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Lago das Ninfeias ▪︎ Santhatela Mais  As pinturas de ninfeias de Monet representam o auge de sua carreira. Na maior parte dos últimos 33 anos de sua vida, ele se dedicou a traduzir as condições cambiantes e os reflexos de seu amado lago em imagens de beleza transcendente. Ele sempre pintou os jardins dos lugares em que viveu e, quando comprou a casa que alugava em Giverny, em 1890, finalmente pôde criar um jardim totalmente a seu gosto.  Monet dispôs o jardim de flores numa série de canteiros que cobriam com botões coloridos e criou um tranquilo jardim aquático.  Encheu então o lago de ninfeias híbridas especiais e instalou uma ponte de madeira arqueada, inspirada nas que tinha admirado em gravuras japonesas. Monet visitava o jardim aquático pelo menos 3 vezes ao dia para estudar as mudanças de luz. Ele também o registrou obsessivamente, esta é uma das doze telas que pintou do mesmo ângulo num só ano.  Elas foram feitas pouco após a morte da enteada de Monet, Suzanne, e representam um paraíso de calma a oferecer consolo em face da aflição. O olho é levado para a superfície espelhada do lago, onde as plantas e o brilho refletem. Pinceladas horizontais que delineiam as ninfeias são interrompidas por marcas verticais verde-claras que mostram a vegetação acima do lago.  É um mundo hermeticamente fechado em que mal há sugestão de céu, e tão sereno e harmonioso como o título da pintura indica.  Monet continuou a pintar seu lago de ninfeias até morrer, criando no final telas quase abstratas, sem referência às margens ou à ponte, em que o único tema é a superfície da água. Por volta de 1860, ele tentou mas não conseguiu deixar sua marca no Salão de Paris com obras monumentais pintadas em parte ao ar livre, e no fim da década se tornou uma figura-chave no grupo de pintores que seriam conhecidos como impressionistas.  Suas séries de pinturas de montes de feno, da catedral de Rouen e de ninfeias mostram locais específicos sob luz e condições de tempo diferentes. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: Lago das Ninfeias  Ano: 1904 ▪ #impressionismo #claudemonet #arte #pintura #decoração #museu #diy #santhatela #parededecorada #monet #cultura #conteúdo #tela https://www.instagram.com/p/CixcPcBr4nR/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Clínica Gross   ▪︎ Santhatela Mais  Esta tela enorme, com 2,5 por 2 metros, tem sido descrita como a pintura americana mais importante do século XIX. Ela mostra o professor Samuel Gross fazendo uma palestra para estudantes de medicina da Jefferson Medical College, em Filadélfia, enquanto realiza uma cirurgia para remover um osso doente de uma perna.  A identidade do paciente é ocultada, pois só conseguimos ver parte de seu corpo. Eakins não se esquiva de retratar os detalhes cruentos da incisão e os instrumentos cirúrgicos cortando a carne, ou o sangue nos dedos do doutor Gross.  Os cirurgiões executam seu trabalho de modo natural, mas o quadro é cheio de dramaticidade. Uma mulher, talvez a mãe do paciente, esconde os olhos no canto da tela acrescentando um toque melodramático.  Os estudantes no anfiteatro cirúrgico quase poderiam ser espectadores comuns de teatro, a luz de uma claraboia no alto dá à cena toda o aspecto de um cenário num palco.  O artista incluiu seu próprio retrato entre os espectadores, uma figura mal visível desenhando ou escrevendo à direita da mureta ao lado do túnel.  Como o episódio ocorre numa época anterior aos conhecimentos modernos de higiene, os cirurgiões operam de sobrecasaca, em vez de trajes esterilizados. Este quadro tem precedentes óbvios nas pinturas sobre lições de anatomia de Rembrandt e nos retratos do século XIX de grupos de cirurgiões franceses se preparando para uma dissecação.  Os contrastes e a pincelada elegante talvez se relacionem à admiração de Eakins pela obra dos pintores espanhóis Velázquez e Ribera, que ele viu em Madri.  A tela foi rejeitada pelo júri artístico da Exposição da Filadélfia, em 1876, mas foi por fim pendurada na seção médica em forma de um tributo não intencional à precisão da observação de Eakins. Hoje considerado um dos maiores pintores americanos, Eakins era famoso pelos retratos, que muitas vezes mostram os modelos de modo desfavorável, mas verdadeiro.  Ele se interessava muito por anatomia, que estudou na Filadélfia, e viu dissecações ao estudar em Paris, nos anos 1860. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: Clínica Gross  Ano: 1875 ▪︎ #obradearte #arte #realismo #cultura https://www.instagram.com/p/Cifkmlxr96V/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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As Respigadeiras ▪︎  Santhatela Mais  Jean-François Millet realizou em 1857 este quadro onde explora um dos temas centrais do Realismo: a vida de trabalho dos pobres. As respigadeiras percorriam os campos ao pôr do sol, recolhendo espigas de milho esquecidas pelos colhedores. As três figuras, que se curvam, apanham o milho, transmitindo a natureza cansativa e repetitiva da tarefa. Millet procurou captar a verdadeira essência do que era o trabalho destas mulheres. Não tentou idealizar a imagem, mas ao invés, ele captou fielmente a pobreza e o trabalho manual. O olhar delas não se encontra com o espectador e os seus rostos são obscuros. O Realismo emergiu na França no início da Revolução de 1848, como reação ao Romantismo da geração anterior.  Os realistas acreditavam que o único tema adequado a um artista era o mundo em que vivia. Liderados pelo carismático e também pintor Gustave Courbet, eles trocaram os temas tradicionais históricos, mitológicos e religiosos da arte francesa por cenas da vida moderna pintadas sem concessões. Pessoas humildes, camponeses, cortadores de pedras, mendigos, prostitutas, lavadeiras e catadores de trapos assumiram o centro das telas. Embora as pinturas realistas não se caracterizem por um estilo único, são muitas vezes imbuídas de vigor e energia, expressos por linhas ousadas, fortes contrastes tonais, pinceladas amplas e uma paleta escura.  As representações realistas de pessoas trabalhando poderiam ser claramente destituídas de encanto.  Muitos criticaram esses quadros por não ter poesia e imaginação, enquanto outros os aplaudiam como uma forma mais democrática de arte, em compasso com a época.  A partir de meados dos anos 1850, as ideias dos realistas franceses influenciaram outros artistas na Europa e nos Estados Unidos.  Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: As Respigadeiras Ano: 1857 ▪︎ #realismo #arte #pintura #decoração #museu #canvas #diy #santhatela #jeanfrancoismillet #tela #decorarsala #decorecomquadros #decor #sala #decorarte #decor #cultura #conteúdo #quadrosonline #decorarparedes #galeriaonline #artenadecoração #obrasclassicas #obradearte #exclusivo https://www.instagram.com/p/CiP9ELjLRT6/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Juízo Final   ▪︎ Santhatela Mais  Em 1534, Michelangelo é encarregado pelo papa Paulo III de pintar o Juízo Final na Capela Sistina. Concluído três décadas após seu início, a obra contrasta em espírito e estilo com a grandiosidade calma e heróica do teto. Figuras sólidas em todas as posições torcidas possíveis se contraem e movimentam num espaço não naturalista. Considerada obscena pelo Concílio de Trento, a genitália dos nus foi coberta com a pintura de tecidos. A obra é majestosa, com 13,7 metros de largura por 12,2 de altura, aproveita toda a parede atrás do altar, e descreve a Segunda Vinda de Cristo, o Juízo Final, narrado na Bíblia.  As almas humanas ascendem ao Paraíso ou descem ao Inferno, dependendo de como são julgados por um Cristo cercado de santos importantes.  Esse afresco também é conhecido por toda a polêmica que causou, provocando longos debates entre os críticos católicos e os que visualizaram a genialidade de Michelangelo. O artista foi acusado de ser extremamente insensível ao evento descrito, imprimindo um estilo muito pessoal e “inadequado” ao conteúdo da obra. O Concílio de Trento criou decretos expondo que tais imagens não eram permitidas, e toda arte que tivesse essa característica era passível de censura e até destruição. Após o Mestre de Cerimônias do Papa, dizer que a pintura “era uma completa desgraça, por expor figuras despidas, provocando uma completa vergonha”, que não era uma obra para ficar numa capela, mas em “banheiros públicos e tavernas”, Michelangelo usou Minos, o Juíz do Submundo (no canto inferior direito da pintura) para fazer uma representação dele, dando-lhe orelhas de burro, enquanto sua nudez foi coberta com uma cobra. A maioria das genitálias expostas foram cobertas após a morte de Michelangelo, quando o Concílio de Trento condenou a nudez na arte sacra. O decreto dizia: “Toda superstição deverá ser removida. Toda lascividade deve ser evitada, de tal modo que as imagens não devem ser pintadas com referências à luxúria”. Além disso, nenhuma imagem sacra poderia ser exibida em público sem a autorização de um bispo. Fonte: História Ilustrada da Arte e Infoescola Obra: O Juízo Final  Ano: 1541 ▪︎ #cultura https://www.instagram.com/p/Ch7ephLrfxd/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Ofélia de John Everett Millais ▪︎ Santhatela Mais Ofélia é uma pintura do artista britânico John Everett Millais, que faz parte da coleção da Tate Britain em Londres. Retrata Ofélia, uma personagem da peça de William Shakespeare, Hamlet, cantando antes de se afogar em um rio na Dinamarca. O trabalho encontrou uma resposta mista quando exibido pela primeira vez na Royal Academy, mas desde então passou a ser admirado como uma das obras mais importantes de meados do século XIX por sua beleza, sua representação precisa de uma paisagem natural e sua influência sobre artistas que vai de John W. Waterhouse a Salvador Dali. Millais pintou Ofélia em duas fases distintas: primeiro ele pintou a paisagem de fundo, e posteriormente a figura central. Tendo encontrado um ambiente adequado, Millais permaneceu nas margens do rio Hogsmill em Ewell por até 11 horas por dia, seis dias por semana, ao longo de um período de cinco meses em 1851. Ofélia teve como modelo a artista e musa Elizabeth Siddal, de 19 anos de idade. Millais fez Siddal deitar completamente vestida em uma banheira cheia de água em seu estúdio de Londres. Como era inverno, ele colocou lâmpadas de óleo sob a banheira para aquecer a água, mas estava tão concentrado em seu trabalho que não reparou que as lamparinas se extinguiram. Como resultado, Siddal pegou um resfriado severo, e seu pai, mais tarde enviou a Millais uma carta exigindo 50 euros para despesas médicas da jovem. De acordo com o filho de Millais, ele pagou, mas o pai acabou aceitando uma quantia menor. A heroína de Hamlet, se afogando, sintetiza os ideais do Pré-Rafaelismo inicial: fidelidade à natureza e narração poética. Fonte: História Ilustrada da Arte e Arte e Blog Obra: Ofélia Ano: 1851 ▪︎ #shakespeare #johneverettmillais #museu #cultura #conteúdo #decor #sala #exclusivo #obradearte #decorarte #decorarparedes #off #obrasclassicas #promoção #diy #desconto #quadrosdedecoração #pintura #arte #santhatela #cult #quadrosnaparede #decorarsala #decorecomquadros #galeriaonline #artenadecoração https://www.instagram.com/p/Chpgifzs0tN/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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William Turner ▪︎ Santhatela Mais Pinceladas magníficas conjuram um vortex de chuva cegante enquanto um trem a vapor avança sobre uma ponte da ferrovia. O quadro é sobre a emoção da velocidade, mas contém um enigma. Será que a lebre, mal visível no canto inferior direito do quadro, está correndo na frente do trem ou fugindo aterrorizada? Trata-se de uma paisagem vista através da chuva, contrastando com o vapor e o fumo de uma locomotiva, sendo o resultado da cuidadosa observação direta e pessoal de Turner.  A locomotiva negra e a massa incandescente à frente impelida pela caldeira, levada à potência máxima, emergindo de uma cortina de chuva. Viajando à janela de um comboio que atravessava uma ponte sobre o Rio Tâmisa, Turner reteve na mente a imagem e não hesitou, logo depois, em sentar-se durante quinze minutos sob forte chuva, com os olhos fechados, para poder guardar fielmente tudo quanto tinha observado. Esta ponte fazia parte da linha Great Western de Londres a Brisol e era então considerada como uma proeza arquitetônica. É uma composição de contrastes apresentando a mutação do mundo e da paisagem, com o fim da vida tranquila da era agrária e início a era industrial. Joseph Mallord William Turner é um dos maiores pintores de paisagens. Um talento precoce, ele começou a viajar para desenhar vistas pitorescas já na adolescência.  No início dos anos 1800, integrava a Royal Academy e tinha uma carreira florescente, produzindo paisagens ambiciosas à maneira dos Grandes Mestres, como Claude Lorrain.  Aos poucos, porém, sua abordagem de paisagens e marinhas se tornou mais dramática e romântica. Ele viajou pelo continente europeu várias vezes, pintando na França, Alemanha, Suíça, Holanda e Itália.  Em suas duas últimas décadas de vida, sua pintura se tornou cada vez mais livre, às vezes quase abstrata, com detalhes obliterados pela cor e pela luz. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: Chuva, Vapor e Velocidade  Ano: 1844 ▪︎ #romantismo #williamturner #arte #pintura #decoração #museu #santhatela #decorarsala #diy #decorecomquadros #decor #sala #decorarte #decor #cultura #conteúdo #quadrosonline #decorarparedes #galeriaonline https://www.instagram.com/p/ChXXhpQrjK6/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Os Estágios da Vida de Caspar David Friedrich  ▪︎ Santhatela Mais  Do paisagista romântico alemão Caspar David Friedrich, foi pintada apenas cinco anos antes de sua morte, esta imagem, como muitos de seus trabalhos, forma uma meditação tanto sobre sua própria mortalidade, como sobre a transitoriedade da vida. Esta pintura de Friedrich de um porto báltico é uma meditação sobre a mortalidade. As cinco figuras em terra têm paralelo nos cinco barcos em diferentes estágios de suas viagens. Embora o artista tenha evitado apresentar lugares e pessoas reais, os pesquisadores assumem que a pintura mostra sua família. Em primeiro plano, à esquerda, está um homem idoso em pé. Esse deveria ser o próprio Friedrich. Sentado no chão, seu filho Gustav Adolf pode ser visto, assim como sua filha Agnes Adelheid. Ela tem uma bandeira sueca na mão. A vida dela está apenas começando. Eles começam a explorar o oceano infinito da vida. Ao lado das crianças à esquerda está um jovem com muita energia. Aqui estão as interpretações. Uma hipótese assume que é o próprio artista (mas em sua juventude), a outra parte afirma que é seu sobrinho. O jovem olha as coisas na praia. O velho é o único que percebe os navios. Ele olha para longe e sua atitude é relaxada. Ele está pronto para fazer sua última jornada. Em primeiro plano, você pode ver a costa com seus objetos espalhados, um barco invertido e um leme. Na água acima, cinco veleiros de diferentes tamanhos e locais flutuam. Os dois barcos no horizonte representam a mortalidade. O grande veleiro no meio representa o artista, os navios menores ao lado, a esperança. Eles ilustram os filhos e sua esposa. O objetivo de Friedrich era fazer as pessoas pensarem cuidadosamente sobre como os navios e as figuras representadas estão interconectadas. O artista imagina a vida como uma jornada. Os cinco navios se fundem com os cinco humanos. Ambos mostram os estágios de desenvolvimento da vida humana. Fonte: História Ilustrada da Arte e Meisterdrucke Fine Art Obra: Os Estágios da Vida Ano: 1834 ▪︎ #caspardavidfriedrich #cultura #cult #conteúdo #arte #tela #obradeartes #decoração #museu #santhatela #parededecorada #decorarsala #decorecomquad https://www.instagram.com/p/ChFghyirU1_/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Francisco de Goya ▪︎ Santhatela Mais Há poucas imagens dos horrores de uma guerra. Uma das mais poderosas, é o quadro de Goya sobre o fuzilamento de rebeldes espanhóis por soldados franceses, pela tentativa de resistir à ocupação francesa na Espanha, na Guerra Peninsular.  O foco da pintura é o homem de camisa branca, com uma expressão que mescla incredulidade e terror, e os braços estendidos que lembram inevitavelmente Cristo na Cruz.  A seu lado, outro homem encara os executores, e um monge olha para o chão e junta as mãos em oração. O próximo lote de vítimas arrasta-se colina acima, ao encontro de seu terrível destino.  Não vemos o rosto dos soldados do esquadrão de fuzilamento; eles são anônimos e agem simultaneamente como uma eficiente máquina de matar. Com efeito dramático, Goya ambienta a cena à noite (na verdade, os assassinatos ocorreram de dia), usando uma gama limitada de tons pretos e marrons mitigados por manchas de cor viva, como o vermelho do sangue e o branco brilhante da lanterna e da camisa.  O uso admiravelmente livre da tinta, que Goya aplicava com os dedos e espátulas, além de pincéis, aumenta o dinamismo geral da cena. O quadro plasma a repressão do acontecimento que se conhece como o levantamento de 3 de Maio, ocorrido em 1808, após Napoleão invadir a Espanha e a casa real seguir as suas ordens. A revolta deste dia se configura quando uma parte do povo de Madrid tenta evitar a saída, ordenada pelos franceses, do infante D. Francisco de Paula de Bourbon para a França. A situação escalou e as tropas francesas atiraram contra os madrilenos revoltados. Francisco José de Goya y Lucientes nasceu em Aragão (Espanha) em 1746. Depois de ter sido recusado por diversas vezes na Academia de Belas Artes, teve seu trabalho reconhecido em um concurso de arte em Madri. Passou por uma grave e desconhecida doença que o deixou paralisado e surdo temporariamente, mas foi este fato que fez suas obras ganharem dramaticidade e expor as realidades pelas quais passou a ser admirado. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: O Três de Maio em Madri Ano: 1814 ▪︎ #romantismo #franciscodegoya #arte #pintura #decoração #museu #santhatela #cultura #conteúdo https://www.instagram.com/p/CgzQgGPLvuc/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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O pesadelo de Henry Fuseli ▪︎ Santhatela Mais  A mais famosa obra de Fuseli, esta pintura substância a teatralidade do Romantismo. Ela teve tanta repercussão que o artista fez pelo menos três outras versões.  Talvez ele conhecesse contos populares sobre mulheres adormecidas visitadas à noite pelo diabo, que tinham relações sexuais com ele e lembravam-se disso em sonhos, mas pode haver algo mais pessoal na imagem.  Nas costas da tela há um retrato de Anna Landholdt, pela qual Fuseli se apaixonou, mas que se recusa a casar-se com ele. O erotismo do quadro, tingido de sadismo, pode refletir a paixão frustrada do artista. As interpretações feitas de O Pesadelo tiveram várias versões. A tela aparenta retratar em simultâneo uma mulher a sonhar e o contexto do seu sonho.  O Íncubo e a cabeça de cavalo referem-se à crença e ao folclore contemporâneos sobre os pesadelos, mas têm recebido outros significados mais específicos por alguns teóricos.  Críticos contemporâneos foram surpreendidos pela sexualidade explícita da pintura, a qual tem sido interpretada por alguns acadêmicos como uma antecipação das ideias freudianas acerca do inconsciente. A variação entre tons claros e escuros, a dramaticidade e a expressividade da cena representada (enfatizada pela difusão das cores) e a subjetividade são características que fazem este quadro pertencer ao período do Pré-romantismo. Fuseli criou imagens das mais memoráveis da era romântica. Suíço, passou a maior parte da carreira na Inglaterra.  Viveu oito anos em Roma (1770-78), onde viu esculturas antigas e a arte de Michelangelo. Suas obras se inspiram na literatura e incluem muitas vezes cenas violentas, trágicas ou fantásticas.  Foi professor de pintura, na Royal Academy, da geração seguinte de artistas britânicos, entre eles Constable. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: O Pesadelo  Ano: 1781 ▪︎ #henryfuseli #arte #pintura #decoração #museu #santhatela #parededecorada #decorarsala #decorecomquadros #decor #sala #decorarte #decor #cultura #conteúdo #quadrosonline #decorarparedes #galeriaonline #artenadecoração #obrasclassicas #obradearte #canvas #exclusivo https://www.instagram.com/p/CghaVtWrM5g/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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O juramento dos Horácios de Jacques-Louis David  ▪︎ Santhatela Mais  Esta é a mais famosa pintura neoclássica. Ela deu renome internacional a David, confirmando-o como o artista mais importante da França.  É também um exemplo perfeito do próprio estilo e lembra, com sua impressionante simplicidade, um relevo clássico.  Com uma única imagem empolgante, o artista representou algumas das mais nobres qualidades: coragem, sacrifício, patriotismo, força e as transmitiu ao observador de forma clara mas dramática. A obra apresenta um evento dos primórdios da história de Roma. A cidade está em guerra com sua vizinha, Alba, e a disputa será decidida por uma luta mortal entre os três irmãos Horácios de Roma e os três Coriáceos de Alba.  Tragicamente, essas famílias têm laços de casamento e noivado, e assim, antes que um só golpe seja desfechado, cada mulher sabe que perderá o marido ou um irmão. David provavelmente se inspirou em Horácio, peça de Pierre Corneille, embora esse evento em especial não esteja no texto.  Ele foi a Roma para ter o cenário em mente ao lidar com esse tema clássico e exibiu a pintura primeiro lá, em julho de 1785.  Ela teve uma recepção extasiada, assim como aconteceria depois em Paris, ainda nesse ano. Como foi concluída só alguns anos antes da Revolução Francesa, a obra é muitas vezes vista como um apelo às armas simbólico para a nação francesa, mas nada indica que essa fosse a intenção do artista. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: O Juramento dos Horácios Ano: 1784 ▪︎ #jacquelouisdavid #neoclacissismo #tela #cultura #conteúdo #diy #teladecorativa #arte #pintura #decoração #museu #santhatela #parededecorada #decorarsala #decorecomquadros #decor #sala #decorarte #decor #quadrosonline #quadrosonline #decorarparedes #galeriaonline #artenadecoração #obrasclassicas #obradearte #canvas #exclusivo https://www.instagram.com/p/CgPTRLzLiaH/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Momento da Leitura de Fragonard ▪︎ Santhatela Mais  A pintura mostra uma jovem usando um vestido longo amarelo, de gola branca e um laço de fita púrpura na cabeça. Ela está sentada em uma cadeira com uma almofada nas costas e segura um livro com a mão direita. A obra é mais uma pintura de gênero, sendo um retrato da vida cotidiana burguesa. O nome da leitora é desconhecido, mas uma fotografia de raio x revelou que a tela originalmente apresentava um olhar diferente da cabeça, na direção do visor, onde Fragonard pintou.  A pintura não era uma obra acadêmica completada, e, provavelmente, passou pelas mãos de vários colecionadores e comerciantes franceses.  Foi comprada pelo cirurgião Théodore Tuffier antes de chegar aos Estados Unidos na década de 1930. Lá, pertenceu à coleção de Alfred W. Erickson, fundador da agência de publicidade McCann Erickson, em Nova Iorque. A pintura foi herdada pela esposa, Anna Edith McCann Erickson, no ano de 1936. Depois que ela morreu, em 1961, a pintura acabou sendo comprada pela Galeria Nacional de Arte. Outras obras podem ser inseridas no universo da educação no qual está a obra analisada, como A Lição de Música e O Estudo. Esse tema recebeu destaque na obra do pintor, sendo que, no Museu de Arte de São Paulo (MASP), a obra A Educação faz tudo é uma das mais referenciadas do pintor.  Nota-se, ainda, que o universo da educação está atrelado ao da burguesia, levando em conta o contexto histórico ao qual o artista e as figuras retratadas pertenciam. Quando a despreocupação do rococó começou a perder aceitação, Fragonard experimentou outras linguagens para testar o mercado. A jovem é tão adorável quanto suas de pinturas anteriores, mas não há sinal de frivolidade em sua concentração no livro. Jean-Honoré Fragonard foi um pintor francês, cujo estilo foi distinguido por sua notável facilidade, exuberância e hedonismo. Produziu mais de 10.000 pinturas, sem contar desenhos. Entre suas obras mais populares estão as pinturas de gênero, que transmitem uma atmosfera mais íntima. Fonte: História Ilustrada da Arte e Wikipédia  Obra: Momento da Leitura Ano: 1769 ▪︎ #jeanfragonard #cultura #arte #conteúdo #decor #museu #santhatela #diy https://www.instagram.com/p/Cf9Mlz4Lx0S/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Jan Van Eyck   ▪︎ Santhatela Mais  Este famoso retrato duplo, num interior doméstico, pode celebrar o casamento do mercador italiano Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua jovem noiva.  Os estudiosos discutem o tema da pintura e questionam em que medida os objetos meticulosamente representados têm significado simbólico.  O cãozinho, os tamancos no chão,  a fruta no peitoril da janela, o rosário pendurado num prego, as tábuas do assoalho e o tapete, o espelho ao fundo com uma imagem misteriosa refletida, tudo foi pintado com preciosa precisão.  Todos concordam, porém, que essa obra-prima deslumbrante exibe realismo e detalhamento inéditos, que se tornaram possíveis graças à perfeição da técnica de pintura a óleo de Van Eyck. O mais famoso dos artistas flamencos, Jan Van Eyck é hoje conhecido por cerca de duas dúzias de pinturas, obras religiosas e retratos.  Sua perícia na pintura a óleo lhe deu renome ao norte e ao sul dos Alpes. Pouco se sabe de seus primeiros anos, mas em 1422 ele trabalhava para o conde da Holanda. Três anos depois, tornou-se pintor da corte de Filipe, o Bom, duque da Borgonha, em Bruges, um cargo oficial e assalariado.  Ele serviu ao duque o resto da vida e desempenhou missões diplomáticas em seu nome. Uma de suas primeiras pinturas datadas, o Retábulo do cordeiro místico, de 1432, tem uma inscrição que sugere que essa "pintura estupenda" (como Dürer a descreveu) fora pintada por Jan e seu irmão Hubert (morto em 1426).  Hubert, porém, é uma figura vaga, e sua contribuição na obra é desconhecida. Jan Van Eyck nasceu em 1380 e foi um ativo pintor flamengo em Bruges, reconhecido como um dos principais representantes do renascimento das artes. Pintou temas seculares e religiosos, incluindo retábulos, figuras religiosas de painel único e retratos, sempre com um nível de detalhismo muito apurado com uma busca incansável pela perfeição.  Ele era altamente influente e suas técnicas e estilo foram adotados por diversos pintores posteriormente. Fonte: História Ilustrada da Arte  Obra: O Casal Arnolfini  Ano: 1434 ▪︎ #janvaneyck #cultura #decor #sala #conteúdo #exclusivo #obradearte #decorarte #decorarparedes #tela #arterenascentista #promoção https://www.instagram.com/p/CfrbM_orolI/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Madame Récamier de François Gérard  ▪︎  Santhatela Mais  Mostra a socialite de Paris, Juliette Récamier, no auge da moda neoclássica, reclinada sobre um sofá e em um vestido de estilo Império, com braços quase nus, e cabelo curto, tudo isso sendo muito avançado para a época. Récamier é um tipo de sofá em que ela gostava de se reclinar e foi assim nomeado em sua homenagem. Essa obra é mais que um retrato, e sim, um ideal de elegância feminina. Madame Récamier, com apenas 23 anos, já era uma das mulheres mais admiradas do seu tempo. Encomendada por ela, a imagem permaneceu inacabada. David não estava satisfeito e queria refazê-la, mas para ela, David trabalhou muito lentamente, e encomendou a um de seus alunos, François Gérard um novo retrato. Um dos alunos favoritos de David, Gérard desenvolveu uma versão mais suave e graciosa do estilo de seu mestre. Contrariado por isso, David disse a ela: "As mulheres têm seus caprichos, assim como os artistas. Permita-me satisfazer o meu, mantendo este retrato". A pintura permaneceu em seu estúdio, inacabado, e não foi visto pelo público até ele entrar no acervo do Louvre. François Gérard, foi um pintor francês que se destacou como retratista. Os seus retratos, em especial os femininos, são notáveis pela delicadeza do traço e pela simplicidade e franqueza de expressão.  Madame Récamier, conhecida como Juliette, era uma líder da sociedade francesa, cujo seu salão atraiu parisienses dos principais círculos literários e políticos. Casou aos 15 anos com Jacques Récamier, um banqueiro quase 30 anos mais velho. Boatos diziam que ele era seu pai natural, e que casou com ela para fazê-la sua herdeira. Isso não foi provado. O casamento nunca foi consumado e Juliette permaneceu virgem até seus 40 anos. Charmosa e atraente era amante da literatura mas tímida e modesta por natureza, possuía muitos admiradores. Um salão literário é uma reunião onde pessoas se encontram regularmente, sob uma recepção, para debater questões relativas como filosofia, literatura, pintura, moral e questões intelectuais. Fonte: Arte e Blog e História Ilustrada da Arte  Obra: Madame Récamier  Ano: 1805 ▪︎ #cultura #conteúdo #arte #pintura #decor https://www.instagram.com/p/Cfb1eiGr2ou/?igshid=NGJjMDIxMWI=