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Méconnus du XXe, prophètes au XXIe ? Le Colloque inconnu – épisode 3

Les interventions se poursuivent, Eliane Masselin nous fait plonger dans l’univers de Tuer sans gages d’Ionesco et des visions prophétiques de sa dramaturgie. Christian Pelletier s’intéresse au prix Goncourt de 1946 et évoque le roman de Jean-Jacques Gautier ; Histoire d’un fait divers. Son intervention porte sur les questions de chômage et d’érotisme, d’addictions et de violence. Retour à la poésie avec les œuvres d’Henri Pourrat présentées par Didier Dantal tissant un lien avec l’écologie. Jacques Penet de la Boussiere rend ensuite hommage à Audiberti par le prisme de la passion de l’amour et du handicap. L’événement se termine par l’intervention de Bernard Baritaud parlant de l’Education européenne de Romain Gary.

Cette journée d’études un peu exceptionnelle a suscité quelques réflexions.

J’ai été chaleureusement accueille au sein de cet événement qu’on pourrait croire fermé. Les organisateurs m’ont proposé de présenter mon sujet de recherche. J’ai été rapidement orientée vers ceux qui peuvent me donner des idées ou des références. J’ai eu l’occasion de vivre et d’observer l’esprit de la communauté scientifique. Les interventions ont été conçues afin de nourrir l’intérêt général et feront partie de la prochaine publication de la revue. Celle-ci n’a pas uniquement pour but l’archivage d’un contenu mais a la volonté de partager des connaissances.

Malgré le statut associatif et la passion partagée, les communications sont effectuées d’une manière très sérieuse en respectant toujours des cadres académiques. Un des participants du colloque me parle de ses motivations et de l’organisation de son travail ; « Il est important pour nous de continuer la recherche. Il y en a certains qui collectionnent des voitures miniatures, d’autres qui jouent au golf. Pour nous c’est la recherche qui nous permet de nous voir, d’être actif, de continuer et de partager. » La recherche semble être une sorte de besoin vital.

La maîtrise du métier est surprenante. Les interventions durent 30 minutes. Les discours sont préparés, on ne s’ennuie pas une seconde, il n’y a pas de retard. Il faut souligner que les participants se connaissent déjà entre eux ce qui provoque des interactions naturelles, concrètes, il y a toujours des retours, des questions. Ce cadre permet d’ailleurs un peu plus de liberté dans la forme. Une intervention commence par une chanson, et se termine par une anecdote. Cela n’empêche pas pour autant d’être analytique et structuré.

Ayant déjà assisté à de nombreux événements scientifiques, j’ai rarement était si captivée, pas seulement par le contenu et la forme mais aussi par la participation du public.

Comment rendre l’intervention vivante, agréable à écouter ? Comment donner envie aux auditeurs d’aller plus loin dans la réflexion et être actif ? Penser à la communauté scientifique, ne consisterait-il pas à trouver la parole savante mais aussi vivante ?

 Natalia Zalucka

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Luca Ronconi- Maître d’un théâtre sans limites

Le premier jour du mois de décembre je me suis rendue à  l’«Istituto Italiano Di Cultutra » de Paris, un lieu que je n’aurais jamais eu la chance de visiter en dehors de ce colloque. Je ne savais pas à quoi m’attendre, je ne connaissais pas les œuvres de Ronconi et n’étant  pas une chercheuse mais plutôt une praticienne de la comédie musicale anglophone, j’étais curieuse de voir ce que je pouvais apprendre de cette rencontre afin d’améliorer mon travail d’artiste.

Le colloque a  débuté avec une introduction des deux organisatrices; Erica Magris et Giulia Filacanapa. Nous avons ensuite assisté au discours du keynote ; Aude Astier. Ce discours a mis en évidence des œuvres de Ronconi au Picolo Teatro, une prestation très intéressante pour une débutante comme moi, car cela m’a permis d’obtenir une base de connaissances qui me seront  utiles pour les discussions suivantes. Ce que j’ai trouvé de fascinant dans les œuvres présentées par Astier, c’était la manière dont Ronconi a transformé des œuvres classiques en le revisitant dans des formats qui sortent du contexte du théâtre traditionnel. L’œuvre qui m’a particulièrement inspirée est Infinities de John D. Barrow, qui a été mise en scène par Ronconi en 2002.

Dans cette œuvre il y avait 5 paradoxes imager et représenter par 5 stations de voyage pour les spectateurs (L’entrepôt, L’atelier, Le magasin, L’atelier de dramaturgie et L’atelier de menuiserie). Le spectacle a été joué sur le concept de la fragmentation et de la représentation simultanée du texte, dans chaque lieu la même scène a été jouée 10 fois en boucle, mais en variant les acteurs et leur mise en scène. Le spectateur pouvait donc regarder la même scène plusieurs fois sans vivre le même moment. Le public pouvait choisir de rester dans la même station pour les 10 versions ou d’aller voir d’autres lieux qui jouent aussi en répétition parallèlement à toutes les stations.                       C’est au spectateur de créer son propre spectacle et d’en choisir le déroulement afin que chacun d’entre eux puisse vivre une expérience différente et personnelle. Ainsi chaque personne a pu sous différents aspects assister à la même œuvre et se forger sa propre opinion.                                                                                                                                                                  La manière novatrice d’enlever la distance entre le spectateur et l’artiste est captivante, l’acte de donner le pouvoir au spectateur a été très visionnaire, c’est un concept qui est extrêmement pertinent aujourd’hui avec la révolution technologique. Il aurait été intéressant de voir les façons dont Ronconi aurait utilisé le pouvoir des réseaux sociaux sur les spectateurs.

 D‘autres œuvres ont été mises en évidence pendant ce discours comme, La vie est un songe (2000), L’éventail (2007) et Le chandelier (2001). J’aurais aimé voir plus de ses réalisations basées sur des œuvres Shakespeariennes, mais c’est une préférence personnelle étant anglaise.

Le reste de la matinée a été, pour la plupart, en langue italienne et sans sous titres, ce que j’ai trouvé bien dommage. Les orateurs avaient l’air si passionnés dans leurs discours, que c’est une grosse déception de ne pas avoir pu tout comprendre. J’ai été très étonnée par ce fait, car au début du colloque les organisateurs ont mis en avant que Ronconi était peut étudier en dehors de l’Italie, donc j’ai été assez surprise que durant un colloque en France, ils ont gardé des discours entièrement en italien et n’ont pas essayé d’ouvrir et de rendre compréhensible l’intégralité du colloque.

 La deuxième journée s’est déroulée au  Conservatoire National Supérieure D’art Dramatique, dans un magnifique théâtre à l’Italienne. J’ai pris un énorme plaisir à pouvoir passer une matinée dans un tel lieu. La matinée a été modérée par Josette Féral, elle a lancée la discussion avec un discours sur « un théâtre augmenté : Pratiques inter médiales de la mise en scène », ensuite Julie Bernard a parlée de « Ronconi à l’œuvre de Savinio».                                                                                     

 L’intervention suivante a été la plus intrigante. Cette prestation a été portée par Laetitia Dumont Lewi sur le sujet «Elargir le petit écran, les œuvres télévisuelles de Luca Ronconi» ; elle a su capturer mon attention en décrivant la manière peu habituelle qu’a utilisé Ronconi  pour traduire ses spectacles sur l’écran (télévision).

 Ronconi a considéré que «  le théâtre filmé est documentaire », que le fait de simplement filmer un spectacle sur scène, enlève complètement le côté théâtral de la pièce. Il a donc décidé de changer la disposition et les déplacements des acteurs,  ayant pour effet  de modifier leur manière de  bouger à l’écran en les montants sur les « dollys » des caméras. En résultat on a l’impression que les acteurs ne marchent plus mais flottent en avançant avec le mouvement des caméras, toute est tellement fluide que cela devient très surréaliste.

 Nous avons pu voir ce style filmographique surprenant dans des extraits de « Orlando Furioso » (1975). Ronconi n’utilisait pas de découpage dans ses plans, il pensait que la continuité de l’image captivait  l’attention des spectateurs.  

                                                                                                                            À la fin de cette intervention Josette Féral a posée une question importante ; si Ronconi voulait clairement nous montrer le mouvement et  la présence des caméras, pourquoi ne nous a-t-il pas montré la présence des fils et des machines elles-mêmes ?                                                           Personnellement, je trouve que le choix de ne pas nous montrer les caméras, ajoute une touche théâtrale un peu surréaliste, alors  que si nous pouvions voir le matériel, le style plus documentaire que Ronconi cherchait à éviter aurait pris le dessus.

 Cette intervention m’a le plus marquée, surtout que l’on a  pu voir des extraits du travail de Ronconi sur l’écran. Pour moi des aides visuelles sont toujours utiles dans la compréhension d’un nouveau sujet. Malheureusement la reste de la matinée a été en Italien donc je n’ai pas pu me former un avis objectif sur ces interventions.

Dans l’ensemble, je trouve que ce colloque a été une réussite, il a été impressionnant de voir tant de personnes aussi passionnées par Ronconi et son travail. Ça a été également une très jolie découverte d’un point de vue personnel et je suis contente d’avoir pu assister à ce colloque et avoir pu m’ouvrir de nouvelles perspectives de recherche.

Le seul bémol pour moi a été l’absence des traductions sur les passages en italien, étant donné que l’idée et l’objectif de ce colloque était d’ouvrir le travail de Ronconi vers l’étranger. Il a été difficile pour moi de ressentir le fond et l’intégralité du thème,  quand la moitié des interventions m’étaient incompréhensibles. En résultat certains aspects du monde de Ronconi restent un mystère pour moi et je suis parti avec la sensation de ne pas avoir cerné toutes les facettes de son œuvre.

Cependant cela reste une belle présentation qui doit nous pousser à rechercher par nous-même la documentation qui nous permette d’aller au fond de ce thème

Jessica Capon

Numéro Etudiant; 14503023

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Conférence des Créateurs de Masques 2016 : 4e rencontre avec le public

Présentation résumée

Titre du thème : « CORPS ET MASQUES »Date : Le vendredi 21 (18h00-22h30 prévenue) et samedi 22 (9h30-22h) octobre 2016

Lieu : Le Mouffetard - Théâtre des arts de la marionnette

Programme constituée autour de la conférence

= 3 éxpositions

   ; 2 Vernissages de l’exposition de masques et de photos – échanges avec les créateurs de masques ( du 21 au 22 octobre)

  ; « Masques-Génies dans la forêt » de Thierry François (du 19 au 27 octobre)

= 14 interventions ; depuis les expériences pratiques des artistes

              ; 2 ateliers expérimentaux du jeu masqué avec le public participant

= 2 hommages ; à Luis Jaime-Cortes et à Pierangelo Summa

= 1 programme convivial ; cabaret masqué

Pendant une soirée et un jour, le 4èmes Rencontres publiques d’échanges de l’Association des Créateurs de Masques de Scène Contemporains (crée en 2007) (http://www.lescreateursdemasques.fr/) ont lieu autour du thème CORPS et MASQUES.

Le créateur de masque, le sculpteur de masque, le fabricant de masque, l’artiste créateur de masque et vendeur de masque, l’acteur de masque et le chercheur universitaire en masque intervenaient avec les matériaux qu’ils ont pratiqués. Donc, autour de la question ‘Quel sont les exercices à faire, quotidiennement pour que le corps devienne un « outils » d'expression narratif, expression émotionnelle, intellectuelle, musicale, corporelle (danse), etc. ?’, ils se sont partagé leurs réflexions et leurs savoir-faire.

L’ambiance de certaines interventions était animée et chaleureuse. Comme certaines  intervenants sont des praticiens, les interventions étaient très actives.

Le contenu exposait plutôt des matériaux expérimentaux. Ainsi, ils argumentaient avec des objets, en particulier des masques, des costumes masqués et des objets marionnettiques, de façon pratique. Parfois, cela continuait naturellement vers un petit atelier pour faire comprendre pratiquement, ou bien en débat.

Observation critique et Refléxion

Le sujet de cette conférence pourrait se dire « le masque de Corps », c’est-à-dire, le masque corporel, le costume qui cache l’identité de l’acteur ou caractérise un personnage.

La motif de l’action du corps dépend du masque et à partir de l'action de masquer, la méthode de l’action physique est inventée et précisée. Par la manipulation, l’énergie est transmise du corps de l’humain vers le masque, et par la suite, le masque, c'est à dire le personnage identifié par le masque, dirige le corps de l’acteur.

Dans le cas de Claire Heggen (metteuse en scène, pédagogue, marionnettiste corporelle et le résponsable de Théâtre du Mouvement), un masque multi-faces pour le spectacle Aeterna est représenté avec la manipulation corporelle. De fait, son masque multi-faces peut montrer 4 visages différents, et pour chaque visage, il y a quatre façons différentes de bouger pour l’acteur. Ainsi, 4 personnages différents s’installent sur le seul corps de l’acteur.

Selon Claire Heggen, à partir du masque multi-faces, ils inventent des mouvements du corps avec son équipe, qui modifient et réinventent ce masque multi-faces.

Laurie Cannac (comédienne et marionnettiste, travail d’Ilka Shönbein) a aussi présenté pratiquement son processus de métamorphose : du corps de l’acteur (manipulateur) au personnage marionnettique, le motif du mouvement est son costume marionnettique : le masque corporel. Mais selon Laurie Cannac, ce n’est pas un masque du corps, c’est plutôt une marionnette du corps qui est faite pour éloigner le masque du visage, même s’il y a un visage sur le costume du personnage.

Une autre chose intéressante fut une réflexion d’Omar Porras (metteur en scène, acteur colombien), en tant que metteur en scène, sur le corps et le masque. En effet, « sur le plateau, pour faire animer un personnage en tant que corps d’un acteur masqué, on a besoin d’une énergie extraordinaire ». Mais, « le masque nous amène à l’origine, l’origine de tout ». Le masque « réveille », ne « cache » pas. Donc, c’est le masque qui fait « réveiller » le corps de l’acteur et son identité.

Cela concerne aussi la transmission de l’énergie et la transformation entre le masque et le corps de l’acteur. Sur le plateau contemporain, le masque n’est plus un élément matériel qui cache et supprime l’identité de l’acteur, mais plutôt un objet qui lui permet d’avoir une valeur plus esthétique qu son corps, comme une marionnette sacrée. Jean-Louis Heckel (Marionnettiste, metteur en scène, directeur de La Nef) a montré la lune personnalisée avec son masque d’objet (une petite tête articulée avec le bâton du manipulateur à l’intérieur) en le manipulant à la main. Le corps de l’acteur (à la fois manipulateur) peut être caractérisé la chose immatérielle ou non-humaine comme un personnage vivant à travers le masque marionnettique.

Par contre, parmi ces interventions, il n’y avait pas assez de réflexion théorique sur la problématique entre le masque et le corps d’acteur. Car plusieurs intervenants ne font généralement que de la pratique et ne l'accompagnent pas forcément de théorie en tant que chercheur. Alors, après avoir fini l’intervention, la discussion, le débat ne prend pas, alors que l’intervention était très animée et vivante.

En réalité, quelques intervenants avaient l’air gênés de parler en utilisant le micro et l'ont raisonnablement exprimé, dès qu’ils ont reçu des questions. De fait, nombre des personnes étaient des créateurs de masque dans le public. Parmi eux, quelques artistes semblaient difficiles et incommode à participer aux débats.

Une création artistique est vivante, c’est une unité intérieure. Vouloir l’expliquer, c’est tirer la vie hors de la vie et la changer en son contraire.

-          René UNTEREINER, « Réflexions sur la création artistique », in Bulletin de l'Association Guillaume Budé, vol.1, n°2, juin 1960, p.286.

Au début de cette conférence, il y avait deux hommages à Luis Jaime-Cortes et à Pierangelo Summa. Un des deux était sous forme de représentation et de la déclamation ; quatre acteurs (1 acteur et 3 actrices) qui étaient les élèves et amis de Luis Jaime-Cortes ont lu un texte nécrologique en jouant avec des épisodes entre eux. C’était vraiment une représentation théâtrale.

Et, le deuxième hommage fut pratiqué par la famille de Pierangelo (sa femme, son fils et fille) avec une équipe adjointe. Ce n’était pas un hommage conventionnel, mais plutôt un exposé et un atelier de la méthode de Pierangelo Summa. Ils ont efficacement montré sa technique et son idée principale avec les masques que Pierangelo a inventé et une vidéo documentaire où il a été interviewé dans une émission télé. Par la suite, ils ont invité à expérimenter la fabrication du masque et à apprendre la méthode pratique du jeux de l’acteur masqué dans le style de Pierangelo Summa. Cet hommage rendu le public vraiment enthousiaste et animé.

Dans tous les deux hommages, nous pouvons découvrir la théorie, la philosophie et le technique pratique de deux artistes morts.

Donc, on peut dire que ces deux cas sont un travail de transfert d'une théorie artistique comme oeuvre pratique. Ce sont réellement des créations artistiques.

A travers la forme théâtrale et l’atelier pratique, les deux artistes ont revécu depuis la mort. Ils étaient incarnés par la voix de l’acteur et sur son masque pendant l’hommage de la création artistique et ils sont revenus à la mort dès la fin de l’hommage, comme si le masque et la marionnette reviennent de la vie à la mort après avoir fini la représentation.

Taewook KANG