Réflexions cinéludiques

Pensées, critiques et analyses sur le cinéma et le jeu vidéo

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Le storytelling et le non-dit dans le film publicitaire THE ESCAPE

Je fais présentement un certificat en communication appliquée à l’Université de Montréal et dans le cadre du cours « Rédaction et communications publiques », il a été question du storytelling. C’est l’action de raconter une histoire dans le but par exemple de vendre un produit. Pour exemplifier cette méthode, l’épisode Ambush de la série The Hire a été présenté. 

The Hire

La série The Hire, produite et distribuée par BMW Films, est composée de huit courts métrages d’action d’environ dix minutes et a été diffusée sur Internet en 2001 et 2002 (deux saisons). Ces films publicitaires avaient pour fonction de vanter les caractéristiques de performance de différents modèles de voitures du constructeur BMW. Ils ont été réalisés par des cinéastes reconnus mondialement comme Ang Lee, Wong Kar-Wai, Alejandro Gonzalez Iñárritu, Tony Scott, John Woo et Guy Ritchie. Les histoires varient d’un film à l’autre, mais il y a quelques éléments constants : le personnage « The Driver » (Le Conducteur), interprété par l’acteur hollywoodien Clive Owen, est engagé par différents personnages pour transporter des personnes ou objets importants dans des voitures de la marque BMW.

Étant un cinéphile et diplômé en études cinématographiques, j’ai visionné par plaisir les deux saisons de The Hire il y a longtemps. J’ai été heureux de revoir le premier épisode dans le cadre du cours et je suis par la suite allé relire certaines informations sur Wikipédia. J’ai alors appris qu’un nouveau court métrage est paru en 2016. Cette information a piqué ma curiosité et j’ai visionné le film en question.

The Escape

En 2016, la série The Hire a fait un retour. Toujours produit par BMW Films, le court métrage The Escape a été réalisé par le cinéaste de science-fiction Neill Blomkamp (District 9, Elysium, Chappie). Encore une fois, Clive Owen reprend son rôle et il est entouré des acteurs hollywoodiens Jon Bernthal, Dakota Fanning et Vera Farmiga. Le récit contient des éléments de science-fiction, mais reste tout de même centré sur l’action. Le FBI entre dans les bureaux de la compagnie Molecular Genetics après avoir découvert qu’elle conduit des expériences illégales sur le clonage humain, mais est devancé par une compagnie de sécurité privée. Holt (Jon Bernthal) est à la tête du groupe de mercenaires qui s’empare du spécimen appelé Lily (Dakota Fanning) pour le livrer à un client anonyme. Le Conducteur est engagé pour transporter la jeune fille en dehors du laboratoire et fuir le FBI à bord d’une voiture de la compagnie BMW.

[Attention! À partir d’ici, ce texte contient des éléments divulgâcheurs sur The Escape!]

Storytelling et codes du cinéma

Le film publicitaire d’une durée de treize minutes contient plusieurs codes du cinéma, et ce, dès la scène d’ouverture. Un générique de début est alors utilisé afin de présenter les principaux artisans. On ne tente pas de cacher qu’il s’agit d’une publicité. En effet, le film s’intitule : BMW FILMS : THE ESCAPE. Comme c’est souvent le cas, on profite du générique pour introduire le récit. Des voix off de lecteurs de nouvelles sont alors utilisées pour mettre en contexte le spectateur. Ce dernier apprend qu’il y a une controverse entourant la génétique moléculaire et le clonage humain illégal. Parallèlement au générique et aux voix off, des images de ce qui se passe à l’extérieur et dans le laboratoire sont présentées grâce à un montage rapide. Ainsi, en moins de trente secondes, la base de l’histoire est clairement exposée et le film peut commencer. C’est particulièrement efficace de procéder comme cela au sein d’un court métrage. À peine plus tard, le protagoniste est introduit et l’enjeu est clair : respecter l’engagement avec les mercenaires ou sauver la jeune fille. Il opte pour la deuxième option et la quête devient classique : il doit sauver Lily des mains de l’antagoniste Holt. Le reste du film est par la suite une course-poursuite avec un enchaînement rapide de plans et de cascades. Au milieu de tout cela, Le Conducteur fait une allusion à la série pour étendre l’univers narratif du film : « I might be a little rusty right now, but I’ve been doing this for a long time. » Finalement, dans la tradition cinématographique, un long générique de fin présente les nombreux artisans du film.

Non-dit

Au sein du cours, il a également été question du non-dit. Lors de l’écriture, une partie du message est explicite. Il s’agit des mots qui sont écrits. Une autre partie importante est implicite. C’est le non-dit et c’est le travail du lecteur de le comprendre. Ce concept a été exemplifié à l’aide de deux publicités : Relais olympique RONA et Tourisme Québec – Un voyage jamais vu. Nous avons vu que le message passe par le ton, les valeurs véhiculées et la qualité de l’image et du son.

Une grande partie du message publicitaire de The Escape passe par le non-dit. Le but du film est de présenter et faire la promotion de la voiture BMW 5 Series (G30). Elle est introduite dès le début du récit et étant de couleur grise parmi les véhicules militaires noirs de type Humvee, elle ressort rapidement du lot. Par la suite, les caractéristiques de la voiture ne sont jamais énumérées oralement ou à l’écrit comme dans une publicité télévisée. Aucun personnage n’en parle non plus. Cela briserait le quatrième mur. Ainsi, elles sont présentées de manière plus subtile lors des séquences d’action où la voiture est en mesure de rivaliser avec des engins militaires comme les Humvees et même, un hélicoptère. Les caractéristiques sont montrées comme suit :

- Vitesse : La voiture est en mesure de rouler plus vite que ceux de la police, du FBI et des mercenaires et peut ainsi les semer.

- Accélération : Lorsque le véhicule s’échappe du laboratoire, ses capacités d’accélération sont exposées et accentuées par le son.

- Agilité : La voiture zigzague entre les voitures et change rapidement de direction, contrairement aux Humvees qui sont plus difficiles à manœuvrer. Elle réussit également un 180 degrés, c’est-à-dire qu’en reculant, elle peut faire un demi-tour et avancer.

- Freinage : Lorsqu’un camion renversé bloque la route, Le Conducteur est en mesure de rapidement freiner pour éviter une collision. Le protagoniste réussit aussi à prendre l’arme de Holt en stoppant la voiture de manière abrupte.

- Puissance : Cette caractéristique est présentée lors d’un effet spectaculaire à la fin de la poursuite. Le véhicule est attaché à un hélicoptère et réussit à le tirer pour qu’il s’écrase.

- Endurance et résistance : La voiture est la cible de plusieurs tirs et continue à rouler. Aussi, à la fin du film, Le Conducteur repart avec le même véhicule qui est toujours en mesure de se déplacer. La jeune fille, le héros et sa voiture ont survécu.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à BMW Films.)

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LA JETÉE : un photo-roman qui vieillit bien

La Covid-19 et la fin de session à distance ont fait en sorte que j’ai dû adapter le cours Création vidéo que j’enseigne au Cégep de Trois-Rivières et modifier les évaluations initialement prévues. En fin de session, les étudiants devaient réaliser en équipe un court métrage avec l’équipement et les logiciels du collège. C’était impossible d’opter pour cela à distance pour plusieurs raisons et ainsi, j’ai décidé de leur faire créer un photo-roman à partir d’un scénario et d’un découpage technique qu’ils devaient également me remettre. Ils devaient donc appliquer les notions vues dans le cours en prenant des photos et en les alignant dans le but de raconter une histoire. L’expérience a été positive et j’ai pu évaluer des travaux drôles et créatifs.

Le rendement final était plus près de la bande dessinée que du cinéma, mais à la toute fin du cours, j’ai proposé aux curieux voulant peaufiner leurs cultures en cinéma de regarder le court métrage français La Jetée (1962) de Chris Marker. Il s’agit du photo-roman cinématographique le plus connu et enseigné. C’est un film de science-fiction hors norme et plus particulièrement de voyages dans le temps où l'on suit un protagoniste qui subit des expériences dans un Paris souterrain post-apocalyptique. Le cobaye est par la suite amené à voyager dans le passé et le futur. Ce film a inspiré un autre classique du genre : 12 Monkeys (1995) de Terry Gilliam avec Bruce Willis et Brad Pitt.

J’avais visionné La Jetée il y a plusieurs années dans un ou deux cours dans le cadre de mon baccalauréat en études cinématographiques à l’Université de Montréal. Je l’ai revu avant de le proposer à mes étudiants et il a bien vieilli et est encore d’actualité. Les photographies en noir et blanc et l’esthétique clair-obscur créent une ambiance mystérieuse. Le rythme entre les images est bien calibré et permet de bien saisir les émotions du protagoniste qui voyage dans le temps. Finalement, la conception sonore variée et composée de narration, de chant choral, de paroles en allemand et de bruits étranges enrichit grandement l'univers photographique du film.

Le lien que j’ai envoyé à mes étudiants pour regarder le film n’est malheureusement plus fonctionnel...

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Argos Films.)

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INSIDE : ne rien dévoiler explicitement au joueur

Confiné, j’ai enfin pu jouer à l’excellent Inside, développé par le studio indépendant danois Playdead et paru en 2016. Ce jeu vidéo d’aventure, de plates-formes et de réflexion est la suite spirituelle du mémorable Limbo, sorti en 2010, des mêmes créateurs.

Au-delà du visuel époustouflant, de la conception sonore subtile et du bon dosage entre les différents éléments d’exploration, de fuite et de puzzle (on ne s’ennuie pas un instant), j’aimerais aborder le fait qu’hormis le titre du jeu qui est présenté au tout début de l’œuvre, jamais il n’y a d’information transmise au joueur via la parole ou l’écriture, toutes les deux absentes. Ainsi, il doit interpréter l’histoire et le fonctionnement du jeu seulement par la représentation visuelle qui lui est transmise. Au final, le joueur en apprend beaucoup sur l’univers de l’œuvre en observant les indices transmis par les créateurs, mais plusieurs questions demeurent tout de même sans réponse, et ce, même à la fin du périple avec un dénouement inattendu, absurde et ouvert à l’interprétation. Les concepteurs ne prennent pas le joueur par la main et ne le considèrent pas comme un idiot. Du remarquable game design.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Playdead.)

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DAWN OF THE DEAD et la critique politique derrière les zombies

Avec la pandémie qui se déroule présentement, les films de zombies reviennent en quelque sorte à la mode. À cet effet, je vous recommande Dawn of the Dead. Il y a la version de 1978 réalisée par George A. Romero, qui a créé des œuvres de zombies toute sa carrière. Il y a également le remake de 2004 réalisé par Zack Snyder, qui s'est fait connaître plus récemment pour ses films de super-héros. La particularité de ces deux œuvres, c'est qu'elles contiennent une critique sociale et politique. Suite à une évasion de zombies, les protagonistes doivent se réfugier au sein d'un centre commercial et les créatures se massent par la suite autour et à l’intérieur de ce lieu. Il s'agit d'une critique de la société capitaliste dans laquelle nous vivons où les zombies, des êtres humains aux capacités intellectuelles limitées à certains besoins primaires comme manger, désirent tout de même continuer à consommer (la symbolique très forte du centre commercial). Cette vision est encore pertinente aujourd'hui, particulièrement dans le contexte actuel où au début de la crise, des individus se précipitaient vers les magasins pour acheter en grande quantité divers produits dont le fameux papier de toilette.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Laurel Group Inc.)

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Top 12 cinématographique de la décennie 2010-2019

Avec un petit retard encore une fois, voici mon top 12 cinématographique de la décennie 2010-2019 que j’ai publié il y a quelques mois sur ma page Facebook. La Covid-19 et son confinement me permettent à nouveau de mettre ce blogue à jour.

Pourquoi un top 12? J’ai initialement oublié les excellents Moonrise Kingdom et Scott Pilgrim. Ne voulant pas laisser de côté les émotions fortes que m’ont fait vivre Mad Max et Sicario, je vous présente alors un top 12.

1. Social Network (David Fincher, 2010) 

L’art de raconter une histoire somme toute « banale » de manière envoûtante.

2. Moneyball (Bennett Miller, 2011) 

Deux intérêts (baseball et cinéma) qui se rencontrent.

3. Mommy (Xavier Dolan, 2014)

Le meilleur Dolan et mon film québécois préféré de la décennie.

4. Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012) 

Le style unique et attachant d’Anderson sans temps mort.  

5. Frances Ha (Noah Baumbach, 2013) 

Simple, mais tellement efficace.

6. Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010) 

Drôle et émouvant, mon film d’animation préféré de la décennie.

7. It Follows (David Robert Mitchell, 2015) 

Envoûtant et stylé, mon film d’horreur préféré de la décennie.  

8. Polisse (Maïwenn, 2011) : 

Film dont on parle peu aujourd’hui, mais qui était une si belle et touchante exploration du quotidien de la brigade de protection des mineurs.

9. Scott Pilgrim vs. the World (Edgar Wright, 2010) 

Enfin une œuvre interartiale incorporant si bien le jeu vidéo et la bande dessinée.  

10. Inception (Christopher Nolan, 2010) 

Blockbuster vraiment marquant pour l’étudiant de cégep que j’étais.

11. Mad Max : Fury Road (George Miller, 2015) 

Le film d’action le plus déjanté de la décennie.

12. Sicario (Denis Villeneuve, 2015) 

La direction photo la plus sous-estimée de Roger Deakins.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Columbia Pictures.)

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Chernobyl et la gestion de crise

Pour la session d’hiver, j’enseigne le cours « Création vidéo » au Cégep de Trois-Rivières. À cause du confinement engendré par la Covid-19, nous devons terminer la session à distance et en ligne. J’ai décidé d’offrir une suggestion cinématographique ou télévisuelle par semaine à mes étudiants en lien avec la situation actuelle ou le projet final qu’ils auront à réaliser, un photo-roman. Voici ma première recommandation :

Le confinement me permet présentement de faire du rattrapage télévisuel et j'ai enfin pu regarder la mini-série en 5 épisodes de HBO Chernobyl, présentée l'année dernière. Elle raconte la catastrophe nucléaire de Tchernobyl qui a eu lieu en 1986 en Union soviétique. Remplacez la radioactivité par un virus et il est possible de créer des liens avec la situation que nous vivons présentement. La série est particulièrement intéressante pour comprendre les processus politiques, sociaux et scientifiques de gestion de crise à court, moyen et long terme. De plus, les éléments visuels et sonores valent à eux seuls le détour. À cet effet, la musique composée par l'Islandaise Hildur Guðnadóttir, oscarisée pour Joker (Todd Phillips, 2019), est particulièrement stressante. À voir!

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à HBO et Sky UK.)

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Top 11 cinématographique de 2019

Avec un petit retard, voici mon top 11 cinématographique de l’année 2019 que j’ai publié il y a quelques mois sur ma page Facebook. La Covid-19 et son confinement me permettent de mettre ce blogue à jour.

Pourquoi un top 11? De manière incompréhensible, j’avais initialement complètement oublié l’excellent et maintenant oscarisé Parasite. Ne voulant pas extraire de cette liste le très intéressant premier film de Monia Chokri, je vous présente alors un top 11.

1. Marriage Story (Noah Baumbach) 

Juste à tout point de vue.

2. Une femme en guerre (Benedikt Erlingsson) 

Beau, engagé et feel good.

3. Toy Story 4 (Josh Cooley) 

Sceptique après l’excellent 3e volet, mais il faut faire confiance à Pixar.

4. Parasite (Bong Joon-ho) 

Un des scénarios les plus spectaculaires des dernières années avec ses multiples rebondissements et changements de ton.

5. Dogman (Matteo Garrone) 

Une fascinante exploration de la violence sous toutes ses formes.

6. Knives Out (Rian Johnson) 

Un thriller très classique, mais très maîtrisé.

7. Vivarium (Lorcan Finnegan) 

Une expérience dérangeante, déprimante et intelligente.

8. Grâce à Dieu (François Ozon) 

Une narration à la Ozon qui fonctionne bien.

9. Promare (Hiroyuki Imaishi) 

Du mecha complètement éclaté.

10. Avengers : Endgame (Anthony et Joe Russo) 

La fin d’une ère mieux réussie que Star Wars.

11. La femme de mon frère (Monia Chokri) 

Un talent prometteur qui épate.

Note : Les excellents Uncut Gems (frères Safdie), Kuessipan (Myriam Verreault) et Little Women (Greta Gerwig), tous les trois sortis en 2019, n’avaient pas été vus lorsque ce palmarès a été établi.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Heyday Films.)

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Spider-Man: Far From Home : le plaisir sans les costumes

Le plus récent Spider-Man, réalisé Jon Watts, est bien évidemment spectaculaire. En effet, ses scènes d’actions sont impressionnantes : l’homme-araignée combat les Elementals puis Mysterio (Jake Gyllenhaal) dans les décors de Venise, Prague, Berlin et Londres en multipliant les acrobaties et les tirs de toiles d’araignée.

Mais l’aspect divertissant ne se situe pas uniquement dans ces scènes. Il se trouve également dans l’interaction entre les personnages, certains introduits il y a une dizaine d’années dans le tout premier Iron Man (Nick Fury [Samuel L. Jackson], Harold Hogan [Jon Favreau]) et d’autres, dans le premier volet de la nouvelle série dédiée à l’homme-araignée : Spider-Man: Homecoming (2017), également réalisé par Jon Watts.

Peter Parker (Spider-Man brillamment interprété par Tom Holland) quitte New York et part en voyage scolaire en Europe avec enseignants, amis et collègues de classe. Les scénaristes Chris McKenna et Erik Sommers n’ont pas seulement concocté une très bonne intrigue de super-héros se déroulant sur le Vieux Continent, ils ont également écrit une histoire à la fois drôle et sympathique, avec de bons dialogues. En effet, il est plaisant de retrouver les personnages dans les différentes villes européennes entre les scènes d’action. À cet égard, une véritable chimie s’opère au sein du trio formé de Peter Parker, son meilleur ami Ned Leeds (Jacob Batalon) et son amoureuse MJ (Zendaya). Le protagoniste n’est donc pas obligé de revêtir son célèbre costume pour intéresser le spectateur, ce qui a pour effet de divertir le spectateur à plusieurs niveaux.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Marvel Studios.)

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Toy Story 4 : une trilogie devenue tétralogie

[Attention! Ce texte contient des spoilers sur Toy Story 3 et 4!]

Comme plusieurs autres amateurs de la franchise Toy Story du studio californien Pixar, j’ai été surpris et sceptique lorsque qu’un quatrième volet a été annoncé. En effet, le troisième chapitre concluait de manière parfaite la trilogie : Andy, âgé de 17 ans et en route vers l’université, décide de donner ses célèbres jouets à Bonnie afin de leur permettre d’avoir une deuxième vie. C’était alors une fin réussie et émouvante pour les personnages apparus 15 ans plus tôt dans le premier volet de la série.

Alors, que pouvait apporter une suite? Permettre à Pixar (et plus largement à Disney) de faire plus d’argent en surexploitant une franchise qui marche très bien? Il y a un peu de cela, mais au final, force est d’admettre que ce film réalisé par Josh Cooley est une réussite.

Tout d’abord, au niveau de l’animation et de l’aspect esthétique du film, c’est entièrement maîtrisé. Les mouvements de la caméra virtuelle sont dynamiques, les scènes d’action sont spectaculaires, les paysages sont splendides et les textures sont irréprochables. Aucun studio n’est en mesure de faire compétition à Pixar dans ce domaine. Ce n’est cependant pas cela qui surprend. En effet, il était prévisible que le standard esthétique mis en place par le studio américain dans chacun de ses films soit respecté. C’est plutôt le scénario qui surprend, car il est magnifiquement bien équilibré. Les scénaristes Stephany Folsom et Andrew Stanton ont pu prendre leur temps (ce 4e volet paraît 9 ans après le précédent) et ça paraît.

Les vieux personnages comme Woody, Buzz Lightyear ou encore, Jessie sont de retour, mais ce qui est intéressant (comme dans chacun des volets), c’est de découvrir les nouveaux jouets. La poupée Gabby Gabby est une vilaine à la fois méchante et attachante, les peluches Ducky et Bunny forment un duo comique hilarant et le cascadeur Duke Caboon est à la fois drôle et pitoyable. Surtout, l’ajout de Forky est intéressant. Il s’agit d’une cuillère-fourchette jetable transformée en jouet par la jeune Bonnie, car elle ne peut pas en apporter avec elle à la maternelle. Il deviendra son jouet préféré et ça démontre qu’un jouet peut provenir de l’imagination d’un enfant et être créé à partir de n’importe quoi.

Toy Story 4 marque également le retour d’un jouet présent dans le premier et le deuxième volet de la franchise, mais qui ne figurait pas dans le troisième opus (c’est expliqué) : Bo Peep, la compagne de Woody. Elle avait un rôle secondaire et effacé, loin d’avoir le charisme et le goût de l’aventure de son amoureux. Cette fois-ci, elle a évolué. Elle n’a plus de propriétaire, c’est-à-dire qu’elle n’appartient à aucun enfant, et elle est entreprenante, fait preuve de leadership et se mêle à l’action. Sa trajectoire scénaristique est donc beaucoup plus intéressante.

Finalement, si Toy Story 3 marquait la fin de l’ère Andy, le propriétaire des jouets, ce quatrième volet marque plutôt la fin de la quête de Woody, le plus fidèle des jouets. En effet, la franchise a démontré qu’il était attaché à ses propriétaires (Andy puis Bonnie) en retournant constamment vers eux et même, en convaincant les autres de faire de même. Cela dit, cette fois-ci, c’est différent. Il comprend qu’il n’est pas le jouet préféré de Bonnie et ainsi, que sa place est plutôt avec sa compagne Bo Peep. Cela donne lieu à d’émouvants au revoir entre Woody et les autres jouets. Un nouveau chapitre s’ouvre pour ce personnage.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Pixar Animation Studios.)

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Avengers : Endgame et les films de voyages dans le temps

Avengers : Endgame d’Anthony Russo et Joe Russo est en train de battre tous les records du box-office mondial. Il a déjà dépassé le cap des deux milliards de dollars pour s’installer en deuxième position devant Titanic (James Cameron, 1997). Il ne lui reste plus qu’à rattraper Avatar (James Cameron, 2009).

Je ne m’attendais pas à un résultat aussi impressionnant, mais en même temps, ce n’est pas une surprise. En effet, Avengers : Endgame représente la fin épique d’un chapitre important de l’univers cinématographique Marvel comptant 22 films! Et il ne faut pas oublier que les trois précédents films de la série Avengers se trouvent dans le top 10 du box-office mondial de tous les temps…

[Attention! Le reste de ce texte contient des spoilers!]

Étant un grand admirateur de science-fiction, c’est l’aspect voyages dans le temps et plus particulièrement dans le passé qui m’a le plus intéressé. Bien sûr, on avait déjà vu cela dans des classiques comme Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985), Terminator (James Cameron, 1984), 12 Monkeys (Terry Gilliam, 1995) ou encore, Looper (Rian Johnson, 2012).

Dans Avengers : Endgame, Scott Lang/Ant-Man réussit à sortir du monde quantique dans lequel il était prisonnier depuis la fin du film Ant-Man and the Wasp (Peyton Reed, 2018). Il suggère alors aux membres des Avengers restants la possibilité de voyager dans le temps pour récupérer les Pierres d’Infinité et ainsi annuler les actions du méchant Thanos. Tony Stark/Iron Man crée alors une machine leur permettant de faire cela.

Jusqu’ici, rien n’est original, les voyages dans le temps ont été explorés de multiples façons au cinéma. D’ailleurs, il y a plusieurs clins d’œil qui sont faits au classique Back to the Future. Cela dit, ce qui est particulièrement original, c’est la possibilité d’aller changer le cours de l’histoire de certains films de la saga. Je crois que ça n’a jamais été fait, du moins pas à cette échelle.

C’est ainsi que les super-héros se séparent et se dirigent vers le New York de 2012 (Avengers) et les planètes Asgard de 2013 (Thor : The Dark World), Morag de 2014 (Guardians of Galaxy) et Vormir de 2014 (en référence à Avengers : Infinity Wars, 2018). Ainsi, le film ne clôt pas uniquement une série de 22 films, il revisite également leurs univers et personnages (plusieurs étant décédés), ce qui crée de la nostalgie chez le spectateur. De plus, l’enrobage d’humour rend le tout véritablement efficace.

Bien sûr, il y a quelques incohérences, mais il ne faut pas bouder notre plaisir non plus…

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Marvel Studios.)

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The Rider et Skate Kitchen: jouer son propre rôle

We the Animals (Jeremiah Zagar), Mid90s (Jonah Hill), Skate Kitchen (Crystal Moselle) et The Rider (Chloé Zhao) sont parmi mes films préférés de l’année 2018. En effet, ils répondent tous les quatre à mes goûts cinématographiques en étant de beaux objets audiovisuels fictifs ayant pour sujets des personnages réalistes dans des contextes réalistes.

Ce qui m’a encore plus frappé avec Skate Kitchen et The Rider, deux œuvres dont j’ai rapidement fait des parallèles entre elles, c’est que la plupart des acteurs, non-professionnels, jouent leurs propres rôles. Dans Skate Kitchen de Crystal Moselle, la jeune skateuse Camille rencontre le véritable groupe de jeunes skateuses new-yorkaises Skate Kitchen. L’effet réaliste est alors impressionnant : les actrices jouent leurs propres rôles et encore mieux, elles n’ont pas besoin de doubles lors des impressionnantes scènes de skate. Surtout, l’amitié entre les jeunes filles est d’une criante vérité puisqu’elles sont de véritables amies dans la vie.

The Rider de Chloé Zhao va encore plus loin dans ce concept. La cinéaste a rencontré l’étoile montante du rodéo Brady Jandreau dans le but de faire un film. Or, celui-ci s’est gravement blessé à la tête en pratiquant son sport entre temps. L’œuvre commence donc avec le personnage principal, nommé Brady Blackburn dans le film, qui enlève les pansements autour de sa tête. L’histoire porte ainsi sur ce jeune homme qui hésite entre redevenir l’athlète qu’il était ou encore, abandonner ses rêves pour ne pas nuire à sa santé. L’œuvre, bien que « fictive », est directement connectée à la réalité de l’acteur. De plus, sa famille et ses amis jouent leurs propres rôles, ce qui amène un aspect touchant au film. Sa jeune sœur autiste et son ami Lane Scott, devenu paralysé suite à un grave accident de rodéo semblable au sien, apportent une touche réaliste, mais aussi bouleversante rarement égalée.

Ces acteurs non-professionnels qui jouent leurs propres rôles dans Skate Kitchen et The Rider apportent un réalisme très intéressant à la fiction. Cependant, l’effet aurait pu être complètement raté s’ils avaient été mal dirigés, ce qui n’est pas du tout le cas. Il faut donc féliciter les deux réalisatrices pour leurs excellentes qualités de direction d’acteurs.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Caviar, Highwayman Films, Bow and Arrow Entertainment, Pulse Films et RT Features)

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Wallace et Gromit : une question de rythme

Dans le cadre du Festival international de films pour enfants de Montréal (FIFEM) se déroulant durant la semaine de relâche, l’anthologie Wallace & Gromit : The Complete Collection était présentée au Cinéma du Parc.  Étant déjà admirateur des longs métrages en animation stop motion (pâte à modeler) du studio Aardman (Chicken Run [2000], Wallace & Gromit : The Curse of the Were-Rabit [2005], Shaun the Sheep Movie [2015], etc.), j’ai pu découvrir pour la première fois les quatre courts métrages d’environ 30 minutes de la série Wallace & Gromit : A Grand Day Out (1989), The Wrong Trousers (1993, voir l’image), A Close Shave (1995) et A Matter of Loaf and Death (2008), tous réalisés par Nick Park.  

Les quatre courts métrages portant sur les aventures du chien Gromit et de son maître Wallace sont tous excellents (ils ont d’ailleurs tous été nominés pour l’Oscar du meilleur court métrage d’animation) et ce qui était particulièrement intéressant, c’était de constater l’évolution de l’animation et du savoir faire technique entre le premier et le dernier volet. Vingt ans se sont écoulés et on comprend l’ampleur du chemin parcouru par le studio Aardman : des balbutiements jusqu’aux longs métrages acclamés.  

Je constate surtout que le rythme a énormément changé.  En effet, dans le premier volet (A Grand Day Out), la cadence est lente, trop lente.  Plusieurs segments sont inutiles et le montage est trop lent.  Dans le quatrième court métrage (A Matter of Loaf and Death), le rythme est cette fois-ci trop rapide, trop d’actions se déroulent en même temps, ce qui fait en sorte que l’on décroche un peu.  Au final, les deux courts métrages les mieux rythmés sont le deuxième (The Wrong Trousers) et le troisième (A Close Shave) avec de l’action soutenue au sein d’une cadence suffisante et d’un montage efficace.  Ce n’est pas un hasard si ce sont ces deux films qui ont été oscarisés.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à Aardman Animations)

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JE L’IGNORE : film tourné dans le cadre d’un atelier de création de film à Percé

Depuis le mois de juin dernier, je travaille pour le Festival international de cinéma et d’art de Percé - Les Percéides. J’ai pris part à la 9e édition qui s’est tenue du 23 au 27 août 2017. J’ai été engagé en tant qu’assistant à la coordination de la programmation, mais de plus en plus, je suis responsable d’un tout nouveau volet scolaire au sein du festival. Jouissant à la fois d’une formation en études cinématographiques (baccalauréat et maîtrise) et en enseignement (microprogramme en enseignement postsecondaire), j’ai été choisi pour mettre en place une École de cinéma d’été à Percé qui verra le jour l’année prochaine (2018). 

Cette année, le Festival Les Percéides a décidé d’introduire ce nouveau volet scolaire en développant un atelier de création de film pour des jeunes de 7 à 11 ans intitulé « Place au cinéma jeunesse à Percé! ». En tant que responsable, j’ai mis sur pied, assuré la logistique et supervisé cette formation donnée par le cinéaste québécois Jonathan Tremblay le 26 août dernier.

L'atelier a été un véritable succès et je suis très fier de vous présenter le film qui a été créé par neuf jeunes Gaspésiens talentueux.

Toutes mes félicitations aux jeunes participants et participantes! Au plaisir de se reprendre l’année prochaine!

Merci au cinéaste Jonathan Tremblay pour cette belle expérience!

Le titre du film (« Je l'ignore ») a été choisi par les enfants. Le cinéaste Jonathan leur a demandé quel pourrait être le titre et le jeune Matias lui a répondu « je l'ignore! » (dans le sens de « j'en ai aucune idée »). Ça a fait rire un peu tout le monde et le titre est resté!

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L’ocularisation vidéoludique (les types de points de vue en jeu vidéo)

Depuis quelques mois déjà, mon mémoire de maîtrise est disponible en ligne sur Papyrus, la plateforme de dépôt institutionnel de l’Université de Montréal : https://papyrus.bib.umontreal.ca/xmlui/handle/1866/18737

Le titre du mémoire (« L’ocularisation vidéoludique : une typologie des points de vue à l’intérieur des phases interactives dans les jeux vidéo tridimensionnels ») pourrait en rebuter plusieurs. Or, il s’agit d’un ouvrage accessible (à condition de s’intéresser aux jeux vidéo) s’inspirant des recherches sur l’ocularisation cinématographique menée par François Jost au 20e siècle pour les appliquer aux études vidéoludiques du 21e siècle. Si le chercheur français avait défini une typologie des points de vue en cinéma, la même démarche a été menée en jeu vidéo au sein de ce mémoire. Fait important à noter : je me contente des jeux tridimensionnels et des phases interactives (les cinématiques sont exclues).

Pour rendre la typologie que j’ai créée plus compréhensible, j’exemplifie chaque type de point de vue. J’analyse ainsi entre autres les franchises Metal Gear Solid, Resident Evil, Uncharted ou encore, Super Mario (voir l’image ci-dessus). Il s’agit donc d’une belle occasion de (re)parcourir ces œuvres au sein d’une réflexion théorique.

Je n’en dis pas plus, allez maintenant lire le fruit de plus de deux ans de recherche!

Bonne lecture et n'hésitez pas à me faire parvenir vos commentaires!

(Les droits sur l’image utilisée appartiennent à Nintendo)

[philchab]

IT COMES AT NIGHT et ne rien divulguer

Film low profile dans le paysage mainstream cinématographique, It Comes at Night (Trey Edward Shults) a tout de même fait couler beaucoup d’encre dans les cercles cinéphiliques de l’horreur depuis sa sortie en juin dernier. L’objet est beau et surtout, ses ambiances sonores sont particulièrement riches.  Le film est donc génial à plusieurs niveaux, mais il y a tout de même un « mais »…

Beaucoup de films d’horreur nous montrent trop de choses.  J’aime souvent les 30 premières minutes des œuvres, car une certaine forme de mystère plane. Ensuite, on finit toujours par nous montrer le monstre, le fantôme ou encore, le tueur et à ce moment, je ne compte plus le nombre de fois où j’ai été déçu par ces apparitions.  

Selon moi, l’efficacité d’un film d’épouvante se trouve justement dans sa manière de conserver le mystère le plus longtemps possible.  Plusieurs ne seront pas d’accord avec moi, mais The Blair Witch Project (Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, 1999) réussissait bien ce pari.  Qu’arrivait-il aux trois jeunes étudiants perdus dans les bois?  Étaient-ils attaqués par une sorcière, une secte, un tueur en série? Les questionnements persistaient à l’arrivée du générique, mais au final, on s’en foutait bien puisque la perte en forêt était le véritable élément de terreur.

Cela dit, le risque quand on ne divulgue pas grand-chose, c’est de rester sur sa faim en tant que spectateur.  C’est ce que certains ont reproché à The Blair Witch Project et c’est surtout, selon moi, le problème avec It Comes at Night.  Trey Edward Shults a tellement voulu créer un film étrange et particulièrement mystérieux que j’ai trouvé la fin peu intéressante.  

La solution se trouve donc dans le dosage et la recherche d’un juste milieu : divulguer au compte-goutte tout en satisfaisant les attentes du spectateur.  Très lourde tâche pour les cinéastes d’horreur, j’en conviens…  

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à A24 Films et Haxan Films)

[philchab]

Retour en force, top 10 2016

Petite absence volontaire de ce blogue afin de rédiger, soutenir et déposer mon mémoire de maîtrise ainsi que débuter et terminer une formation en enseignement.  Mon mémoire porte sur les points de vue en jeu vidéo.  J’ai développé une typologie s’intéressant entre autres à la première et à la troisième personne.  J’y reviendrai plus tard au sein de ce blogue lorsque le mémoire en question sera publié.

Je trouve pertinent de reprendre du service en commentant mon top 10 cinématographique de 2016 déjà publié sur ma page Facebook.  C’est un peu tardif, mais vaut mieux tard que jamais…

P.-S. Les commentaires au sein de ce palmarès se basent sur des éléments précis d’analyse critique.  Aucun résumé des films n’est fait.  À cet effet, je laisse Wikipédia ou encore IMDB s’occuper de cela.

1.      Mademoiselle (Park Chan-Wook)

Dans ce plus récent opus de Park Chan-Wook, c’est le récit qui m’a le plus intéressé et même, fasciné.  Ce film aux différentes ramifications brille par la façon dont le cinéaste coréen finit par recoller les différents éléments de l’intrigue pour créer une œuvre d’une ambition narrative irréprochable.

2.      Finding Dory (Andrew Stanton)

L’action, ce n’est pas juste des guns et des poursuites.  Ça peut aussi être un enchaînement d’événements intéressants comme on peut le voir dans cette oeuvre de Pixar.  Le récit est sans temps mort et va constamment de l’avant, ce qui finit par donner un film efficace et très amusant.

3.      Manchester by the Sea (Kenneth Lonergan)

Classique et déprimant, Manchester by the Sea nous rappelle qu’un film à la réalisation bien maîtrisée et au scénario simple, mais touchant peut devenir une oeuvre efficace au niveau de sa représentation d’un drame humain.

4.      Mustang (Deniz Gamze Ergüven)

Il est frustrant de voir ces cinq jeunes sœurs se faire contrôler par un patriarcat dominant dans une Turquie rurale. Cela dit, le récit finit aussi par être touchant puisqu’on s’attache à ces héroïnes rebelles à leurs façons.

5.      Avril et le monde truqué (Franck Ekinci et Christian Desmares)

Cette uchronie est originale, son récit est intéressant et les séquences d’actions animées sont bien menées.

6.      L’étreinte du serpent (Ciro Guerra)

Ce film colombien redonne au noir et blanc ses lettres de noblesse.  Son scénario est envoûtant.  Je me souviens particulièrement de la séquence où le botaniste américain Richard Evans Schultes tombe sur une étrange secte chrétienne au fin fond de l’Amazonie. C’est étrange et ça fait inévitablement penser à Apocalypse Now.

7.      Deadpool (Tim Miller)

Le super-héros Deadpool a trois éléments qui le définissent : son super-pouvoir régénérateur, son humour trash/grivois et sa réflexivité. Ce dernier est un procédé employé pour briser le quatrième mur et rappeler au spectateur qu’il regarde une œuvre. Au sein des comics, Deadpool parle au lecteur, il se promène de cases en cases, etc.  Des effets semblables sont employés dans le film : il s’adresse au spectateur, il manie la caméra, il fait des références aux autres films de X-Men, etc.  C’est particulièrement réussi.    

8.      Saul Fia (László Nemes)

Ce film est une maîtrise cinématographique du début à la fin.  László Nemes se fait un devoir presque masochiste de constamment filmer son protagoniste de dos.  C’est limité, mais ça devient ambitieux et efficace.

9.      American Honey (Andrea Arnold)

Dans le film d’Andrea Arnold, on découvre une Amérique profonde trash qu’on voit trop rarement au cinéma.

10.  Star Trek Beyond (Justin Lin)

La nouvelle franchise Star Trek est meilleure que les nouveaux épisodes de Star Wars (The Force Awakens et Rogue One).  Voilà, c’est dit…  Les personnages sont plus intéressants, les dialogues sont mieux écrits et les séquences d’action sont carrément plus originales.

[philchab]

Mon palmarès cinématographique de 2015

2015 fut une très belle année cinématographique et, avec un peu de retard, voici mon top 10, agrémenté de courtes critiques pour chacun des films du palmarès. Bonne année 2016!

1. It Follows (David Robert Mitchell): Scénario. Mot très simple, pourtant trop souvent sous-estimé dans la production de films d’horreur. It Follows jouit d’un script complètement innovateur : une étrange force assassine transmise sexuellement poursuit un groupe d’adolescents. David Robert Mitchell développe ensuite une réalisation impeccable et une atmosphère tendue, le tout enrobé par une incroyable bande sonore rétro de Disasterpeace (la meilleure de l’année). Film à voir si ce n’est déjà fait!

2. Room (Lenny Abrahamson) : Film en deux parties,  Room est tout simplement l’oeuvre la plus touchante de l’année.  Je l’ai vu au Festival du Nouveau Cinéma sans avoir lu ou vu quoique ce soit à son sujet et ce fut l’une de mes plus belles expériences cinématographiques de l’année. Si possible, faites de même!

3. Spotlight (Tom McCarthy) : Très classique formellement, Spotlight raconte l’histoire vraie d’un groupe de journalistes d’enquête du Boston Globe ayant révélé au début de la décennie 2000 un scandale de prêtres catholiques pédophiles. Le film est efficace avec sa réalisation et son scénario bien ficelés et ses plans, souvent lents, qui respirent, font du bien, dans un contexte de montage hollywoodien toujours plus rapide. L’enchaînement des prises de vue est donc bien maîtrisé et donne lieu à plusieurs moments très intéressants. La performance des acteurs est quant à elle tout aussi efficace. Au final, le film est un vibrant hommage au journalisme d’enquête, très important dans nos démocraties.  

4. Ex Machina (Alex Garland) : Film le plus surprenant de l’année, Ex Machina est sans aucun doute l’une des œuvres de science-fiction les plus novatrices depuis le tournant du millénaire. Le huis clos entre les acteurs Oscar Isaac (toujours solide), Domhnall Gleeson et surtout, la jeune découverte suédoise Alicia Vikander laisse place à de brillantes questions concernant le complexe monde de l’intelligence artificielle.

5. Deux jours, une nuit (frères Dardennes) : Autre film très touchant, Deux jours, une nuit est un très beau film réaliste et simple des frères Dardennes sur une jeune femme (Marion Cotillard) tentant de sauver son emploi. Cette nouvelle offrande des frangins belges nous rappelle qu’un cinéma sans effets spéciaux, portant sur la classe ouvrière, peut toujours happer le spectateur en 2015.

6. Le Conte de la princesse Kaguya (Isao Takahata) : Retour en force du cinéaste d’animation japonais, son probable dernier film est une réussite onirique, métaphorique et lyrique sur toute la ligne.

7. The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy): Je ne m’attendais à rien de ce film ukrainien sans dialogue qui se déroule principalement dans une école pour sourds. De plus, ses 20 premières minutes sont très contemplatives (je me demandais ce que je faisais dans la salle). Au fil de la projection, le film devient un véritable tour de force et ses qualité formelles finissent par transcender l’absence de paroles et à intriguer le spectateur à la recherche de nouvelles sensations cinématographiques.

8. Inside Out (Pete Docter et Ronnie del Carmen) : Pixar, le célèbre studio d’animation américain, signe son meilleur film depuis Toy Story 3 (2010). Il revient en force avec un scénario brillant et un univers complexe se situant dans la tête d’une jeune fille vivant des moments difficiles. Les principales émotions (la joie, la tristesse, la colère, la peur et le dégoût) deviennent de véritables personnages dans l’environnement complexe (mais ludique) du cerveau humain.

9. Carol (Todd Haynes): Todd Haynes est un peintre. C’est l’idée qui m’a traversé l’esprit après la projection de Carol. Chaque plan est réfléchi, de la composition à l’éclairage. Ce récit tournant autour d’une romance entre deux femmes d’âges et de milieux différents aux États-Unis dans les années 50 est savoureux et très bien interprété par Cate Blanchett et Rooney Mara.

10. The Hateful Eight (Quentin Tarantino): The Hateful Eight et un brillant huis clos mis en scène par Tarantino, qui réalise un autre très réussi (anti)western après Django Unchained (2012). Le maître américain se surpasse avec ce scénario complexe, mais jouissif avec des dialogues richement construits, où le spectateur doit tenter de démasquer le ou les escrocs parmi huit salopards.  

Encore une fois, je vous souhaite une bonne année 2016. Le film que j’attends avec impatience est le plus récent Bourne, avec le retour de Paul Greengrass à la réalisation et surtout, de Matt Damon dans le rôle-titre!

(Les droits sur l’image et la vidéo utilisées appartiennent à Animal Kindgom, Northern Lights Films et Two Flints.)