Sofar Sounds Lisbon

Sofar Sounds leva o melhor da música emergente a espaços intimistas como salas de estar de casas particulares. Tudo isto de forma secreta e acústica.

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No Sofar com... Niles Mavis

O produtor e DJ Nel’Assassin estreou-se este ano como Niles Mavis, nome que resulta de um inteligente trocadilho com o nome de um dos maiores músicos de jazz Miles Davis. Niles é a sua mais recente identidade de uma carreira de personalidade camaleónica: Nelson Duarte é também DJ Assassino e Sr. Alfaiate. Mestre na arte do corte e costura musical, o seu primeiro álbum foi lançado há doze anos e desde então que conta com uma carreira repleta de colaborações e trabalhos de originais. Após uma actuação incrível na 30ª edição do Sofar Sounds Lisbon, acompanhado por um ensemble de topo, fomos falar com o Sr. Alfaiate sobre o disco novo e as influências antigas. 

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? Ainda agora acabei mas acho que foi tão bom que é delicado para mim descrever agora. Mas mega positivo. Acho que nunca fiz concertos tão intimistas, acontecem sempre em palcos ou em night clubs, assim é mesmo diferente. Sou fã do Sofar.

Este ano lançaste-te como Niles Mavis, sendo que ao longo da tua carreira te tens vindo a assumir sob diversos nomes. Porquê esta diversidade de alter-egos? E quem é o Niles Mavis? Eu não consigo explicar bem, faço as coisas porque sinto que as tenho de fazer. Eu lido com os discos e com as edições como lido com a música dentro de estúdio, de forma espontânea e quero que seja assim sempre. Niles Mavis porque o jazz é capaz de ser a minha maior influência musical e acho que é preciso valorizar mais os oldies, a origem de tudo o que se passa agora. É um bocado uma homenagem aos grandes músicos, desde o James Brown ao Miles Davis.

Lançaste o teu álbum como Niles este ano, com todas as faixas produzidas e escritas por ti, sendo que tem uma aura jazzística e soul que nos transporta para o Bronx nos anos 80 e 90. Fala-nos um pouco sobre este disco e das suas inspirações.

Durante o processo do álbum tive de fazer viagens, fui a vários países e levo sempre o meu estúdio ambulante comigo. Nos hotéis, comecei a produzir este disco em sítios diferentes, ambientes diferentes, países diferentes. Houve temas que foram produzidos aqui, outros no Brasil, Estados Unidos e em vários países da Europa, então acho que ganha um conteúdo muito interessante e também importante para ti próprio. Acho que ter estado em vários países foi a grande influência mas musicalmente, como já te tinha dito, James Brown, soul antigo e o funk, a One Thing Clear, um dos temas do álbum, é assim mais electrónico, por exemplo. Não gosto de me focar só numa coisa, se a minha mente e o meu coração me pedem para fazer mais coisas e se tenho capacidade de as fazer então vou fazê-las. É como os nomes: Nel’Assassin foi o meu primeiro nome como DJ e Sr. Alfaiate faz sentido para mim porque surge como o nerd do estúdio a cortar waves e agora Niles Mavis com este álbum.

E na Pushin, um dos temas preferidos do álbum para nós, fazes uma homenagem incrível às Salt N’ Pepa também, com o refrão do tema Push it.

E era para meter um sample das Salt N’ Pepa mas esse tema da Salt N’ Pepa é uma grande influência, sem dúvida.

Que disco nunca falha quando actuas? Há vários que não podem falhar, mas posso dizer que a Saturdays [A Roller Skating Jam Named “Saturdays”] dos De La Soul.

Já contas com uma carreira longa na arte do djing e do scratch, por isso tens acompanhado de perto as suas mudanças em Portugal. Sentes que o papel do DJ tem vindo a ser cada vez mais reconhecido cá? Sem dúvida que tem, as coisas evoluíram e a internet ajudou. Venho de uma altura em que a internet já existia mas era tudo em vinil e não em digital, e o digital permite fazer várias coisas. O scratch está a evoluir bastante e a minha intenção desde o início foi essa, que houvesse pessoas que me entendessem e que levassem o legado para a frente como eu levei o legado dos outros que estavam atrás de mim, como o Stereossauro ou DJ Ride. Podia referir vários nomes, tenho uns 10 que considero que são importantes na cultura e que apesar de terem vindo depois de mim eu estou muito atento ao trabalho deles porque sozinho não se consegue fazer nada. É como se fosse uma team dispersa.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Carlos Martins e Gonçalo Sousa

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No Sofar com... Samuel Úria

“Samuel Úria é o nome artístico de Samuel Úria”. O cantautor de Tondela começou o seu percurso na FlorCaveira, uma das mais distintas editoras independentes portuguesas. Com quinze anos de carreira, Samuel Úria conta com uma mão cheia de álbuns de originais, fora os lançados noutras colaborações, sendo que o seu mais recente trabalho é o Carga de Ombro (2016). Letrista exímio, responsável por alguns dos melhores versos cantados na língua portuguesa, Samuel Úria é blues, folk e rock no seu estado mais virtuoso. Após uma actuação arrebatadora no Sofar Sounds Lisbon, falámos com o músico sobre o seu mais recente trabalho, o processo de composição como exercício de auto-crítica e o panorama da música nacional actual.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? 

Foi óptimo. Confesso que mandei uma mensagem ao meu manager hoje a dizer que estava a chover e que as pessoas não iam sair de casa. Estava um ambiente incrível, mesmo acolhedor, e ver de repente a sala a encher foi muito bom. Gostei muito de ver os músicos que me precederam, Medeiros/Lucas, que já estava à espera de ver há muito tempo, como também a Lince e o Orlando. Foi mesmo muito bom. 

O Carga de Ombro (2016) é um disco com um ênfase grande no tom autobiográfico, com uma abordagem introspectiva que resulta, entre outras coisas, num conjunto de anotações dirigidas ao “eu” das canções. Já lhe chamaram o teu “Carrie & Lowell”. Fala-nos um pouco deste álbum e do seu processo de composição.

O processo de composição é sempre um bocado autista, até porque eu não quero chatear as pessoas nem estar a pisar calos quando estou a fazer músicas. Nesse sentido, os discos são irremediavelmente autobiográficos, até porque a matéria-prima que está mais à mão é a minha. Mas normalmente não são exercícios de ego, são mais exercícios de auto-crítica, apesar de achar que as lições que estou a retirar para mim próprio podem ser úteis para alguém, assim uma pessoa em mil que um dia consiga compreender mais ou menos os recados que eu estou a dar para mim. É uma bagagem que está sempre um bocado presente quando estou a compor: as minhas composições para mim próprio com o crivo de tudo o que eu acho que podia melhorar e que podia dar mais vezes a mão à palmatória. 

Isso está sempre presente e não é só por achar que me é conveniente estar a dar uma ensaboadela. Em termos criativos, ajuda partir desse ponto em que eu tenho a certeza que existem coisas que eu tenho de corrigir na minha vida, ajuda quando tenho uma folha branca à frente saber que vai ter de aparecer alguma coisa, porque se não aparecer eu devo estar armado em bom a achar que não há nada que eu precise de melhorar. Isto pode parecer a coisa mais pedante para se dizer, mas o processo criativo fica sempre facilitado quando assumimos que temos de passar por uma prova de fogo de humildade e de achar que há coisas que têm de ser refeitas. Nesse sentido, acho que a inspiração não me falta porque os defeitos também não me faltam.

Os alinhamentos dos teus álbuns juntam um conjunto de imaginários sonoros diferentes (folk, pop, rock) que contribuem imenso para a atmosfera de cada tema. A construção de uma viagem com diversos universos sonoros é um desafio?

É, de facto, um desafio. Neste disco chamei para trabalhar comigo o Miguel Ferreira porque eu sabia que ele ia ampliar alguns universos musicais e ia aos sítios certos das coisas que eu sabia que queria e, por dificuldades ou por pequenez técnica, sobretudo em relação a teclados que não são propriamente uma coisa que eu domine tal como os sintetizadores, sabia que o Miguel ia ser um bom tradutor das minhas ideias e ia concretizá-las. Costumo dizer que podia ser uma “prótese” engraçada das minhas ideias. 

Mas isso não só é um desafio como também, às vezes, os discos funcionam como um reflexo da minha prateleira de discos que não é só de um estilo, e eu quando estou a pensar nas canções não quero ficar refém de dizerem “O Samuel Úria é um cantautor folk e faz voz e guitarra”. A voz e guitarra é-me útil porque há alguma desenvoltura em fazer canções à guitarra, mas depois também gosto que essas canções não fiquem estanques e não fiquem reféns desse esqueleto inicial, às vezes até para fugir das expectativas das pessoas que gostam de discos mais coesos. A coesão poderia servir, se calhar até teria melhores críticas ou um público mais fiel se fosse mais coeso na maneira como visto as minhas canções, mas eu ia aborrecer-me se tivesse que pensar num disco só num estilo. Um dia poderei fazer um disco em que o lado conceptual tem que ver com a própria estrutura musical e não com a identidade das canções ou das letras sobretudo, mas para já eu gosto que o lado conceptual tenha essa disparidade.

Se este disco passa por diferentes sons, influências e até mesmo diferentes volumes é porque se calhar a mensagem também passa por isso e gosto dessa paridade.

Mas mesmo com toda a diversidade, há uma linha que une tudo. 

Eu fico contente quando as pessoas me dizem isso. Quando estou a escrever e quando estou no processo de produção identifico essa linha que é comum a tudo, mas depois penso que se calhar as pessoas não vão entender qual é a linha comum ou vão achar que é uma mera manta de retalhos. Mas fico muito contente quando existe um reconhecimento dessa coesão.

A componente visual deste álbum está também muito forte, não só no que toca a capa mas também por causa das ilustrações para cada canção. Quem foi o autor as mesmas?

Fui eu. Eu sou forreta, então para não ter que pagar a um ilustrador chego-me à frente e complemento o próprio universo visual. Fica um produto muito centrado em mim, de facto, mas, lá está, também não me estou a tornar mais bonito na maneira como me desenho. Até nos desenhos que faço há uma auto-crítica que acho que é necessária. Isto não é auto-comiseração, é mesmo auto-crítica, não espero que as pessoas me venham dar palmadinhas nas costas e me digam que não é bem assim. Há a necessidade que esta auto-crítica seja um argumento de apresentação e na componente visual isso também acontece, e julgo que as pessoas vão perceber que não me estou a fazer de coitadinho, mas a auto-criticar-me. 

O movimento/editora FlorCaveira contribuiu muito para aquilo que é hoje o panorama musical português e influenciou o surgimento de outros colectivos Do It Yourself com muita qualidade. Enquanto membro da editora, sentes que foram essa alavanca que motivou muitos a fazerem música? 

Eu sinto isso quando sou confrontado, sobretudo com músicos mais novos que prezam esse legado. Quando nós o fazíamos, brincávamos muito e fingíamos que éramos os maiores porque isso era uma espécie de exercício de estilo, mas não acreditávamos mesmo naquilo. Até o resgate do português, de fazer pop português e a cena do Do it Yourself e do lo-fi, aquilo era tão feio, tão bruto e tão propositadamente tão mal produzido que brincávamos com esse pedantismo e achávamos que as outras pessoas ou nos iam detestar ou nos iam detestar. De facto, é uma surpresa não só quando há malta mais nova que de facto nos confronta com essas influências mas depois também quando há malta mais velha que anda cá há mais tempo e que consegue traçar um panorama do que é que foi feito nos últimos quinze anos da música nacional e refere a FlorCaveira atribuindo-lhe não só essa importância do DIY e de assumirmos as edições caseiras como discografias, mas também o lado muito forte de resgatar o português e de não menosprezá-lo. O português não era um mero veículo para as canções, muitas vezes as canções é que eram um veículo para o português. Sinto-me muito lisonjeado, honra-me que isso seja considerado como um patamar importante na música nacional quando isso para mim e para nós não era importante, era natural. 

O futuro da música portuguesa está em boas mãos? Qual foi a última banda nacional por quem te rendeste? 

Acho que o futuro da música portuguesa está em muito boas mãos. Agora, como nunca, tem havido quantidade e qualidade a acompanhar. É verdade que no meio da quantidade há coisas com as quais não simpatizo mas acho que têm aparecido muitas bandas boas. Nos anos 90, surgiram muitas bandas que queriam imitar os Ornatos Violeta e agora acho que há bandas que têm uma identidade muito própria e, claro que há muitos miúdos de que eu gosto, como o Éme e o Luís Severo. No caso do Severo, não é um disco de estreia porque ele tinha trabalhos como o Cão da Morte, mas o disco de estreia como Luís Severo é de uma maturidade que é inacreditável. E eu tenho de referir os Capitão Fausto. Nunca conheci malta que vivesse tanto a música como eles vivem. Vivem a música 24h por dia e ainda por cima vivem juntos, então estão sempre a pensar em maneiras de se destacarem a fazer música e a traduzirem tudo o que façam em música. O último disco deles é singular porque tens ali canções, não é só experimentalismo, e no meio de tanta experiência surgem canções muito boas. Gosto muito do disco.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Inês Sousa Vieira

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No Sofar com... Postcards

Os Postcards são uma banda de folk rock vinda da capital do Líbano, Beirute, formada em 2012. O grupo é composto por Julia Sabra (ukulele, bandolim, guitarra e voz), Marwan Tohme (guitarras e voz), Pascal Semerdjian (bateria, harmónica e voz) e Rany Bechara (baixo, teclado e voz). Contam com dois EPs editados: Lakehouse saiu em Setembro de 2013, What Lies So Still foi lançado no ano passado, no mês de Julho, e a data de lançamento do álbum de estreia está prevista para o início do próximo ano. Antes de continuarem a sua tour europeia, os Postcards fizeram uma última paragem no Sofar Sounds Lisbon e trouxeram com eles o melhor do indie folk. Depois do concerto, falámos com eles sobre como a música pode salvar vidas, a cena musical do Líbano e o que esperar do novo álbum.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon?

Julia: Foi fantástico.

Pascal: Sim, foi muito bom porque nós tocámos no Sofar em Beirute e foi num apartamento muito pequeno, estavam lá vinte pessoas, era isso que tínhamos em mente. Este espaço é fantástico e as pessoas são maravilhosas.

Marwan: Não estávamos mesmo nada à espera disto

Julia: E é tão íntimo, é bom. Estes são os melhores tipos de concertos.

E estão a gostar de Portugal? Lemos que adoram este país.

Pascal: Sim, adoramos Portugal! Especialmente Lisboa.

Julia: Acho que mais cedo ou mais tarde vamos mudar-nos para aqui.

O vosso álbum de estreia vai ser lançado no próximo ano. Black and White soa um pouco diferente dos últimos trabalhos por ser mais pop e eléctrico. O que é que nos podem dizer deste novo álbum?

Pascal: A Black and White foi uma música que saiu de forma muito diferente, aconteceu tudo muito rápido.

Julia: Estamos mesmo a começar a gravar.

Pascal: Sim, e normalmente andamos para a frente e para trás com as nossas músicas mas esta encaminhou-se naturalmente. Também não escrevemos músicas que sejam tão pop mas gostámos do resultado, portanto gravamo-la porque soava tão bem e depois começámos a trabalhar no álbum.

Julia: Mas o álbum é um pouco mais pop, ainda que tenha este elemento de folk.

Pascal: Ainda assim a Black and White não prevê o álbum.

Julia: Sim, não é exactamente como o resto do álbum, mas é mais pop. Continua inspirado no rock e no folk mas não tanto como anteriormente.

Pascal: Nós estamos mais relaxados a escrever canções, por isso não pensamos tanto nos detalhes, escrevemo-las simplesmente e vemos o que fica bem.

Neste single falam sobre os dias áureos antes da guerra. Como é que o conflito vos afectou enquanto músicos e banda?

Julia: A guerra acabou no início dos anos 90, nós não passamos por isso dado nascemos por volta dessa altura, mas sentimos o efeito da guerra no Líbano. A ideia destes dias áureos passa por acharmos que tudo era melhor antes da guerra, como nos anos 60 em que éramos a Paris do Médio Oriente, o Líbano estava a passar pela sua Época Áurea e, embora seja verdade nalguns aspectos, não havia estabilidade a nível politico e continuavam a existir muitos problemas. As pessoas olham para o período antes da guerra como se tivesse sido a melhor altura de sempre.

Pascal: Além disso, nos anos 60 as fotografias eram muito mais caras do que agora, por isso acho que eles só tiravam fotos aos sítios bonitos, como a baixa onde estão os bons autocarros e por aí. Nem toda a gente tinha um iPhone.

Julia: (risos) Sim, é um ponto interessante! Mas pessoalmente não nos afectou tanto dado que éramos a geração que nasceu depois da guerra, não sabemos como era antes da guerra e não passámos por ela, por isso não estamos tão traumatizados, mas estamos habituados a viver nestas condições estranhas e adaptamo-nos a isso.

Pascal: No entanto, os síndromes pós-guerra estão por todo o lado no Líbano porque não tivemos um fim de ciclo real depois da guerra.

Julia: Mas nós somos a geração que se adapta e simplesmente anda para a frente, independentemente de tudo. Isso às vezes é bom e outras vezes mau porque te leva a ignorar as coisas más que acontecem dado que sabemos que estão sempre a acontecer, mas é o que é.

Lemos um excerto muito interessante que dizia que a vossa música cria um lugar de paz e segurança no meio de toda a violência e caos que há no mundo. Sentem que a vossa música pode ser mesmo ser mesmo este lugar seguro onde sentimos paz?

Marwan: Pessoalmente, a música é um refúgio desde novo e acho que assim o é para o resto banda, por isso se calhar fazemos uma tradução inconsciente desse sentimento.

Julia: As pessoas esperam que a música desta região seja toda sobre os problemas sociais. As bandas mais famosas como os Mashrou’ Leila - não sei se os conhecem - falam sobre todos os problemas, mas connosco as pessoas sentem que a música não representa a forma como vivemos e não acho que tem de o fazer. Mesmo que falemos do nosso país, e às vezes falamos dos seus problemas, a nossa música é mais uma fuga disso.

Pascal: Mas eu acho que inconscientemente a nossa música o faz [representa o modo de viver no Líbano] porque nós ignoramos a situação de forma a vivermos vidas tranquilas, também somos influenciados por artistas estrangeiros e esta bolha que criamos conforta-nos e leva-nos para longe do nosso país. As pessoas que nos vêem também sente que, por vinte ou trinta minutos, podem desligar-se do país porque a música relembra-lhes de algo que não o Líbano.

Que artista ou grupo de artistas do Líbano devíamos definitivamente conhecer?

Julia: Bem, tantos. Há uma cena musical a desenvolver-se, na verdade. Os mais famosos são os Mashrou’ Leila, eles cantam em árabe num género de indie rock.

Pascal: São a primeira banda indie que foi bem-sucedida no Líbano.

Julia: E fora do país também, estão em tour um pouco por todo o lado.

Marwan: Há uma banda chamada The Incompetents que eu gosto muito pessoalmente.

Julia: E os Scrambled Eggs!

Pascal: Sim, os Scrambled Eggs são uma banda de pós-punk.

Julia: Também temos o Charlie Rayne, que é um artista de folk muito bom, e os Interbellum, mas esse é um projecto temporário. A cena musical é pequena no Líbano, há poucos bateristas lá, então o Pascal toca em várias bandas como os Interbellum e os The Wanton Bishops. Também grava imenso com os The Bunny Tylers.

Pascal: Também temos o Fadi Tabbal, que é o produtor de muitos artistas e tem imensas bandas, é um guitarrista óptimo. E o Charbel Haber que, para mim, é o artista experimental por excelência. Temos uma cena experimental muito boa a acontecer.

Marwan: Sim, temos imensas bandas que devem ir pesquisar, nós não conseguimos nomear todas as bandas boas!

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Iñigo Sanchez

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At Sofar With... Postcards

Postcards is a folk rock band from Beirut, Lebanon formed in 2012. The group consists of Julia Sabra (ukulele, mandolin, guitar and vocals), Marwan Tohme (guitars and vocals), Pascal Semerdjian (drums, harmonica and vocals) and Rany Bechara (bass, keyboard and vocals). They have two EPs: Lakehouse, released on September 2013 and What Lies So Still which came out last year in July. The release date for their debut album is scheduled for early next year. Before they continued their european tour, Postcards made a last stop in Sofar Sounds Lisbon and they brought with them the best of indie folk. After the concert we talked with them about how music can save lives, the growing musical scene in Lebanon and their forthcoming album. 

How was your experience on Sofar Sounds Lisbon?

Julia: It was great.

Pascal: Yeah, it was great because we went to Sofar in Beirut and it was in a really tiny apartment, there were like 20 people, so that was what we had in mind. This place is amazing, there were really amazing people…

Marwan: We didn’t expected this at all.

Julia: And it’s so intimate, it’s cool. These are the best type of shows.

And are you enjoying Portugal? We read that you love this country.

Pascal: Yeah, we love Portugal! Especially Lisbon.

Julia: I think that at some point we are moving here.

Your debut album is coming out next year. Black and White sounded different from your other works, more pop-ish and electric. What can you tell us about this forthcoming album?

Pascal: Black and White was a song that came out in a very different way. It happened very fast.

Julia: We were just starting to record.

Pascal: Yeah, and usually we go back and forth with our songs but Black and White was really fast-forward. We normally don’t write songs that are that pop-ish but we enjoyed it, so we just started recording it because it sounded cool and we would work later on the album.

Julia: But the album is a bit more pop-ish though it still has this element of folk.

Pascal: Black and White does not completely predict the album though.

Julia: Yeah, it’s not exactly the album, but it is more pop-ish. It is still rooted in folk and rock but not as much as before.

Pascal: We’re more relaxed writing songs, so we don’t think about details anymore. We just write songs and see what fits.

In this single, you also talk about these golden days before the war. How has the conflict affected you as musicians and as a band?

Julia: The war ended in early 90’s and we didn’t experienced it because we were born around that time, but we still feel the effect of the war in Lebanon. This idea of the golden days is that everything was better before the war, like in the 60’s where we were the Paris of the Middle East and Lebanon was going through the Golden Age. This is true in some aspects, but it still wasn’t politically stable and there were a lot of problems. People look back at the period before the war as if it was the best period ever.

Pascal: Also, in the 60’s the photographs were way more expensive than now, so I guess they only planned to take photos of the nice places like the downtown with the good buses and stuff. Not everyone had an iPhone.

Julia: (laughs) Yeah, that’s a good point! But personally it didn’t really affect us much as we were the generation that was born after the war, we don’t really know how it was before it and we didn’t go through the war so we’re not as traumatized but we’re used to live in weird conditions and we just go with it and adapt.

Pascal: But post-war syndromes are everywhere in Lebanon because we didn’t get closure after the war.

Julia: Yes, but we’re the generation that adapts and just keeps going no matter what. Sometimes it’s good and sometimes it’s bad because you ignore the bad things that are happening as you know they are always happening. But it is what it is.

We read a really interesting passage that said that your music creates a place of peace and safety in the middle of all the rush and violence that there is in the world. Do you feel like your music could be this safe place where we feel peace?

Marwan: Personally, music has been an escape since I was really young and I think it is to all of of the band as well, so maybe this is an unconsciously translation of this feeling.

Julia: People expect the music of the region to be all about the social problems. The most famous bands like Mashrou’ Leila, I don’t know if you’ve heard of them but they talk about all the problems but in our case people feel like our music doesn’t really represents the way we live and I don’t think it has to do it. Even if we talk about the country and sometimes we talk about the its problems, our music is more an escape from that.

Pascal: But I think unconsciously it really does [represent how they live] because we kind of ignore the situation so that we have good lives and we also are really inspired by artists from abroad so this bubble that we create comforts us and it takes us away from our country. People who watch us also feel that for 20 or 30 minutes they’ll be able to disconnect from the country because the music reminds them of something else, like american bands. I think this is a reaction to the whole situation as well.

What artist or group of artists from Lebanon we should definitely know?

Julia: Well there are a lot. There’s a growing music scene actually. The most famous ones are Mashrou’ Leila, they sing in arabic this type of indie rock.

Pascal: Mashrou ‘Leila are like the first indie band that made it in Lebanon.

Julia: And outside the country, they are on tour, they are everywhere.

Marwan: There’s a band called The Incompetents that I personally like.

Julia: The Scrambled Eggs!

Pascal: Yes, Scrambled Eggs it’s like post-punk.

Julia: There’s Charlie Rayne who is a folk artist really cool and Interbellum but it is a temporary project. The music scene is kind of small in Lebanon and there’s a shortage of drummers so Pascal plays with a lot of bands like Interbellum and The Wanton Bishops. He records a lot with the Bunny Tylers also.

Pascal: We also have Fadi Tabbal who produces everyone and he has many bands, he’s a really great guitarrist.

Marwan: He’s our producer aswell.

Pascal: And Charbel Haber who is the experimental artist, for me. We have a really good experimental scene going on.

Marwan: You should google more bands, we can’t name all the good ones.

Interview: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Photography: Iñigo Sanchez

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No Sofar com... OMIRI

Em 2010, com o álbum de estreia Dentro da Matriz, nasceu OMIRI, um projecto original onde se junta a música electrónica aos sons do folk. Vasco Ribeiro Casais é OMIRI e desdobra-se em vários instrumentos para criar uma experiência única. A acompanhar a gaita-de-foles, o cavaquinho ou até o bouzouki português estão vídeos que proporcionam a quem vê e ouve uma reinvenção da tradição completamente diferente do que já foi feito até agora. Depois de nos ter posto a dançar no concerto que deu no Sofar Sounds Lisbon, fomos saber mais sobre este projecto peculiar.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon?

Foi muito boa. Na altura em que estou na minha carreira, normalmente fico sempre sem saber se as pessoas vão gostar ou não, ou que público é que vai. Sei que algumas pessoas já vão para me ver mas outras conhecem o projecto nos concertos e aqui já sabia que a maior parte das pessoas estava mesmo desligada daquilo que eu fazia, foi fixe ver a reacção das pessoas à minha música e à música portuguesa tocada desta maneira.

OMIRI traz o tradicional ao meio alternativo e mostra uma outra forma de fazer remixes. Como é que surgiu a ideia para este projecto?

Há 10 anos atrás, estava cansado das bandas e das negociações, então decidi fazer alguma coisa sozinho. Fiz este projecto e entretanto conheci o Tiago Pereira que é o realizador dos vídeos. Ele filmou-me para um vídeo que estava a realizar e, depois de falar com ele, disse-lhe que tínhamos de fazer alguma coisa juntos, o que resultou nisto. No início, fazíamo-lo com vídeos de dança contemporânea de Anne Teresa de Keersmaeker e de outros nomes deste meio, mas depois o Tiago começou A Música Portuguesa a Gostar Dela Própria e as gravações destes sons tradicionais. Um dia, ele passou-me os vídeos, eu disse-lhe que ia montar uma coisa com eles, fiz a electrónica do som com os vídeos e depois dessa montagem pensámos logo que isto é que funcionava. O Tiago tem a vida dele e os seus projectos, então deixou de estar ao vivo, mas continua a ser o responsável pelos vídeos. Agora, a ideia do projecto é pegar na tradição, pegar nos senhores, senhoras, meninos e meninas, pô-los no vídeo a tocar, fazer electrónica com isso e depois fazer um baile, porque isto é música de baile, não no sentido de bailarico da aldeia, mas no sentido dos bailes mais tradicionais, tipo o “Repasseado” e o “Malhão”. Às vezes até acontece um 3 em 1 nos concertos: estão os videos a passar, eu a tocar e as pessoas a fazer as coreografias, fora as que estão só a ver o espectáculo.

Como e onde é feita a recolha das imagens que são utilizadas nos concertos?

Há imagens de todo o território nacional, inclusive das ilhas. Eu não tenho um papel nessa parte da recolha, quem o faz é o Tiago Pereira, que me vai perguntando se preciso de mais vídeos. Depois de me passar os vídeos que preciso eu trabalho sobre eles.

Sendo que, na tua música, recorres a estes registos visuais, como é que funciona todo o processo criativo de compor temas?

Há uma coisa que condiciona o processo à partida e que podia ser mais fácil para mim se não tivesse essa componente: a questão do baile. Por exemplo, eu penso que vou fazer um “Repasseado”, que tem uma estrutura certa de oito compassos a frase A, repete-se esta frase e depois a frase B tem mais oito compassos num tempo de 2 por 4, com uma batida e balança certos. Isto condiciona logo tudo porque a música tem de ser assim, tem esta estrutura fixa. A minha ideia era fazer isto com aquele power dos DJs e comigo a tocar com os velhotes na mesma. No entanto, sem querer entrar por entrar por questões muito técnicas, como grande parte da música tradicional funciona em compassos ternários e não quaternários [passíveis de ter uma batida mais forte], isso torna mais difícil ter aquele groove que puxa logo as pessoas. Isto é um desafio mas, quando começa a soar bem, soa mesmo de maneira diferente, não é possível comparar a esta ou aquela música porque a base é, desde logo, diferente. Portanto, a componente que me baliza também é a que faz com a que a coisa seja diferente.

Como é que as pessoas que são filmadas reagem a estes remixes das músicas populares que eles conhecem desde sempre assim?

Normalmente, principalmente as pessoas mais velhas, adoram, ficam mesmo contentes. Por exemplo, há um vídeo que surgiu quando eu fui fazer um concerto e os organizadores me falaram de uma senhora local que podia ser interessante participar no projecto, então eu fiz a canção com ela. Depois, convidaram a senhora para ver o concerto e vi que estava contentíssima. Já me aconteceu também uma vez ter uma sobrinha de uma senhora que participou e que, quando a reconheceu, disse logo que a tia dela não tinha autorizado isto, estava indignada e também estava um bocado tocada, na verdade. Por outro lado, uma das senhoras dos vídeos é a avó da minha mulher, falei com ela e ela concordou em filmar, depois quando se viu ficou muito contente. No geral, sentem muito orgulho em verem-se numa coisa nova.

Já tens um álbum como OMIRI, O Dentro da Matriz (2010). Está nos teus planos lançar um novo disco em breve?

Sim, eu tenho um segundo álbum pronto e já o podia ter lançado, mas agora trata-se de uma questão de estratégia porque ainda estamos a negociar algumas coisas lá fora e com editoras. O disco sai na Primavera de 2018, mas ao longo de 2017 vão sair vários singles, um por trimestre.

Reportagem: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: Pedro Nogueira

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No Sofar com... Tio Rex

Miguel Reis, cantautor setubalense, surge sob a identidade de Tio Rex para nos trazer a sua poesia musicada. Ao longo dos seus cinco trabalhos de originais, mergulhamos no imaginário de Tio Rex que, com um timbre de voz pouco convencional e acompanhado da guitarra, nos canta um conjunto de estórias vividas e imaginadas sobre o mundo que nos rodeia. Depois do seu concerto no Sofar Sounds Lisbon, falámos com o Tio Rex sobre estas histórias que o rodeiam, o seu último trabalho Ensaio Sobre a Harmonia (2015) e os planos para o futuro.

Como foi tocar no Sofar Sounds Lisbon?

Foi genial. Já na primeira tinha sido e agora a tradição manteve-se. É sempre bom porque o ambiente é único, é uma coisa muito específico.

Tio Rex é um contador de estórias. Consideras que é um alter-ego de Miguel Reis?

Se quiseres ver as coisas do ponto de vista em que eu quando sou o Tio Rex estou no palco a contar as estórias podes chamar-lhe um alter-ego, mas as estórias em si e se alguém me perguntar na rua eu vou contar a história da mesma maneira. Não há propriamente uma diferenciação, não é um alter-ego, é outro nome para a pessoa que eu sou, é o nome que eu adopto em palco.

Nos primeiros EPs que lançaste cantavas em inglês e a partir do 5 Monstros passaste a fazê-lo em português. Tratou-se de uma mudança intencional?

Sim e não. No fundo, foram-se acumulando algumas canções em português e eu não acho que devemos inibir nada do que estamos a libertar, ou pelo menos a minha filosofia passa muito por isto, sobre estas exorcizações de coisas e pôr as coisas em perspectiva. A partir do momento em que saíram canções em português eu editei-as em português, já vão sair canções em inglês para o ano também. É um processo muito natural.

Ensaio Sobre a Harmonia (2015) parece ser um texto poético dividido em vários cantos/actos dando uma sensação de movimento ao longo de uma narrativa clássica como uma epopeia. Já em 5 Monstros sentimos isso. Fala-nos um pouco sobre este álbum e do modo como foi composto.

Mesmo o Preaching to a Choir of Friends and Family (2012), um disco mais antigo e escrito em inglês, foi assim, e o anterior também, acho que só sei trabalhar assim. Cada disco é um projecto do género daqueles que tínhamos quando éramos miúdos em Área de Projecto e eu tento determinar a história que quero contar logo à partida, vou pondo as peças do puzzle no sítio onde acho que elas fazem sentido e construo-o sabendo logo à partida que é um todo. Para dizer a verdade, eu não tenho um banco de canções para dizer “Esta faz sentido aqui e aquela ali”, as músicas que eu tenho são as que estão editadas e as que vão sair nos próximos discos. Cada disco é um disco, é um episódio e no fundo é isto. 

Sobre este último disco em particular, se calhar a premissa é: nós não nos deitamos com o mesmo estado de espírito com que acordamos e o desafio que eu tentei aceitar, e materializar, com este disco foi o de contar a transição dos estados de espírito ao longo do dia, desde que acordo até me deitar e no fundo é tudo isso que acontece ali no meio, são as ansiedades, é o dia-a-dia, são as pessoas que me rodeiam, é o sair à rua, o “hoje estou a pensar mais nisto”. É um processo de auto-conhecimento, de tentar explicar como é que o meu dia acontecia, porque eu não sabia até pensar sobre isso e escrever as canções. Quando vi o disco acabado é que eu pensei que este dia está contado como ele foi sentido e vivido e eu nem sequer tinha consciência que tinha sentido e vivido daquela maneira. É um propósito para descobrir isso.

A componente lírica da tua música reflecte uma grande sensibilidade poética. A literatura é uma influência directa na tua música? Se sim, quais são as maiores influências a esse nível?

Eu diria que sim e não. Não tenho hábitos de consumo de poesia. É estranho falar sobre isto mas tento ser eu a descobrir a minha poesia, não sei se há uma definição para o que é ou não é poesia e eu tento descobrir a minha própria poesia no meio desse sim ou não da poesia. Gosto muito do Bocage, que é donde eu sou, de Fernando Pessoa também, tenho algumas referências sem dúvida, mas tenho de admitir que não os estudo nem analiso os processos deles, as estruturas deles, tento fazer os meus.

Por fim, quais são os teus planos para o futuro?

Discos novos. O Ensaio sobre a Harmonia está a chegar ao fim da promoção, já saiu há um ano e meio. Estou agora a trabalhar com uma editora que está sediada em Londres e vai sair música nova, agora em inglês novamente. Vai ser um desafio voltar ao inglês e puxar essa textura, porque é sempre diferente. Cantar em português e cantar em inglês não tem nada a ver, pelo menos para mim e o desafio vai ser esse, voltar ao inglês e tentar manter esta maneira de contar histórias, que é aquilo que eu acho que descobri que conseguia fazer.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: André Branco

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25ª Edição do Sofar Sounds Lisbon: A Rentrée

O regresso das edições Sofar Sounds Lisbon foi celebrado no passado domingo no Clube do Bacalhau. O restaurante, localizado no Cais do Sodré, foi o cenário ideal para mais um concerto intimista, com a sua luz difusa e decoração rústica a criar o ambiente perfeito. A abrir as hostes Tio Rex presenteou-nos com uma actuação acompanhada por Zé Miguel Zambujo ora no clarinete, ora no saxofone. Os Lucky Who, reduzidos a dois elementos num registo acústico, foram a segundo acto deste dia. Para terminar, Urso Bardo e o seu rock instrumental fecharam esta que foi a 25ª edição do Sofar Sounds Lisbon.

Tio Rex: a epopeia

A primeira actuação desta edição foi a de Tio Rex. Depois de já ter estado connosco numa das nossas primeiras edições, o cantautor setubalense regressou a esta casa, agora com novas histórias que integram o seu novo disco Ensaio sobre a Harmonia (2015).

As harmónicas iniciais põem-nos no espírito certo para O Despertar da Alma e, assim, a epopeia começa. Fazemos a Travessia, enfrentamos um mar de emoções e a difícil tarefa de substituir as Golden Slumbers e acompanhar Tio Rex no refrão deste tema, serpenteado pelo solo de clarinete de Zé Miguel Zambujo. Em jeito de lição, como uma que o músico aprendeu quando era pequeno, Tio Rex apresenta-nos O Gigante e depois fala-nos dos riscos que devem ser tomados em A Cura. É You’re my machine and so much more que encerra esta actuação, mas o fim não nos é dado: para isso, temos de ir ouvir e querer saber mais sobre o último trabalho do músico.

Em meia hora passou-se um dia e todos os estados de espíritos que lhe estão subjacentes. Em meia hora sorrimos, sofremos e encontramos a cura. Terminámos com esta espécie de final aberto porque, afinal de contas, amanhã é outro dia. O Tio Rex não é um músico qualquer, tem este poder de deixar entrar a vida nos seus temas e deixá-la falar sobre aquilo que é difícil pôr em palavras. E é por isso que é sempre tão bom tê-lo connosco.

Lucky Who: a cura para corações partidos

Do acústico passamos para o electroacústico. Depois de Tio Rex seguem-se os Lucky Who, com Artur Gomes da Costa e Rodrigo Pessoa Jorge, metade da banda lisboeta. Entre o rock e o folk, os Lucky Who são a cura para qualquer coração partido.

André marca o ritmo com a sua guitarra acústica, Rodrigo encarrega-se das melodias eléctricas e assim começa Nicotine, o primeiro tema desta actuação. Ficamos desde logo rendidos à voz inquietante de Artur. Em Lovers, tema escrito pelo vocalista quando tinha 15 anos, relembramos os amores inconsequentes e impulsivos da adolescência e, uma corda partida de guitarra partida depois, falamos sobre relações à distância em Don’t Leave Me To Wait, o single de Lucky Who e o último tema deste concerto.

Os Lucky Who são a banda que queremos ouvir nos dias cinzentos. São genuínos, falam-nos tímidos dos significados por trás das músicas deles e apresentam-nas de forma honesta, sem artifícios. Apenas com um single lançado, não há dúvidas que a banda de rock electroacústico está no caminho certo para o sucesso.

Urso Bardo: o êxtase “escanifobético”

Chegou a vez da terceira e última banda entrar em palco. Os lisboetas que compõem Urso Bardo encarregaram-se de fechar o dia e a 25ª edição do Sofar Sounds Lisbon aproximava-se assim do fim. Com Ricardo Antunes na bateria, que nos ia guiando pelo concerto com as suas intervenções, Filipe Palha e Tiago Pedroso nas guitarras e Ricardo Canelas no baixo afastávamo-nos agora do registo acústico que as anteriores actuações desta edição nos trouxeram. Os Urso Bardo levaram-nos numa viagem de rock progressivo que não deixou ninguém no Clube do Bacalhau indiferente.

O rock instrumental do quarteto enchia a sala de ritmos que nos transportavam para o Oriente, lembrando uns Black Bombaim por terras lusas ou ainda uns Explosions in the Sky. A destacar a sua Valsa Escanifobética do disco homónimo editado este ano, que foi sem dúvida o ponto alto, antes de terminarem com “a história sobre uma personagem que não existe”, citando Ricardo, que foi contada na nova faixa A vida e morte de D. Antónia. Foi uma performance “escanifobética” no melhor dos sentidos: conseguiram ser fora do normal e encantar quem os ouviu. Ninguém ficou indiferente a esta aventura bárdica vivida no Sofar Sounds Lisbon e as palmas intermináveis no final foram prova disso. “Qual era o nome desta banda? Não consegui apanhar”. São os Urso Bardo. Já ninguém se esquece.

Texto: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Fotografias: André Branco

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No Sofar com… The Loafing Heroes

The Loafing Heroes são uma banda multinacional que começou com o irlandês Bartholomew Ryan (voz e guitarra) em Berlim e acabou por estabelecer-se em Portugal. A Bartholomew juntaram-se Giulia Gallina (voz, piano e concertina), João Tordo (contrabaixo), Jaime McGill (baixo clarinete), Judith Retzlik (trompete e violino) e João Abreu (percussão) para formarem esta “Sociedade das Nações da Música”. Vindos de vários países, estes heróis vagabundos contam-nos histórias em acústico folk e abrigam-nos em sítios livres e serenos. Falámos com Bartholomew e Giulia sobre Baron in the Trees (2016), o último álbum lançado pelo grupo, a formação da banda e o futuro da Europa.

Como foi a experiência de tocar no Sofar Sounds Lisbon?

Giulia: Eu gostei muito do ambiente e do jardim, não estava à espera de um sítio tão acolhedor, mesmo para respirar o verão. Ficamos inspirados. Foi muito bom.

Bartholomew: Gosto desta ideia dos concertos secretos. Não sabia nada sobre este conceito e achei foi muito bom. Foi uma surpresa para nós também porque só soubemos onde íamos tocar 24h antes do concerto. Foi muito bom. O público era muito diferente.

Como é que ocorreu este encontro de pessoas com tantas nacionalidades diferentes aqui em Portugal acabando na formação dos The Loafing Heroes?

Bartholomew: Muito naturalmente porque começo este projecto quando estava em Berlim e estava a escrever canções e encontrei o Jaime, uma pessoa da Alemanha e outra Americana, começamos a tocar e gravamos três álbuns juntos, mas depois fui viver para Portugal há quatro anos e o Jaime (baixo clarinete) continuou a tocar comigo mas depois encontrei outras pessoas como a Giulia e o João e Judith no violino. Então este grupo está sempre a viver sobre o mesmo nome e o tema e escrevo muitas canções. A banda pode sobreviver por causa da nossa flexibilidade, então temos um grupo muito internacional.

Giullia: Eu cheguei a Lisboa há seis anos, estava a tocar com outro projecto mas depois encontrei os Loafing Heroes há três anos e foi muito natural, juntamo-nos, temos gostos em comum, foi muito bom.

Bartholomew: E temos trabalhos muito flexíveis. Eu sou escritor e académico, o João é escritor, o Jaime é tradutor, a Giullia é interprete, a Judith é uma música da Alemanha então podemos fazer as diferentes coisas. vimos todos de vários sítios, mas a casa é sempre Portugal.

O vosso último disco Baron in The Trees (2016) foi buscar inspiração a um livro de Italo Calvino, um barão que, num acto de revolta contra a sociedade, decide subir a uma árvore e nunca mais desce. Falem-nos um pouco sobre este álbum. Pretendem mostrar essa busca da liberdade num qualquer outro lado tal como o barão?

Giulia: Sim, ficámos muito inspirados por esta história do Barão Trepador, gostamos muito do Italo Calvino bem como da ideia de este barão se recusar mesmo a adaptar-se à sociedade e decide muito novo subir a uma árvore e nunca mais descer. Para nós, este álbum é uma metáfora para expressar o nosso desejo de liberdade e de rebelião contra a sociedade em que tudo anda muito rápido e ninguém tem tempo para se concentrar em nada.

Bartholomew: E a banda chama-se The Loafing Heroes, loafing na perspectiva de errante, vagabundo e acho que o barão trepador tem isso também. Loafing não é no sentido de preguiçoso, tem mais que ver com imaginação e abrandar o ritmo. Acho que poesia e música sempre têm essa coisa e faz sentido juntá-las. Somos um grupo que gosta muito da palavra e música. As palavras são muito importantes também para pensar a música.

A literatura é uma influência grande na vossa música e está sempre presente no vosso acto de criação?

Bartholomew: Sim, muito, adoramos literatura. Poesia também, mas a poesia agora está um pouco fora de moda e acho que a música é uma boa forma de comunicar a poesia. A música é uma boa forma de ter uma conversa criativa tanto com os poetas como o público.

Li em vários artigos que vos chamavam a Sociedade das Nações da Música. Se fossem mesmo a Sociedade das Nações, que mensagem é que deixavam para o mundo?

Giulia: Eu começava por dizer: Europa Unida. Ficámos chocados com o que se passou com a Inglaterra e como nós representamos mesmo uma união de nacionalidades e somos, em primeiro lugar, europeus, deixo uma mensagem para que fiquem unidos. E criem música, literatura, poesia, qualquer coisa.

Bartholomew: Acho que prefiro o nome de cosmopolitismo. Vivemos uma cultura de medo, e é terrível, uma tragédia. Se vivemos com medo, a vida não é vivida. A Europa foi criada por causa da coragem para fazer coisas em comunidade e a música comunica fora de fronteiras. Podemos ouvir Zeca Afonso sem perceber as palavras mas perceber o sentido. A música tem este grande poder. No nosso caso, é bom sermos internacionais para a trocas de ideias. E claro que me considero muito mais Europeu que irlandês porque nos últimos doze anos vivi quatro anos na Dinamarca, quatro anos na Alemanha e agora quatros anos em Portugal. Viver em diferentes lugares ajudar a ser mais tolerante, a viver sem medo e o exemplo do que se passou na Inglaterra é um exemplo de medo e de má informação.

Texto: Inês Henriques

Fotografia: Gennaro Serra di Cassano

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24ª Edição do Sofar Sounds Lisbon: a universalidade da música em quatro compassos

A 24ª Edição do Sofar Sounds Lisbon assinalou o final de mais uma temporada de concertos que só regressará em Setembro. No jardim do Lisb’on Hostel ouvimos as composições gentilmente tocadas por Rogério Cardoso Pires, o folk acústico errante dos The Loafing Heroes, os ritmos tropicais de LG Lopes (Graveola e Lixo Polifônico) e Gustavito (TiãoDuá), e a electrónica de Elotee. Talvez a música faça os lugares, talvez os lugares contribuam muito para a música que temos como nossa, mas a verdade é que neste hostel no Bairro Alto, casa que já nos conhece bem por ter sido palco da nossa 5ª Edição, criamos sempre memórias inesquecíveis. 

Rogério Cardoso Pires: a beleza das pequenas coisas

O primeiro concerto deste final de tarde foi o de Rogério Cardoso Pires, guitarrista com um percurso notável, tendo já partilhado palco com artistas como Zeca Medeiros e Rodrigo Leão. Rogério veio apresentar-nos as suas Bagatelas (2016), um conjunto de composições escritas em diversos momentos da sua vida que resultaram no seu primeiro disco a solo.

O músico elaborou sublimes instrumentais de guitarra clássica para nos falar destas memórias. Assistimos ao raiar do sol depois da tempestade em Depois da Chuva - tema que foi escrito após uma altura em que choveu muito - e olhámos as luzes da ilha de São Jorge enquanto estávamos na Ilha Terceira, visão que transmite uma “sensação de calma como a que está aqui hoje”, disse-nos Rogério. O concerto terminou com a belíssima Tesi, música baptizada com o nome de um cão, supostamente surdo, que se voltava para trás e reagia sempre que o músico tocava este tema. Rogério não descarta a possibilidade de ter sido tudo uma coincidência, mas nós estamos em crer que não foi, de todo, por acaso.

De Bossa-Nova misturada com Flamenco a uma guitarra transformada em bandolim para uma incrível Dança Céltica, o músico elaborou uma majestosa performance que sublinha o talento evidenciado por todos aqueles que já tiveram o privilégio de tocar com Rogério. A par do talento, a simplicidade com que se apresenta para nos tocar as suas gentis melodias só nos faz ganhar mais respeito por este senhor que tem vindo a marcar a música portuguesa com as suas diversas colaborações. Foi um enorme prazer ouvir estas bagatelas que, afinal de contas, têm tanto valor.

The Loafing Heroes: a fuga da cidade para a floresta

 The Loafing Heroes foram os protagonistas da segunda actuação deste final de tarde. A banda que resultou de um “encontro internacional de mentes musicais” estabeleceu-se em Portugal, sendo que todos os seus membros vêm de países diferentes. “As personagens nos concertos são sempre diferentes”, diz-nos Bartholomew Ryan, o vocalista irlandês, que se fazia acompanhar da italiana Giulia Gallina e do português João Tordo, ficando a faltar os outros três elementos elementos que compõem a banda.

O cenário criado pela banda combina perfeitamente com o espaço em que estavámos.  Uma guitarra, um teclado, uma concertina e um contrabaixo criam o conjunto sonoro das histórias cantadas por Bartholomew e Giulia em Baron In The Trees (2016), o último álbum do grupo. Fugimos para a floresta e seguimos o rasto de Gypsy Waltz e, já longe da cidade, ouvimos um bonito tributo a Bruce Springsteen, com um cover de I’m on Fire. Em Collapsing Star perguntam “Are you alive or a collapsing star?” e em God’s Spies chegam à resposta dizendo “You are a collapsing star”. Por fim, os Loafing Heroes homenageiam a importante poetisa irlandesa Caitlín Maude num tema homónimo.

Nada em The Loafing Heroes é vulgar. Desde a formação sui generis da banda à lírica singular, o folk acústico destes heróis vagabundos alerta-nos para o decadentismo da sociedade e interpela-nos, fazendo-nos pensar no nosso papel na sociedade. Numa postura errante, com as músicas de Loafing Heroes estamos em constante movimento à procura de um lugar melhor onde podemos ser verdadeiramente espíritos livres. São heróis assim que admiramos.

LG Lopes e Gustavito: a surpresa de última hora

Nesta edição, para além das três surpresas que compõem o alinhamento, durante o dia surgiu a oportunidade de fazer uma quarta surpresa ao público do Sofar Sounds. Vindos directamente do Sul de Espanha, a primeira paragem dos brasileiros Luiz Gabriel Lopes (Graveola e o Lixo Polifônico) e Gustavito (TiãoDuá) foi o Sofar Sounds Lisbon.

Por entre ritmos tão coloridos como as suas camisas, ouvimos um Lembrete que os músicos fizeram para eles próprios, para que não se esqueçam do que os move enquanto artistas. Segue-se Maquinário, que nos fala sobre o desejo de voar. Luiz e Gustavito preparam mais uma surpresa para nós: apresentam-nos Sete, uma música composta pelos dois músicos e finalizada horas antes do concerto.

Os dois músicos de Belo Horizonte trazem ao jardim do Lisb’on Hostel a música popular brasileira no seu esplendor, num concerto que contagiou cada um de nós pela sua energia. Do Brasil chegam sempre ao Sofar Sounds Lisbon artistas que nos trazem sempre um pouco desse verão que só existe no outro lado do oceano e que nos aquece tanto o coração. Este concerto não foi excepção. Visitas surpresa destas serão sempre bem-vindas.

Elotee: entre a volúpia e o amor

No último concerto deste final de tarde, abandonamos o registo acústico dos outros três concertos e deixamo-nos seduzir pela electrónica dos Elotee, o mais recente projecto a solo de Pedro Sacchetti - que já tinha estado connosco com os For Pete Sake - e de José Evangelista. 

A sonoridade voluptuosa de Elotee explora as possibilidades de atracção entre duas pessoas e todo o processo de conquista que lhe sucede. Em Staying in Tonight, a tensão é criada e Pedro assume a voz de um alter-ego sedutor determinado a conquistar a sua femme fatale, independentemente do que ela possa dizer. Fazemos uma pausa nesta narrativa. Pedro Sacchetti não resiste e presta uma homenagem aos Graveola tocando um excerto de Dois Lados da Canção. “Não acredito que estou a tocar isto à tua frente” diz, nervoso, a LG Lopes. Depois de Pedro dedicar este segundo concerto de Elotee à sua mulher e filha, voltamos à acção e conhecemos a little troublemaker desejada em Mary Jane, o único single lançado deste projecto. 

Longe de cair no banal, as composições do projecto de Pedro Sachetti e José Evangelista demonstram uma grande  sensibilidade no que toca à pop e à electrónica. As melodias são viciantes, as histórias fazem-nos passar por um “espectro de emoções” que exige ser explorado ao máximo. Não podíamos ter pedido por melhor forma de encerrar esta edição. Ainda vamos ouvir falar muito das conquistas deste encantador alter-ego.

Texto: Inês Henriques

Fotografias: Gennaro Serra di Cassano

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No Sofar com... Surma

Surma é Débora Umbelino. Ou Débora Umbelino é Surma. Seja como for, estamos perante uma artista que transborda tanto talento como simpatia. Apenas com um single lançado, Maasai, o projecto desta one-woman band das teclas, do baixo, dos samplers e das loops stations é recente, mas já dá muito que falar, contando com inúmeros concertos por todo o país. Com uma sonoridade difícil de definir - e, na verdade, isso é o que menos importa -, Surma pretende transportar-nos para outra atmosfera através do seu universo musical. Depois do concerto incrível que deu na 21ª Edição do Sofar Sounds Lisbon, falámos com ela para saber mais sobre o seu processo criativo, o fascínio pela Islândia e projectos para o futuro.

Antes de mais, como foi a experiência no Sofar Sounds?

Foi fofinho... Eu já conhecia o conceito, via as bandas lá irem e só pensava que queria muito tocar lá, tanto que eu quando recebi o e-mail do João Alvarez fiquei mesmo muito feliz! Foi mesmo muito giro, o pessoal estar todo sentado, o ambiente foi mesmo acolhedor. Acho que nunca tinha tocado com pessoal assim tão perto, gostei imenso. Até me deu arrepios na primeira música, foi mesmo brutal.

Surma é uma espécie de alter-ego da Débora? As duas diferem muito?

Acho que a Surma é a Débora verdadeira, tanto que eu até sou um bocado tímida pessoalmente e acho que ponho tudo aquilo que quero ser da Débora na Surma. A Surma sou eu mesma, acho que é isso que posso dizer.

A tua sonoridade é difícil de definir, e essa dificuldade em encontrar um conceito torna tudo mais interessante porque nos aproxima muito mais da essência da música. O teu processo de criação vai neste sentido, procuras criar uma identidade sonora fluída, em que se vai descobrindo o caminho da música à medida que vai sendo composta? 

Eu não gosto mobilizar não só a minha música como todas as outras, não gosto dar um rótulo à música que se faz e no processo criativo é como tu disseste. É tudo muito fluído, não tem de ser pop ou rock, é o que me vem à cabeça no momento e, a partir daí, vou fazendo as músicas. Se vires um concerto meu hoje, passado três semanas as músicas já estão diferentes, estou sempre a mudar. Não consigo tocar as músicas de forma igual durante muito tempo. Não tenho uma coisa fixa na cabeça, é o que me vem no momento.

E quanto à escolha dos nomes que dás aos teus temas, há algum imaginário por trás deles?

Não sei, eu tenho uma “panca” pela Islândia e acho que vou muito por aí, tenho várias músicas com nomes islandeses. Tanto que o nome das músicas não têm nada a ver com as músicas em si, algumas nem têm nome. Lá está, penso nas coisas no momento e o nome das músicas vem sempre depois. Mas acho que é pela “panca” pela Islândia que escolho os nomes, vou por aí.

Disseste em várias entrevistas que, através da tua música, procuras que o pessoal se deixe levar para outros sítios. Para que dimensão sonora pretendes que sejamos transferidos?

É a dimensão surmatica, não sei. Quero que o pessoal se esqueça de tudo o que se passou no dia, na semana toda. Não sei explicar bem isto, mas quero que apaguem tudo o que têm na cabeça e fluam no concerto. Quero que fluam noutra atmosfera.

O jazz é um género que te acompanha há algum tempo e no jazz há liberdade para improvisar. Quando tocas o improviso é algo que está presente? Já te aconteceu estares a tocar ao vivo e surgir algo de improviso que acabou por complementar a música?

Sim, é muito isso que se passa ao vivo e, tal como eu te disse, é tudo à base do que se passa no momento. Eu não consigo tocar uma música igual, sempre, ou mudo um riff de sintetizador, ou ponho uma guitarra diferente, até mesmo a voz, mudo sempre qualquer coisa no concerto, não consigo ter uma música fixa. Não sei como é que vai ser no álbum, ter de tocar tudo igual…

Que artistas são uma influência para ti?

Eu sou muito de fases, mas as três maiores influências são St. Vincent - Annie Clark está no topo -, Agnes Obel e Nanome.

Para finalizar, estamos todos à espera que saia um bandcamp ou um álbum para ouvirmos coisas novas. Isso está para breve?

Estou a tentar gravar as músicas velhas em Julho para pôr no bandcamp, não vou pôr nenhuma destas músicas no álbum. O álbum vai ser todo feito de raiz e, se tudo correr bem, sai em meados de Fevereiro/Março.

Texto por: Inês Henriques

Fotografias: Gonçalo Sousa

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Francisco Sales, Captain Boy e Men On The Couch: a banda sonora ideal de um final de tarde soalheiro

No fim-de-semana em que Lisboa saiu à rua para festejar os Santos Populares, o Sofar Sounds Lisbon comemorou a efeméride em casa. Pouco faltava para as 17h quando as portas da casa da Luísa no Cais do Sodré foram abertas para a 23ª Edição do Sofar Sounds Lisbon. Os devaneios melodiosos de Francisco Sales,  a sonoridade ferrugenta de Captain Boy e os ritmos veranis de Men on the Couch constituiram o alinhamento deste final de tarde.

Francisco Sales: as melodias serenas de uma guitarra que canta 

O primeiro concerto desta edição foi de Francisco Sales. Actualmente a viver em Londres, o guitarrista português veio a Portugal fazer uma segunda tour do seu primeiro álbum Valediction (2015).

As primeiras notas de Sunrise ecoam da sala de estar para a escadaria do prédio e a quietude instala-se. “Sinto-me em casa”, diz-nos o músico, por já ter vivido em Lisboa, e explica-nos que esta música faz parte de Valediction (2015), álbum que é uma carta de despedida a Portugal, aos amigos e aos hábitos que deixou quando se mudou para Londres.  Aconchegados pela sonoridade acolhedora, deixamo-nos levar pelos trilhos das melodias sublimes de Francisco e já não estamos em Portugal quando soam Hungary e Tokyo, dois temas novos do guitarrista português.

Pondo-se do lado de fora da tempestade e do ritmo acelerado do quotidiano para nos trazer a serenidade, Francisco Sales estabelece uma relação quase simbiótica com a sua guitarra e cria uma atmosfera indescritível que nos leva para outros lugares e nos faz sonhar. Foi curto, mas intenso, ficando o desejo imenso de ouvir mais e mais. Aguardamos o regresso a esta casa, Francisco.

Captain Boy: as estórias do vagabundo de voz rouca

Depois de Francisco Sales, entramos num barco e navegamos pelo mar do blues guiados por Captain Boy, alter-ego de Pedro Ribeiro. O pé marca o tempo para anunciar a partida e, acapella, a voz rouca de Pedro inunda a casa com Please, Baby, Please. Partimos e não sabemos quando regressamos.

Já acompanhado pela guitarra, Captain Boy continua a navegação e os seus relatos. Fala-nos de Biju, um café com estúdio em Barcelos que tem os melhores cachorros e as melhores pessoas e, que, por isso, o tema simboliza a sua despedida de Barcelos, onde estudou, e dos cachorros deste espaço. Depois de conhecermos o Drunk Man in a Bar, ouvimos as palavras de Johnny Cash na voz de Pedro que traz para esta travessia a incontornável Folsom Prison Blues. Ao longo da viagem, o capitão fala-nos ainda sobre encontrarmos o nosso caminho para casa com Home e canta-nos um Sad Blues.

Melancólico e saudoso, relembrando Leonard Cohen ou Tom Waits devido à sua incrível voz, Captain Boy traz-nos de volta o folk e o blues que já não ouvíamos há tanto tempo. Ficaríamos à deriva neste barco se nos deixassem mas, infelizmente, voltamos a terra. Dificilmente esqueceremos esta viagem da qual não saímos os mesmos.

Men On The Couch: as good vibes dos miúdos da Madeira 

O último concerto desta edição foi de Men On the Couch. Fora do registo acústico folk que marcou os dois primeiros concertos, os quatro estudantes madeirenses trouxeram um pouco de verão a esta casa no Cais do Sodré.

Num espírito indie rock, Rooftop Lullabies é o tema que abre o concerto, mostrando desde logo a vibe desta banda. Embora se definam como uma banda indie rock, a sonoridade de Men On The Couch vai beber a diversos géneros musicais, algo que foi demonstrado ao longo dos vários temas tocados. Se em Unsaid entramos num registo mais ska, em Higher já experimentamos um ritmo mais soul e ainda há lugar para o hip-hop no mashup que combinou What to do Instead - o primeiro original da banda - e King Kunta, tema de Kendrick Lamar.

Ao longo de todo o concerto, os quatro músicos foram contagiando o público com a sua boa-disposição, fazendo-se acompanhar de um grupo de amigos que demonstrou apoio incondicional. Com um longo percurso pela frente, estando ainda no começo, Men On The Couch fecharam a 23ª edição do Sofar Sounds Lisbon de forma enérgica.

Alinhamento 23ª Edição Sofar Sounds Lisbon

Francisco Sales:

Sunrise

Hungary

Tokyo

Captain Boy:

Please, baby, please

Diana

Biju

Drunk Man In A Bar

Folsom Prison Blues (Cover de Johnny Cash)

Tango

Home

Sad Blues

Men on the Couch:

Rooftop Lullabies

Unsaid

What To Do Instead/King Kunta (cover de Kendrick Lamar)

Higher

First

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Em Nome Próprio - FLYING CAGES

Flying Cages são uma banda de indie rock de Coimbra, composta por Zé Maria (voz e guitarra), Francisco (guitarra), Bernardo (baixo) e Rui Pedro (bateria). Passaram pela 21ª edição do Sofar Sounds Lisbon e - inevitavelmente - saíram de lá com um conjunto de fãs completamente rendidos a estes cages. “Sentimo-nos em casa! O à-vontade do público e a proximidade fizeram deste um concerto especial”, disseram-nos, e agora esperam por edições Sofar Sounds em Coimbra. O desafio ficou registado, e não será esquecido. 

Desde que existem como banda que criam temas, mas a ideia de fazer um álbum só surgiu mais tarde. Após um percurso de dois anos que conta com a passagem por inúmeros sítios e experiências boas e más, eis Lalochezia (2015), o primeiro EP da banda vencedora do Vodafone Band Scounting 2015, lançado no final do ano passado. A escolha de um nome tão curioso para o álbum - Lalochezia é um termo médico que designa o uso de palavreado impróprio para alivar o stress - relaciona-se com o percurso inicial da banda. Os cages explicam-nos que “Este primeiro álbum é a nossa essência de banda ao longo dos primeiros passos, e toda esta mistura de vivências e acontecimentos levaram à escolha do nome, pois também sabemos que algumas dessas más experiências acabaram por, de certa forma, ser positivas”.

Ao longo dos cinco temas que compõem o EP, é possível verificar grandes influências de indie rock na sua sonoridade. Para Francisco Frutuoso, “o primeiro álbum transparece a onda indie rock de que os quatro estávamos a ser alvo”, e, por isso, bandas como The Strokes, Arctic Monkeys, The Kooks, Bombay Bycyle Club ou Vaccines foram referências para os quatro músicos (e o Bernardo Franco na altura ouvia muito Xutos & Pontapés). No entanto, o repertório da banda expandiu-se - sem que as origens do rock sejam esquecidas - e para o novo álbum, “a história é bem diferente”, assegura-nos Rui Pedro.

Assim, se em 2011, quando Flying Cages começaram, os quatros conimbricenses eram mais uniformes quanto aos músicos que seguiam, agora, os artistas que captam a atenção dos músicos de Flying Cages diferem. Zé Maria fala-nos de Black Keys, banda que acompanha há muito tempo e que viu em 2014 e, mesmo passados dois anos, “até agora mais nenhum artista bateu aquele concerto”. Para ele, o duo de Dan Auerbach e Patrick Carney forma “mistura incrível” em palco, “começando no ar de desleixado do baterista - mas sempre com aquele ar tranquilo de quem tudo sob controlo - acabando no vocalista que assume uma presença estável que só a experiência consegue consolidar”. Bernardo, o responsável pelas linhas de baixo de cages, deixou-se encantar pelo psicadelismo de Pond, banda que viu nos Paredes de Coura e cuja experiência se resume a duas palavras “É mágico”. O baterista Rui Pedro leva-nos a Bahrain para nos apresentar Flamingods, banda de rock psicadélico que viu na Queima das Fitas: “São uns doidos varridos e o concerto foi explosivo. A cada música trocavam de instrumentos entre si e era sempre uma malha! O VJ e o manager aos saltos em palco também ajudaram a fazer a festa” e Francisco Frutuoso fala-nos de Damon Albarn “não só pelo trabalho todo que tem como músico, mas também pela forma como aborda e pensa na música de uma forma mais conceptual, onde as letras e a própria imagem dos seus projectos espelham o que é pretendido transmitir” e Ravel “obviamente pelo jogo melódico”.

Ao longo de cinco anos de existência, a banda de Coimbra tem vindo a afirmar-se no panorama musical nacional, contando já com diversos concertos por todo o país, inclusive no NOS Alive e no Fusing Culture Experience. Depois de Lalochezia (2015) e da influência directa do indie rock, escusado será dizer que esperamos ansiosamente por conhecer esta nova fase de Flying Cages e experienciar todos os novos caminhos da sua música.

Ouve e vê o vídeo de Kalico, um dos temas de Flying Cages.

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No Sofar com... Lemoskine

Lemoskine é Rodrigo Lemos, músico e produtor de Curitiba que já fez parte de projectos como A Banda Mais Bonita da Cidade e Poléxia. Depois de um EP lançado em 2010, Lemoskine conta com dois discos de longa duração: Toda a Casa Crua (2012) e Pangea I Palace II (2015). Entre um álbum e outro, a sonoridade de Lemoskine sofreu alterações: após um primeiro disco mais acústico e apoiado no lirismo, Pangea I Palace II (2015) aposta no ecletismo, misturando diversas sonoridades e géneros musicais para nos falar de duas histórias: uma sobre o passado que não conhecemos e outra sobre o presente que construímos. Após um concerto arrebatador na edição do Sofar Sounds Lisbon, fomos falar com Rodrigo sobre o seu último disco, o processo de criação que lhe esteve inerente e sobre os artistas brasileiros que devemos mesmo conhecer.

Antes de mais, como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? Sendo que já tinhas tocado no Sofar Sounds em Curitiba, foi diferente?

Foi excelente. Fizemos cinco datas seguidas em Portugal e acabar a mini tour desta forma foi para, como dizemos no Brasil, lavar a alma. Levamos uma lembrança muito boa daqui. Em Curitiba toquei com outro projecto meu que se chama Naked Girls and Aeroplanes, e foi similar no sentido do acolhimento, das pessoas estarem numa vibe boa, mas foi diferente porque são projectos diferentes. Também já tinha tocado em São Paulo e a experiência Sofar Sounds é sempre muito boa.

Pangea I Palace II (2015) é um álbum que fala de uma história que fica para trás e daquilo que nós construímos na história. Como é que surge a ideia sobre este álbum?

Eu vinha de um momento em que fazer música a partir de uma experiência na primeira pessoa era muito pessoal para mim, o primeiro disco é basicamente sobre isso, é sobre experiências pessoais. Após três anos, senti uma necessidade diferente de falar menos sobre mim e sobre coisas que vivi mas supor mais coisas, supor um passado, supor um futuro e fazer uma reflexão sobre o que vivemos no presente. O título surgiu depois do álbum já estar escrito, depois já ter um número suficiente de composições para criar um conceito e um título. Foi uma necessidade falar menos sobre mim e falar mais sobre nós e sobre a humanidade.

A necessidade de este álbum ser um pouco mais politicamente consciente e reflexivo dos tempos em que vivemos surge no rescaldo da instabilidade política que tem acontecido no Brasil?

Sim, acho que todos nós enquanto brasileiros prevíamos que algo se estava a montar em torno da economia e da política e até da nossa relação pessoal enquanto comunidade. As coisas já estavam a caminhar para um lugar um pouco sombrio e obscuro, mas não estava a pensar nisso quando montei o álbum, era uma outra visão. Mas certamente há temas que têm a ver com o que estamos a viver agora no Brasil, porque a nossa história do Brasil tem marcas profundas do passado e sentimos que há uma responsabilidade com o presente para que o futuro seja uma coisa melhor. Posso assegurar que outros artistas como nós, similares ou não, têm exposto isso nas suas obras.

A fusão de estilos nesta composição muito mais eclética surgiu naturalmente, ou era um objectivo já premeditado que o álbum corresse neste tom mais colorido que Toda a Casa Crua (2010)?

Em parte, porque a banda que me acompanha no primeiro álbum é outra e a banda que me acompanha agora é ligeiramente diferente. Somado a tudo isso, já se passou um período longo entre um álbum e outro em que comecei a interessar-me por outros géneros e comecei a investir na rítmica. O primeiro álbum era mais focado no lirismo e composição a solo, como o Miguel (Ropio) se apresentou, voz e violão. Ter uma banda para ensaiar, ainda mais com músicos tão bons como eu tive a sorte de encontrar, deu-me a possibilidade em apostar nessas coisas, mas mais uma vez, não estava a pensar nisso no início e ao longo do processo foi surgindo, então o álbum influências de reggae, dub, de ritmos brasileiros. Ainda por cima, o background deles [da banda que o acompanha] é muito mais de música brasileira, eu venho de outra escola, mais rock.

Em Pangea I Palace II (2015) veio primeiro o instrumental ou a letra? O processo criativo foi semelhante ao que costumas fazer?

Surgiu primeiro com os temas rítmicos, tive muitas ideias de grooves, coisas que se repetissem e que dessem uma base para sintonizar, e só a partir disso viria uma mensagem, a letra. O primeiro é ao contrário, o primeiro é em cima das letras, este é em cima dos grooves, então foi um processo novo, nunca tinha feito dessa forma.

Para finalizar, que músico brasileiro (pode ser emergente ou não) os portugueses deviam mesmo conhecer?

Eu vou “super” vender o peixe dos meninos que me acompanham pois a banda deles é muito boa, chama-se Trombone de Frutas. Já estamos a alinhar, quem sabe, uma tournée juntos para vir tocar cá, porque entre a formação de Trombone de Frutas e Lemoskine mudam dois músicos apenas, então talvez possamos fazer isso. Para além de Trombone de Frutas, que também é de Curitiba, temos também uma rapper de lá que já se lançou a nível mundial e que é muito “fixe” o trabalho dela, a Karol Conka.

A Karol Conka já esteve cá, no Vodafone Mexefest do ano passado, falaram muito bem dela.

Ela esteve aqui sim, e agora deve estar em tournée em Inglaterra, já está a criar esse hábito. Eu, a solo, estou a vir pela primeira vez, mas já temos alguns artistas do meio não mainstream, independente, que não são tão “consagrados” e que já estão a começar a destacar-se cá fora e isso é muito legal, acho que é a coisa dos nossos tempos, não é?

Texto por: Inês Henriques

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Miguel Ropio, Lemoskine e Ditch Days: o Verão anunciado numa casa em Campo de Ourique

Texto por: Inês Henriques

Fotografias: Vítor

A 22ª edição do Sofar Sounds Lisbon foi caseira. A Inês abriu as portas da sua casa para acolher esta edição e o cenário familiar - com direito a salame de chocolate feito pela vizinha de cima - criou a atmosfera ideal para os concertos deste final de tarde. Sem sair de Campo de Ourique viajámos pelos ritmos de blues clássico de Miguel Ropio, atravessámos o Atlântico e experimentámos os ritmos brasileiros de Lemoskine e, por fim, vimos o pôr-do-sol numa qualquer praia californiana ao som dos temas de Ditch Days.  

Miguel Ropio - A estreia do blues man das Vendas Novas

Esta edição do Sofar começou com a estreia de Miguel Ropio que, sem banda e em formato acústico, apresentou o seu EP Lamentos e Suspiros Cantados com Prazer (2016). Tímido, o músico senta-se com a sua guitarra e inicia o set com o tema Salvação, uma “música sobre como somos tão inteligentes e tão burrinhos ao mesmo tempo”.  

Miguel Ropio traz de volta aquelas malhas incríveis de blues e rock clássico, influenciado por guitarristas como Eric Clapton, e, sobre elas, o timbre invulgar da sua voz canta tumultuosas reflexões sobre o que somos e o que deveríamos ser, fazendo lembrar os grandes nomes da canção de intervenção portuguesa, e é em Ser e Não Ser que a influência de nomes como Zeca Afonso ou Fausto é assumidamente evidenciada. Passámos pela canção homónima do EP e terminámos nostálgicos com o single Tudo o que Posso Dar, sobre uma “Quase doença / causas dependência com esse teu amor”, cujo refrão desde então que não nos sai da cabeça.

Através das suas músicas habilmente compostas, com influências não só musicais mas também literárias, Miguel Ropio assume-se como um artista que promete: o talento para a guitarra é inegável e a voz é excepcional. A postura politicamente consciente e informada interpela-nos para que também nós pensemos sobre a condição Humana. A música portuguesa já sentia falta disto e nós não podíamos estar mais orgulhosos por termos dado casa ao primeiro concerto deste artista que ainda vai dar muito que falar. Não se esqueçam: souberam aqui primeiro.

Lemonskine - A fusão de sons e cores vindas do outro lado do atlântico

A segunda actuação da 22ª Edição foi de Lemoskine, acompanhado por parte dos Trombone de Frutas. De Curitiba para o mundo, Rodrigo Lemos e a sua banda encheram a sala de estar da Inês de sons com diversas cores, numa actuação que se diria, no mínimo, épica.

Um trombone, uma guitarra, um teclado, um baixo, e uma bateria improvisada com uma mala de viagem a fazer de bongo formaram o conjunto da sonoridade incrível desta banda. Com O Que Eles Têm, o primeiro tema do concerto, começámos o nosso caminho pelos ritmos etéreos meio reggae meio jazz do último disco de Lemoskine, Pangea I Pallace II (2015), que tem um registo muito diferente daquilo que a MPB normalmente nos apresenta. Depois de dançarmos ao som de Âncora Abre Alas, segue-se um dos momentos altos desta edição: sem que ninguém estivesse à espera, Lemoskine e a sua banda prestam tributo a um dos grandes nomes da música portuguesa com uma versão de Capitão Romance dos Ornatos Violeta que uniu de forma exímia os ritmos brasileiros e portugueses, eliminando completamente o oceano que nos separa.

Após este momento, e antes que a mala de viagem se “quebrasse”, assobiámos num compasso ternário ao som de Nessa Mulher e acompanhámos com o estalar de dedos a Música de Novela, o último tema deste mini-concerto de Lemoskine, numa versão muito mais instrumental do que a de estúdio, com direito a um brilhante solo de trombone de Lauro Ribeiro.

Antes de se ir embora, Lemoskine disse-nos que não havia melhor forma de terminar a mini tour que tinha feito por Portugal. A magia do Sofar Sounds é esta: temos a oportunidade de partilhar momentos inesquecíveis tanto para o público como para os artistas. Agradecemos por toda a energia incrível que nos transmitiram bem como o concerto caloroso. Valeu e muito. 

Ditch Days - As harmonias dos dias soalheiros 

O sol já se estava a pôr quando os Ditch Days entram em palco para o seu concerto de estreia oficial em Lisboa. De repente, estamos na Califórnia a ir de carro para a praia de cabelos ao vento ao som das melodias dream pop e fuzz da banda lisboeta.

O interesse pelo cinema fez com que o imaginário musical, já por si muito cinematográfico, da banda de Guilherme Correia, José Crespo e Luís Medeiros tivesse como complemento diversos samples de filmes, séries e entrevistas. Em Nostalgia ouvimos alguém a ordenar “Shut the Door”, e, como que num jogo, tentamos adivinhar a origem desta frase. Sem sucesso, seguimos o rasto do sol e vamos para sul com Melbourne, o único single lançado de Ditch Days. Em substituição de uma música que seria cantada por uma amiga que não pode comparecer, o tema que fechou esta edição do Sofar Sounds foi In Films, “uma música que ficava bem nos filmes”, explica-nos Guilherme Correia. Fechamos os olhos, estamos em Palm Springs e somos protagonistas de um qualquer filme da década de 90.

Ditch Days só têm um single lançado e o álbum sairá apenas em Setembro, mas já andam a dominar tops da rádio e percebemos bem porquê: eles são a banda sonora dos nossos filmes preferidos. Ao deixarem entrar na sua música o cinema, de repente fazemos também parte de um filme e viajamos como só esta arte - tal como a música - sabe fazer. Com Ditch Days, os dias de Verão nunca mais serão os mesmos. E nós também não.

Alinhamento 22ª Edição Sofar Sounds Lisbon

Miguel Ropio:

Salvação

Ser e Não Ser 

Lamentos e Suspiros Cantados Com Prazer

Tudo o que Posso Dar 

Lemoskine:

O que Eles Têm 

Âncora Abre Alas

Capitão Romance (cover Ornatos Violeta)

Nessa Mulher

Música de Novela

Ditch Days: 

Blue Chords

Nostalgia

Melbourne

In Films

Miguel Ropio: https://www.facebook.com/miguelropiolscp/?fref=ts

Lemoskine: https://www.facebook.com/CurtaLemoskine/?fref=ts

Ditch Days: https://www.facebook.com/ditchdays/?fref=ts

Sofarbook: https://www.facebook.com/SofarLisbon/

Sofargram: https://www.instagram.com/sofarlisbon/

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O amor cantado a dois tempos - Slow J e Isaura têm novos singles

Slow J e Isaura dispensam apresentações. O artista revelação do hip-hop e a nova sensação da pop electrónica foram dois nomes que passaram pela nossa sala e marcaram o cenário musical de 2015. Mas o que eles têm em comum? Para além do talento, pouco mais, mas ambos lançaram novos singles no mesmo dia.

Slow J, rapper e produtor, lançou uma demo de Sereneta, música que integrará o seu primeiro álbum The Art of Slowing Down, com data de lançamento prevista para Setembro. Desde o seu EP de estreia The Free Food Tape que J tem sido aclamado como uma promessa no hip-hop nacional, e não é difícil perceber porquê: a lírica é exímia e o pano de fundo é um instrumental que não necessita de grandes ornamentos para criar um conjunto distinto.

A ritmo lento, a rima do novo tema de Slow J é acompanhada pela melodia soul da guitarra acústica para nos cantar uma «serenata de harmonia». A fórmula é simples, mas não subestimem a riqueza sonora de Serenata. Garantimos que o resultado é qualquer coisa.

Mas as novidades não ficam por aqui. Isaura, que  entrou de rompante no panorama da música nacional há mais ou menos um ano, dando cunho novo ao que se faz na música pop. Desde então que não nos conseguimos desprender-nos da sua voz suave e das melodias frescas presentes em temas como Change it ou Dancefloor, que nos viciam logo à primeira audição.

E com 8 não foi diferente. O primeiro single desde o lançamento do seu EP de estreia Serendipity reforça o talento inegável de Isaura: a sonoridade electrónica do novo tema dá cor aos versos sentimentais cantados pela cantora de forma infalível. Embora não existam ainda novidades sobre um novo álbum, aguardamos ansiosamente por mais novidades, dado que já gastamos o botão repeat desta música.

Recorda aqui a passagem de Slow J e Isaura pelo Sofar Sounds Lisbon e inscreve-te nas próximas edições em www.sofarsounds.com/lisbon

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WHALES lançam o seu single de estreia “Big Pulse Waves”

Por: Inês Henriques

Whales, a banda vencedora do Festival Termómetro 2016, estreou ontem o seu primeiro single “Big Pulse Waves”. Com apenas um ano de existência, os Leirienses não deixam espaço para dúvidas do seu talento e este single é só mais uma prova do todo o potencial que eles têm: durante três minutos navegamos por ritmos de bateria enérgicos e teclas alucinatórias ondulados pelos riffs de guitarra e baixo.

Whales, que foram anunciados há um mês no NOS Alive, estiveram na 17ª Edição do Sofar Sounds Lisbon num concerto curto mas intenso no Palácio do Pombal, deixando o público do Sofar Sounds a desejar por mais. As “baleias” voltaram a estar connosco na passada sexta-feira no encerramento de Sounds Like Bold by Sofar no BOLD Creative Festival, e, se já achávamos que o outro concerto tinha sido para lá de bom, este último excedeu completamente as expectativas, encerrando o festival de forma grandiosa. O power que emana das suas músicas resulta numa experiência intensa que nos transporta para outras dimensões.

Para provarem o que estamos a dizer, ouçam “Big Pulse Waves” e entrem na atmosfera de Whales. Mas atenção, há um forte perigo de ficarem viciados e não conseguirem ouvir mais nada hoje. Ou nos próximos dias.

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O Sofar Sounds Lisbon chegou à rádio

Se não tens uma sala suficientemente grande para receber uma edição do Sofar Sounds Lisbon, nós arranjamos a solução ideal para chegar as todas as casas. Agora, para além das nossas edições, temos encontro marcado convosco mais uma vez por mês numa rubrica mensal no Rádio Defusão para falarmos sobre as nossas edições, sobre os artistas e outras curiosidades sobre o Sofar Sounds.

O primeiro podcast já saiu e está disponível aqui.