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[eytansalama]

YUNCHUL KIM– CHROMA V

À l’occasion de la biennale de Venise 2022, Yunchul Kim crée, pour le pavillon, coréen cinq sculptures cinétiques. Chroma V, la pièce centrale de l’exposition, évoque un serpent long de 50 mètres enroulé sur lui-même. Des moteurs sont accrochés sur l’ensemble de la sculpture, chaque moteur a pour but de bouger des plaques remplie d’un liquide à l’aspect métallique (l’artiste ne précise pas qu’elle est le liquide.) qui fluctue avec le mouvement des moteurs.

L’artiste cherche à représenter, les constantes variations dans le monde contemporain. La structure est en constante évolution, elle change de couleur en fonction du mouvement du liquide et de l’angle de la lumière entrant. En plus des mouvements, la sculpture produit un son mécanique qui est créé par les moteurs. Cette œuvre fait penser à un cerveau artificiel qui fluctue et bouge de lui-même en fonction des stimuli extérieurs. C’est comme si l’artiste à chercher à créer un être artificiel qui vit et apprend grâce au monde qui l’entoure.

[saintsoulvegas]

Embryo, Yoichiro Kawaguchi (1988)

Né à Kagoshima (Japon) en 1952, Yoichiro Kawaguchi est diplômé du Kyushu Institute of Design ainsi qu’une maîtrise d'art à l'Université de Tokyo. Il sera ensuite professeur en infographie au Nippon à l’Institute of Advanced Educational Media à Tokyo et se fait connaitre en tant que réalisateur de nombreux films en images de synthèse générées par ordinateur en trois dimensions uniquement basé sur des algorithmes et des mathématiques. Il a changé le cours de la création d'image, introduisant des notions de volume, de mouvements et de textures haute définition.

J’ai été intrigué par le monde visuel de Kawaguchi qui est largement inspiré du monde marin, de ses lumières, de ses mouvements. La morphogenèse est un thème récurrent dans son travail, élaborant des créatures en évolution, en croissance, en mutation constante. Son univers se trouve entre le végétal et l'animal, ce qui créer un écosystème hybride. Son obsession pour ces formes organiques, en perpétuelles métamorphoses, fait également référence à la notion de mujo, le sentiment d’instabilité de tout être vivant dans un monde en constante d’impermanence dans la culture japonnaise.

[lennyherceglic2004]

Hyper Reality

Hyper Reality est un court-métrage de science-fiction, réalisé par Keiichi Matsuda en 2016. Il montre la vie de Juliana Restrepo, une femme de 42 ans qui vit à Medellín en Colombie. Il dure 6 minutes et dépeint une réalité où la réalité augmentée a été poussée à un extrême. On peut observer dans le court-métrage que la vraie réalité se retrouve totalement saturée par l’interface virtuelle de l’utilisateur. Toutes les informations semblent être visibles et accessibles en même temps dans cette interface, ce qui donne cette vision surchargée d’informations. Le but de Matsuda était d’être provocant en montrant cette nouvelle version du futur ; il a voulu fondre la réalité dans le monde virtuel afin d’en faire un tout. Ce qui donne une société constamment bombardée par des informations, que ce soit au niveau sonore ou visuel. Le court-métrage prend une tournure dystopique lorsque la protagoniste voit son interface buguer et qu’elle essaie de régler le souci afin de conserver les points qu’elle a accumulés en effectuant ses tâches quotidiennes.

Ce que j’ai trouvé intéressant avec ce projet, c’est que l’artiste montrait sa vision du futur en se basant sur son point de vue et la situation du monde en 2016. Aujourd’hui, presque 10 ans se sont écoulés, et c’est intéressant de voir comment les différentes technologies ont évolué au fil du temps. Mais également comment la société et son rapport à la technologie ont évolué. Matsuda a poussé ce bombardement d’informations qu’elle vivait en 2016 à l’extrême, mais plus le temps passe, plus j’ai l’impression qu’on s’en rapproche. Les humains ont évolué et se sont attachés au confort que leur offre la technologie. Aujourd’hui, nous avons beaucoup plus d’outils qu’il y a 8 ans, et nous sommes en train de nous diriger vers une société complètement dépendante de la technologie. Dans son court-métrage, le paysage urbain est masqué par des informations offertes par l’interface virtuelle qui donne : le nom des rues, les informations routières et même l’itinéraire à même le sol. Et lorsque l’on est sensible au fait qu’aujourd’hui de plus en plus de jeunes sont incapables d’aller d’un point A à un point B sans utiliser Google Maps, il ne serait pas étonnant que dans quelques années, il soit possible de voir son itinéraire directement au sol.

Des centaines de milliers d’applications, si ce n’est plus, sont disponibles gratuitement sur des plateformes comme l’App Store, qui offrent toutes leur lot de notifications et de distractions sonores, au point où l’on a développé une peur de rater un courriel ou un message. Donc, si dès demain, il était possible d’avoir la notification apparaître sous ses yeux sans bouger le petit doigt, pourquoi refuserait-on ? Matsuda nous a peut-être montré ce à quoi ressemblera notre futur dans encore 20 ans. Ce qui pourrait nous empêcher, en tant qu’humains, de nous débrouiller sans technologie. Et dans le cas où cela se concrétise et que nous devenons dépendants de la technologie, et que cette dernière crash comme dans le court-métrage, qu’est-ce que l’homme deviendrait ?

[securitybreachmid]

by Güvenç Özel

Deep City (2019)

Deep City est une installation immersive imaginée par Güvenç Özel. Un bras robotique portant une structure réfléchissante bouge, entouré par une projection. Cette projection est créée a partir d’images générée par une IA entrainée sur des bases de données de quatre villes différentes (Istanbul, Hong Kong, Rome et New York). 

Cet ensemble permet de recréer une “méta-ville” dans laquelle le spectateur occupe une place intégrante puisque son reflet l'habite et se déforme au rythme du bras-robot. 

Ce paysage numérique représente comme un regard de la machine sur nos vies, les rôles sont inversés et le spectateur devient le spectacle. En intégrant le public d’une tel manière et par l’utilisation des données récupérées dans la sphère publique Ozel invite à se questionner sur les limites que l’on veut poser entre réel et virtuel. Une reflexion particulièrement pertinente à une époque où la surveillance par l’IA et l’utilisation de nos données sont des sujets récurrents dans les médias. 

En sous-entendant une inversion de la hiérarchie robot-humain Deep City nous amène de manière percutante à une réflexion critique sur la collecte de données et leur utilisation dans nos sociétés. Dans un monde où toutes les informations qu’on laisse derrière nous sont récupérées et utilisées, où nos environnements se numérisent de plus en plus et où réalité et virtuel ne sont plus si différent, quel rôle avons-nous à jouer ? 

Autres artistes qui ont travaillés sur le projet: Benjamin Ennemoser, Tyson Philips, Sarah Kim & Ayse Pinar Akalin

Links:

Project Website

Project Video

[davcitra]

LIFEWORLD - Olafur Eliasson - 2024

Olafur Eliasson est un artiste prolifique et renommé qui place haut dans son oeuvre l’expérience du spectateur, les sentiments et ressentis intrinsèques de ce dernier ou bien ceux qui lui sont procurés par l’art qu’il produit, via des installations de grande envergure. 

Durant les derniers mois de l’année 2024, il prit d’assaut les écrans publicitaires de certaines des plus grandes villes du monde, de New York à Séoul en passant par Berlin et Londres, tous les soirs à 20h24. En collaboration avec WeTransfer, il invite le passant à faire une introspection sur ce qu’il est et ressent, pendant qu’il fait le lien entre nos déplacements d’individus ou de société physique et tangible et les transferts informatiques colossaux de fichiers et d’informations que nous réalisons quotidiennement.

Esthétiquement il choisit volontairement de flouter des paysages citadins les plus typiques des villes dans lesquelles se situe la projection. Il se rapproche d’un traitement digital de l’image, qui se serait détériorée, ou pas complètement chargée.

Personnellement j’aime le contraste dans l’expérience sensorielle entre ce qu’il propose de vivre au passant et les lieux dans lesquels se déroule son oeuvre, habituellement éprouvants pour nos sens. Le fait qu’il mette au même niveau ces carrefours réels et digitaux permet de nous faire réaliser l’envergure de ces derniers que l’on oublie et minimise généralement.

[humanites-digitales-giulia]

SAGANS – COHERENCE - 2022

Coherence est un projet réalisé par le collectif SAGANS. Celui-ci est composé d’artistes musicaux, de graphistes et de chercheurs en IA. Ensemble, ils créent des visuels ainsi que de la musique à l’aide d’Intelligences Artificielles afin d’explorer de nouvelles possibilités de créations.

Le projet Coherence est un clip musical qui navigue dans une esthétique cyberpunk. On suit un personnage qui semble se perdre dans une ville monumentale et inquiétante, une ville ultra-stimulante sensoriellement par sa densité et sa saturation. La ville nous rappelle les esthétiques de mangas et nous donne l’impression de nous balader dans la géante capitale Tokyo. Le clip musical nous tient en équilibre entre fascination et dystopie. La particularité de ce projet est qu’il a été créé avec l’IA. La musique ainsi que son visuel ont été créés simultanément afin de produire une œuvre « totale » et immersive.

Ce travail me semble particulièrement intéressant car il questionne la définition de l’art et de la création. Il questionne la place des machines dans ce processus. Ce qui m’interpelle dans ce projet, c’est la dualité et le paradoxe de son essence. Ces créateurs veulent utiliser l’intelligence artificielle pour repousser les limites de la créativité humaine, pour penser différemment. Ils pensent que l’intelligence artificielle est « la clé pour débloquer de nouvelles possibilités de créativité ». Et parallèlement, ils dépeignent un univers dystopique et inquiétant. On dirait presque une mise en garde. Coherence est une œuvre surstimulante qui nous donne le sentiment d’être dépassé par la technologie tout en nous fascinant par son ingéniosité. Les SAGANS ont réussi à nous envouter dans leur univers, à nous transmettre des émotions et à nous questionner face à nos limites et à celles de la machine.

[widmiaer]

Glitch (ou Main de Dieu) de Vincent du Bois

est une sculpture en marbre d’une tonne et demie représentant une main qui semble se dématérialiser. Le procédé utilisé ici est le suivant : l’artiste a scanné en 3D une petite sculpture de main (qui a réalisé) puis il l’a passée à travers un programme informatique en faisant apparaître des effets de pixélisation pour enfin réaliser la sculpture en grand, en utilisant le résultat comme modèle.

Nous vivons dans un monde qui tend de plus en plus vers l’abstraction numérique. Effectivement, la vue est un sens beaucoup sollicité à travers le monde digital au déclin du toucher. Je trouve intéressant le concept d’extraire des éléments tels que les pixels ou les glitchs qui appartiennent au monde virtuel, et de les ramener au monde physique.

Le titre Main de Dieu rappelle le thème de la création, un acte qui se fait aussi de plus en plus à travers les écrans et moins avec les mains. Le titre tisse aussi un parallèle entre Dieu et la technologie que je trouve particulièrement percutant car cela me fait réfléchir à la place que prend la technologie dans nos vies : elle n’est plus qu’un simple outil qui nous facilite la vie, et devient presqu’une idole, un élément immatériel, que l’on vénère.

[taniabds]

Appropriate Response - Mario Klingemann (2020)

Appropriate Response de Mario Klingemann est une installation artistique composé d'un agenouilloir qui fait face à un tableau composé de 125 afficheurs à palettes. Lorsque le spectateur se place sur l'agenouilloir, il active un mécanisme qui va afficher au tableau de manière aléatoire une citation unique à chaque visiteur. Ce mécanisme est conçu grâce à GPT-2, une IA qui génère du texte.

Je trouve la connotation religieuse de l'œuvre vraiment intéressante. La position que le spectateur doit prendre devant l'œuvre est comparable à celle d'une personne priant envers un dieu. La machine est comme le messager divin qui apporte la parole divine au visiteur agenouillé face à elle. De plus, le fait qu'il utilise des afficheurs à palettes créer un suspense et une attente face au message. Mario le dit lui-même, les mots sont l'outil le plus puissant de l'être humain. C'est pour cela que les visiteurs portent autant d'importance à la citation qui leur est attribué.

L'humain est en constante recherche d'un but ou d'un message qui prouve qu'il est sur la bonne voie. Cela peut passer par la validation des autres ou nos différentes croyances comme la religion, la spiritualité, etc. Le fait que cette œuvre affecte les spectateurs n'est donc pas anodin. Même si ce sont des phrases générées par une IA, donc sans réel fondement, les visiteurs les perçoivent comme de réels conseils. Si nous accordons autant d'importance au message aléatoire qu'une machine nous donne, pouvons nous réellement accorder notre confiance envers nos croyances ?