The Art of Doing @theartofdoingarchive - Tumblr Blog

L'Art de… The Art of...

7 passions, 7 portraits, 9 mois plus tard.

Avec ce projet, j'avais la volonté de montrer que nous étions tous capable de faire et de vivre de nos passions mais je ne pensais pas que ce "voyage" m'apporterai autant d'un point de vue personnel.

J'ai mis du temps à trouver ce que je voulais vous dire avec ce dernier édito, car oui, vous l'aurez compris, ce projet se termine… pour laisser la place à de nouvelles explorations. Après avoir parcouru tous les portraits, je me suis dit que je pourrais vous raconter le processus par lequel je suis passé pour réaliser ce projet. Un mécanisme marqué par plusieurs chapitres

7 passions, 7 portraits, 9 months later.

With this project, I had the desire to show that we were able to do and to make a living with our passions, but I didn't expect to learn so much about myself through this trip.

It took me a while to figure out what I wanted to tell you with this final editorial. And you might have guessed, as this project ends...a new one soon begins. So after reading and watching all the portraits, I thought I would tell you the process I went through for this project. A mechanism marked by several chapters.

La Varappe Une fois la prise de conscience de la réelle raison de mon inaction, je pris mon courage à deux mains et je planta le premier pieux, je pensais avoir fait le plus gros, alors que ce n'était que le début. Car même après avoir grimpé les premiers trente mètres, le plus dur, c'est de ne pas abandonner, de ne pas regarder en bas, de tenir, de persévérer. Parce que le doute, il m'accompagne, il me tient la main, il sera mon meilleur ami pendant toute la durée de mon escalade. Mieux vaut savoir vivre avec. Au début, je ne comprenais pas pourquoi je me sentais moins à l'aise avec ce projet personnel qu'avec d'autres projets dont je n'étais pas l'initiateur. Tout cela me perturba. Le premier montage m'a pris une éternité, j'ai monté, démonté, remonté, comme si je ne savais plus rien faire, c'était une réelle épreuve ! En fait, faire quelque chose qui ne dépendait que de moi, m'a poussé à accepter mes propres capacités et à apprréhender l'inconnu. J'avançais sans filet et si jamais je décrochais, je n'aurais pu blamer personne d'autre que moi ! Et, pour être honnête, ça m'emmerdait, c'était difficile ! Et si chaque portrait a été un défi, tous épris de doutes, j'ai finalement appris à apprivoiser cet état et j'en suis même arrivé à aimer cette ascension à l'aveugle. J'ai découvert que la recherche n'est pas une ligne droite oú on avance avec une confiance grandissante, mais un sac de noeuds où on se prend souvent les pieds. Il faut avancer lentement en ne lâchant jamais la corde. En acceptant cet inconfort, cette vulnérabilité de ne pas vraiment savoir où j'allais, je suis sorti de ce petit lit (trop) douillet que je m'étais confectionné au cours de mes douze années d'expérience. De plus, apprendre à montrer des choses qui ne sont pas totalement terminées (comme je les aurai voulu) a été aussi la clé. J'ai appris en faisant, en me trompant, en tentant des choses. Je suis fier de ces sept portraits, avec leurs qualités et leurs défauts (enfin, j'essaie de ne pas trop les voir ;) car l'important c'est de les avoir partagé tels qu'ils sont. J'ai, aujourd'hui, un peu plus cerné ce fameux adage chinois : "Ce qui compte ce n'est pas la destination mais le voyage."

The Climb Once I was aware of the true reason of my inaction, I took my courage in both hands and I planted the first stake. I thought the hardest part was behind me, but this was only the beginning. Because even after climbing the first thirty meters, the hardest part is to not give up, not to look down and to keep up and persevere. I'm not gonna be alone on this trip. Doubt will be beside me; it will be my best friend for this adventure. Better learn to live with it. At the beginning, I didn't understand why I felt less comfortable with this personal project. I actually felt better when I worked on others' projects. All this was very confusing. The first editing took me forever. I edited, started over, edited again and again, as if I wasn't able to do it. It was an ordeal! In fact, doing something that was only up to me pushed me to accept my own abilities and to grasp the unknown. I went without a net and if I ever gave up, I couldn't blame anyone but me! And to be honest, it was difficult to live with that. It sucked! Even if each one of the portraits was a challenge, with plenty of doubts, I finally learned to tame this state and I finally loved the climb to the unknown. I discovered that research is not a straight line, where we move along with growing confidence, but a can of worms that we often fall into. We have to move slowly and always keep trying. By accepting being in this discomfort zone and living with this vulnerability of not really knowing where I was going, I got out of my (too) soft bed of experience that I had been making for twelve years. Furthermore, learning to show things that are not completely finished (as I would have wanted to) was also a key point. I learned by doing, by failing, by trying things. I'm proud of these seven portraits, with their qualities and defects (well, I try not to see them too much ;) because the important thing is to have shipped them as they are. I now understood a little bit more this famous Chinese adage: " What counts is not the destination but the journey."

#editorial

The Art of Doing | Portrait of Val Day, Tattoo Artist (n7)

#mystic #val day #montreal #tattoos

Story: "Inked on Skin" | "Encre sur peau"

Cheveux tri-colore, où mauve et violet se fondent dans un brun sombre, médaillon à l'effigie de Dark Vador, Converses noires et blanches, Sainte Vierge aux larmes de sang, licorne bleue cyan, masques de lutte colorés, photomaton de Val et son fils... En quelques instants, vous êtes immergé dans son monde. Un univers graphique néotraditionnel où les calques de ses dessins tapissent le mur du studio comme un lierre grimpant, représentant la prolifique et incessante créativité de cette jeune lady. Géométrie et symétrie s'associent pour dépeindre une forêt mystique, souvent sombre, qui laisse malgré tout, transparaître une touche féminine.

Tricolored hair, mauve and purple blended together into a dark brown shade, a Darth Vader locket, black and white pair of Converses, a Virgin crying blood, a cyan unicorn, colored wrestling masks, pictures of Val with her son... in an instant, you are immersed into her world. A neo-traditional graphic universe where walls are covered with layers of drawings as a flourishing ivy; an image of the prolific and relentless creativity of this young woman. Geometry and symmetry go together to portray a mystical atmosphere, a dark forest with a feminine touch.

#tattoos #montreal #mystic #val day

When I arrived in Montreal, one of the first things that struck me was the omnipresence of people with tattoos. I saw them on arms, legs, the neck, back, hands, everywhere; you name it. What was more surprising was that, it seemed to me that ‘tattoos’ had lost their label of being on the margins. You could be in your 20s, 30s, 40s even older, an artist, a business person, men, women, everyone seemed to be marked by this subcutaneous ink. It was like a live painting collection exhibited on the epidermis. Fascinated by this unknown world, I wanted to know, to understand more about it. With this in mind I began browsing through the social connections of my friends in Montreal (also tattoo enthusiasts) and I chanced upon the work of a young tattoo artist who, since she was 17 years old, had replaced her paper with another canvas: the skin. Curious? Read this story to discover Val Day's philosophy: Tattoo Artist.

Lorsque je suis arrivé à Montréal une des premières choses qui m'a marqué c'est l'omniprésence de personnes tatouées. Bras, jambes, nuque, dos, mains, tout y passe. D'autant plus surprenant que cette marque semble s'être démunie de son étiquette "marginale". Jeunes, moins jeunes, artistes, hommes d'affaires, hommes, femmes, tous portent cette encre souscutanée, exposée comme un tableau sur l'épiderme de leur corps. Facsciné par cet univers inconnu, je voulais en savoir plus, comprendre pourquoi. En parcourant les connexions de mes amis montréalais (eux aussi des adeptes du tatouage), je découvris le travail d'une jeune tatoueuse, qui, depuis ses 17 ans, a remplacé son canevas de papier par celui de la peau. Curieux ? Lisez la suite pour découvrir la philosophie de Val Day, Tatoueuse.

#tattoos #montreal #mystic #val day

The Art of Doing | Portrait of José Navas, Dancer (n6)

#jose #navas #montreal #dance #choreography #venezuela

Story: "Face the Beast" | "Affrontez la Bête"

"Je commence toujours en silence". José laisse parler son corps, il l'observe et regarde les années s'inscrire sur sa chair sans appréhension. Son instrument se métamorphose avec le temps, et ils travaillent ensemble pour créer une oeuvre en phase avec son âge. José ne part jamais d'une idée fixe, il interroge et écoute ses mouvements, qui ne sont pour lui, que le reflet de son âme. Il commence par le moment présent, par la chose la plus simple : "Il faut laisser son égo à l'extérieur du studio." Un danseur doit-être à la fois vide, pour être capable d'accueillir les nouvelles choses qui se passent autour de lui et à la fois plein de toute sa force d'inspiration. Comme lui disait Merce Cunningham, dont il fut l'élève à New York : "il faut avoir confiance au hasard". En effet, il faut avoir le courage de se laisser aller et de ne pas savoir exactement où l'on va, il faut sortir de sa zone de confort, il faut toucher l'inconnu. C'est à ce moment que nous pouvons être créatif.

"I always start in silence," José lets his body speak. Fearless, he observes and looks at the years that carelessly and without hesitation indelibly mark his flesh. His mortal instrument is mutating over time, and they work together to create something in line with his age. José never begins with a fixed idea, he queries and listens to his movements, which for him, are a reflection of his soul. It starts with the present, by the simplest thing: "You have to leave your ego outside the studio." A dancer must be both empty, to be able to welcome new things happening around him, and at the same time full of all his strength to light his source of inspiration. When he was in New York City, he was a student of Merce Cunningham, and he remembers his advice: "You must trust luck". Indeed, we must have the courage to let go and not try to know exactly where we're going. We must leave our comfort zone and we must touch the unknown. It's only at this point that we can be creative.

José croit en une certaine forme d'intelligence qui nous pousse à créer, et selon ses mots "Imaginer c'est sa mission", à 48 ans il veut nous montrer que nous sommes tous capables de créer, il veut pousser les gens à aller toujours plus loin, à avoir confiance en leur intelligence. Il espère même un jour "créer quelque chose qui va inspirer les gens". De ce côté là, je pense que ses créations et sa philosophie sont déjà une forte source d'inspiration ! "Quand je vois un grand danseur, je vois une personne qui me montre mes possibilités, ce que je suis capable de faire. Quand je vois Martha Argerich, cette femme qui semble ordinaire aux premiers regards, et qui en une note s'avère être une des plus grandes pianiste de notre temps, c'est extraordinaire !" Cette transition, cette rupture entre vie et spectacle est une autre des particularités de José. Lors de ses spectacles il a une volonté de nous montrer son vrai visage d'homme, les ruptures entre les tableaux sont sobres et se font sur scène, en pleine lumière. Pas de masque, pas d'artifice, pour nous montrer la beauté de la transformation. Nous assistons en fait à son saut dans le vide, le moment où José devient José Navas, le chorégraphe, le danseur, où l'homme enfile son costume pour devenir personnage et "parfois même cette transition est plus belle que le spectacle comme tel" se plait-il à me dire. Finalement l'homme et l'artiste fusionnent pour ne laisser transparaître qu'un seul et même être. Pour José, un artiste "c'est quelqu'un qui ose imaginer, qui donne des formes à l'intelligence, qui créé des connections dans mon cerveau dont je n'étais même pas au courant." Une personne qui s'émancipe et défie le status quo, mais aussi qui partage. José entame la deuxième moitié de sa vie, et "je sais bien que si je suis ici aujourd'hui c'est parce que des gens m'ont dit un jour "je crois en toi" et parce que le public m'a suivi." Il ne veut donc pas partir sans avoir tout donné. Il veut transmettre, transpirer sa passion. Voilà pourquoi sur scène, il se dépasse. Il ne veut rien garder pour lui, il veut libérer tout ce qu'il a, il veut donner sa vie aux gens et "si un jour quelqu'un dit : j'ai vu l'esprit de José Navas danser, et bien, wouah! cela aura valu le coup de pratiquer trente ans une discipline !"

José believes in a form of intelligence that drives us to create and in his words "To imagine is my mission". He's 48 years old and he wants to show us that we all have the ability to create. He wants to push people to go further, to trust their intelligence. He even hopes one day to "create something that will inspire people." On that part, I think his creations and his philosophy are already a great source of inspiration! "When I see a great dancer, I see a person who shows my possibilities, what I'm capable of. When I see Martha Argerich, this woman who seems ordinary at first glance, but who turns out to be one of the greatest pianist of our time, it's amazing!" This transition, this link between life and performance is also a signature of José. During the show, he wants to show us his real face, so the transitions between scenes are simple and everything happens on stage in full light. No mask, no artifice, in order to show us the beauty of the transformation. We are witnessing his leap into the void, when José becomes José Navas, the choreographer, the dancer, where the man puts on his costume and becomes the persona and "sometimes this transition is even more beautiful than the show as such," he likes to say. Finally, the man and the artist merges together to become one. For José, an artist "is someone who imagines, who shapes intelligence, who creates connections in my brain that I wasn't even aware of." A person who frees themselves and challenges the status quo, but also who shares. José began the second half of his life and, "I know that if I'm here today because of the people who told me that they believed in me" and thanks to the audience for following me." He doesn't want to leave without having given it his everything. He wants to pass on his passion, to hand down out his art. That's why on stage, he exceeds himself. He wants to keep nothing for himself, he wants to release everything he has, he wants to give his life to the people and "if one day, someone says: I saw the spirit of José Navas dancing, well, wow! It will have been worth the practice this discipline for thirty years!"

#jose #navas #dance #choreography #montreal #venezuela

José Navas creates the space with his gestures as a writer would with words. His movements leave ephemeral prints on the periphery of our pupils, while his strength and vulnerability leave a mark on our spirit, as if imprinting it with black ink. He doesn't perform, he communicates with and engages his audience. The scenes evolve with the audience's reactions. A work unravels; brought to life by constant engagement, where the body language set the words free from their meanings and everything is connected with the movement of the air. I discovered the work of this amazing dancer less than a year ago, when his show "Miniatures" was featured at l'Agora in Montreal. I was swept away by the singularity and the presence of this man in motion, who lets his spirit talk with humility and grace.

José Navas écrit l'espace avec ses gestes comme il le ferait avec des mots. Ses mouvements laissent des traces éphémères sur les pourtours de notre pupille mais marque l'esprit à l'encre noire par sa force et sa vulnérabilité. Il ne performe pas, il dialogue. Ses tableaux évoluent en fonction du regard que lui donne son public. Une oeuvre en constante mutation portée par une discussion où la parole s'émancipe de tout sens par le langage du corps et où tout s'unit grâce aux déplacements de l'air. J'ai découvert le travail de ce grand danseur, il y a moins d'un an, lors de son spectacle "Miniatures" en représentation à l'Agora, à Montréal. Je me suis laissé emporter par la singularité et la présence de cet homme mouvant qui laisse parler son esprit avec humilité.

Découvrez avec moi, le portrait de José Navas, danseur et chorégraphe.

#jose #dance #choreography #montreal #venezuela #navas

Do something simple, yet meaningful! Faisons des choses simples mais avec du sens !

Nous avons de plus en plus d'applications, d'outils, d'éléments pour nous faciliter la vie, pour créer, pour vivre et qu'en faisons-nous ?, et bien j'ai bien peur, pas grand chose. Je suis malgré tout persuadé que nous vivons dans une période qui pourrait être le début d'une nouvelle ère, mais nous n'en avons pas encore bien compris le sens.

We have more and more tools, apps, things to make our lives easier; to create, to live, to fill our lives, and what do we really do with them? I'm afraid, nothing much. I'm still convinced that we live in a time that could be the beginning of a new era, but we don’t seem to grasp the importance of this moment.

Aujourd'hui, la "belle" image n'est qu'à quelques clicks de souris et pour autant chaque "nouvelles" images auxquelles nous sommes exposés tombent rapidement dans l'oubli de l'abondance. Quelle différence y-a-t-il entre ces visuels, ces peintures, ces films qui traversent les années et ce que nous faisons aujourd'hui ? La rareté, peut–être ? Je suis bien conscient que nous n'avons pas encore le recul nécessaire pour se rendre compte de la portée de nos actes, mais je suis sûr qu'il y a un problème. Quelque chose ne résonne plus. Nous nous rendons compte que nous ne sommes plus, quelques, mais des millions d'artistes, tous capables de créer de "belles" choses certes, mais nous sommes nombreux à être vide de sens. J'en fais partie. Qu'ai-je envie de raconter, de dire ? Je ne le sais toujours pas. Je tatonne, je cherche. Sommes-nous perdus ? Est-ce le fait que nous, jeune génération de l'Occident, nous n'avons plus grand chose à désirer, à défendre? Que voulons-nous transmettre aux générations futures ? Mais au fond, se préocuppe-t-on des traces que nous laisserons derrière nous ? Ne sommes-nous pas tombés dans le vide du nombrilisme ? Je ne sais pas si nous devons y répondre, mais nous avons la responsabilité de nous le demander. En ce début du 21e siècle, le "beau en barre" nous étouffe, 90% des images que nous entre-apercevons remplissent correctement les critères d'un esthétisme certain. Mais quelle est la signification de ces visuels jetables ? Il est aisé de faire quelque chose d'attractif à court terme mais tellement difficile de trouver un réel sens à ces pixels qui s'entrechoquent. Le monde de la publicité en est le premier exemple, les marques comme les agences ne savent plus quoi inventer pour vendre. Ils vendent des choses sans histoires, sans intérêts. Je sais qu'il faut connaître l'abondance pour être capable de faire un tri, mais la plupart du temps nous n'avons aucunement besoin de ces choses qui nous sont jeter à la gueule chaque jour. Nous saturons !

Today a "beautiful" picture is only a few clicks away, but every new image will quickly be consigned to oblivion. What is the difference between the visuals, paintings, films that have lasted through the years and what we create today? Scarcity, perhaps? I understand that we don't have the necessary perspective to understand the scope of our actions, but I'm sure that there is something wrong. Nothing resonates anymore. We realize that we are no longer a few, but millions of artists, all capable of creating "beautiful" things, but most of what we create is bereft of meaning. I am part of this tribe too. What do I want to say? I still don't know. I fumble, I try. Are we lost? Maybe it's because in the West, we, the younger generation, don't have much to defend or desire anymore? Affluence is our nemesis perhaps. What do we owe to our future generations? Fundamentally, are we really worried about what we'll leave behind? Have we become so self-centered that we have fallen into the void of ourselves? I don't know if we need to answer that, but in the least we have to wonder. In the early 21st century, the "abundance of beauty" is choking us. 90% of the pictures we take meet the criterion of a certain aesthetic. But what is the meaning of these disposable images? It's easy to make something attractive in the short term, but its so difficult to find a real sense of these trillions of pixels. The best example is the collusion of big brands and advertising companies. While big brands churn out mindless products, advertising agencies add glitter and market them. They sell these products (I call them ‘fluff’) which have no purpose behind them. I know we need abundance to be able to choose, but most of the time we don’t need any of these things that get thrown at us every single day. We are completely saturated.

Je pense que je passe plus de quatorze heures par jour à regarder ma vie à travers divers écrans, je pourrais blâmer mon travail, j'aurais une bonne excuse, mais si je suis honnête avec vous, j'adore ça. Pourquoi ? Je ne me l'explique pas. La fameuse scène de "Wall-E", où les individus se parlent par écrans interposés, n'est pas une vision du futur mais d'ores et déjà une réalité. Je lisais l'interview d'un ami, et talentueux graphiste, Tim Soret, qui disait que "le monde du motion design tournait en rond". Je suis bien d'accord avec lui, et pour moi internet en est la principale cause. C'est, certes, une ouverture sur le monde mais aussi le plus grand système mondial qui fonctionne en circuit fermé. Nous nous copions tous, ce qui n'est pas un problème en soi, mais comme plus grand chose d'extérieur ne pénètre cette sphère vicieuse, rien ne change ni n'évolue réellement. Nous créons à travers et pour ces écrans et nous ne voyons plus que la couche superficielle de la vie. Ce qui est d'autant plus paradoxal, c'est que nous utilisons souvent ces outils numériques pour s'approcher au plus près de l'image d'une certaine réalité organique et nous n'avons plus conscience que ce que nous reproduisons n'est en fait qu'un reflet de ce que nous imaginons vivre. Nous oublions que nous ne voyons pas avec nos yeux mais avec notre âme. Chaque chose que nous vivons passe par le prisme de nos cinq sens, de notre culture, de nos émotions. Je n'ai jamais été très sensible aux oeuvres de Picasso, mais j'ai toujours été admiratif de l'homme et de sa démarche. Il était pour moi le meilleur peintre "réaliste" du siècle dernier. Il ne nous montrait pas une image mais dépeignait sa réalité. Il ne reproduisait pas un réel visuel mais un réel mental. Par l'utilisation de la géométrie et du multi-facettes, il tentait de retranscrire ce qu'il ressentait. De notre côté, nous manipulons les contours de la réalité sans en comprendre réellement le coeur, parce nous n'avons (ne prenons) plus le temps de vivre réellement et de réfléchir sur ce que nous faisons. La vitesse nous plonge dans une course de l'éphémère où la production quasi-industrielle d'images prime sur la profondeur des choses.

I spend more than fourteen hours a day living my life through various computer screens. I could blame my job, I would have a good excuse, but to be honest with you, I love it. Why? I don't know. The famous scene from the film "Wall-E", where people talk to each other through screens, is not a vision of the future but already a reality. I read an interview of a friend of mine and a very talented graphic designer, Tim Soret. He said that "the motion design art goes around in circles." I quite agree with him and my take is that the main cause of this is the internet. This is certainly a window to the world but also the world's largest system which works in a closed circuit. We're all copycats, which is not a problem, but as nothing comes from the outside into this vicious circle, nothing really changes nor evolves. We create through and for these screens, and we only see the surface of the first layer of life. What is even more paradoxical is that we often use these digital tools to be as close as we can to the image of an organic reality. Unfortunately, we are no longer aware that what we reproduce is actually a reflection of what we imagine to live. We forget that we don't see with our eyes but with our soul. Everything we experience filters through the prism of our five senses, our culture, our emotions. I've never been very sensitive to the work of Picasso, but I always admire the man and his approach. In my opinion, he was the best "realist" painter of the last century. He didn't just show us an image, but portrayed a reality. He didn't reproduce a visual reality but a mental reality. By using geometry and multi-faceted angles, he tried to recreate what he felt. For our part, we handle the contours of reality without really comprehending its essence, because we don’t have the time anymore (or don't want to take the time). We don’t have the time to really live and think about what we do. Our fast-paced lives make us run the race of the ephemeral, and the mass production of images takes precedence over the meaningfulness of things.

#editorial

#orchestra #dina #portrait #osm #montreal #arkea #woman

Story: "The Feminine Music" | "Musique Au Féminin"

Jeune fille de la Beauce, région au sud de la ville de Québec, Dina a découvert tardivement la musique orchestrale, "j'étais relativement vieille", me dit-elle "je devais avoir autour de 13 ans". Mais sa première rencontre avec les partitions commença bien des années avant. Son père, grand amateur de musique, permit à ses six filles de pratiquer le piano dès le plus jeune âge. Une immersion précoce qui lui permit d'appréhender quelques années plus tard la clarinette. Inconsciemment, elle traçait déjà le chemin de sa future voie. "A la différence du piano, où on est souvent seul sur son banc (rires), la clarinette m'a permis de faire partie d'un ensemble et de découvrir l'alchimie qui existait entre le chef et son ensemble". Elle poursuit alors ses études vers une maîtrise et un doctorat en direction d'orchestre. Accompagnée par des professeurs passionnés, l'envie de diriger ses propres musiciens grandit au fil du temps. Elle constitua alors son orchestre, qu'elle nomma : Arkea. Sa volonté était de s'entourer uniquement de jeunes musiciens de sa génération pour essayer d'apporter quelque chose de différent et d'être à l'affut de nouvelles choses.

Dina came from la Beauce, a region in the south of Quebec City. She discovered orchestral music when she was already a teenager. "I was relatively old," she said "I was around 13." But her first encounter with the music sheet was many years before. Her father, a music lover, allowed his six daughters to learn and practice the piano at an early age. Her musical immersion prepared her to pick up the clarinet a few years later. Unconsciously, she had stumbled upon the path of her future journey. "Unlike the piano, where you are lonely on your bench (laughs), the clarinet allowed me to be part of an ensemble and to feel the chemistry between the conductor and his orchestra." So she continued her studies with a master's degree and a doctorate in conducting. Accompanied by fantastic teachers, the desire to conduct her own ensemble grew over time. She then formed her orchestra and named it: Arkea. She wanted to be surrounded only by young musicians of her generation to try to bring something different and be ready for the new things.

#orchestra #dina #conductor #montreal #woman #arkea

Un silence, une baguette, une posture.

Des mouvements, des pauses, des croches, des souffles, des regards absents.

J'aime depuis longtemps la musique classique, et j'ai toujours été fasciné par le métier de chef d'orchestre. Je ne sais pas vous, mais je me suis souvent pris pour l'un d'entre eux, seul chez moi, à l'abri des regards. Je prétends mener la 5e Symphonie de Beethoven en agitant vigoureusement les bras. C'est tellement énergisant ! Malgré tout, le langage de cette silhouette sans visage, qui dessine la ligne de cette mélodie invisible, est toujours restée un peu obscure. Des signes qui semblent être décodés seulement par des oreilles musicales attentives qui nous font face. Si je connais la place du spectateur, je me suis souvent demandé quelle vision avait les musiciens. Sont-ils plongés dans le noir des notes ou dans l'émotion de la gestuelle du chef d'orchestre ?, peut–être les deux, peut-être rien de tout ça. J'ai eu la chance de rencontrer Dina et de passer de l'autre côté du mur sonore pour découvrir que ce langage n'était pas si ésotérique, mais plutôt sensoriel. Des gestes émotionnels qui retranscrivent la mélodie des voix d'un compositeur. Une mélodie étudiée, analysée et interprétée par une jeune femme qui ne pourrait se reconnaître sans son art : la musique. Laissez-vous emporter par le portrait de Dina Gilbert, Chef d'orchestre et Directrice artistique de l'ensemble Arkea.

Silence. The baton, the posture.

Movements, pauses, quavers, breaths, a faceless back.

I’ve loved classical music for a long time, and I've always been fascinated by the art of conducting. I don't know about you but I often pretended to be one, alone at home, out of sight. I “conducted” Beethoven's 5th Symphony by making wide gestures with my arms. It was so energizing! Nevertheless, this silhouette who draws the invisible line of the melody, has always spoken an obscure language to me. These signs seem to be only decoded by attentive and musical ears. If I know what it is to be in the audience, I’ve often wondered what it was to be on the musicians’ side. Are they immersed in the black hole of the notes or charmed by the conductor's body language? Maybe both, maybe none of this. I had the chance to meet Dina and I went beyond the sound barrier to discover that this language is not esoteric, but sensory. Emotional gestures which transcribe the melody of the composer's voices. This young woman studies, ponders and learns every line of music before performing. She loves her art and could not recognize herself without it. Let yourself get carried away by the portrait of Dina Gilbert, Conductor and Artistic Director of L'ensemble Arkea.

#arkea #osm #dina #conductor #woman #montreal #orchestra

The Art of Doing | Portrait of Vaughn Robert Squire, Barber Live P.A. (n4)

#live pa #rob #prison garde #montreal #barber

"I'm a blue-collar guy"

Depuis plus de vingt ans dans le monde de la musique hiphop, rap, rock, électro, Rob s'est façonné de nombreux pseudos, le dernier en date "prison garde". Son domaine ne s'arrête pas au rythme des beats, il est graphiste, vidéaste, il a dirigé diverses agences de création, ouvert une galerie d'Art à Vancouver, produit le "Redbull academy music tour", et aujourd'hui... et bien il est barbier. Un homme multitâche, multi-talents, qui ne s'arrête jamais et qui a "toujours voulu tout faire". Faire tout, mais "faire toujours tout le mieux possible". Aller jusqu'au bout de l'exploration, aller voir ce qu'une nouvelle discipline peut lui apporter, sans jamais rien approcher en dilettante. "On se réveille pas tous les matins avec des idées géniales, mais il faut être prêt, et la seule solution c'est de pratiquer son art tous les jours". Né dans les années 70, il a grandi dans cette Amérique plongée dans la culture du skateboard et du punk-rock. Le "Do it Yourself movement de cette époque, a forgé [ses] idées et coulé les fondations de ce que c'était d'être un homme", me dit-il. Un homme libre dans ses choix, dans le chemin qu'il a décidé de suivre. Cette liberté il se l'est forgée seul, "j'ai tout appris par moi-même, je ne suis pas un mec de bonne famille". Malgré la société qui vous pousse à une certaine conformité, il est arrivé à être ce qu'il voulait. "Je suis un mec de 90kg, des tattoos sur les mains, se levant à 11h du mat', travaillant à midi, on ne peut pas dire que je sorte d'une histoire d'un film d'Orson Welles !" se marre-t'il.

For more than twenty years in the music field - hip hop, rap, rock and electro - Rob is known as many different aliases, the most recent: "prison guard". But his field goes far beyond the rhythm of beats. He is at the same time a graphic designer, a videographer, he ran creative agencies, opened an art gallery in Vancouver, produced the "Redbull music academy tour," and today... well, he's a barber. A versatile and multi-talented guy who never stops and has "always wanted to do everything". Do everything, but "always do it well." He likes exploring new things to get the most out of it, and always with conviction. "You can't wake up every morning with great ideas, so you have to be ready, and the only way is to practice your art every single day." Born in the 70s, he grew up in North America, in the skateboard and punk-rock area. "The DIY movement shaped [his] ideas of being a man." A free man, who has decided to pursue his own journey. He built his freedom alone; "I'm not a rich kid. Everything comes from myself." Despite the fact that our society pushes us toward uniformity, he took a big step back from it and he succeeded in having the adult life he likes, "I'm a 200 lb guy with hand tattoos, I fucking wake up at 11, work at 12, I'm not in some Orson Welles' story, you know," he laughs.

#rob #barber #montreal #live #live pa #pa

"I'm a blue-collar guy"

---

S.Q.U.I.R.E., six black bold letters embedded in the wall of 5390 Park Avenue. Through the reflections of the glass door, I can discern a six-feet-tall figure wearing a black leather apron, arms and hands covered with tattoos, thick-frame glasses and a keyring swinging with the rhythm of his gestures. Like an exclamation point, the pink shoes mark the tip of this dark silhouette. An unusual decor, a barber shop mixed with "Brakeless," a shop run by his friend Sylvestre, maker of custom bikes. "Hi Man, how're ya?" he says to me. He lets me sit in the magnificent vintage red chair. My feet on the metal footrest, I try to guess the name of the brand... Emil J. Paidar. The mirror hung in an old fireplace reflects my face. The sound of the razor snaps to life. The first strands of hair fall to the ground. First encounter with Vaughn Robert Squire, also called: Rob, barber & Live P.A.

S.Q.U.I.R.E, six lettres noires ancrées dans le mur du 5390 avenue du Parc. Masquée par les reflets de la porte vitrée, je devine une figure de plus d'1m85, flanquée d'un tablier en cuir noir, bras et mains tattouées, lunettes à monture épaisse, un trousseau de clés qui se balance au rythme de ses gestes. Une silhouette sombre qui se démarque par le rose soutenu de ses chaussures. Un décor atypique, un salon qui côtoie le shop "Brakeless" tenu par son ami Sylvestre, façonneur de vélo sur mesure. "Hi Man, how're ya?" me lance-t- il!. Il me laisse m'installer dans un magnifique fauteuil rouge vintage. Le repose-pieds métallique laisse encore deviner le nom de la marque : Emil J. Paidar. Le miroir, qui a trouvé sa place dans un ancien foyer de cheminée, me fait face. Le son du rasoir s'enclenche. Les premières mèches de cheveux tombent sur le sol. Première rencontre avec Vaughn Robert Squire, surnomé Rob, à la fois barbier et Live P.A.

#live #pa #rob #barber #montreal

The Art of Doing | Portrait of Itzel & Jorge, Circus Coaches (n3)

#mexico #portrait #jorge #itzel #circus #trapeze #chinese mat #montreal

Story: "Psyrco & Sirkuksen"

"Au Mexique, on ne choisit pas !" me dit Jorge. "Si tu as de l'argent, tu as accès à l’éducation et aux études supérieures, mais si tu es né dans un petit village, tu n'as pas d'autre choix que de travailler très tôt pour soutenir ta famille. Nous avons eu de la chance, nous sommes nés à Mexico", sourient Jorge et Itzel. Malgré cette chance, ils avaient pris au départ un chemin "classique" emprunté par de nombreux jeunes de Mexico : écouter l'envie des parents.

"In Mexico, you don't have any choice!" Jorge said. "If you have money, you have access to education, but if you're born in a small village, you have no choice but to start work early to support your family. We were lucky enough to be born in Mexico City", Jorge and Itzel smile. Despite this opportunity, they started to follow the path already paved for them. They obeyed their parents, like many other young people do in Mexico.

#mexico #montreal #circus #trapeze #chinese mat #jorge #itzel

A man, a woman, a couple. Two acrobats. Two words imprinted on their necks. Two different symbols, but one soul. His: "Psyrco", psychedelic fusion with the circus, and her's "Sirkuksen" or belonging to the tribe of Circassians. They travelled from Mexico to Canada, the Great North, four years ago with no plan in mind. All they wanted was to pursue their passion for the circus and reinvigorate their careers. Today they are trainers at the National Circus School of Montreal, while training privately as well. Nothing predestined them to teach and yet, every day, they share their love for the circus art with others, who will also speak with their bodies one day.

Une femme, un homme, un couple. Deux acrobates. Deux mots gravés sur la nuque. Deux signes, une seule et même âme. Pour lui "Psyrco" ou le psychédélique fusionne avec cirque et pour elle, "Sirkuksen" ou l'appartenance à la tribu des circassiens. Mexicains de naissance ils viennent s'installer au Canada il y a quatre ans. Leur passion les a mené jusqu'au Grand Nord, pas de plan en tête, juste l'envie de se perfectionner et donner un souffle nouveau à leur carrière. Aujourd'hui formateur à l'Ecole Nationale du Cirque de Montréal et en privé, rien ne les prédestinait à enseigner et pourtant ils transmettent chaque jour leur amour de l'art circassien à d'autres qui s'exprimeront un jour aussi avec leurs corps.

#circus #montreal #portrait #trapeze #chinese mat #mexico #jorge #itzel

Trending Blogs

Recently Viewed Blogs

The Art of Doing