Danza Meccanica

Un disco al giorno, un evento al giorno.... calendarizziamo tutto

[danzameccanica]

Gli Ultha, band tedesca di cascadiana memoria, ha rilasciato l’ultimo monolitico album A Light so Dim, su Vendetta Records, dando vita ad un lavoro clamoroso dopo il già incredibile e impegnativo All that has never been true. Lunghe canzoni viscerali magmatiche segnate da una certa serialità, dai riff vorticosi e circolari; grazie alla tipica matrice cascadian, puntualmente, nel corso dei brani, le rullate segnano la coda di lunghi riff ctonici. La particolarità di questo album è che le chitarre hanno un effetto di organo da chiesa, un synth che assomiglia ad un hammond che, a poco a poco, trasportano l’ascoltatore in una dimensione più elevata. C’è una specie di spazio religioso e ritualistico in A light so Dim, uno spazio che non è più tribale/ancestrale come nei colleghi nordamericani (Fell Voices, Ash Borer…) ma piuttosto gli Ultha decidono di prendere dal tribalismo del post-punk. "Her Still Singing Limbs" inizia come un brano dei Bauhaus o dei Throbbing Gristle e si evolve portando le chitarre in secondo piano, terzo piano, a volte anche più in basso. Il tutto, ovviamente senza elettronica (intesa come pulsazioni robotiche o cibernetiche) ma con un andamento sempre caldo. "Hex Upon our Heads" sfoggia una brutalità pazzesca, quasi noise; due voci si intervallano su diversi registri creando un dialogo diabolico costantemente martellato da blast-beat infiniti. Ma, ripeto, è sempre la dimensione delle tastiere e delle chitarre effettate a creare l’atmosfera principale, in questo brano sempre più sghemba, quasi fuori tempo. E, questo stato di trance collettiva, di rito messianico si fa sempre più intenso; le pause sono gestite in maniera divina (o meglio, diabolica), mostrando spiragli di luce al fruitore: il finale di "Hex Upon Our Heads" è un sospiro di sollievo dopo un martirio. "Sister Faith & Sister Glance" è la risposta post-punk/new wave a tutti quegli act (Alcest ? Lamp of Murmuur) che vogliono per forza mostrare il loro lato alternativo integrando parzialmente il lato gothic e il lato blackmetal, fra loro... o a volte non integrandolo per niente. La musica si fa leggermente più chiara ma sempre su tonalità grigie, malinconiche e spettrali. Si sente un eco di The Western Lands dei Gravenhurst e, fondamentalmente, un gothic-rock più cantautoriale e contemporaneo. "Cherry Knots" alza ancora più il livello del songwriting, mostrando una piano-track quasi in stile Dead Can Dance: gotica in senso liturgico, eterea ma senza alcun connotato blackgaze (meno male !). "Pink Lights Soiling to Copper" ci mostra ancora questi synth spettrali, i quali sono ormai la colonna portante di questa architettura. Ora però più che mai, verso la fine dell’album, la convivenza di tutte le sfumature sonore di cui abbiamo parlato non sono mai state così intense. Il muro di suono crea un’apocalisse visiva; è come se gli Amenra, i Celeste, gli Swans e gli Elend si fondessero in un’unica creatura slegando il più terribile e visionario parossismo sonoro. Quando pensi di esser rimasto senza parole "The Quiet Current" si mostra come un’altra ballata malinconica, a voce pulita, con influenze gothic e shoegaze, con un piede negli Schammasch e un altro in Anna Von Hausswolff: a mano a mano che scorrono i minuti, le chitarre si fanno sempre più piene (sia come gli Alcest che come gli Editors però), si riempiono di echo e delay finché la luce creata fino ad ora non si affievolisce.

La conclusiva "To Part the Abelia Springs" rappresenta la summa di questo post-black metal, post-rock, post-hardcore intriso di mistica non religiosa, di scream su chitarra semi-acustica e sull’organo; e sullo sfondo l’incessante blast-beat che però tende a rimanere nascosto e a comportarsi quasi come un metronomo. I cori aumentano (con tanto di 40 voci di donne del coro di Colonia), la ripartenza a poco più di metà traccia è sconvolgente; la visione non si fa né celestiale né infernale ma si percepisce un gorgo di anime e di corpi che si muovono verso altri mondi. Gli Ultha hanno davvero sfoggiato un capolavoro che non scardina totalmente nessun genere, eppure siamo di fronte alla maestria di aver dipinto alcuni paesaggi particolari e averli mostrati nel modo giusto al momento giusto.

[danzameccanica]

C’è qualcosa di straniante e confortante in “Coax”; una sorta di impercettibile tepore che scaturisce da tutta una sequenza di inanimate pulsazioni, da piccoli e freddi black-out. Straniante è il provare empatia per piccole vibrazioni orrorifiche e per niente rassicuranti, trovare un parallelo emozionale con una gamma di sonorità che vanno esattamente nella direzione opposta delle affinità umane; meravigliarsi perché gli aliti della morte non provengono da niente che possa custodire, anche in maniera embrionale, qualsiasi forma di vita.

Tooth è la seconda fatica dei Raime, duo londinese che aveva sorpreso qualche anno fa tutto il mondo dark, insinuandosi nelle orecchie di chi era propenso a ingerire qualsiasi sonorità cupa, dal post-core alla techno. Rilasciato diligentemente sotto la Blackest Ever Black Records (etichetta dei/fra i quali Vatican Shadows e Tropic of Cancer), questa prova si discosta nettamente dal precedente debutto: tutti i brani sono tracciati da un grandissimo ma impalpabile monolite; effimeri contorni tratteggiati che avvolgono il fruitore asfissiandolo con la suspense. Una costante melodia cacofonica che serpeggia fra le stesse quattro o cinque note, variando per gravità di suono, per impatto fisico e psichico, saturazioni acustiche, immobili amplessi, costanti e temibili crescendo. Non c’è più niente di quello sporco drone degli esordi, la componente rumoristica non è graffiata, polverosa e abrasiva. Gli elementi di mistero e di incognita non risiedono più nell’ombra e nel buio ma sono così palesi e irrorati di luce che tornano ad essere invisibili a causa del processo inverso, a causa dell’accecamento.

“Tutto ciò che fa parte del DNA dub-techno, garage/grime e post-hardcore si è congiunto insieme ad una nuova forma lucida e predatrice”.

Le chitarre diventano percussioni tribali, le corde pizzicate diventano battute, qualunque scia di synth è un freddo strappo di bisturi che lacera senza causare lesioni; la drum-machine causa delle incalcolabili instabilità mentre la bellezza e la purezza di ogni suono si rispecchia nella perfezione immanente della morte. Le basi, imprescindibili, di Spiderland degli Slint incontrano i paesaggi distopici di Blade Runner con quell'urlo nichilista contemporaneo di Gasparre Noé. Kenofobia allo stato puro.

[danzameccanica]

Neverland, quattordicesimo album degli Ulver, è un’inversione di tendenza e allo stesso tempo un collegamento con gli EP e le sperimentazioni dei primi anni 2000 della band. Liminal Animals è un album che non ho capito molto, ma vedevamo Garm e gli altri ancora alle prese con un revival synth-pop; magari più psichedelico ma ancora sulla falsariga della musica anni ’80. E per me avevano davvero trovato una dimensione pregevole seppur, a detta di alcuni, derivativa. Il mondo 80s è davvero difficile da far tramontare e puntualmente escono revival su revival, anche complice il panorama cinematografico. Neverland è un album praticamente strumentale, molto più vicino a Lykantropen Theme ma con dei brani corti dalla semplice struttura; cambiano continuamente pur senza dare l’idea del mappazzone di tanti stili diversi. C’è il trip-hop di Perdition City e della scuola di Bristol ("Pandora’s Box"), ci sono i Sigur Rós e i Pink Floyd (nell’opener) c’è tantissimo Bonobo e, ancora una volta, tantissima Ninja Tune, quella di oggi però ("They’re coming! The Birds!" Sembra uscire da una sessione di Bicep). In "Elephant Trunk" ci sono ancora gli echi degli ultimi Talk Talk ma anche le atmosfere notturne di Perdition City e, c’è ancora qualche elemento dance di altissimo livello: "People of the Hills". Accenni di chitarra elettrica, basso groove e qualche interferenza glitch giusto per togliere linearità al brano. Sulla stessa sintonia "Bark! Bark!..." Un brano quasi balearic-futuristico con metamorfosi mediorientali (mi ha ricordato "Antistar" dei Massive Attack). Forse dopo la dipartita di Tore Ylwizaker gli Ulver riguardano i loro ultimi 25 anni di cambiamenti a volo d’uccello; pescando poco per volta dal loro repertorio ma in flash-forward, selezionado i momenti più salienti delle loro sperimentazioni però col punto di vista di oggi. Gli Ulver ci avevano provato già con i Teaches EP e con Perdition City ad avvicinarsi al mondo inglese di Amon Tobin o dei Coldcut ma senza riuscire (lo potete leggere nel loro libro Wolves Evolve); oggi, complice anche la musica in generale cambiata la band norvegese ci riprova con una diversa consapevolezza ma, ancora una volta, ci si deve chiedere quanto questa operazione di avvicinamento abbia funzionato.

Neverland è un album dove i synth sono chiaramente la macchina portante, dove l’elettronica è potente e progressiva, non più minimale e coordinata con i rumorismi di inizio millennio; è un album che tocca tanti temi e sfumature senza andare mai a fondo, è un album che rovesci il concetto di pop e il concetto di superficialità. Neverland è un album antipop in quanto si appoggia al minutaggio e alla capacità di assimilazione degli album pop ma rinunciando completamente alla voce e ad alcune melodie catchy che in realtà sono state tanto usate nei tre dischi precedenti. È un album anti-superficiale in quanto rinuncia anche alla frivolezza che gli elementi 80s hanno portato al mondo della musica ma ogni brano sembra rincorrere l’altro senza una vera indagine. Neverland è diamentralmente opposto ad ATGCLVLSSCAP dove la dimensione jam session era davvero principale; gli Ulver nel 2026 sembrano più una creatura solitaria che compone in studio guardando paesaggi esotici da tutto il mondo e li trasforma in paradisi artificiali.

[danzameccanica]

All’improvviso ma non sorprendentemente arriva il secondo capitolo Benediction dei Sodality. Ancora più della prima parte, uscita l’anno scorso, stavolta i polacchi superano loro stessi proponendo un black metal ancora più orrorifico, tangibile nei riff ma astratto nella forma. I brani sono fatti da riff che si susseguono quasi come fossero jam session senza però perdersi nei trip mentali dei singoli musicisti. Tutti accorrono alla realizzazione di un incubo sonoro dove, ancora una volta ma meglio che mai, la voce di Mark of the Devil (attivo anche nei Cultes des Ghoules) è davvero l’elemento centrale attorno al quale tutto il resto ruota. Ancora una volta il punto di riferimento è Attila Csihar ma, stavolta, ancora più performativa. Pianti, gemiti, orgasmi, vomitate, urla e imprecazioni gutturali fuoriescono nei registri più disparati per aumentare l’atmosfera nera e mortifera dell’album. Piccoli rintocchi di tastiere, fischi di chitarre e canti gregoriani sono i ritocchi che rifiniscono questa nera perla che si piazza in top 3 dell’anno.

[danzameccanica]

È incredibile che Vindsval dopo trent’anni rimanga ancora in uno standard compositivo davvero alto e invidiabile con i suoi Blut Aus Nord. Dopo il lovecraftiano Disharmonium (che, ammetto, l’ho ascoltato davvero poco) e, prima ancora, il lisergico, psichedelico Hallucination, arriva in maniera sempre puntuale, Ethereal Horizons. Musicalmente e a livello compositivo siamo molto vicini agli ultimi due capitoli della trilogia 777 ma con un ammiccamento constante verso l’easy-listening e melodie più vigorose. Dei Blut Aus Nord risulta particolarissimo il modo di suonare le chitarre che da sempre – e ripeto, da sempre – hanno mantenuto una dimensione liquida, quasi non identificabile sulla tastierea della chitarra elettrica. I riff sono sempre pieni di echi, delay, quasi non vengono estrapolati né identificati secondo i normali canoni del metal estremo. I synth avvolgono il resto della strumentazione creando un’opera cosmica, spaziale, non solo cupa ma fatta anche di baluginii e di fiammate extraterrestri. L’effetto totale è una sorta di post-metal/shoegaze con quelle fortissime tinte grunge-core dei Godflesh. Ma, ora più che mai, riprendendo per mano lo stile di Hallucination, le armonie sono onnipresenti in una sorta di colonna sonora apocalittica, uno sbarco trionfale dallo spazio carico di strumentazione poco convenzionale. Sempre più spesso le chitarre soliste emergono come laser, segnando fraseggi e manipolando la melodia portante. La batteria è sempre iper digitalizzata, perfettamente inscritta nella logica dei Blut Aus Nord, sempre più spesso emergono voci pulite, cantilene che si ripetono che, acquisirebbero una dimensione epica dentro i Memoria Vetusta, ma che in "Seclusion" suonano come un mantra orientale. Per quanto si nota un incredibile equilibrio fra riff vorticosi, disturbanti e claustrofobici, il fatto che ci sia rispettivamente un contrappunto o un contrappeso rende Ethereal Horizons un alternarsi costante fra luci e ombre: entrambe non appartenenti al pianeta terra.

È più di una decade che i Blut Aus Nord stanno descrivendo paesaggi ultraterreni, fatti di reazioni chimiche, sostanze allucinogene, creature informi e rumori sublimi; il libretto di Ethereal Horizons ci mostra scorci di paesaggi molto vicini a Roger Dead, ma senza quell’idilliaca coesione fra uomo, natura e cosmo. La messa in musica del tremendo che affascina è la colonna sonora dei paesaggi di Clive Lewis o di Asimov; Vindsval si è allontanato dal pianeta silenzioso per creare e descrivere un suo personale pianeta rumoroso e asfissiante, ma con una conformazione di piante e minerali così belle e venefiche che non potremmo fare altro che morire nella di loro contemplazione.

[danzameccanica]

Nel vasto sottobosco del black metal si incontrano realtà a volte difficili da decifrare, ostiche, problematiche, ambigue anche se collocarle nella serietà o nella parodia. I Vígljós sono una band svizzera, che ama l’apicoltura e che fa della ciclo della vita delle api i loro temi principali. I loro costumi sono vestiti bianchi da apicoltore, che gli oscurano il volto dandogli però un’aura diurna, quasi da salvatori del mondo.

Ecco già questo basterebbe per buttarli nel fosso assieme ai Botanist o ad altre band sbilenche. Il fatto è che, ascoltandoli, hanno davvero un songwriting pazzesco, che crea appeal; a volte manifesto del lo-fi, altre volte con una produzione davvero ben ricercata. Black metal veloce, schizofrenico e ferale; spesso ricorda i Bethlehem, altre volte (forse grazie alle tematiche rurali e agresti) tira in ballo gli ultimi Lunar Aurora. Il sapiente uso dei synth (nell’intro), delle chitarre acustiche (poche a dir la verità) hanno saputo creare un disco - che è una specie di sequel del precedente – che profuma di Medioevo, che ha della ricerca precisa del folklore e dell’identità nazionale. Ma attenzione: per fortuna tutto questo non puzza di NSBM. Sa più di una ricerca contemporanea storiografica dell’intera gamma delle gradazioni e delle sfumature della propria terra. Dopo anni (se non decenni) di amore per Satana e l’oscurità, rimane la passione per la natura incontaminata, di stampo romantico, ma con una narrazione che ora è diurna, locale, tribale. D’altronde siamo nell’epoca di Midsommar e degli horror alla luce del sole e, forse le nuove generazioni di ragazzi che suonano black metal dopo il 2020 hanno una consapevolezza diversa.

Ci sono band che esaltano alcune precise particolarità e peculiarità della propria terra: i Selvans in Italia, i 1914 in Ukraina, i Kanonenfieber in Germania, i Departure Chandelier francesi, i Blackbraid negli Stati Uniti. I riff sono corposi, spesso anche melodici e la produzione dei brani è sempre buona pur rimanendo grezza. Bella scoperta, soprattutto se date un ascolto alle altre b-side band dei vari membri come i Kvelgeyst o i Wyrgher. Se l’album precedente poteva evocare un ambiente quasi di Bruegheliana e cinematografica memoria, con questo Tome II si entra più in un ambiente funereo e di decomposizione.

[danzameccanica]

Storm of the Light’s Bane è uno di quei dischi perfetti che è perfetto quando lo ascolti a 15 anni e rimane perfetto sempre. È difficile parlare di una tale pietra miliare, difficile mettere sotto forma di parole le sensazioni e i ricordi che mi hanno accompagnato per più di 25 anni attorno a questo album. Se dovessi sforzarmi non ricordo quando ascoltai questo disco la prima volta (anche se a casa ho ancora il CD col prezzo in lire) ma sicuramente "Where Dead Angels Lie" è stato il primo brano che mi si impresse in testa e ricordo che nei primissimi mesi del 2000 provavo a risuonarla con la chitarra acustica di mio padre. Ogni nota di questo album è perfetta, è composta in maniera impeccabile da Jon Nödtveidt all’età di 18-19 anni. "At the Fathomless Depht" crea un intro perfetto con un climax di due chitarre che definiscono subito lo stile del secondo album dei Dissection: black metal melodico ma di ascendenza death, con qualche influenza thrash ma il tutto che risuona aperto e melodico grazie all’accordatura standard.

I Dissection sono stati fra le band pionieri death metal ad identificarsi come satanisti, amici di Euronymous e della scena black norvegese e dopo il meraviglioso The Somberlain tornano agli Unisond per registare il sequel. Ci sono diverse interviste sia a loro che a Dan Swanö dove si parla di queste registrazioni infinite, due/tre master che andavano puntualmente rifatti perché “non suonava abbastanza malvagio”. Tutta la fatica è stata perfettamente ripagata perché ogni suono e brano sono perfetti: "Night’s Blood" ci fa sentire tutte le influenze death e thrash (i palm-mute, gli hammer) ma anche tantissimo heavy metal: le chitarre soliste creano melodie uniche che si sono impresse nella mente di centinaia di migliaia di metallari. Gli effetti dati alle voci, le chitarre acustiche e quei piccoli tocchi di post-produzione creano una dimensione cinematografica che non fa altro che accrescere l’atmosfera epica e mortifera di questo album. Ancora oggi rimango affascinato dal primo riff di "Unhallowed", degli arpeggi e della seconda chitarra che emergono nell’evoluzione del primo riff; le chitarre melodic death quasi in stile In Flames o Dark Tranquillity che si sentono sotto alle strofe, le rullate che sembrano emergere da un’enorme stanza piena di echi, l’assolo super epico con dietro l’inferno che si scatena fra le pelli di Ole Öhman (cazzo che brutta fine ad andare nei Deathstars!!!). Le chitarre acustiche di "Where Dead Angels Lie" hanno forse impresso nella mia mente la prima commistione fra metal estremo e parti acustiche; ricordo ancora i disegni che facevo nel mio diario, le traduzioni dei testi, le scritte col sangue e quella voglia di far parte di qualcosa che sembrava lontanissimo nel tempo ma in realtà era accaduto appena cinque anni prima. "Retribution" è uno dei brani più violenti del disco (ricordo che risuonavamo insieme con Rossi Ciucci solo la prima parte perché era molto death-oriented) con dei riff pazzeschi che ti fanno scapocciare continuamente e - ancora oggi da quando ascoltai questo album la prima volta – salto in piedi quando c’è il cambio tempo durante l’assolo.

Ma forse il picco più alto della composizione di questo album è "Thorns of Crimson Death": è incredibile pensare e capire che diavolo di songwriting ha avuto Jon per creare questo capolavoro di canzone: epica, malinconica, heavy; le accordature gravi ma melodiche, la batteria che non ha un attimo di continuità. "Soulreaper" continua quello che è già stato detto fino ad ora Attorno a questo album girano i ricordi del famoso Live & Plugged a Köln con i Dimmu Borgir: videocassetta che guardavo praticamente tutti i giorni; ricordo che assieme a Fede e al Tascio provavamo continuamente "Where Dead Angels Lie" e anche con la band successiva sempre con Fede e Emanuele a Todi; con Lorenzo e Giuseppe invece scegliemmo "The Somberlain". Questo vuol dire che, nella loro aggressività, i Dissection erano alquanto versatili e Storm of the Lights Bane è il disco black metal che piace a tutti gli amanti di metal: chi è fissato con la tecnica heavy o shred non può non rimanere affascinato dalla bravura di questi musicisti; chi ama il death troverà un unicum nel suo genere così come tutti gli amanti di black metal saranno attratti magneticamente da questo inno a Satana, al freddo, al mistero. Ancora oggi, dopo puntuali ascolti quasi trimestrali, non riesco a concepire come possa essere uscita quella scoreggia di Reinkaos, debole sotto ogni punto di vista. Se questo album non fosse così iconico, perfetto e riconoscibile sotto ogni punto di vista in ogni secondo della sua durata nessuno si azzarderebbe ad ascoltare il mix alternativo della Unisound. Eppure ascoltando questo mix alternativo (uscito nella versione doppio vinile del 2005) è come se si ascoltasse una band un poco più normale, sempre mostruosa ma – per forza di cose – tolta dal suo contesto abituale per essere rimessa in quello originale. È come guardare La Morte della Vergine in Santa Maria della Scala ! Certo questo mix non è raffinatissimo e tutte le post-produzioni vocali sono assenti ma colloca i Dissection quasi nel mondo dei mortali pur mostrando una soprannaturalità unica.

[danzameccanica]

Devo ammettere che un paio di mesi fa, notato il grandissimo hype attorno al nuovo album dei One Of Nine, mi sono venuti subito in mente gli Stormkeep e il loro EP di debutto. La confezione con lo slipcase che sembra un libro di antichi racconti (andata sold-out immediatamente), il tipo di black metal melodico e debitore degli anni ’90 in comune, l’amore per il fantasy e tanto altro. non si è impresso immediatamente nella mia mente, forse complici i tanti album che volevo mettere in fila di ascolto alla fine dell’anno, ma una volta erosa la corazza iniziale goccia dopo goccia, questo album è entrato in me scalando la classifica dell’anno.

Esattamente come i connazionali Stormkeep siamo di fronte ad un black metal melodico, con un sapiente uso di synth in stile primissimi Emperor e Odium; suoni caldi e avvolgenti che vanno a dipingere un mondo tanto caro al black metal: quello di Tolkien. Uno dei Nove Nazgul è il protagonista attorno alla leggenda della nascita nell’ombra di ferro; otto brani magici, corredati da un meraviglioso libretto illustrato da Ted Nasmith (artista che dà vita al mondo di Tolkien dal 1987). Passione per il racconto, per il gioco di ruolo, per la messa in musica di un’epica malinconica e sanguinosa fatta di battaglie, di mondi immaginari, di chitarre acustiche che emergono a sorpresa ("On Desperate Valor") e di grandissime killer songs. "Behold the Shadow of my Thoughts" ha alcuni dei riff più belli partoriti dal black metal negli ultimi vent’anni; ci sono almeno tre parti del brano dove si arriva ad un climax lento ma solenne alla fine. Ci sono le classiche citazioni dai vari Kovenant o Ancient ma il focus principale sono gli Emperor in chiave sicuramente meno oscura e più fantastica. Dawn of the Iron Shadow è un disco maestoso che ti fa volare con la fantasia e che ti riporta col cuore e con la mente indietro nel tempo.

[danzameccanica]

Swartadauþuz è l’artista manierista per eccellenza; esattamente come i pittori della seconda metà del XVI secolo lui prende, copia, cita e riutilizza tutto nel modo migliore per il momento migliore. È praticamente il Vasari o il Tintoretto del black metal. Ma all’interno della sua iper-prolifica carriera - con più di 25 band attive ad oggi (citiamo le più famose e degne di nota come ad esempio gli Azelisassath, Bekëth Nexëhmü, Gnipahålan, Greve, Insikt, Secrets, Nattfärd, Trolldom, Tyranni, Daudadagr, Gardsghastr…) – capita spesso di rasentare la mediocrità pur sfornando prodotti stilisticamente giusti o corretti. L’ultimo disco del solo-project Muvitium (dal logo davvero troppo uguale ai Greve) spicca per la sua evoluzione dal resto della discografia e anche dal resto dei progetti. Mentre gli album precedenti (fra i quali un doppio album uscito a marzo di quest’anno) erano molto vicini a un mix fra Burzum, Xasthur e Summoning, con la componente delle tastiere sempre presente ma votate ad uno stadio contemplativo, questo Through the Veil of Medieval Prophecies porta il progetto dentro ad un mondo più vicino ai primi Dimmu Borgir e Emperor. Batteria tiratissima, synth che spesso diventano i movimenti principali, urla e interpretazioni velenose davvero coinvolgenti; perfino il basso spesso emerge creando atmosfere di un’altra epoca ("The Black Prince").

Intro, interludio e outro di tastiera come la tradizione comanda per poi rigettare le composizioni a metà degli anni ’90 (scomodando anche Sventevith e Grom dei Behemoth ma anche il debut dei sopra citati Trolldom). Non poteva non catturare la mia attenzione Il Supplizio di Marzia di Tiziano, forse il massimo artista, appunto, della seconda metà del XVI secolo, creatore del più bello e particolare esempio di manierismo. Anche se lo stile pittorico non ha niente a che fare cl “velo delle profezie medievali”, Muvitium rappresenta uno dei migliori esempi del manierismo musicale di Swartadauþuz

[danzameccanica]

Difficilissima l’impresa di riuscire a far di meglio rispetto al precedente capolavoro Draco Sit Mihi Dux. Impossibile. Però gli Ondskapt decidono di cambiare leggermente le carte in tavola con Dödens Evangelium facendo un album più diretto, a volte più violento, dove l’aura malsana, nauseabonda e mefistofelica non manca. Piccola nota di ulteriore colore: il disco esce per la breve seppur micidiale Next Horizon Records, etichetta del fondatore dei Necromorbus Studios, la casa di registrazione che diventerà più ambita per la successiva generazione di album black metal, di stampo religious o orthodox, satanico e simbolico. L’album si potrebbe quasi dividere in due parti: i primi sei brani lunghi, contorti, nebbiosi, dove le chitarre solite emergono in primissimo piano col loro tremolo e con i loro armonici a creare le melodie principali, sostenute da tutto il resto della strumentazione e dalla voce sempre più particolare e unica di Acerbus. La batteria non è sostenuta da uno studio quasi maniacale sulla ricerca dell’atmosfera, come nell’album precedente, ma qui è tagliente, quasi meccanica ma, la sua violenza non va mai ad intaccare il songwriting. "Djävulens Ande" regala questa chitarra spettrale, con un leggero tremolo quasi new-wave (ma pieno di echo) che fa delle leggere dissonanze il proprio ingrediente principale. Però scordatevi tutto il recente dissonant black metal islandese; qui c’è ancora una grandissima ricerca della melodia e dell’atmosfera, chiamando in causa spesso i Dark Funeral di The Secrets of the Black Arts mentre "Feeding the Flame" ha un ricordo dei Marduk se non fosse per la particolarissima chitarra che strazia, recide e tormenta le carni dei dannati.

Il satanismo degli Ondskapt non è ecumenico o apologetico ma è allegorico e simbolico; descrive il rapporto personale fra l’uomo e il demonio, le manifestazioni delle fiamme, del sangue e del sacrificio. Non ci sono magie arcaiche o gnosticismi; è il diretto rapporto individuale, molto vicino ai dettami del Misanthropic Luciferian Order. "Lord of All Unclean Spirits" ha forse i riff più imponenti e drammatici dell’album, e i registri vocali di Acerbus sono sempre diversissimi e adatti ad ogni dannazione. "Akilkarsa" è una strumentale che anticipa la chiusura della prima parte con "I Kristi Skugga", un brano in mid-tempo possente e monumentale come faranno i Watain con Sworn to the Dark. Le voci dei predicatori non fanno altro che aggiungere colori e dettagli a questo panorama apocalittico fatto di visioni, rivelazioni e sconforto. La seconda parte dell’album consiste in brani più corti, con un influenza più debitrice dei Darkthrone ("Blessed by Demonic Wrath") ma sempre con i tasselli fondamentali della composizione degli Ondskapt. Stupenda e tremenda la conclusiva "Witch", in pratica la messa in musica quasi non metal di un rogo: i suoni ovattati, lontani e filtrati richiamano un antro bestiale di una grotta; le chitarre acustiche (tanto i Watain prenderanno da questo brano) accompagnano i lamenti e l’anima dannata che uscirà dal corpo di questa donna torturata. Una chiusura davvero da incubo, cinematografica che sa dare un colpo sul finale e mettere fine ad un album magistralmente compiuto, diretto e violento.

[danzameccanica]

I Behemoth, dalla Polonia erano gli unici che nei primissimi anni ’90 riuscivano a far capolino dalla scena di metal estremo nord-europeo. I chiacchierati connazionali Graveland escono contemporaneamente sia a livello di demo sia a livello di debut (entrambe le band avranno il demo ristampato e forse rimasterizzato su CD) ma resteranno sempre in secondo piano rispetto a Nergal e Baal. All’epoca i Behemoth erano un duo residui del fortunato demo …from the pagan vastlands, ristampato dalla Wild Rags in formato cd. Il loro era un black metal diretto, a tratti semplici e a tratti infuso di ricerca melodica, in pieno stile Immortal e primissimi Enslaved, sicuramente più concisi ma con le stesse comparse evanescenti di synth ad occuparsi di variare il songwriting. Ma con il successivo Sventevith – Storming near the Baltic la qualità sia della proposta che della produzione si alza. Le melodie aumentano nettamente e c’è una maggior ricercatezza sui suoni delle chitarre. Già con la prima "Chant of the Eastern Lands" ci troviamo di fronte ad una band che ha elaborato il primo fulminante album degli Emperor, mescolandolo con Burzum e gli Immortal. Inoltre "Touch of Nga" dà un tocco folk alla band che non guasta affatto. Synth e chitarre acustiche prenderanno posti nei primi strati sonori che saranno onnipresenti in tutte le tracce dell’album. "Hidden in Fog" ha un’aura vagamente mortifera che potrebbe ricordare un mix fra gli Ancient e i primi Gorgoroth, dove i piccoli rintocchi sulla chitarra acustica danno gli accenti alle distorsioni in secondo piano. "Entering the Faustian Soul l’ho sempre letta come un tributo a Bård ‘Faust’ Eithun degli Emperor, soprattutto nella rincorsa di risa diaboliche a metà traccia.

Ci sono brani che ricordano Vittra dei Naglfar ma che godono di un contemporaneo e autonomo debutto. Altri richiami sono puramente swedish come "Wolves guard my Coffin" o "Hell Dwells in Ice", con echi dei primissimi Dissection, Marduk e, soprattutto, Bathory. Sventevith è una parentesi anomala per una band che, tutto sommato, ha rilasciato album sempre diversi; questo è probabilmente l’album più atmosferico, malinconico e in contatto con il primo black metal norvegese.

[danzameccanica]

I Kaevum debuttano a Tromsø nel 2008, si etichettano come North-Norwegian black metal (come per dire che anche lassù i terroni vanno lasciati a sud) e non ci vuole un genio a capire che dietro a questa band promossa dalla Darker Than Black, che è anche una costola dei discutibili Nordvrede e che sforna copertine e di sapore nostalgico, ci sono delle fortissime simpatie per l’estrema destra. Il loro logo, oltre a non avere il nome, ha una chiara aquila nazi circoscritta ad una croce celtica; le foto degli album attingono ad un repertorio rurale, di quella ricerca dell’identità nordica che risale ad un tempo nel quale le ragazzine morivano di vaiolo o di tubercolosi o, ala meglio, soffrivano di anemia. Bene, dopo aver detto le cose che andavano dette, ora dobbiamo scrollarci da dosso il pregiudizio perché Ultra dei Kaevum è uno dei rarissimi dischi NSBM che mi ha davvero colpito. Al suo interno c’è tutto il meglio del black metal norvegese che può essere una sintesi dei Koldbrann, Gorgoroth e Taake. La produzione è perfetta, non troppo scarna e piena di melodie e aggressività. "Mørketidens Kappe" assomiglia molto come feeling a Nattestid. "Rottefangeren" e "Mud" sono brani più cadenzati che declamano la sconfitta delle religioni abramitiche (eppure la band si conia di termini come “jihad” !!); impressionante ad ogni modo il songwriting, capace davvero di trascinarti dentro una spirale marziale, votata alla battaglia, all’autodistruzione. La batteria asseconda i riff ma la voce è davvero l’elemento più teatrale e coinvolgente di tutto. Non abbassa mai la guardia e le sue lingue biforcute sono spettrali, terribili, imponenti, possedute. Ideologia: zero; musica: 7+

[danzameccanica]

Nel 1995 il trip-hop era già un termine che stava impazzando sulle riviste ma che, fondamentalmente, era già morto nell’underground nel quale era nato. Bristol era sicuramente diventata una delle città-perno dell’Inghilterra dei primi anni ’90, con Londra e con Manchester. Tricky Kid, dopo aver far parte del seminale Blue Lines dei Massive Attack, dopo essere stato assunto come rapper del progetto, dopo esser stato una meteora del Wild Bunch, molla tutto e tutti perché non voleva essere inquadrato in quel sound system. I Massive Attack stavano già diventando qualcosa di grosso in termini discografici e anche in termini monetari e di produzione. Tricky smette di essere un “kid”, inizia a trafficare con le tastiere, con le droghe, con i suoni. Ad una festa di laurea conosce una certa Martine (Topley Bird) che ha 15 anni e dopo chiacchiere e canne le chiede se sapesse cantare: dopo due giorni sono in studio ed uscirà "Aftermath": un inno trip-hop che è tutto e il contrario di tutto rispetto a Blue Lines dei Massive. Reggae, flauti, synth da trance e la voce unica di Martina che inizierà questo sodalizio professionale (e amoroso) con Tricky. "Overcome" è la risposta personale a "Karmacoma" o "Inertia Creeps", anche se Maxinquaye esce cinque mesi prima di Protection… ma tanto sono simili i loop e anche la voglia di mostrare questo filo rosso che proprio in questo album si spezza dalla matassa; come "Strugglin’", posta in chiusura dell’album, ricorda tanto il reggae dei Horace Andy: Martina canta con lo stesso timbro e la stessa cadenza del cantore dancehall e degli esperimenti dei fratellastri Massive Attack. Una voce stralunata, che sussurra agli angeli in un allegro mondo di strafatti; una specie di versione bianca e acerba di Erykah Badu. Il trip-hop ti prende per mano, ti fa chiudere gli occhi e ti porta in una dimensione morbida ma sempre oscura; questo mondo inglese è fatto di rock, di dub ma anche di un frammento di post-punk preso e amplificato al massimo (Tricky realizzerà nell’album successivo una stupenda e aliena cover di "Tattoo" di Siouxsie & the Banshees ma non si contano le volte che Del Naja & 3D omaggeranno gli Wire, i Cure, i Depeche Mode...). Anche in Maxiyquaye, non si possono negare le influenze dark. Maxin Quaye era la mamma di Adrian Tricky, morta suicida quando il bambino aveva 4 anni; ecco la tendenza ad abbracciare l’oscurità e a reputarla calda e rassicurante.

"Pumpkin" (che prende il nome da un sample super modificato degli Smashing Pumpkins) vede la comparsa di Alison Goldfrapp cinque anni prima del loro debut. "Hell is Around the Corner" è una sorpresa per tutti quelli che hanno conosciuto i Portishead perché ci troviamo davanti a "Glorybox" ma con un’interpretazione vocale totalmente diversa. Brano dopo brano ci sono accenni di chitarra, reggae fumoso, accenni di dance abrasiva ("Brand New Retro" ha un sample di "Bad" di Michael Jackson e un hip-hop che ti porta in un tunnel di visioni e movimento), dancehall aliena e scratch l’album continua in modo organico a mostrarci i suoi diversi pattern, dove il basso è sempre in primo piano e sceglie ogni volta una percussione diversa come accompagnatrice personale; la batteria è sempre calda e suonata, anche quando ci sono sample di accompagnamento. "Suffocated Love" riprende quel dub notturno e caraibico di Grace Jones in Nightclubbing ed eleva già da subito Tricky all’afro-dandi inglese. Un incrocio fra un folletto, una maschera voodoo africana, un black-duke… Sofisticato, raffinato e tribale tutto in uno. Questo suo eclettismo gli varrà, sempre nel 1995, un articolo in Q Magazine firmato proprio dal Duca per eccellenza, David Bowie. Tricky inizierà ad esser corteggiato da Madonna, Björk e tante altre realtà musicali che avrebbero voluto un featuring con lui nei rispettivi singoli o remix.

La porta rossa si è aperta, il cordone ombelicale col passato è stato tagliato. In questa cesura di sangue e fuoco è emersa una delle creature più affascinanti e indipendenti della storia di Bristol. Maxinquaye è il manifesto di questo periodo storico che ha portato il trip-hop dai sobborghi più fumosi di Inghilterra ai salotti più patinati – pronti per l’aperitivo – di tutto il mondo: come ogni forma d’arte, ogni movimento dato in pasto alla massa verrà snaturato, digerito e rigurgitato all’infinito finché un frammento uscito chissà da dove si trasformerà nel prossimo movimento sovversivo di controcultura, poi in The Next Big Thing, poi di nuovo nella solita moda; così per sempre senza soluzione di continuità.

[danzameccanica]

Mi rendo davvero conto di essere troppo cresciuto per tutti questi nuovi micro-band, micro-progetti, micro-etichette ormai in un tempo divorato e ricreato nel digitale. Jane Remover è una persona transgender MtoF che abbraccia prima il digicore e poi il “dariacore”; generi partoriti dal post-dubstep come il cloud-rap, all’interno del vastissimo mondo di SoundCloud. Al di là di Jane e dei suoi diversi side-project, Venturing sono una band a tutti gli effetti del South Dakota che tira fuori – inspiegabilmente, visto le date di nascita dei componenti – una musica che sa tanto di anni ’90 spensierati e senza particolari produzioni sofisticate. Ghostholding suona come i primi Placebo, Natalie Imbruglia, i Kent e gli American Football tutti insieme. Come se queste band si alternassero a vicenda e registrassero dei demo in presa diretta. È un disco soft-rock totalmente disinteressato a come il rock si presenta all’ascoltatore. Le chitarre sono sbilenche, piene di fuzz, c’è tanto noise come shoegaze (quello vero, non quelle scie ultra-iper-trasognate dello shoegaze recente). A volte il basso va fuori tono ("Recoil") come se i musicisti non si ascoltassero fra loro, mentre poi tutto il songwriting viene assorbito e regolato dalla post-produzione, la quale spesso si limita alle manopole degli alti e dei bassi o dei filtri che vanno ad modificare le frequenze.

C’è tanta spensieratezza in melodie ben delineate ma mai fino in fondo, con chitarre che le accompagnano sempre ma mai abbastanza bene; a volte sono più distorte del solito ("Dead forever") ricordando i Sunny Day Real Estate o i Silverchair. Ci sono i falsetti di Seal, di Janet Jackson, della primissima Nelly Furtado ma senza alcun background “black”, anzi, con un costante alito di midwest emo, a volte anche incazzato. Ogni volta che Jane tira fuori qualcosa che sembra adolescenziale, uscito dai Nickelback o da quei gruppi soft-punk-rock alla Dawson’s Creek è il contorno della strumentazione che fa il resto del lavoro rendendo tutto più abrasivo, distante, graffiato, semi-dimenticato. Sono proprio queste interferenze, che distruggono parzialmente e minimamente la fruizione del brano che rendono questo album un prodotto fuori dal mondo; la cassetta dimenticata di vostro zio in soffitta; il demo che avevate registrato 30 ani fa rimasto nel cassetto.

[danzameccanica]

Eusexua è il primo disco di FKA Twigs che mi rapisce fin da subito; è un album molto meno astratto rispetto al debut o rispetto a Magdalene. Inserita in una maschera quasi da body-modification, dove il look di antiche tradizioni egiziane incontrano umanoidi muta-forma contemporanei, Talilah Barnett (all’anagrafe si chiama così) dopo mesi e mesi di promozione, di ballo pole-dance sfrenato, e dopo aver scolpito un fisico longilineo molto più vicino ad un rettile piuttosto che ad una ballerina di lap-dance, tira fuori tutto il suo lato oscuro e sensuale; forse non sempre creando un erotismo convenzionale. Ma Eusexua è un disco dedicato agli orgasmi fatti venire dalla musica, da quando il tuo corpo si perde all’interno di un rave-party di 7-8 ore, conscio o meno che sia, è dedicato ad un ballo infinito fatto di tanti contatti tutti insieme nella pista da ballo: futuristica, veloce, sensuale, scandita dai classici tempi in drop e in ripresa. I brani passano dalla micro-trance, come l’omonima traccia di apertura (prodotta da Sasha, collaboratore storico di John Degweed), caratterizzata da piccoli colpi di acceleratore, paragonabili all’adrenalina che raccogli quando stai per entrare in discoteca, nella festa più bella del mondo. "Girl Feels Good" ha qualcosa della Madonna di Ray of Light ("Swim" soprattutto) ma, in generale, quel disco di her majesty Ciccone è forse quello che si adatta meglio a Eusexua proprio perché ha dei momenti quasi lounge, alla The Orb o alla Thievery Corporation mescolati a pura frenesia dance. "Perfect Stranger" è un altro di quei brani pop-house che ti entrano in testa, grazie alle vocalità di FKA ma anche grazie alla presenza di Stuart Price dietro le quinte. "Room of Fools" rappresenta un altro dei picchi dell’album dove emerge un’altra grandissima artista presa come secondo pilastro portante di questo album: Björk, del periodo di Debut e Post. Sentire la cassa e il beat che ad un certo punto scompaiono per lasciar spazio ad una specie di arpa che diventa synthwave mi ha davvero ricordato "Violently Happy" o "Big Time Sensuality" (senza dimenticare in generale, "Hyperballad" o cmq la prima eclettissima versione del nostro folletto islandese).

Questo modo divertente e svuota-mente di giocare con la musica dance, ha qualcosa di ludico e di sperimentazione sonora che richiama quei due album di Björk e un altro punto di contatto sta nel fatto che le melodie vocali sono cantabili, fischiettabili, pur appoggiandosi spesso a basi minimali. Non astratte e iper-sperimentali come in precedenza ma ora, quando la voce incontra il resto della strumentazione lo fa in modo davvero organico; non importa se sul lato più dance e pestato o quello più dolce e fragile (tanto "Sticky" assomiglia a "Undo" in Vespertine e anche "24h Dog sembra nascere da quei lidi), le melodie vanno a segno. "Keep it Hold, Hold it" richiama le splendide ombre di "Pagan Poetry" prima di entrare in un mondo fatto di orientalismi techno. "Childlike Things" è un altro pezzone (con la collaborazione di North West, figlia di Kanye e Kim Kardashian) che mescola UK Garage, trap ed electroclash, dove le piccolezze ti catturano: il ritmo urban black, il suono del synth-bass e, ancora, l’orecchiabilità pazzesca. Anche alla fine dell’album, quando tendenzialmente l’attenzione tende a calare "Striptease", con i suoi lineamenti dubstep riporta a galla un genere dimenticato (personalmente mai apprezzato) che guadagna linfa vitale grazie alle linee vocali. Voce che raggiunge il suo picco soul nella conclusiva "Wanderlust", una specie di pastorale in stile Beyoncé dove l’autotune si mescola a piccole pennellate diventando un’estensione perfettamente in linea coi tratti futuristici dell’album. Eusexua è forse la prima prova, forte e sicura, nella quale FKA Twigs trova una perfetta quadratura del cerchio fra sperimentazioni sonore, contaminazioni digital-tribali e delle linee vocali che ti si installano in testa con facilità e immediatezza. Nota - a dir poco riduttivo dire – a margine: l’apparato grafico che constella questo album, soprattutto nella versione vinilica: con cartoline, poster e libretti apribili che rafforzano l’idea di questo essere umano mutaforma che diventa tutt’uno coi corpi intrecciati del dancefloor, diventando un’unica grande creatura pulsante. Forse il disco dell’anno?

[danzameccanica]

Il primo disco dei Blut Aus Nord nasce per metà in modo strutturato, praticamente completamente debitore da Burzum (soprattutto di Hvis Lyset Tar Oss), dalla resa sonora di Diabolical Fullmoon Mysticism e dalla stratificazione di Vikingligr Veldi. L’altra metà dal massiccio uso di synth ma in maniera precisa, oculata, portando il black metal ad un livello secondario, sotto all’ambient. O al dark ambient. O alla kosmische musick. E si sente fin da subito questo modo di usare synth non convenzionali nel mondo black metal: glaciali quasi da colonna sonora de La Storia Infinita, evitando ogni genere di pianoforte che, come dei rintocchi su cristalli di ghiaccio enfatizza tutta la componente black metal. Ci sarebbe molto da dire anche sul lato black metal: tralasciando le urla, tipicamente calate nello stile, le chitarre sono gravi e zanzarose; il flusso dei riff – quando si distinguono dei veri e propri riff – creano una specie di oscillazione sonora che non mette mai a fuoco l’onda sonora delle chitarre. Si sente la potenza della distorsione ma è come se arrivasse da una radio che non si sintonizza bene. La batteria è digitale, il che fin da subito mette in chiaro la relazione fra Vindsval e la macchina, fra i Blut Aus Nord e il mondo androide, che successivamente si relazionerà col digitale, con l’alieno. Certo, Ultima Thulée è un album del 1995 e ancora le sperimentazioni di The Work Which Transforms God sono ancora lontane ma questa straordinaria e inimitabile creatura, già con The Mystical Beast of Rebellion muterà in maniera tangibile. La cosa più sorprendente sono ogni singolo ingresso dei synth, che danno letteralmente luce ai brani. Ma è una luce straniante, fredda, non rassicurante. Sia in forma di organo hammond ("the Plain of Ida") sia modo più classico, questi synth, che dovrebbero portare i brani in una dimensione di facilità di assimilazione in realtà complicano la faccenda. Solo in rarissimi casi i synth sono orecchiabili, si possono ricordare quasi canticchiando: mi vengono in mente qualsiasi giro di synth dei Dimmu Borgir o dei Cradle of Filth… ecco, i synth dei Blut Aus Nord sono portanti ma difficilmente creano un’aria. Sempre in "The Plain of Ida" è magistrale il momento in cui i riff delle chitarre subentrano ai synth creando melodie che non sono mai in accordo. Da un lato il chiarore cristallino delle tastiere, dall’altro la ferocia a bassa fedeltà e resa sonora delle chitarre distorte. È come se Alan Parson dovesse far coincidere le sue tastiere con il rumore proveniente da un walkman. E poi c’è un’altra novità meravigliosa: a volte i brani evaporano, svaniscono in un nulla spaziale trasformandosi in interludi che ti mandano in trance e che prendono ispirazione proprio dalla musica trance. L’interludio di "The Plain of Ida" ci mostra il basso che sembra uscire da una loop machine o da un Roland mentre la chitarra con i suoi delay crea un ulteriore loop. Il basso cambia nota come se un musicista girasse le valvole del pitch o degli effetti.

L’interludio di "From Hlidskjalf" è una specie di Carmina Burana proiettati nello spazio; i Bathory si confondono nella colonna sonora di Alien. È quel punto del mondo dove i ghiacciai e le stelle del cosmo si incontrano di un immaginario cinematografico. Immaginate le montagne di Twilight of the Gods velocizzate in stile Koyaanisqatsi. "My Prayer beyond Ginnungagap" ci fa vedere il lato più epico, nordico e mitico dei Blut Aus Nord: cori norreni che però sono sempre sul confine di assomigliare ad un richiamo che non viene da questo mondo. I blast-beat e la violenza di "Till I Perceive Bifrost" nascono da un glaciale arpeggio acustico pieno di effetti e, anche stavolta, senza creare una particolare melodia che si imprime nella mente. Gli strumenti acustici e folk, come strumenti per unire la collettività, in questo album vengono svuotati della loro funzione e colmati della funzione avversa. Eppure, sono sempre i synth, lontani che emergono dai riff black metal dei brani e che, come un coro lontano, creano la melodia portante (e sempre in "Till I Perceive Bifrost" questo esempio è incredibile e ammaliante. "On the Way to Vigrid" ha l’unico arpeggio distorto orecchiabile in tutto l’album, uno di quelli che vuoi risuonare con la chitarra e subito emerge una chitarra acustica piena di flanger che fa una melodia vicina ma mai completamente in accordo: è come se i due strumenti non toccassero mai note complementari. Anche le plettrate dei riff metal sembrano seguire un movimento tutto loro che non rientra nella metrica né nel tempo. "The Last Journey of Ringhorn" ci presenta un interludio acustico fatto di flanger e delay che vanno fuori tempo rispetto al lato black metal uscente. E poi ancora i meravigliosi e lontani cori che si incastrano così bene in questo tappeto elettro-acustico ma che per così poco rischiano di deragliare perché la musica elettro-acustica si sta trasformando in musica cosmica. Questi attimi sono una sorta di manifestazioni mutilate di dj Tiesto; è come se i vari In Search of Sunrise venissero captati e trasmessi da una piccolissima radio a bassa fedeltà. E la coda di "The Last Journey of Ringhor", se eliminate le urla di Vindsval, sono un’improbabile fusione di black metal e goa trance. Queste sonorità comprensibili fino ad un certo punto, leggibili ma non completamente, mai decifrabili nella loro esattezza, sono il punto di contatto fra la nostra umanità e un’umanità perduta. La musica dei Blut Aus Nord si sposta lungo questa linea dove Ultima Thulée rappresenta i contatti col passato più remoto e pagano, i Memoria Vetusta sono i contatti col presente, The Work, MoRT e Odinist con quello che era il futuro prossimo nel superamento del vecchio millennio, dai 777 in avanti sono i contatti sempre più diversi e difformi col futuro più lontano. E la traccia di soli synth "Rigsthula" dipinge questa suspence, questa mancanza di dati da decodificare; rappresenta la meravigliosità del mistero, del nascosto, del sepolto, dell’indecifrabile. In pieno stile Tomhet di Burzum questi synth rappresentano il piccolissimo tassello che manca per risolvere tutta la diversità fra la nostra umanità e quella dei nostri avi. Un piccolissimo e infinito tassello.

[danzameccanica]

The Sky Moves Sideways è stato il terzo disco dei Porcupine Tree che ascoltai (dopo Deadwing e In Absentia) ma fu il primo che mi colpì profondamente perché ero in un periodo in cui amavo tantissimo il progressive e ci divertivamo con la band di Marsciano a cogliere elementi qua e là per fare le nostre jam-session. Questo è anche il primo album nel quale Steven Wilson smette di pensare ai Porcupine Tree come ad un folle progetto solista e si mette in testa di creare una band soprattutto per suonare live. L’acquisto più prestigioso è sicuramente Richard Barbieri dai Japan, capace di portare il progressive rock in uno stadio space-synth davvero unico.

The Sky Moves Sideways si divide in due fasi, poste a capo e in coda dell’album, con in mezzo un paio di interludi. Steven si confronta soprattutto con gli ultimi Pink Floyd, con le parte atmosferiche di A Momentary Lapse of Reason e con la produzione cristallina di The Division Bell anche se, ovviamente, il senso di grandezza e di vastità di questo album lo collocano anche in relazione a The Dark Side of the Moon. Le fasi del cielo sono mutevoli e dalla calma iniziale, con la calda voce di Steven, si passa all’arrivo del vento e alle vertigini, con i meravigliosi inserti electro, techno, acid-house. Ricordiamoci sempre che siamo nel 1995 in Inghilterra e per quanto i Porcupine Tree si ritagliano un piccolo spazio al di fuori di tutto e tutti, è impossibile rimanere isolati dall’incredibile fermento culturale inglese: Happy Mondays, Chemical Brothers ma anche la stessa psichedelia acida degli Stone Roses. Le improvvisazioni finali con arpeggiatore e flauto sono davvero incredibili.

"Dislocated Day" è una versione electro-rock di quello che i Massive Attack e Tricky ci avevano già fornito qualche tempo prima come antipasto e, fondamentalmente, sarà un brano-simbolo dei Porcupine Tree post 2000 e di Steven Wilson come progetto solista. "Moonloop" è una lunga improvvisazione fra organo hammond, percussioni e tabla e chitarra. Il basso di Colin Edwin sempre in primissimo piano e gli strumenti, tutti insieme ti spediscono in uno stadio di trance paragonabile a Sextant di Herbie Hancock. Nonostante le improvvisazioni questo risulta il brano meno acido e più avvolgente. La seconda parte di The Sky Moves Sideways risulta essere un prolungamento della prima, con altrettanti parti calme; i cori femminili di Suzanne Barbieri ripongono l’album in relazione con Gilmour e soci. La seconda parte del brano è sempre acida (enfatizzate dagli effetti della chitarre) e che vira lo stesso stato di electro-trance dell’incipit - posto all’inizio del terzo quarto del brano. Gli ultimi fraseggi di chitarre, calde e soavi, riprendono come una suite, le melodie del primo capitolo compiendo quel senso di circolarità che ti fa sentire al centro dell’album e al centro del mondo.