e que soariam poderosas em unisono pelos espectadores. Dave mesmo chegou a essa conclusão:

“"Visto o sucesso do último álbum, pensei ‘agora temos licença para ficarmos estranhos! Se quiséssemos, poderíamos fazer um álbum louco e frio como o Radiohead e assustar todo mundo. Depois pensei ‘foda-se aquilo’. Em vez disso, o álbum vai contar com “hinos de estádio que surpreendem. Ao invés de tocar esses refrões enormes, porque é isso que fazemos, vamos colocá-los no meio de seções instrumentais que vão te pegar de surpresa” disse Grohl em entrevista para a Billboard. Então a dica é a seguinte. Se você está saindo para dirigir, pegar a estrada, praticar algum esporte radical, este é o álbum para você. A adrenalina só abaixa quando o álbum termina, como uma queda livre. E o fato de ser um álbum relativamente curto, com 8 faixas, faz com que ele seja muito fácil de ouvir várias e várias vezes.

  Destaques: “Something From Nothing”, “The Feast and The Famine”, “Congregation”, “Subterranean”, “I Am a River”.

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Com um time de peso desses, não tem como deixar passar em branco. Ta na ponta da agulha o single "Judas", da mais nova banda de Neno Fernando (Vocais) e José Cardillo (Teclados) do "Eterna". A banda que também conta com os talentos de Vandré Nascimento (Guitarras - Madgator), Vagner Souza (Baixo) e Fabiano Manhas (Bateria) é, de longe, uma das melhores revelações deste ano para o metal nacional. "Judas" é o primeiro single do grupo e vem como carro chefe para mostrar toda a competência e técnica dos experientes músicos. 

O som da banda vem cheio de peso e mostra que a recém formada já está muito bem entrosada. Melodias marcantes e vocal excepcional, combinados com um instrumental preciso, apresentam o bom e velho heavy metal, com pitadas de metal progressivo. Neno carrega influências notáveis em sua voz, como Michael Sweet (Stryper), Ian Gillan (Deep Purple), Rob Halford (Judas Priest), todos juntos tonalizando um vocal afinado e poderoso. Vandré Nascimento, mostrando toda sua versatilidade e técnica com solos e riffs empolgantes e, como sempre, muito bem executados, fazendo a cozinha trabalhar muito bem com os teclados virtuosos de Cardillo. Destaque merecido para Fabiano com uma levada cativante na bateria, fazendo o pescoço doer muito, se é que vocês me entendem. Para finalizar, o Maestra ganhou pontos máximos aqui, não só pelo som de qualidade, mas pela produção de Neno que equalizou os instrumentos de forma ao ouvinte não perder um detalhe sequer. Principalmente do baixo de Vagner Souza, que é muito claro e completa uma banda com futuro certo. Sucesso garantido e prova viva de que o metal nacional ainda tem força sim!

"O objetivo da banda é fazer um som de qualidade com muito profissionalismo, mostrando a qualidade individual de cada musico envolvido no trabalho e a qualidade em grupo que a banda sempre procurou fazer. Misturando uma sonoridade que passeia entre o Heavy Metal, Progressivo, Hard Rock entre outras vertentes. A banda está preparando o primeiro cd oficial de estúdio que irá sair em meados de 2015. No dia 01/01/2015 estarão lançando o primeiro single intitulado JUDAS dando assim o ponta pé inicial nos trabalhos." - Site Maestra Official