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No Sofar com... Niles Mavis

O produtor e DJ Nel’Assassin estreou-se este ano como Niles Mavis, nome que resulta de um inteligente trocadilho com o nome de um dos maiores músicos de jazz Miles Davis. Niles é a sua mais recente identidade de uma carreira de personalidade camaleónica: Nelson Duarte é também DJ Assassino e Sr. Alfaiate. Mestre na arte do corte e costura musical, o seu primeiro álbum foi lançado há doze anos e desde então que conta com uma carreira repleta de colaborações e trabalhos de originais. Após uma actuação incrível na 30ª edição do Sofar Sounds Lisbon, acompanhado por um ensemble de topo, fomos falar com o Sr. Alfaiate sobre o disco novo e as influências antigas. 

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? Ainda agora acabei mas acho que foi tão bom que é delicado para mim descrever agora. Mas mega positivo. Acho que nunca fiz concertos tão intimistas, acontecem sempre em palcos ou em night clubs, assim é mesmo diferente. Sou fã do Sofar.

Este ano lançaste-te como Niles Mavis, sendo que ao longo da tua carreira te tens vindo a assumir sob diversos nomes. Porquê esta diversidade de alter-egos? E quem é o Niles Mavis? Eu não consigo explicar bem, faço as coisas porque sinto que as tenho de fazer. Eu lido com os discos e com as edições como lido com a música dentro de estúdio, de forma espontânea e quero que seja assim sempre. Niles Mavis porque o jazz é capaz de ser a minha maior influência musical e acho que é preciso valorizar mais os oldies, a origem de tudo o que se passa agora. É um bocado uma homenagem aos grandes músicos, desde o James Brown ao Miles Davis.

Lançaste o teu álbum como Niles este ano, com todas as faixas produzidas e escritas por ti, sendo que tem uma aura jazzística e soul que nos transporta para o Bronx nos anos 80 e 90. Fala-nos um pouco sobre este disco e das suas inspirações.

Durante o processo do álbum tive de fazer viagens, fui a vários países e levo sempre o meu estúdio ambulante comigo. Nos hotéis, comecei a produzir este disco em sítios diferentes, ambientes diferentes, países diferentes. Houve temas que foram produzidos aqui, outros no Brasil, Estados Unidos e em vários países da Europa, então acho que ganha um conteúdo muito interessante e também importante para ti próprio. Acho que ter estado em vários países foi a grande influência mas musicalmente, como já te tinha dito, James Brown, soul antigo e o funk, a One Thing Clear, um dos temas do álbum, é assim mais electrónico, por exemplo. Não gosto de me focar só numa coisa, se a minha mente e o meu coração me pedem para fazer mais coisas e se tenho capacidade de as fazer então vou fazê-las. É como os nomes: Nel’Assassin foi o meu primeiro nome como DJ e Sr. Alfaiate faz sentido para mim porque surge como o nerd do estúdio a cortar waves e agora Niles Mavis com este álbum.

E na Pushin, um dos temas preferidos do álbum para nós, fazes uma homenagem incrível às Salt N’ Pepa também, com o refrão do tema Push it.

E era para meter um sample das Salt N’ Pepa mas esse tema da Salt N’ Pepa é uma grande influência, sem dúvida.

Que disco nunca falha quando actuas? Há vários que não podem falhar, mas posso dizer que a Saturdays [A Roller Skating Jam Named “Saturdays”] dos De La Soul.

Já contas com uma carreira longa na arte do djing e do scratch, por isso tens acompanhado de perto as suas mudanças em Portugal. Sentes que o papel do DJ tem vindo a ser cada vez mais reconhecido cá? Sem dúvida que tem, as coisas evoluíram e a internet ajudou. Venho de uma altura em que a internet já existia mas era tudo em vinil e não em digital, e o digital permite fazer várias coisas. O scratch está a evoluir bastante e a minha intenção desde o início foi essa, que houvesse pessoas que me entendessem e que levassem o legado para a frente como eu levei o legado dos outros que estavam atrás de mim, como o Stereossauro ou DJ Ride. Podia referir vários nomes, tenho uns 10 que considero que são importantes na cultura e que apesar de terem vindo depois de mim eu estou muito atento ao trabalho deles porque sozinho não se consegue fazer nada. É como se fosse uma team dispersa.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Carlos Martins e Gonçalo Sousa

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No Sofar com... Samuel Úria

“Samuel Úria é o nome artístico de Samuel Úria”. O cantautor de Tondela começou o seu percurso na FlorCaveira, uma das mais distintas editoras independentes portuguesas. Com quinze anos de carreira, Samuel Úria conta com uma mão cheia de álbuns de originais, fora os lançados noutras colaborações, sendo que o seu mais recente trabalho é o Carga de Ombro (2016). Letrista exímio, responsável por alguns dos melhores versos cantados na língua portuguesa, Samuel Úria é blues, folk e rock no seu estado mais virtuoso. Após uma actuação arrebatadora no Sofar Sounds Lisbon, falámos com o músico sobre o seu mais recente trabalho, o processo de composição como exercício de auto-crítica e o panorama da música nacional actual.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? 

Foi óptimo. Confesso que mandei uma mensagem ao meu manager hoje a dizer que estava a chover e que as pessoas não iam sair de casa. Estava um ambiente incrível, mesmo acolhedor, e ver de repente a sala a encher foi muito bom. Gostei muito de ver os músicos que me precederam, Medeiros/Lucas, que já estava à espera de ver há muito tempo, como também a Lince e o Orlando. Foi mesmo muito bom. 

O Carga de Ombro (2016) é um disco com um ênfase grande no tom autobiográfico, com uma abordagem introspectiva que resulta, entre outras coisas, num conjunto de anotações dirigidas ao “eu” das canções. Já lhe chamaram o teu “Carrie & Lowell”. Fala-nos um pouco deste álbum e do seu processo de composição.

O processo de composição é sempre um bocado autista, até porque eu não quero chatear as pessoas nem estar a pisar calos quando estou a fazer músicas. Nesse sentido, os discos são irremediavelmente autobiográficos, até porque a matéria-prima que está mais à mão é a minha. Mas normalmente não são exercícios de ego, são mais exercícios de auto-crítica, apesar de achar que as lições que estou a retirar para mim próprio podem ser úteis para alguém, assim uma pessoa em mil que um dia consiga compreender mais ou menos os recados que eu estou a dar para mim. É uma bagagem que está sempre um bocado presente quando estou a compor: as minhas composições para mim próprio com o crivo de tudo o que eu acho que podia melhorar e que podia dar mais vezes a mão à palmatória. 

Isso está sempre presente e não é só por achar que me é conveniente estar a dar uma ensaboadela. Em termos criativos, ajuda partir desse ponto em que eu tenho a certeza que existem coisas que eu tenho de corrigir na minha vida, ajuda quando tenho uma folha branca à frente saber que vai ter de aparecer alguma coisa, porque se não aparecer eu devo estar armado em bom a achar que não há nada que eu precise de melhorar. Isto pode parecer a coisa mais pedante para se dizer, mas o processo criativo fica sempre facilitado quando assumimos que temos de passar por uma prova de fogo de humildade e de achar que há coisas que têm de ser refeitas. Nesse sentido, acho que a inspiração não me falta porque os defeitos também não me faltam.

Os alinhamentos dos teus álbuns juntam um conjunto de imaginários sonoros diferentes (folk, pop, rock) que contribuem imenso para a atmosfera de cada tema. A construção de uma viagem com diversos universos sonoros é um desafio?

É, de facto, um desafio. Neste disco chamei para trabalhar comigo o Miguel Ferreira porque eu sabia que ele ia ampliar alguns universos musicais e ia aos sítios certos das coisas que eu sabia que queria e, por dificuldades ou por pequenez técnica, sobretudo em relação a teclados que não são propriamente uma coisa que eu domine tal como os sintetizadores, sabia que o Miguel ia ser um bom tradutor das minhas ideias e ia concretizá-las. Costumo dizer que podia ser uma “prótese” engraçada das minhas ideias. 

Mas isso não só é um desafio como também, às vezes, os discos funcionam como um reflexo da minha prateleira de discos que não é só de um estilo, e eu quando estou a pensar nas canções não quero ficar refém de dizerem “O Samuel Úria é um cantautor folk e faz voz e guitarra”. A voz e guitarra é-me útil porque há alguma desenvoltura em fazer canções à guitarra, mas depois também gosto que essas canções não fiquem estanques e não fiquem reféns desse esqueleto inicial, às vezes até para fugir das expectativas das pessoas que gostam de discos mais coesos. A coesão poderia servir, se calhar até teria melhores críticas ou um público mais fiel se fosse mais coeso na maneira como visto as minhas canções, mas eu ia aborrecer-me se tivesse que pensar num disco só num estilo. Um dia poderei fazer um disco em que o lado conceptual tem que ver com a própria estrutura musical e não com a identidade das canções ou das letras sobretudo, mas para já eu gosto que o lado conceptual tenha essa disparidade.

Se este disco passa por diferentes sons, influências e até mesmo diferentes volumes é porque se calhar a mensagem também passa por isso e gosto dessa paridade.

Mas mesmo com toda a diversidade, há uma linha que une tudo. 

Eu fico contente quando as pessoas me dizem isso. Quando estou a escrever e quando estou no processo de produção identifico essa linha que é comum a tudo, mas depois penso que se calhar as pessoas não vão entender qual é a linha comum ou vão achar que é uma mera manta de retalhos. Mas fico muito contente quando existe um reconhecimento dessa coesão.

A componente visual deste álbum está também muito forte, não só no que toca a capa mas também por causa das ilustrações para cada canção. Quem foi o autor as mesmas?

Fui eu. Eu sou forreta, então para não ter que pagar a um ilustrador chego-me à frente e complemento o próprio universo visual. Fica um produto muito centrado em mim, de facto, mas, lá está, também não me estou a tornar mais bonito na maneira como me desenho. Até nos desenhos que faço há uma auto-crítica que acho que é necessária. Isto não é auto-comiseração, é mesmo auto-crítica, não espero que as pessoas me venham dar palmadinhas nas costas e me digam que não é bem assim. Há a necessidade que esta auto-crítica seja um argumento de apresentação e na componente visual isso também acontece, e julgo que as pessoas vão perceber que não me estou a fazer de coitadinho, mas a auto-criticar-me. 

O movimento/editora FlorCaveira contribuiu muito para aquilo que é hoje o panorama musical português e influenciou o surgimento de outros colectivos Do It Yourself com muita qualidade. Enquanto membro da editora, sentes que foram essa alavanca que motivou muitos a fazerem música? 

Eu sinto isso quando sou confrontado, sobretudo com músicos mais novos que prezam esse legado. Quando nós o fazíamos, brincávamos muito e fingíamos que éramos os maiores porque isso era uma espécie de exercício de estilo, mas não acreditávamos mesmo naquilo. Até o resgate do português, de fazer pop português e a cena do Do it Yourself e do lo-fi, aquilo era tão feio, tão bruto e tão propositadamente tão mal produzido que brincávamos com esse pedantismo e achávamos que as outras pessoas ou nos iam detestar ou nos iam detestar. De facto, é uma surpresa não só quando há malta mais nova que de facto nos confronta com essas influências mas depois também quando há malta mais velha que anda cá há mais tempo e que consegue traçar um panorama do que é que foi feito nos últimos quinze anos da música nacional e refere a FlorCaveira atribuindo-lhe não só essa importância do DIY e de assumirmos as edições caseiras como discografias, mas também o lado muito forte de resgatar o português e de não menosprezá-lo. O português não era um mero veículo para as canções, muitas vezes as canções é que eram um veículo para o português. Sinto-me muito lisonjeado, honra-me que isso seja considerado como um patamar importante na música nacional quando isso para mim e para nós não era importante, era natural. 

O futuro da música portuguesa está em boas mãos? Qual foi a última banda nacional por quem te rendeste? 

Acho que o futuro da música portuguesa está em muito boas mãos. Agora, como nunca, tem havido quantidade e qualidade a acompanhar. É verdade que no meio da quantidade há coisas com as quais não simpatizo mas acho que têm aparecido muitas bandas boas. Nos anos 90, surgiram muitas bandas que queriam imitar os Ornatos Violeta e agora acho que há bandas que têm uma identidade muito própria e, claro que há muitos miúdos de que eu gosto, como o Éme e o Luís Severo. No caso do Severo, não é um disco de estreia porque ele tinha trabalhos como o Cão da Morte, mas o disco de estreia como Luís Severo é de uma maturidade que é inacreditável. E eu tenho de referir os Capitão Fausto. Nunca conheci malta que vivesse tanto a música como eles vivem. Vivem a música 24h por dia e ainda por cima vivem juntos, então estão sempre a pensar em maneiras de se destacarem a fazer música e a traduzirem tudo o que façam em música. O último disco deles é singular porque tens ali canções, não é só experimentalismo, e no meio de tanta experiência surgem canções muito boas. Gosto muito do disco.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Inês Sousa Vieira

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No Sofar com... Postcards

Os Postcards são uma banda de folk rock vinda da capital do Líbano, Beirute, formada em 2012. O grupo é composto por Julia Sabra (ukulele, bandolim, guitarra e voz), Marwan Tohme (guitarras e voz), Pascal Semerdjian (bateria, harmónica e voz) e Rany Bechara (baixo, teclado e voz). Contam com dois EPs editados: Lakehouse saiu em Setembro de 2013, What Lies So Still foi lançado no ano passado, no mês de Julho, e a data de lançamento do álbum de estreia está prevista para o início do próximo ano. Antes de continuarem a sua tour europeia, os Postcards fizeram uma última paragem no Sofar Sounds Lisbon e trouxeram com eles o melhor do indie folk. Depois do concerto, falámos com eles sobre como a música pode salvar vidas, a cena musical do Líbano e o que esperar do novo álbum.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon?

Julia: Foi fantástico.

Pascal: Sim, foi muito bom porque nós tocámos no Sofar em Beirute e foi num apartamento muito pequeno, estavam lá vinte pessoas, era isso que tínhamos em mente. Este espaço é fantástico e as pessoas são maravilhosas.

Marwan: Não estávamos mesmo nada à espera disto

Julia: E é tão íntimo, é bom. Estes são os melhores tipos de concertos.

E estão a gostar de Portugal? Lemos que adoram este país.

Pascal: Sim, adoramos Portugal! Especialmente Lisboa.

Julia: Acho que mais cedo ou mais tarde vamos mudar-nos para aqui.

O vosso álbum de estreia vai ser lançado no próximo ano. Black and White soa um pouco diferente dos últimos trabalhos por ser mais pop e eléctrico. O que é que nos podem dizer deste novo álbum?

Pascal: A Black and White foi uma música que saiu de forma muito diferente, aconteceu tudo muito rápido.

Julia: Estamos mesmo a começar a gravar.

Pascal: Sim, e normalmente andamos para a frente e para trás com as nossas músicas mas esta encaminhou-se naturalmente. Também não escrevemos músicas que sejam tão pop mas gostámos do resultado, portanto gravamo-la porque soava tão bem e depois começámos a trabalhar no álbum.

Julia: Mas o álbum é um pouco mais pop, ainda que tenha este elemento de folk.

Pascal: Ainda assim a Black and White não prevê o álbum.

Julia: Sim, não é exactamente como o resto do álbum, mas é mais pop. Continua inspirado no rock e no folk mas não tanto como anteriormente.

Pascal: Nós estamos mais relaxados a escrever canções, por isso não pensamos tanto nos detalhes, escrevemo-las simplesmente e vemos o que fica bem.

Neste single falam sobre os dias áureos antes da guerra. Como é que o conflito vos afectou enquanto músicos e banda?

Julia: A guerra acabou no início dos anos 90, nós não passamos por isso dado nascemos por volta dessa altura, mas sentimos o efeito da guerra no Líbano. A ideia destes dias áureos passa por acharmos que tudo era melhor antes da guerra, como nos anos 60 em que éramos a Paris do Médio Oriente, o Líbano estava a passar pela sua Época Áurea e, embora seja verdade nalguns aspectos, não havia estabilidade a nível politico e continuavam a existir muitos problemas. As pessoas olham para o período antes da guerra como se tivesse sido a melhor altura de sempre.

Pascal: Além disso, nos anos 60 as fotografias eram muito mais caras do que agora, por isso acho que eles só tiravam fotos aos sítios bonitos, como a baixa onde estão os bons autocarros e por aí. Nem toda a gente tinha um iPhone.

Julia: (risos) Sim, é um ponto interessante! Mas pessoalmente não nos afectou tanto dado que éramos a geração que nasceu depois da guerra, não sabemos como era antes da guerra e não passámos por ela, por isso não estamos tão traumatizados, mas estamos habituados a viver nestas condições estranhas e adaptamo-nos a isso.

Pascal: No entanto, os síndromes pós-guerra estão por todo o lado no Líbano porque não tivemos um fim de ciclo real depois da guerra.

Julia: Mas nós somos a geração que se adapta e simplesmente anda para a frente, independentemente de tudo. Isso às vezes é bom e outras vezes mau porque te leva a ignorar as coisas más que acontecem dado que sabemos que estão sempre a acontecer, mas é o que é.

Lemos um excerto muito interessante que dizia que a vossa música cria um lugar de paz e segurança no meio de toda a violência e caos que há no mundo. Sentem que a vossa música pode ser mesmo ser mesmo este lugar seguro onde sentimos paz?

Marwan: Pessoalmente, a música é um refúgio desde novo e acho que assim o é para o resto banda, por isso se calhar fazemos uma tradução inconsciente desse sentimento.

Julia: As pessoas esperam que a música desta região seja toda sobre os problemas sociais. As bandas mais famosas como os Mashrou’ Leila - não sei se os conhecem - falam sobre todos os problemas, mas connosco as pessoas sentem que a música não representa a forma como vivemos e não acho que tem de o fazer. Mesmo que falemos do nosso país, e às vezes falamos dos seus problemas, a nossa música é mais uma fuga disso.

Pascal: Mas eu acho que inconscientemente a nossa música o faz [representa o modo de viver no Líbano] porque nós ignoramos a situação de forma a vivermos vidas tranquilas, também somos influenciados por artistas estrangeiros e esta bolha que criamos conforta-nos e leva-nos para longe do nosso país. As pessoas que nos vêem também sente que, por vinte ou trinta minutos, podem desligar-se do país porque a música relembra-lhes de algo que não o Líbano.

Que artista ou grupo de artistas do Líbano devíamos definitivamente conhecer?

Julia: Bem, tantos. Há uma cena musical a desenvolver-se, na verdade. Os mais famosos são os Mashrou’ Leila, eles cantam em árabe num género de indie rock.

Pascal: São a primeira banda indie que foi bem-sucedida no Líbano.

Julia: E fora do país também, estão em tour um pouco por todo o lado.

Marwan: Há uma banda chamada The Incompetents que eu gosto muito pessoalmente.

Julia: E os Scrambled Eggs!

Pascal: Sim, os Scrambled Eggs são uma banda de pós-punk.

Julia: Também temos o Charlie Rayne, que é um artista de folk muito bom, e os Interbellum, mas esse é um projecto temporário. A cena musical é pequena no Líbano, há poucos bateristas lá, então o Pascal toca em várias bandas como os Interbellum e os The Wanton Bishops. Também grava imenso com os The Bunny Tylers.

Pascal: Também temos o Fadi Tabbal, que é o produtor de muitos artistas e tem imensas bandas, é um guitarrista óptimo. E o Charbel Haber que, para mim, é o artista experimental por excelência. Temos uma cena experimental muito boa a acontecer.

Marwan: Sim, temos imensas bandas que devem ir pesquisar, nós não conseguimos nomear todas as bandas boas!

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Iñigo Sanchez

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At Sofar With... Postcards

Postcards is a folk rock band from Beirut, Lebanon formed in 2012. The group consists of Julia Sabra (ukulele, mandolin, guitar and vocals), Marwan Tohme (guitars and vocals), Pascal Semerdjian (drums, harmonica and vocals) and Rany Bechara (bass, keyboard and vocals). They have two EPs: Lakehouse, released on September 2013 and What Lies So Still which came out last year in July. The release date for their debut album is scheduled for early next year. Before they continued their european tour, Postcards made a last stop in Sofar Sounds Lisbon and they brought with them the best of indie folk. After the concert we talked with them about how music can save lives, the growing musical scene in Lebanon and their forthcoming album. 

How was your experience on Sofar Sounds Lisbon?

Julia: It was great.

Pascal: Yeah, it was great because we went to Sofar in Beirut and it was in a really tiny apartment, there were like 20 people, so that was what we had in mind. This place is amazing, there were really amazing people…

Marwan: We didn’t expected this at all.

Julia: And it’s so intimate, it’s cool. These are the best type of shows.

And are you enjoying Portugal? We read that you love this country.

Pascal: Yeah, we love Portugal! Especially Lisbon.

Julia: I think that at some point we are moving here.

Your debut album is coming out next year. Black and White sounded different from your other works, more pop-ish and electric. What can you tell us about this forthcoming album?

Pascal: Black and White was a song that came out in a very different way. It happened very fast.

Julia: We were just starting to record.

Pascal: Yeah, and usually we go back and forth with our songs but Black and White was really fast-forward. We normally don’t write songs that are that pop-ish but we enjoyed it, so we just started recording it because it sounded cool and we would work later on the album.

Julia: But the album is a bit more pop-ish though it still has this element of folk.

Pascal: Black and White does not completely predict the album though.

Julia: Yeah, it’s not exactly the album, but it is more pop-ish. It is still rooted in folk and rock but not as much as before.

Pascal: We’re more relaxed writing songs, so we don’t think about details anymore. We just write songs and see what fits.

In this single, you also talk about these golden days before the war. How has the conflict affected you as musicians and as a band?

Julia: The war ended in early 90’s and we didn’t experienced it because we were born around that time, but we still feel the effect of the war in Lebanon. This idea of the golden days is that everything was better before the war, like in the 60’s where we were the Paris of the Middle East and Lebanon was going through the Golden Age. This is true in some aspects, but it still wasn’t politically stable and there were a lot of problems. People look back at the period before the war as if it was the best period ever.

Pascal: Also, in the 60’s the photographs were way more expensive than now, so I guess they only planned to take photos of the nice places like the downtown with the good buses and stuff. Not everyone had an iPhone.

Julia: (laughs) Yeah, that’s a good point! But personally it didn’t really affect us much as we were the generation that was born after the war, we don’t really know how it was before it and we didn’t go through the war so we’re not as traumatized but we’re used to live in weird conditions and we just go with it and adapt.

Pascal: But post-war syndromes are everywhere in Lebanon because we didn’t get closure after the war.

Julia: Yes, but we’re the generation that adapts and just keeps going no matter what. Sometimes it’s good and sometimes it’s bad because you ignore the bad things that are happening as you know they are always happening. But it is what it is.

We read a really interesting passage that said that your music creates a place of peace and safety in the middle of all the rush and violence that there is in the world. Do you feel like your music could be this safe place where we feel peace?

Marwan: Personally, music has been an escape since I was really young and I think it is to all of of the band as well, so maybe this is an unconsciously translation of this feeling.

Julia: People expect the music of the region to be all about the social problems. The most famous bands like Mashrou’ Leila, I don’t know if you’ve heard of them but they talk about all the problems but in our case people feel like our music doesn’t really represents the way we live and I don’t think it has to do it. Even if we talk about the country and sometimes we talk about the its problems, our music is more an escape from that.

Pascal: But I think unconsciously it really does [represent how they live] because we kind of ignore the situation so that we have good lives and we also are really inspired by artists from abroad so this bubble that we create comforts us and it takes us away from our country. People who watch us also feel that for 20 or 30 minutes they’ll be able to disconnect from the country because the music reminds them of something else, like american bands. I think this is a reaction to the whole situation as well.

What artist or group of artists from Lebanon we should definitely know?

Julia: Well there are a lot. There’s a growing music scene actually. The most famous ones are Mashrou’ Leila, they sing in arabic this type of indie rock.

Pascal: Mashrou ‘Leila are like the first indie band that made it in Lebanon.

Julia: And outside the country, they are on tour, they are everywhere.

Marwan: There’s a band called The Incompetents that I personally like.

Julia: The Scrambled Eggs!

Pascal: Yes, Scrambled Eggs it’s like post-punk.

Julia: There’s Charlie Rayne who is a folk artist really cool and Interbellum but it is a temporary project. The music scene is kind of small in Lebanon and there’s a shortage of drummers so Pascal plays with a lot of bands like Interbellum and The Wanton Bishops. He records a lot with the Bunny Tylers also.

Pascal: We also have Fadi Tabbal who produces everyone and he has many bands, he’s a really great guitarrist.

Marwan: He’s our producer aswell.

Pascal: And Charbel Haber who is the experimental artist, for me. We have a really good experimental scene going on.

Marwan: You should google more bands, we can’t name all the good ones.

Interview: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Photography: Iñigo Sanchez

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No Sofar com... OMIRI

Em 2010, com o álbum de estreia Dentro da Matriz, nasceu OMIRI, um projecto original onde se junta a música electrónica aos sons do folk. Vasco Ribeiro Casais é OMIRI e desdobra-se em vários instrumentos para criar uma experiência única. A acompanhar a gaita-de-foles, o cavaquinho ou até o bouzouki português estão vídeos que proporcionam a quem vê e ouve uma reinvenção da tradição completamente diferente do que já foi feito até agora. Depois de nos ter posto a dançar no concerto que deu no Sofar Sounds Lisbon, fomos saber mais sobre este projecto peculiar.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon?

Foi muito boa. Na altura em que estou na minha carreira, normalmente fico sempre sem saber se as pessoas vão gostar ou não, ou que público é que vai. Sei que algumas pessoas já vão para me ver mas outras conhecem o projecto nos concertos e aqui já sabia que a maior parte das pessoas estava mesmo desligada daquilo que eu fazia, foi fixe ver a reacção das pessoas à minha música e à música portuguesa tocada desta maneira.

OMIRI traz o tradicional ao meio alternativo e mostra uma outra forma de fazer remixes. Como é que surgiu a ideia para este projecto?

Há 10 anos atrás, estava cansado das bandas e das negociações, então decidi fazer alguma coisa sozinho. Fiz este projecto e entretanto conheci o Tiago Pereira que é o realizador dos vídeos. Ele filmou-me para um vídeo que estava a realizar e, depois de falar com ele, disse-lhe que tínhamos de fazer alguma coisa juntos, o que resultou nisto. No início, fazíamo-lo com vídeos de dança contemporânea de Anne Teresa de Keersmaeker e de outros nomes deste meio, mas depois o Tiago começou A Música Portuguesa a Gostar Dela Própria e as gravações destes sons tradicionais. Um dia, ele passou-me os vídeos, eu disse-lhe que ia montar uma coisa com eles, fiz a electrónica do som com os vídeos e depois dessa montagem pensámos logo que isto é que funcionava. O Tiago tem a vida dele e os seus projectos, então deixou de estar ao vivo, mas continua a ser o responsável pelos vídeos. Agora, a ideia do projecto é pegar na tradição, pegar nos senhores, senhoras, meninos e meninas, pô-los no vídeo a tocar, fazer electrónica com isso e depois fazer um baile, porque isto é música de baile, não no sentido de bailarico da aldeia, mas no sentido dos bailes mais tradicionais, tipo o “Repasseado” e o “Malhão”. Às vezes até acontece um 3 em 1 nos concertos: estão os videos a passar, eu a tocar e as pessoas a fazer as coreografias, fora as que estão só a ver o espectáculo.

Como e onde é feita a recolha das imagens que são utilizadas nos concertos?

Há imagens de todo o território nacional, inclusive das ilhas. Eu não tenho um papel nessa parte da recolha, quem o faz é o Tiago Pereira, que me vai perguntando se preciso de mais vídeos. Depois de me passar os vídeos que preciso eu trabalho sobre eles.

Sendo que, na tua música, recorres a estes registos visuais, como é que funciona todo o processo criativo de compor temas?

Há uma coisa que condiciona o processo à partida e que podia ser mais fácil para mim se não tivesse essa componente: a questão do baile. Por exemplo, eu penso que vou fazer um “Repasseado”, que tem uma estrutura certa de oito compassos a frase A, repete-se esta frase e depois a frase B tem mais oito compassos num tempo de 2 por 4, com uma batida e balança certos. Isto condiciona logo tudo porque a música tem de ser assim, tem esta estrutura fixa. A minha ideia era fazer isto com aquele power dos DJs e comigo a tocar com os velhotes na mesma. No entanto, sem querer entrar por entrar por questões muito técnicas, como grande parte da música tradicional funciona em compassos ternários e não quaternários [passíveis de ter uma batida mais forte], isso torna mais difícil ter aquele groove que puxa logo as pessoas. Isto é um desafio mas, quando começa a soar bem, soa mesmo de maneira diferente, não é possível comparar a esta ou aquela música porque a base é, desde logo, diferente. Portanto, a componente que me baliza também é a que faz com a que a coisa seja diferente.

Como é que as pessoas que são filmadas reagem a estes remixes das músicas populares que eles conhecem desde sempre assim?

Normalmente, principalmente as pessoas mais velhas, adoram, ficam mesmo contentes. Por exemplo, há um vídeo que surgiu quando eu fui fazer um concerto e os organizadores me falaram de uma senhora local que podia ser interessante participar no projecto, então eu fiz a canção com ela. Depois, convidaram a senhora para ver o concerto e vi que estava contentíssima. Já me aconteceu também uma vez ter uma sobrinha de uma senhora que participou e que, quando a reconheceu, disse logo que a tia dela não tinha autorizado isto, estava indignada e também estava um bocado tocada, na verdade. Por outro lado, uma das senhoras dos vídeos é a avó da minha mulher, falei com ela e ela concordou em filmar, depois quando se viu ficou muito contente. No geral, sentem muito orgulho em verem-se numa coisa nova.

Já tens um álbum como OMIRI, O Dentro da Matriz (2010). Está nos teus planos lançar um novo disco em breve?

Sim, eu tenho um segundo álbum pronto e já o podia ter lançado, mas agora trata-se de uma questão de estratégia porque ainda estamos a negociar algumas coisas lá fora e com editoras. O disco sai na Primavera de 2018, mas ao longo de 2017 vão sair vários singles, um por trimestre.

Reportagem: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Pedro Nogueira