Medley

Medley es un blog escrito por GoodbyeTomorrow (Diego Andrés Londoño)

[thegoodbyetomorrow]

Escritos en época Covid - Abr 19

Hoy es el día número 1 de los escritos que pienso redactar cada día de por medio, si me es posible, como parte de esta experiencia que estamos viviendo todos. 

Una gran mayoría de nosotros, hemos estado encerrados en casa desde el 20 de Marzo. Hace un mes se decretó un toque de queda en el país el cual nos obligó a encerrarnos, debido a la pandemia mundial del Coronavirus, también conocido con un nombre menos comercial pero igualmente letal: Sars-Cov-2.

El día de ayer apareció una frase en las conversaciones que sostengo con otras personas por teléfono, y cualquier otro medio que pueda conectarme con los demás, y es ésta: “nuevo contrato social”. Confieso que ese término me intriga y asusta también. 

¿Qué significará la libertad después del día 27 de Abril*?

Vivimos una pandemia de escala global que al día de hoy ha contagiado 2.341.875 personas y ha cobrado la vida de 161.402 seres humanos. Esas cifras, que en mi opinión distan 2 o 3 veces de la realidad, son las que ponen en la mente de todos la frase que mencioné anteriormente. En Colombia; desde el inicio de la cuarentena, el presidente legisla, impone medidas y reestructura la nación sin un real contrapeso. Todo esto, debido a que las demás instituciones no estaban preparadas para funcionar virtualmente y el ‘estado de excepción’ se lo permite. 

El presidente legisla, impone medidas y reestructura la nación, sin un real contrapeso, debido a que las demás instituciones no estaban preparadas para funcionar virtualmente y el ‘estado de excepción’ se lo permite. 

Lector del futuro, vivo en Sur América, y lo anterior no sólo ha pasado muchas veces en días de dictadura en nuestro continente, sino que es algo tenebroso. Quienes nos gobiernan son en su mayoría peones de los grandes capitales. A ellos deben su poder político, y es a esos capitales a quienes les ha importado mucho más la rentabilidad de sus empresas que los trabajadores que las componen o incluso el pueblo colombiano: ‘sus clientes’... así, en público se jacten de lo contrario.

¿Pero a nivel social, y para todos nosotros, qué ha significado esto? Te preguntarás. - 

Bueno, para responder tu pregunta, debo decirte que el virus que causó todo es muy; supremamente, contagioso. Obliga a tener que lavarse las manos constantemente; a cambiarse la ropa cuándo se llega de la calle, a rociar esa ropa con hipoclorito o alcohol desinfectante al 70 por ciento y bañarse; y lo más importante, perder todo el contacto físico con las personas en la casa y en la calle. Aún, en los pocos días que nos restringen el poder salir a mercar. 

No sé cómo será el “contrato social” en tu presente. Pero antes de esta pandemia, en mi pasado, los adultos jóvenes (yo pertenezco al grupo denominado ‘millenials’: personas que cumplimos la mayoría de edad después del año 2000) podíamos salir libremente a parques, centros comerciales (malls), cines con muchísimas sillas, reunirnos en salones de jazz y lectura, museos, otras ciudades e incluso países distantes; sí, si uno se lo proponía. Además en compañía y “contacto” de otros seres humanos.

¡Ahora no! 

El virus que causó todo esto es muy, supremamente, contagioso. Obliga a tener que lavarse las manos constantemente; a cambiarse la ropa cuándo se llega de la calle, a rociar esa ropa con hipoclorito o alcohol desinfectante al 70 por ciento y bañarse; y lo más importante, perder todo el contacto físico con las personas en la calle y en la casa, si es posible. Incluso, en los pocos días que nos restringen poder salir a mercar.

Los países, en su gran mayoría, han cerrado los aeropuertos y las fronteras. En las ciudades los domicilios se han incrementado. Trabajan unos pocos “privilegiados” desde casa (cosa que demuestra la inequidad social que imperaba aquí), pero la clase trabajadora; o sale obligada a atender en supermercados, ir de casa en casa repartiendo productos y cobros de servicios, o deben quedarse en casa y esperar con zozobra a que todo vuelva a ser normal. El gobierno prometió a éstos últimos, darles dineros insuficientes: $160.000 pesos por núcleo familiar de estratos 1,2 y hasta 3, y de los cuales ya hay reportes de corrupción.**

Sin embargo, en mi mente no dejo de pensar en ese nuevo contrato social que todos firmaremos, querámoslo o no, en esa nueva sociedad que saldrá el 27 de abril. 

Yo, por ejemplo, no veo a mi padre porque tiene 65 años, y está en riesgo mortal, y no me encuentro con mi novia desde el 20 de Marzo por temor a contagiar a nuestros abuelos, con quienes vivimos, y los cuales pertenecen al grupo social debilitado por antecedentes médicos cómo hipertensión, diabetes y enfermedades coronarias; hecho que los hace presas fáciles para el virus. 

Vivimos una Pandemia de escala global que al día de hoy a contagiado 2.341.875 personas y ha cobrado la vida de 161.402 seres humanos. 

Aquí, los políticos se debaten si podremos salir todos a la calle o no; pero para mí ese debate es menos significativo: porque así se salga de manera “inteligente”, ordenada, desordenada o cuidadosa; el mundo seguramente ya no será igual. Soy positivo en que los seres humanos usamos las crisis para salir fortalecidos de ellas. Por eso espero que salgamos de esto más conscientes de que estamos acabando con el único hogar que tenemos: el planeta tierra. Confieso, que siento la responsabilidad de cuidarme, cuidar a los demás, pero a su vez, vigilar de alguna manera que no haya una posible manipulación y control excesivo; que de seguro vendrá por parte de quienes nos gobiernan.

Seguiré escribiendo y poniendo mi grano de arena para construir esa nueva sociedad; y espero, amigo lector, que en tu futuro ese nuevo contrato social sea uno en el cual el planeta haya ganado y todos nosotros también. DA

*La cuarentena se ha extendido hasta el 30 de Mayo para niños y jóvenes de colegios y universidades; y para los adultos mayores de 65 años. Sin embargo, el 11 de Mayo saldrán a la calle nuevos sectores de la sociedad.

**1. https://www.semana.com/nacion/articulo/por-presunta-corrupcion-en-contratos-de-covid-19-ejercito-separa-tres-coroneles/666171

2. https://www.semana.com/nacion/articulo/corrupcion-en-tiempos-de-coronavirus-procuraduria-abrio-10-procesos-por-sobrecostos-o-irregularidades/662544

[thegoodbyetomorrow]

Stairway to heathens, the dancefloor and heaven, why not? . . . #nofilter #cali #tomeseunafotoaqui #barmamut (en Santiago de Cali) https://www.instagram.com/p/B4vNNszjooq/?igshid=1utdswueqwt80

[thegoodbyetomorrow]

Song to Song

La búsqueda del amor en un mundo existencial

Algunos directores usan el lenguaje cinematográfico convencional para representar la búsqueda del ser humano de éxito, dinero, o la felicidad inalcanzable que supone el amor; otros van más allá al buscar en lo más escondido del lenguaje del cine, el cómo hablar sobre esos mismos vacíos pero desde lo que los personajes sienten y piensan; y ponerlo en términos de luz, colores, montaje, diálogo, sensaciones auditivas y un timing distinto a todo lo convencionalmente establecido, lo cuál hace de ese cine una experiencia idealista, más que un goce de entretenimiento. De los segundos es Terrence Malick, quien fabrica su narrativa a partir de capturar el mundo y sus personajes cómo entes universales y no particulares.

Así, Malick, quien ha creado un género propio con los años: el del ‘cine sensible y ontológico’, expande a su antojo el mundo propuesto en ‘Song to Song’ al presentárnoslo desde perspectivas limitadas a lo que siente y piensa cada personaje; pero que juntas nos revelan una universalidad que busca tocar las fibras del espectador de su cine a partir de la universalidad de nuestras vivencias.

Malick estructura ésta sonata existencial en un triángulo amoroso compuesto por un ejecutivo musical manipulador, interpretado por Michael Fassbinder; su protegido, Ryan Gosling y ‘Faye’, Rooney Mara, una mujer de aspecto frágil, confusa; perdida en un mundo que no conoce ni entiende, y en el cuál le cuesta separar carrera, sexo, negocios, amor, y deseos.

Cabe resaltar que Faye es el único personaje con nombre propio, ya que Malick a desprovisto de nombre al resto de personajes para acentuar en su cine el hecho de que lo individual no es tan importante, cómo si lo es el conjunto de ideas universales que todos los personajes representan.

Faye es un personaje fascinante que busca que Fassbinder le de el break que ella cree anhelar en el mundo de la música pero al mismo tiempo ha sucumbido al poder que representa el empresario musical en su vida. “Cada beso se sentía la mitad de lo que debería sentirse”, nos dice ella en el primer momento en que la conocemos y es por medio de su soliloquio que nos enfrentamos ingenuamente a un mundo del que rápidamente nos damos cuenta que Faye no tiene las respuestas.

Para encontrarlas, Malick, cambia la perspectiva de la película convirtiendo al empresario en narrador principal ya que su entender de la vida es más basto y extenso que el de Faye. De hecho, nos damos cuenta que el mundo de la película es enteramente dominado por su presencia manipuladora, su accionar y sus creencias sobre negocio, música, filosofía y conexiones. Fassbinder, es la base del triángulo de amor en el que entran Faye y Gosling; ya que provee el dinero, la experiencia y el acceso que el poder le brindan.

Sin embargo, y a pesar de ser inmersos en la vida musical indie norteamericana narrada por Fassbender, su recuento nos deja con los vaciós que la propia existencia cómo ser mortal le deja a él. Por eso Malick nos trae el testimonio de Gosling que en cambio, con sus gestos de niño enamorado e inquieto, se desvive en caricias hacia ‘Faye’; y juerga, música y juegos hacia Fassbender. Somos testigos de un ‘Jim y Jules’ moderno, sobre estimulado y existencial.

Cabe resaltar que en el cine de Malick ya es habitual que todos y cada uno de sus personajes nos construyan la narrativa con soliloquios de igual peso para meternos en lo que el crítico Alberto Sáez Villarino llama la “experiencia ontológica” y que describe de la siguiente manera: “el cine ontológico no presta tanta atención a las acciones e interacciones de los protagonistas como a su estado de ánimo o a su capacidad de canalizar el torrente de sentimientos cruzados que desestabilizan su existencia”.

La ontología juega a favor de Malick en un cine sensitivo que él mismo ha afinado en sus tres películas anteriores: ‘Knight of Cups’, ‘To the wonder’ y ‘The Tree of Life’ y que le valieron tres nominaciones al Oscar – Mejor Película, Mejor Director y Mejor Fotografía – por ésta última en el 2012. Ésta manera de presentar su filosofía también le ha llevado a tener una relación casi perfecta con una de las productoras más destacadas del Holywood Indie: Sarah Green y acceso a actores ‘A-listers’ como Brad Pitt, Chris Bale y en ‘Song to Song’: Natalie Portman.

En ‘Song to Song’ Malick, fiel a su sello, nos lleva de una vida a otra para que cada uno de los personajes nos cuente su versión. Así es cómo por ejemplo, descubrimos cómo espectadores que ‘Faye’ experimenta el amor con Gosling y lo evidencia cuándo nos confiesa: “ No sabía que tenía un alma. La sola palabra me hacía sentir avergonzada”. 

"El amor es intensidad y por esto es una distensión del tiempo, estira los minutos y los alarga como siglos. El tiempo, que es medida isócrona, se vuelve discontinuo e inconmensurable. Pero después de cada uno de esos instantes sin medida, volvemos al tiempo y a su horario”. Octavio Paz

Es en un viaje a México cuándo el triángulo se rompe y empezamos a vivir la intimidad de los aspirantes a músicos reconocidos, quienes pretenden llevar una vida juntos, lejos de los excesos de Fassbinder, y más cerca a sus corazones. Sin embargo, cómo escribió Octavio Paz en su Poema ‘La llama doble’: "el amor es intensidad y por esto es una distensión del tiempo, estira los minutos y los alarga como siglos. El tiempo, que es medida isócrona, se vuelve discontinuo e inconmensurable. Pero después de cada uno de esos instantes sin medida, volvemos al tiempo y a su horario”.

Por eso cuándo la pareja regresa al uso horario y las vidas regulares que viven en Austin e intentan vivir una vida normal y sencilla, las cosas no funcionan entre ellos; porque el amor que viven no tiene cabida en la realidad del día a día y es fragil ante las amenazas que supone Fassbinder para la pareja.

Aquí es donde la historia se torna un poco predecible y a pesar de los planos exploratorios y gran angulares que el director de fotografía mexicano Emanuel Lubezki construye alrededor de conciertos, calles, carros, casas sureñas de los Estados Unidos, mansiones, lofts y camerinos; la clásica historia de ‘hombre celoso por amor destruye todo a su alrededor’ se consuma. Eso sí, no sin antes presentarnos los pensamientos internos del empresario musical quien en caída libre de su ruptura del triángulo inicial encuentra otra desdichada y consumida vida; la de una profesora de kindergarten, interpretada por Natalie Portman, que se ha visto obligada a trabajar cómo mesera al haberse venido a menos en su carrera.

El personaje de la mesera oxigena la historia de Fassbinder y nos da una mirada al lado más sórdido y existencial del empresario. Lo que en un principio se manifiesta cómo la salvación del personaje que interpreta Portman, con el paso de los fotogramas se convierte en un torbellino de erotismo e infelicidad.

Fassbinder lleva prostitutas al matrimonio que ha conformado con la mesera, quienes terminan por enloquecer a la mujer cuándo comparten de una manera visceral su perspectiva de vida y llenan la narrativa de melancolía y tristeza; una tristeza que retumba en toda la película y que recibe la última estocada cuándo el personaje de la mamá de la mesera le dice: “Necesitas dinero para un abogado, porque las leyes no son para las personas arruinadas”.

En ‘Song to Song’, Malick sigue toda la tradición de su cine ontológico e idealista: la de encontrar en sus locaciones y la naturaleza de ellas la mejor manera de externalizar su visión del mundo tal y cómo es. Por eso no se puede dejar de hablar de Texas cómo ese espacio polvoriento donde vemos la decadencia de una escena musical Independiente, y donde además de ser acompañados por el sentimiento existencial y de pérdida del amor; sómos llevados de la mano por la música y presencia escénica de Flea de los Red Hot Chili Peppers, Iggy Pop en su versión más Kerouacquence y por Patti Smith que cómo una madre amorosa guía a ‘Faye’ a volver en círculo y luchar por el amor, si es que en verdad siente que en Gosling ha encontrado aquella persona a la cuál unir su alma.

Aunque en ‘Song to Song’ Malick le da un guiño a un cine más material, sigo sosteniendo que Terrence es un idealista puro, incluso al punto que en películas pasadas – ‘To the wonder’ o ‘Voyage of time’ – a desechado toda estructura materialista formal, para darnos un bocado existencial de conciencia y pensamientos que no están ahí para confirmar la visión generalizada que tenemos del mundo, sino para hacérnoslo sentir.

[thegoodbyetomorrow]

Ya han visto @songtosongmovie? 🌾Ésta semana viene una reseña en la que hago un homenaje a #terrencemalick porque me ha influenciado en la manera de sentir la naturaleza y nuestra #existencia . . . #blogdecine #calico #calivalle #cultura #cine #calicolombia #elblogdediego #hablemosdecine (en Santiago de cali) https://www.instagram.com/p/Bn30uGhAs8q/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=ql2b05sbl1ic

[thegoodbyetomorrow]

Rodrigo D. No Futuro – Una dosis de realidad propia y desconocida.

En ‘Rodrigo D.’ asistimos a la obra de un cronista que nos muestra de frente lo complicado de ser pobre y joven en una sociedad para la cual no existes.

“Matate, matate no te desanimes” le grita con furia la canción de Mutantex a Rodrigo, un joven que mira hacia el vacío de la urbe paisa de finales de los 80 desde un veinteavo piso de un edificio de esos que por fuera se intenta alzar imponente, y que por dentro no tiene acabados (metáfora de la Colombia de ayer y de siempre).

Lo que la mayoría conocemos de la sociedad colombiana de esa época es que estaba en un conflicto (siempre lo ha estado) paramilitar, guerrillero, narcotraficante y corrupto. Y de Medellín: qué Pablo Escobar hacía de victimario y redentor de una sociedad fraccionada entre amarlo y odiarlo.

Pero en nuestro país, donde la literatura del realismo mágico, se queda corta al narrar lo pintoresco de nuestra realidad; la cuál parece más bien salida de un libro ‘beat’ de William S. Burroughs, Victor Gaviria nos llega a sorprender enseñándonos en ésta película la juventud inconforme y excluída de los barrios más pobres de Medellín, y su grito ahogado al ritmo del Oi! Inglés que encontró a más de 8.500 kms de Inglaterra una juventud Colombiana de barrios obreros y sistemáticamente marginada.

Victor Gaviria: del neorrealismo italiano al cine latinoamericano.

El cine que plantea Victor Gaviria en ‘Rodrigo D’ es un cine ácido, directo y escrito por sus propios actores; un paralelo criollo a lo que fue el proceso de Roberto Rosselini al escribir y rodar ‘Roma Ciudad Abierta’ con actores reales que aún vivían el final de la ocupación Nazi en Italia. Lo que estamos viendo en Rodrigo D no lo guía un guión cinematográfico.  Con el paso de cada fotograma uno se da cuenta de que cómo dice el mismo Gaviria: “la película está guiada por una intuición poética”, que proviene de dejar correr libremente las calles de los barrios marginales de la Medellín de los 80s ante una cámara.

Y es precisamente la comuna, otro personaje más, que acrecienta la imposibilidad de que Rodrigo pueda pertenecer o incluso interesarse por la sociedad: ni asiste a la escuela, ni le da la mano a su padre en la carnicería (actividades seguidas con juicio por su hermano menor y con desgane por su hermano mayor), ni ayuda a su hermana a limpiar la casa. Tampoco juega fútbol, ni va a la iglesia, ni participa de los atracos, ni del negocio de la droga, todas actividades seguidas en su entorno social.

Sin embargo, Gaviria le hace un guiño a la narrativa clásica sin dejarle de ser fiel al Neorrealismo Italiano, ya que su personaje principal busca conseguir una batería que le sirva cómo catalizador de todo el sufrimiento que le ha causado la muerte de su madre. Spoiler: sólo consigue las baquetas.  Es ahí donde nos identificamos y sufrimos por un personaje que es abiertamente machista; le dice a su hermana que es bruta por ser mujer, perezoso; no ayuda a su papá con quehaceres simples cómo traer comida de la tienda; y agónicamente destructivo; se junta con los ampones de su barrio a alentar el juego normalizado de enfrentarse a ‘punta’ (la navaja de las comunas de Medellín).

Jóvenes que no caben en los espacios del sistema

La falta de estructura no hace de la película menos entretenida. A cambio de una acartonada historia lineal Gaviria nos muestra cómo los espacios se van cerrando alrededor de los muchachos. El colegio les falla. La familia les falla. La religión les falla.

La muerte entonces se deja entrever en las acciones de robo a ‘traídos’ (jerga comunera para referirse a quien va a caer víctima de un robo), y en la policía; que sin aparecer en cuadro acrecienta el miedo y la superstición en el barrio.

Él último esfuerzo de Rodrigo por pertenecer es ir donde una amiga de su mamá, una señora de estrato alto, quien le muestra fotos de ella, y que a nivel metafórico presenta al muchacho la visión de una Colombia de “ensoñación” donde su mamá parece estar viviendo un idilio en el campo de nuestro país; un idilio que él ahora sólo puede ver en fotos.

Se cierra entonces la muerte sobre nuestros personajes. Vuelve entonces el punk de Mutantex que guturalmente grita: “Sistema, Dinero, Problemas”, un leit motiv poderoso que nos oprime cómo espectadores.  Y finalmente Gaviria nos deja inmersos en una melancolía muy real con la siguiente dedicatoria: “Ésta película está dedicada a la memoria de John Galvis, Jackson Gallego, Leonardo Sanchez y Francisco Marín, actores que sucumbieron sin cumplir los veinte años, a la absurda violencia de Medellín, para que sus imágenes vivan por lo menos el término real de una persona”.

Queda entonces claro que la virtud del cronista que hay en Gaviria es encarnar la verdad en cada fotograma. Es así cómo mirando la película casi treinta años después de haber sido estrenada, se confirma que ‘Rodrigo D. No Futuro’, sin caer en el vampirismo de mostrar la pobreza desde un ojo visceral y voyerista, expone la condición opresiva del sistema al que estamos sometidos al nacer, sin llegar a ser lastimera ni tampoco contestataria.

Victor Gaviria, el cineasta, supo en ‘Rodrigo D’ encausar la máxima de Rosselini acerca del realismo. Esa que dice que el mismo “no es más que la forma artística de la verdad, porque cuándo se reconstruye la verdad, se obtiene la expresión poética de la vida”.

TheGoodbyeTomorrow. D

[love-personal]

[fyeahmovies]

Heartbeats (2010) dir. Xavier Dolan

[thegoodbyetomorrow]

La que viene así que: Light Up, Smoke Up, shut the fuck up and please pretty please, read! 🔥🔥🔥 
#xavier dolan #cinecritico #heartbeats
#amor #calicolombia #thegoodbyetomorrow mon amis: @you-my-wolfsbane @automaticavisual #losleomeleen

[thegoodbyetomorrow]

The Shape of Water

En una sala de cine las expresiones de los personajes se hacen más vívidas y la inmersión en el mundo de Del Toro es completa!

Llegué a ella por casualidad, cumpliendo una promesa hecha de ir al cine a ver cualquier película. Sin embargo, ahora que la he visto,  pienso que de cualquiera no tiene nada. Y es que ‘The Shape of Water’ es una película que a pesar de todos los efectos especiales y su historia de gran magnitud guarda en su fondo temáticas contenidas y sencillas .

Es de eso que quiero escribirles; de las diferentes temáticas que para ésta película en particular debieron venir desde el guión, ser implantadas por su Director y llevadas a la realidad por un equipo creativo. El hecho es que “The Shape of Water” va más allá de los efectos, el ‘monstruo’, las historias de espías, la guerra fría, tomas increíblemente cinematográficas, la acción y una premisa hollywoodense que promete comercialmente. En realidad, su fuerza yace en sentimientos tan humanos y poderosos que hacen que la historia cobre un peso protagónico y los personajes una conexión tan profunda con la naturaleza del ser humano.

Hablaba con una amiga, quien también es del team: ‘me gustó’, que el principal elemento humano y común de la historia es el sentimiento de soledad de los personajes. En un artículo del diario ‘The Guardian’, el crítico de cine, Guy Lodge, recalca muy acertadamente que “la mayoría de los personajes pertenecen a una galería de personas que han sido marginados de la sociedad dominante de principios de la década de los años 60”, y concuerdo yo que ellos son tan marginados que hasta llegan a desaparecer calladamente en vidas solitarias y se destacan tan sólo por desempeñar el rol ‘insignificante’ que se les ha asignado en la ruleta de la vida.

En efecto, nuestro personaje principal, Elisa Esposito, interpretado por Sally Hawkins, es una aseadora muda de un complejo de investigación secreta del gobierno Estadounidense, de la que nunca sabemos a ciencia cierta la causa de su discapacidad, o de hecho si es totalmente muda. Incluso así ella pudiera hablar, por su condición social y el hecho de ser mujer sería igualmente muda ante sus superiores. Esto se evidencia en una escena en la que a pesar de que Elisa ha sido la autora intelectual y material de todo un operativo para extraer al hombre anfibio, principal activo de la instalación secreta, Strickland, el oficial que está encargado de la seguridad de todo el complejo y la encarnación del racismo y la discriminación en los Estados Unidos, la descarta por ser tan sólo una mujer que limpia “la orina y la mierda que se estanca en los baños”.

Los personajes son tan marginados que hasta llegan a desaparecer calladamente en vidas solitarias y se destacan tan sólo por desempeñar el rol ‘insignificante’ que se les ha asignado en la ruleta de la vida.

El segundo elemento temático que se ve por toda la película es la dicotomía entre la falta de amor y comprensión hacia la problemática del otro y la necesidad de entenderlo para poder enriquecer mi propia vida e intereses. Y es que en él mundo Geopolítico de hoy, donde se dan marchas antisemitas en lugares cómo Charlottesville; masacres, robos, extorsiones y atropellos en el Medio Oriente, Venezuela y países Africanos; e incluso peticiones de leyes anti-migratorias en países de hegemonía blanca; se hace necesario entender que en el planeta hay distintas personas que aunque no piensen igual que yo, se levantan día a día a buscar ser felices y prosperar, cómo todos, en éste mundo enrarecido por crudos corazones. 

La primer variable del segundo elemento temático: ‘la falta de amor y comprensión hacia la problemática del otro’ subyace en la premisa hollywoodense en sí: todo girará en torno a una criatura anfibia capturada por el gobierno gringo en Suramérica; una criatura que a pesar de tener una forma claramente humana, no sé le da la posibilidad de expresarse ya que sólo sirve cómo experimento para los fines aeroespaciales del gobierno. Más aún, la segunda variable del mismo elemento temático:  ‘la necesidad de entender al otro para poder enriquecer mi propia vida e intereses’ también reside en la historia de la criatura. Cuándo la liberan Elisa y Giles, su vecino; y un publicista gay que también es marginal a pesar de pertenecer a la misma raza dominante en los años 60, nos damos cuenta que la criatura tiene más cosas que enseñarnos que su simple anatomía anfibia. Éste ser tiene además de propiedades curativas, sentimientos y sensibilidad; que de ser tratado y entendido cómo deberían ser tratados los otros, podría haber enriquecido el conocimiento de sus captores.

Estas dos temáticas me conectaron y volvieron creíble una historia que de otro modo podría ser tan fantasiosa cómo historias de Superhéroes de la Saga de Marvel o de DC Comics que me han hecho burlar de inicio a fin por estar tan desconectadas de los elementos mínimos que hacen de algo: humano. 

Sin embargo, viendo la película me pregunté, podría haber una tercera temática que seguir? Ya que había algo en la película que me conectaba y me hacía sentir parte de ella y no lograba descifrar que era. Hasta que finalmente lo vi, en la escena en la que Strickland, después de ver revivir al hombre anfibio, y antes de encontrarse frente a frente con la muerte, le dice: “Fuck! Tu eres un Dios”. Empecé a pensar entonces que los seres humanos de verdad sentimos por momentos que somos Dioses, y algunos cuándo estamos al lado de seres vivos de menor “valor” en la cadena evolutiva, disponemos de toda nuestra arrogancia para pasar por encima de ellos. De hecho, nuestro delirio está impreso en las escrituras Católicas; en ellas dice que fuimos “hechos a imagen y semejanza de un Dios”.

Es así cómo horas después de haber salido del cine, aún me siento enteramente identificado con todos los personajes presentados en la película y también pienso que recibí una lección de humanidad de una fábula de monstruos y criaturas.

[shalizeh7]

The Shape of Water

[thegoodbyetomorrow]

“El agua es tan noble que toma la forma de cualquier recipiente en el que se encuentra, a pesar de que es poderosa e increiblemente destructiva si se lo propone”. La que sigue....

[thegoodbyetomorrow]

Will you do the fandango?

Disculpen sí mi relato no tiene una línea de tiempo clara: ésta aventura tampoco la tuvo.

“No permitás que la falta de plata te deje sin ir a encontrar lo que tenés por descubrir” palabras pronunciadas por Ani Jaureguí, compañera de familia: prima, pero más que eso, alma con la que comparto el amor extraño de contarle al mundo nuestras historias en imágenes.

Corte a: Un taxi vuela por la vía entre Corozal y Ovejas en el departamento de Sucre, en el caribe Colombiano. Diego va recostado a la ventana del asiento del pasajero; su mente dando vueltas y sin poder totalmente condensar todo lo vivido en una noche de Sábado, en un pequeño municipio de la costa, y en complicidad con quizá otras mil almas.

Una neblina densa y calurosa se pega a los Montes de María, cómo sí de un hechizo milenario y azul se tratara.  No hay música, sólo el viento que entra por la ventana trasera del Dahiatsu noventero blanco, manejado por un costeño corpulento y bonachón que se ha organizado con otros Ovejeros para hacer de transporte intermunicipal, a falta de uno.

Pasa cerquita una moto con dos pasajeros... ambos van sin casco. En ésta región que se acostumbró al riesgo de vivir en riesgo, los motociclistas son kamikazes que creen que un casco es para quien no sabe manejar una ‘motico’. Van en camino contrario al carrito blanco donde aún viajan los pensamientos de Diego.

La noche anterior, llegó por primera vez a la plaza central de Ovejas con una cámara Canon terceada al cuello y una gorra ‘Snapback’ que en japonés dice Uisuki: Whiskey, y que delataba que: era del “interior”.  Lo primero que lo recibe es una comparsa de jóvenes que entre gaitas, tambores, llamadores, vestidos y velas; salen corriendo de una casona, bajan por una calle y se dirigen detrás de la tarima. Diego saca unas cuantas fotos, las cuáles puede robar mientras corre detrás del grupo. Aún no hay música.

De la casa sale otro muchacho con el cabello ‘tinturado’ de amarillo, pero se queda sentado en las gradas que dan a la entrada. Diego compra dos cervezas. Dubitativo se sienta al lado del chico y le hace unas preguntas un poco apresuradas. Entre tanto, anuncian desde tarima: “Prevención al grupo Son de la Gaita”…  el muchacho interrumpe las preguntas: “Ese es mi grupo, ya van a tocá”. “Y por qué no estás con ellos hoy?” le pregunta el foráneo un póco entrometido. “Ajá, es que si uno no practica, la gaita es dura... y no la toca cualquiera”. responde el jóven con aire pícaro mientras alza la lata de cerveza y la mueve de lado a lado sentenciando finalmente “y esto…”, sonríe.

Se acaba el baile que antecede al grupo del muchacho. Se suben uno a uno los integrantes de ‘Son de la Gaita’ y se escucha al anunciante decir su nombre seguido de un: “Puede comenzar”. Ahora sí hay música, y no cualquier música: hay una que invade el corazón de Diego. Hay algo en los sonidos de la gaita mezclada con la marcación negra de la maraca que le llegan al alma, y que son parte de él y de todos los que allí se encuentran. Quizá incluso desde antes de venir a éste mundo.

Diego no sabe aún, pero se enterará dos días después de labios de un indígena Kogi que la gaita procede de la ‘Chuana’, instrumento labrado de la naturaleza, con el que los indígenas Zenúes pretendieron capturar el sonido de un ave en particular para venerarla en sus ceremonias.

La región de los Montes de María sufrió la más violenta ola de masacres masivas perpetuadas tanto por Paramilitares cómo Guerrilleros en Colombia y fue una zona de conflicto armado vedada al mundo hasta hace tres años... en todos esos años de sufrimiento, el festival de gaitas nunca se canceló”

Se acaba la primera canción y comienza un porro lento. Al frente de las gradas de la casona, una muchacha morena prende una vela y baila sosteniendo su falda en lo alto. Diego ya no se sienta más, sus hombros se mueven y sin saberlo baila un Fandango. Se cruza la calle, toma una foto y en su ser siente cada sonido percutivo de la tambora cómo un latido de su alma.

Así va cayendo la noche. Diego baila entre la multitud; a veces sólo y a veces acompañado. Póco a póco, se hace uno con todos. También navega por un sin número de emociones que van desde el más puro goce, hasta la tristeza y el olvido.

“Tristeza y olvido”, escribe una pluma en una hoja de un cuadernito. Volvemos al Carro Dahiatsu blanco que cruza la bruma con la destreza de una embarcación pirata. La pluma se sostiene en el aire. “Aire de fandango, es lo que mantiene viva ésta región” escribe Diego después de pensar; que bonito se vería una ronda de fandango en la oscuridad de la noche. Está pues escrito en su cuadernito, el que compró en la 85 con 15 en Bogotá unos días antes, una escena que sabe que irá en la película que está escribiendo.

TheGoodbyeTomorrow. D

[snowdaon]

Tal vez algún día suceda todo lo que me imagino antes de dormir.

✈ (via frases-deun-joven)

[thegoodbyetomorrow]

Spectacular Now

El futuro es incierto pero el presente aún más.

Ahora sí, a la oscuridad que ilumina…

Desde la primera secuencia, ya temía por lo que pudiera pasar a nuestro pillo principal: Sutter; quien va en espiral en su Honda Civic entre mentiras, alcohol y un desinterés general por lo que traerá el futuro. Pero, por qué me importa un personaje principal egocéntrico, self-entitled, que para todo tiene una excusa y que va claramente en caída libre?

Quizá, porque en el fondo, siento a veces cómo si todos fueramos en caída libre hacia un futuro desconocido. Además, no sé si estén de acuerdo conmigo pero Sutter ayuda a su manera, en medio del descontrol, a los que lo rodean; ya sea asegurandose que su mejor amigo encuentre una chica con la cuál tener sexo, o enseñándole a tomar decisiones por sí misma a quizá la chica más inocente, dulce y ordenada: Aimee Finecky.

NOTA + BREVE: Ésta es la joya Indie de la casa 21 Laps Entertainment y el paso obligado de Shawn Levy entre dirigir ‘Una noche en el museo’ a luego producir la reciente y mítica serie ‘ Stranger Things’.

Aimee, a diferencia de Sutter, tiene lo que para la ‘sociedad’ serían muchísimas cualidades: estudia, trabaja, pinta, lee pero no ve ninguna de ellas. Incluso la fotografía es básica cuándo estamos cerquita a ella para demostrar el estancamiento de ambos. Hasta el primer beso entre ellos se da en un plano secuencia arrítmico, y en mi opinión básico, entre el bosque. Pero en él se revelan muchas mentiras y verdades sobre Sutter y Aimee.

Una hora en la peli y lo que hace click en mi cabeza es que no estoy viendo una historia de amor. Ésta es una historia sobre dejar el pasado atrás y atreverse a pensar en el futuro. Es por eso que Sutter transforma a Aimee en sí mismo; la llena de sus propias cosas (Ojo a la whiskera que James Ponsoldt usa cómo leit motif!). Poco a poco lo que era una fotografía básica se llena de oscuridad y contraluz y me voy dando cuenta de que Sutter ama ser cómo es. Incluso ante la promesa de irse a Filadelfia con Aimee no muestra reacción alguna.

Pero para dejar de vivir en el presente y pensar en un futuro Sutter debe ver a los ojos su pasado. Así es que póco a póco la película nos interna en el Midwest Americano en búsqueda del papá de Sutter, y nos lo muestra estancado en un presente constante. Es ahí cuándo te das cuenta de qué va todo: Cerrar las heridas del pasado y seguir adelante. Me siento identificado! Sutter necesita ver a su papá en medio de la decadencia de una vida vivida sin planificar para poder verse e un espejo y vislumbrar un ápice de lo que en realidad el futuro le puede deparar. Hay que tocar fondo para ver la oscuridad a los ojos y sentir todo el dolor que en el se esconde.

En la llegada del tercer acto, nos vemos encuadrados en varias situaciones a través de ventanas a micro presentes: Sutter ve a su papá clavado en un bar a través de una ventana, ve a su mamá estancada en el hospital donde trabaja a través de una más pequeña; y cuándo decide removerse del mundo de Aimee; la ve enmarcada en una vitrina cómo si viviera en un óleo, en su propio ‘Nighthawks’. Todas éstas visiones le dan el empuje a nuestro pillo para cambiar.

Al final, lo que quizá sea más impactante, es que su temática general sea una pócas veces usada: el vivir en el ahora sin planear para el futuro no lleva a ningún lado; y es que cuándo Sutter se compromete a visualizarse en ese futuro y hacer las cosas bien; la película se acaba y no nos da un solo detalle de lo que sigue.  Es entonces un final espectacularmente abierto y arriesgado pero en sincronía con la historia en general… Sí debo admitir: único, incluso en el cine Indie Norteamericano.

[thegoodbyetomorrow]

Shall we play? La de mañana. #goodbyetomorrow

[thegoodbyetomorrow]

1001

Éste es el primero de espero muchos posts relacionados con el cine y mi vida. Si se sienten como niños: observando todo en el mundo cómo si fuera la primera vez; Bienvenidos! Lo que escribo les va a gustar.

A propósito: comienzo éste blog el 19 de Septiembre de 2017. Otro cumpleaños más! 

No todos los posts van a ser sobre películas, pero como me imagino que quien me lee también ama el cine, pues voy a empezar con una peli; porque una vida vivida para amar el cine es una vida bien vivida!