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Vírgen Leyendo (Anunciación) (1621), Baltazar Echave Orio
La tierra (1950), Jesús Álvarez Amaya
masterlist
Arte mexicano:
Introducción
María Izquierdo
Nahui Olín
Lilia Carrillo
José Guadalupe Posada
Dr. Atl
Things to learn:
Teoría de colores
Arte mexicano: Dr. Atl
Gerardo Murillo nació en Guadalajara el 3 de octubre de 1875. Aprendió a pintar a los 19 años. Después ingresó al Instituto Científico y Literario del Estado para continuar su educación. Pero él quería emplear su conocimiento, por lo que viajó a México para estudiar en la Academia de San Carlos y en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Gracias a una beca, puede estudiar en Inglaterra, Alemania, Francia, España e Italia. Cursa la carrera de Derecho y Filosofía en Roma y Derecho Penal en la Soborna de París. Se especializó en periodismo y en pintura y llega a obtener una medalla de plata por un autorretrato.
En 1951, decide cambiar su nombre por el alias ´Atl´, que significa agua en náhuatl. Explicó que el cambio de nombre se debió a su interés “en tener una manera de referirse a él acorde a su personalidad independiente, que surgió de las circunstancias y no de la imposición de sus padres”.
Cuando se le acabó el dinero, regreso a México y decide hacer una protesta por una exposición de pintores españoles, recibiendo el encargo de organizar una con artistas de su tierra y defendiendo un gran frenesí por la pintura renacentista, el neoimpresionismo y el fauvismo. Comenzó a dar clases en la Academia de San Carlos de la Ciudad de México, donde tuvo alumnos como; Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.
En esos años su carrera ya era imparable, y regresa a Europa para realizar exposiciones, además de que fundó el periódico Action d'Art y también la Liga Internacional de Escritores y Artistas.
Su arte alcanzo tal estabilidad que a partir de la época de los 30 se dedicó a pintar retratos y paisajes, una de sus obras más reconocidas fue el retrato de la pintora, poetisa y modelo mexicana Carmen Mondragón, con quien sostuvo un romance y a quien él mismo bautizó en 1921 como Nahui Ollin.
Otras de sus aficiones eran los volcanes y la unió con su pasión por la pintura y con este propósito desarrolló los atl-color, una aportación técnica que consistía en aplicar tintes secos o resina con los cuales se podía imprimir sobre papel, tela o roca.
Por un tiempo se vio impedido a seguir escalando volcanes y montañas, ya que le amputaron la pierna derecha. Entonces decidió dedicarse a sobrevolar los cielos, lo que le permitió alcanzar una visión más amplia de los paisajes, creando así los aeropaisajes, que son conjuntos geográficos tomados desde las alturas.
En vida, donó la mayoría de sus obras al Instituto Nacional de Bellas Artes y por toda su trayectoria y trabajo recibió la Medalla Belisario Domínguez en 1956 y el Premio Nacional de Artes en 1958.
Falleció el 15 de agosto de 1964 por complicaciones respiratorias, posiblemente empeoradas por sus largas exposiciones al humo de los volcanes. Sus restos descansan en el Panteón de Dolores en México, en la Rotonda de los Hombres Ilustres.
Arte mexicano: José Guadalupe Posada
Nació en Aguascalientes, el 2 de febrero de 1852, es considerado antecesor del movimiento nacionalista mexicano de artes plásticas. Comenzó su carrera haciendo dibujos, copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica. En 1872 se fue a la ciudad de León, Guanajuato donde hizo litografías y grabados en madera que ilustraban cajetillas de cerillos, documentos y libros.
En 1887 en la Ciudad de México instaló su primer taller donde empezó a trabajar como dibujante. Realizó ilustraciones y caricatura política en imprentas y algunos periódicos, como el "Argos", "La Patria", "El Ahuizote" y "El hijo del Ahuizote" editado por Ricardo Flores Magón, todos de oposición al gobierno del presidente Porfirio Díaz.
La obra de Posada es muy grande y variada. Son de admirar las composiciones llenas de movimiento, la intención de las líneas del grabado, la fuerza con que confiere el gesto a los personajes y escenas que reproduce. El trazo era según el mensaje que quería transmitir.
Además ilustró las famosas "calaveras" género que Posada desarrolló de manera extraordinaria. La muerte, decía Posada, era democrática, ya que a fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acabaría siendo calavera.
El instituto Nacional de Bellas Artes conserva algunas de sus obras. Murió pobre y fue enterrado en una fosa de sexta clase en el Panteón de Dolores, en la ciudad de México el 20 de enero de 1913. Como nadie reclamó sus restos los siguientes siete años, fueron exhumados para reenterrarlos en una fosa común.
Oboista (1970), Rodolfo Nieto
Torso femenino (1960), Pedro Coronel
Arte mexicano: Lilia Carrillo
Parte de la Generación de Ruptura, Lilia Carrillo, es conocida como la iniciadora del informalismo abstracto, nació en la ciudad de México en 1930 y estudió en la Escuela nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda”, obteniendo su título de maestra en artes plásticas en 1951. Posteriormente estudia en la Academia de la Grande Chaumiere en París.
En 1954 participa exhibiendo en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia en el Petit Palais. En 1956 regresa a México, trabajó como maestra en las galerías de Chapultepec del Inbal y pinta sus primeras obras abstractas.
En 1960 viaja a Washington y contrae matrimonio con el pintor y escultor Miguel Felguérez. En ese tiempo entra con éxito en las artes escenográficas y coreográficas y para 1961 comienza a trabajar con frecuencia para Alejandro Jodorowsky.
En 1965 recibió su segundo premio en el salón ESSO con su obra Seradis. Un año más tarde participa en la muestra “Confrontación 66” en el Palacio de Bellas Artes. En 1968 se convierte en miembro fundador del “Salón Independiente”.
Sus obras han sido reconocidas en diversas partes del mundo como en Washington, Nueva York, Tokio, Lima, São Paulo, Madrid, Barcelona, Bogotá y Cuba. Fatalmente, un aneurisma en la médula espinal en 1969, la aparta de la pintura hasta su muerte, el día 6 de junio de 1974.
La Victoria Trunca (1972), Vlady Kibálchich Rusakov
Arte mexicano: Nahui Olín
María del Carmen Mondragón, estudió en París danza clásica, pintura, literatura y teatro. En 1913, ya en México, se casó con el pintor Manuel Rodríguez Lozano, donde por un tiempo vivieron en París, hasta que se refugiaron en España por la Primera Guerra Mundial, es ahí donde empezó a pintar y cuando su esposo, Manuel, la dejó.
En 1921 volvió a la Ciudad de México, donde resaltó por sus ideas de avanzada y su actitud provocadora. Empezó a conocer a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, es ahí donde se relaciona con Gerardo Murillo, mejor conocido como el Dr. Atl, que la bautiza con el nombre que mejor la conocemos, Nahui Olín. También fue integrante de la Unión Revolucionaria de Obreros, Técnicos, Pintores, Escultores y Similares desde 1924 y en 1935 fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías.
Sus pinturas son conocidas por tener un estilo naif, que se caracteriza por ser espontaneo y simple. Hizo múltiples autorretratos, y muchas de sus obras se caracterizan por su erotismo y su exploración de la sexualidad, pero la mayoría de ellas tenían un tema en común, la libertad del ser femenino, no solamente en la pintura, si no también en sus letras donde se reconoce y expresa que es la artista más libre que México ha conocido.
El Museo Nacional de Arte de México organizó en los días 15 de junio al 9 de septiembre del 2018, una exposición para Nahui Olin, llamada La mirada infinita, donde podemos disfrutar las creativas obras de esta artista única, quien al no haber sido comprendida en toda su dimensión, podemos observar una parte de su persona, no solamente como la mujer exótica y loca, que se refleja en las obras de quienes la retratan, sino también como la mujer que ella misma expresa sobre su propio ser.
Lamentablemente fue excluida de los estudios historiográficos, dejando en el olvido su legado artístico, que hoy en día es casi imposible conseguir a pesar de los esfuerzos por la difusión de su obra.
Si deseas saber mas sobre La mirada infinita te dejo este video.
Arte mexicano: María Izquierdo
María izquierdo, fue una de las primeras pintoras mexicanas que logro exponer unas de sus obras fuera de México; dándole un gran lugar en la historia del arte y feminismo mexicano. Recordamos sus obras por mantener un gran balance entre lo mexicano y lo universal, sus llamativos colores y sus retratos surrealistas. Además que una de sus mayores inspiraciones fue la figura femenina en donde podemos verla representada en la mayoría de sus pinturas.
Una de sus pinturas más famosas es El idilio, un cuadro de oleo de 76x61cm, encarnando a una pareja sentada sobre una fuente de agua, la fuente con forma de la diosa Afrodita o en romano Venus, con un fondo lleno de árboles secos. Idilio, es una relación amorosa en la que se vive con mucha intensidad pero su duración es corta, ella expresó exactamente eso, como la pareja está sentada sobre la fuente de Afrodita, disfrutando el momento juntos pero si vemos alrededor todo está seco, representando como su futuro no tiene frutos.
Viernes de Dolores, también pintura de óleo, representa un altar para la virgen de los siete dolores. A María le gustaba mucho la celebración de la virgen de los siete dolores que se celebra una semana antes del viernes santo, ella nunca hizo un altar para el viernes de dolores, por lo que parece que se basó en altares que ella vio a lo largo de su vida o en su propia imaginación.
María hizo muchos autorretratos, expresando sus raíces y el orgullo que siente por ellas, como muchos otros artistas de esa época buscaban representar sus raíces mexicanas, podemos ver en muchas obras de ella como trataba de expresar ese sentimiento.
En 1955, María Izquierdo murió enferma y pobre en la Ciudad de México, pero ahora la podemos recordar como una joya del arte mexicano y siendo una de las mujeres más valientes de la historia que logro abrir un gran camino para muchas artistas más.
Arte mexicano: Introducción
Desde la época prehispánica el arte ha sido imperdible para México; todo comenzó con grupos sedentarios que empezaron a construir ciudades, en las cuales los indígenas empezaron a ligar el arte como parte de las clases más importantes y la religión. Cuando llegaron los españoles ha inculcarnos su religión, lo hicieron a través de las iglesias, en donde podemos notar el tipo de arquitectura y decoración que hay en ellas, desde entonces México empezó a tener un estilo europeo en su arte.
Después de que la independencia acabara, México se caracterizó con el estilo europeo y siguió con el hasta el siglo XX, donde apareció el Movimiento Muralista Mexicano iniciando con José Vasconcelos; político, escritor y filósofo mexicano, conocido por emplear el muralismo para despertar el gusto de la población por el conocimiento; donde destacaron artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y Fernando Leal.
Luego del muralismo, el movimiento más importante fue La Generación de la Ruptura que comenzó en los años 50, donde se implementó el surrealismo, las paradojas visuales, elementos y estilos de la pintura del viejo mundo, con pintores como José Luis Cuevas, Gilberto Aceves Navarro y Rafael Coronel. Siguiendo a los años 60-80, el arte neo-expresionista fue más presente, representado por Manuel Felguérez, Teresa Cito y Jan Hendrix, realizando obras abstractas, con trabajos no figurativos, llenas de color y contraste.
El siguiente movimiento importante de México, comenzó en 1980, el Neomexicanísimo, una versión surrealista y postmoderna del realismo social que se enfocó en la cultura popular en vez de la historia. El arte de la década de los 90 hasta la actualidad se le conoce como Postmoderna, fue el momento en el que el arte mexicano alcanzó de nuevo su auge gracias a las ferias de arte y exposiciones internacionales.
*créditos a los artistas de estas obras*
Teoría de colores
¿Qué es un color? Según la real academia española un color es la sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda. Los colores están presentes todo el tiempo y cada uno de ellos nos hace sentir algo diferente; esto es llamado teoría o psicología del color.
Hay muchas profesiones en la que es muy útil esta teoría; como en los artistas, terapeutas, diseñadores o arquitectos. Ellos deben comprender que efecto quiere que la gente tenga. Si quieres transmitir alegría ¿Qué color usarías?
Cada color nos deja diferentes impresiones; como por ejemplo, usando la gama del color negro; el negro no nos va a transmitir lo mismo que el color gris aunque ellos sean derivados, el negro es símbolo del silencio o el misterio pero al mismo tiempo nos transmite nobleza y elegancia, el gris representa indecisión y ausencia de energía, y el blanco expresa paz, felicidad, pureza e inocencia.
También podemos separar los colores por categoría. Los cálidos que son colores ardientes, que llaman la atención, que pueden llevar al aumento de la presión sanguínea y la estimulación del sistema nervioso. Los fríos, que nos recuerdan al hielo y a la nieve, pueden reducir el metabolismo y nos da sensación de calma. Los colores claros que son los pasteles más pálidos, indican descanso y suavidad. Los oscuros, ellos tienen negro en su composición y hacen que los espacios se vean más pequeños. Por último, los colores brillantes, se logra por la omisión del gris o el negro, son colores estimulantes y alegres.
En conclusión, los colores no tienen significados, si no que cada uno es determinado por el ambiente en lo que lo relacionamos o percibimos. Los colores aparecen en cualquier contexto en el que nos encontremos y cada uno de ellos va a despertar algún sentimiento, ya sea positivo o negativo.