dias de cinefilia

Gabriel Billy, 24, Brasil. Textos sobre cinema com tom de autobiografia, diário de bordo de um cinéfilo em formação. Porque eu não entendo nada de cinema, mas entendo de mim (espero). Blog membro da SBBC, Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos. Seja bem vindo! :)

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O ataque dos serviços de streaming: algum presta?

Algumas pessoas preenchem a sensação de vazio na alma com álcool, sexo, Dorflex, cigarros e comida. Eu preencho pagando por serviços de streaming que eu nunca vou usar. (E com comida e Dorflex)

E é nessa segunda-feira, começo de dezembro de um ano em que eu não fiz absolutamente nada para o meu país, que eu decidi usar esse traço constrangedor da minha personalidade para ajudar o próximo: a seguir, um artigo com os prós e contras de todos os serviços de streaming que eu uso, já usei ou aproveitei a farra do teste grátis.

Qual será o melhor? Qual tem o melhor catálogo de filmes e séries? Qual tem a melhor relação custo-benefício? Eu sei que você respondeu "torrent" para as três perguntas, mas como eu já enfrentei problemas com direitos autorais antes, vou ficar do lado certo da lei dessa vez.

Agora vamos à lista, antes que eu fique sem assunto. Não é um ranking de preferência e nem tem uma ordem pensada, a lista simplesmente foi fluindo. Quanto ao suporte, peguei as informações dos sites oficiais, já que não tenho esses dispositivos pra testar. Talvez você encontre uma gambiarra para o seu (o Fire Stick, por exemplo, tem um navegador que pode rodar essas coisas).

NETFLIX preço: planos de 19,90 (tela única) a 37,90 (4 telas e 4k). tem teste grátis? sim. 30 dias. suporte: PCs, smartphones (Android, Apple, Windows Phone), Apple TV, Video Games (PS3 e 4, Wii U e XBOX 360), aparelhos Blu-Ray (LG, Panasonic, Samsung e Sony) e Chromecast.

Eu não preciso introduzir esse, porque Netflix é o feijão com arroz dos streams. Todo mundo tem Netflix. Nem todo mundo gosta da Netflix, mas ela fica aí, sendo abastecida semanalmente enquanto a gente não tem coragem de cancelar porque não quer perder nada do zeitgeist. Nenhum outro serviço de stream no mundo faria uma pessoa assistir Boneca Maldita e A Barraca do Beijo, mas o fato de estarem na Netflix os tornou relevantes e comentados.

uma coisa que talvez seja legal ressaltar da Netflix é que deve ser o que tem mais suporte em outras plataformas. tem pra smart tv, chromecast, app, eu acho que um dia até o forno aqui de casa vai ter suporte pra Netflix.

contras: o catálogo de filmes é bem capenguinha, mas é difícil imaginar que alguém assine Netflix hoje em dia pra ver filme.

GLOBOPLAY preço: 24,90 tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PCs, Smartphones, Smart TVs (LG, Sony, Samsung, Panasonic, Philips, Philco, AOC, TLC e Toshiba), Android TV, Apple TV e Chromecast.

prós: atualmente em um processo de transição pra tentar chamar a atenção de quem não gosta de novela, o forte do Play continua sendo o catálogo de originais da Globo.

o Globoplay tem todas as séries, novelas e minisséries exibidas na emissora desde 2010. isso inclui não só as novelas da época (como Passione e Tititi) como também as atuais e as novelas exibidas no Vale a Pena Ver de Novo nesse meio tempo (como Cobras e Lagartos e O Rei do Gado). tem também algumas séries clássicas como A Diarista (as 3 primeiras temporadas), Os Normais (as 2 primeiras), Toma Lá Dá Cá (as 2 primeiras), alguns esquetes da TV Pirata (incluindo o novelão Fogo no Rabo) e a maior série da história do universo, Tapas e Beijos (as 5 temporadas).

há também séries exclusivas do Play (como a aclamada Assédio) e algumas séries estrangeiras que valem a pena ver como Killing Eve e Mad About You (essa é horrível pra achar em torrent, então talvez valha a pena).

contras: o primeiro contra é que as postagens mais antiguinhas de (vulgo novelas e séries de 2010/2011) às vezes estão em uma qualidade inassistível. Tapas e Beijos, por exemplo, só fica em HD depois da metade da primeira temporada. a primeira parece estar em 144p, com um som mais abafado que fita cassete mofada.

também são constantes as reclamações de que o aplicativo é uma porcaria. Eu nunca tive problema (uso um Moto G5), mas tem um problema bem chato no Chromecast: o aplicativo não consegue transferir a legenda.

AMAZON PRIME preço: 14,90. tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PC, smartphones e tablets, TVs (Samsung, Sony e LG), video games (Playstation 3 e 4) e Amazon Fire Stick.

Provavelmente o concorrente mais popular e completo da Netflix no Brasil, o Prime tem filmes, séries e um respeitável número de produções originais aclamadas. o preço também é consideravelmente mais barato que o da Netflix e tem uma promoção de seis meses por 7,90 para novos assinantes, o que o torna o stream mais acessível dessa lista. Dependendo do seu gosto, o catálogo de filmes também pode ser melhor que o da Netflix, já que tem novidades aclamadas como Tully, Hereditário e O Sacrifício do Cervo Sagrado. Entre as séries que são exclusividade do Prime estão Seinfeld, Community e The Nanny.

contras: O catálogo não é tão grande quanto o da Netflix (o que pode não importar, se você preferir qualidade a quantidade).

Um sofrimento que talvez importe mais para mim do que pra você é que o Prime não oferece suporte ao Chromecast, já que a Amazon tem uma rixa com a Google por causa do Fire Stick, concorrente direto do Chromecast.

TELECINE PLAY preço: 37,90. tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PCs, smartphones e tablets, TVs (Samsung, LG, Sony, Panasonic), Android TV, Xbox One, Blu-rays (Samsung, Sony), Home Theater Sony e Chromecast.

Desde o sábado passado, o Telecine Play pode ser adquirido sem precisar de TV por assinatura. O catálogo de filmes deve ser melhor que o resto da concorrência, já que a maioria dos grandes estúdios tem acordo com eles. e os filmes chegam relativamente rápido (embora que ainda respeitem uma "janela" de tempo). entre as estreias recentes ou próximas: Pantera Negra, A Forma da Água, Três Anúncios para um Crime, Trama Fantasma e Vingadores - Guerra Infinita.

outra coisa bacana é que, graças ao Telecine Cult, o catálogo é cheio de preciosidades independentes e clássicas. atualmente eles têm 7 filmes de Ingmar Bergman, 5 de Alfred Hitchcock e 6 do Truffaut.

contras: o primeiro é o preço, que pode até ser adequado quando se trata de um pacote de TV a cabo com seis canais em HD enchendo o seu decodificador de filme o dia inteiro, mas perto dos outros streams mais tradicionais pode ser um problema (é o mesmo preço da Netflix, mas sem um catálogo tão diverso).

outro "contra" é que o Telecine só tem filmes, então se você é de ver mais séries, não vai ter muito pra se animar aqui. pra quem é guerreiro do Chromecast, como eu, uma tristeza: metade da legenda fica pra fora da tela, um erro que existe há meses e eles juraram consertar. Dizem que o player em Smart TVs é instável e pode apresentar travamentos (em caso de oscilação na conexão, ele simplesmente interrompe o filme em vez de reduzir a qualidade).

HBO GO preço: 34,90 teste grátis: sim. 30 dias. suporte: PC, smartphones e tablets, Apple TV, Android TV e Chromecast.

Também possível de ser assinado sem ter TV a cabo, a HBO é outra que se garante graças aos originais. como a emissora consegue fazer com que Game of Thrones seja um evento mundial ano após ano, talvez seja interessante ter esse acesso em HD. outras coisas bacanas do catálogo são preciosidades antigas da HBO como Angels in America, The Sopranos e Six Feet Under.

contras: além do preço ser igual à TV a cabo, o catálogo de filmes também é pequeno, especialmente porque o Telecine esvaziou o número de distribuidoras parceiras. o servidor não cai mais como antigamente, acho, mas vamos ver quando GOT voltar.

LOOKE preço: de 16,90 (uma tela) a 25,90 (5 telas) tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PCs, smartphones, Xbox, Android TV, TVs (LG, Philips, Sony, Samsung, Panasonic e Toshiba) e Chromecast.

Mistura de serviço de stream tradicional com serviço de locação (lançamentos podem ser alugados por uns 17 reais), a parte do "stream" fica com o Video Club, que tem um número interessante de peças de teatro brasileiras, clássicos do cinema mundial e muitos filmes que eu nunca ouvi falar na minha vida. ah, e tem dois filmes da Xuxa (Lua de Cristal e Super Xuxa) e o do Inspetor Faustão, então pense em suas prioridades.

contras: uma parte considerável do catálogo não está em HD, o que pode resultar em uma imagem quadriculada às vezes. O Looke é um stream brasileiro cujas parcerias incluem distribuidoras que se dedicam apenas ao mercado de DVD, então o 480p é o máximo de qualidade que eles oferecem (no caso de Lua de Cristal, cujo DVD foi bastante criticado, a imagem tá bem sofrida).

FOX+ preço: 34,90 tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PCs, smartphones e tablets, TVs (LG, Samsung, Sony, Philips e AOC), Android TV, Xbox One, Apple TV e Chromecast.

Mais uma TV que virou stream independente com preço de TV, ao menos o pacote Fox+ oferece um espaço considerável para a experiência de ver televisão de forma linear. os 11 canais do pacote Fox estão disponíveis ao vivo (como Fox, FX, Fox Premium, NatGeo e Baby TV) e existe o diferencial de poder rebobinar a programação desses canais em até 24 horas. o catálogo pode até não ter Os Simpsons on demand, mas você pode rebobinar até uma das 500 vezes que a Fox passa um episódio da série por dia.

O teste grátis também é mais fácil que os outros: você não precisa colocar cartão de crédito, só baixa o app no celular e faz login com e-mail ou facebook.

contras: é basicamente um pacote de TV em forma de stream, mas ao contrário de Telecine e HBO, não é um pacote que muita gente morreria pra ter. O catálogo de filmes é praticamente inexistente e não existem séries muito antigas, nem estrelas da casa como Os Simpsons e Family Guy (só na programação da TV, como já citei).

MUBI preço: 8,99 DÓLARES, o que dá uns 35 reais aproximadamente. tem teste grátis? sim. 7 dias. suporte: PC, smartphones e tablets, TVs (Sony, Samsung e LG), Android TV, Blu-Rays (Sony, Samsung e LG), Apple TV, Fire Stick e Chromecast.

Descolado, meio inacessível mas mesmo assim irresistível, o Mubi não é baseado na ideia de um "catálogo" propriamente dito e sim uma "curadoria". São filmes escolhidos a dedo, um por dia e que ficam disponíveis no site durante 30 dias. E não tem legenda em português, o que eu vou ressaltar na parte de "contras", mas é bom avisar logo.

Tem sempre um filme entrando e sempre um filme saindo (ontem à noite, por exemplo, saiu Um Beijo Roubado do Wong Kar Wai) e pode ser uma ótima ideia pra você que gosta de explorar o que há de mais diferente no cinema independente e autoral, indo de um clássico francês a um curta contemplativo feito no meio das aldeias polinésias, filmes que nem o mundo do torrent encontra. Entre os clássicos em exibição atualmente estão Pele de Asno de Jacques Demy e O Processo, de Orson Welles.

Outra coisa bacana é que existem também artigos para complementar a sessão do filme e te fazer aprender mais sobre a relevância do filme que você viu. Há também um canal ao vivo que exibe todos os filmes do catálogo, em sequência.

Estudantes que têm e-mails com domínio de universidades federais podem assinar o mubi DE GRAÇA, então é uma ótima chance de se aprender.

contras: apesar da interface em português, alguns (muitos) filmes não possuem legendas em nosso idioma. todos os filmes estão legendados em inglês, enquanto alguns oferecem opções a mais como o espanhol.

e o catálogo só tem 30 filmes, mas isso vcs já sabem.

PLAYPLUS preço: 12,90. tem teste grátis? sim. 14 dias. suporte: PCs, smartphones e Chromecast.

É um stream da Record, com todo o peso e o desprezo que isso pode significar. O catálogo tem praticamente todas as novelas desde a "retomada" da dramaturgia deles com a Escrava Isaura. Isso inclui Prova de Amor, Rebeldes e a trilogia inteira dos Mutantes. Ah, e tem TODAS as temporadas da Fazenda, na íntegra. Há ainda uma série original chamada Terrores Urbanos, baseada em lendas urbanas.

contras: por ser o mais recente da lista, é também o que menos tem suporte e não está disponível em nenhuma Smart TV. a única opção pra ver fora dos tradicionais PCs e Smartphones é o Chromecast mesmo. eu não pagaria 12,90 pra assistir Record, mas ah, tem a Fazenda.

BÔNUS INTERNACIONAL: HULU (mas precisa de VPN) preço: de 7,99 dólares (plano com comerciais) a 40 dólares (plano sem comerciais e com TV ao vivo dos EUA). tem teste grátis? sim. 30 dias.

Conhecido no Brasil por ser o lar de The Handmaid's Tale e ganhar um Emmy importante antes da Netflix, o Hulu é também uma plataforma bem desfrutável se você pular alguns obstáculos: o pagamento em dólar, os comerciais, legendas apenas em inglês e ter que usar um VPN.

O catálogo não é formado apenas pelos originais Hulu: séries atuais de canais como a Fox, ABC, NBC e Comedy Central chegam ao catálogo no dia seguinte à exibição na TV (deve ser o único stream dessa lista toda a ter Os Simpsons em VOD, embora seja apenas a temporada atual). tem também um número considerável de séries completas como Community, 30 Rock, Family Guy, The Mary Tyler Moore Show e a maior série da história segundo eu: Miranda.

contras: todos os já citados. quanto ao preço, eles fazem algumas promoções às vezes (consegui assinatura a 1 dólar na Black Friday e sou a pessoa mais feliz da Terra) e existem revendedores no Mercado Livre e no Ebay dispostos a dividir a conta com você.

mas ainda tem o grande problema do VPN, que uma "rede privada" que você "pega emprestada" para que o site pense que o seu PC ou celular estão em outro país (Hulu só está disponível para os EUA). é raro existir um VPN gratuito de qualidade (o Hola no Android é uma boa dica gratuita que funcionou comigo) e os outros VPNs costumam ser cobrados em dólar. um dos mais baratos é o Windscribe, que cobra 2 dólares pelo "Windflix US", que serve pra usar Netflix e Hulu dos EUA. E suporte pra VPN fora de PC e celular pode ser complicado.

OUTROS SERVIÇOS QUE EXISTEM, MAS EU NÃO CONHECI A FUNDO - O Crunchyroll deve ser o mais popular dentre os que eu não detalhei aqui, cujo catálogo é dedicado a produções orientais como animes, mangás e séries de dorama. O site ainda promete a entrada dos programas no catálogo apenas uma hora depois da exibição original no Japão e tem um bom número de dispositivos suportados. Custa 25 reais por mês, com um teste grátis de 14 dias, mas existem também opções gratuitas no site.

- Tem o Oldflix, que como o nome não esconde, é dedicado a filmes antigos. Infelizmente eles barraram o meu cartão de crédito, então vou ter que deixar pra lá. Pelo que vi, o catálogo tem algumas surpresas interessantes, como a minissérie COMPLETA de Cenas de um Casamento, do Ingmar Bergman, mas eu não faço a menor ideia se está em HD ou não.

- Descobri esses dias que tenho Claro Video graças ao meu celular, mas o catálogo é tão limitado que eu só uso pra ver The Nanny (também disponível na Amazon Prime).

Mas e aí, Billy, algum vale a pena?

Depende das suas prioridades. Não existe stream perfeito e, definitivamente, existem streams demais. Eu comecei esse artigo sem me dar conta de que eu já usei quase 10. Os streams cresceram porque as pessoas mostraram à indústria que elas não se importam em pagar pelos filmes desde que eles venham com praticidade e qualidade (adeus releases ruins, legendas sem sincronia ou ter que baixar episódios um a um), mas em vez das distribuidoras se unirem em um super grupo, cada uma foi pra um lado e a noção de assinar todos é cada dia mais absurda.

Deixei as observações acima pra que cada um pense no que se adapta aos próprios gostos, se achar que vale a pena pagar por algum deles. Eu particularmente ainda acho a Netflix a melhor, ou menos pior, por questões de suporte, tamanho do catálogo e pelo fluxo grande de produções que entram e saem. Telecine reina soberana na TV por assinatura, mas seria um stream mais viável se não dependesse só dos filmes. Amazon está crescendo a cada dia, mas eu tenho um Chromecast e por isso vou ficar do lado de fora da festa. Hulu tem tudo o que eu gosto, mas o VPN o torna uma pilha de obstáculos pra quem quiser ter aqui no Brasil. Cada caso é um caso e cabe a você medir os prós e contras.

Uma dica importante é: não tenha medo de usar o período grátis. Todos eles têm um período de teste, de 7 dias a um mês, e não custa nada dar uma olhada, nem que seja pra assistir de uma vez só tudo o que você quer ver (se o serviço não tem o suficiente pra te segurar mais que isso, o problema é dele).

Não leve esse post como um desencorajamento a assinar streams. Eu falo mal de algumas coisas, mas eu tenho esse direito como cliente e você, como um cliente em potencial, também pode ter essas coisas. Muitas pessoas podem achar um absurdo pagar para ver filmes na TV hoje em dia, mas também existe um grande público (eu incluso) interessado em pagar por TV por assinatura e serviços de stream se a qualidade e a praticidade compensar. De repente você pode se juntar com mais alguns amigos que queiram dividir a conta e aí não pesa pra ninguém. Se organizar direitinho, todo mundo assiste.

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‘Versace’, a série que não é exatamente sobre Versace

O primeiro episódio da nova American Crime Story tem tudo o que a série vendeu que teria. Planos de encher os olhos. Ostentação da riqueza dos Versace. Um contraste direto dos mundos de Cunanan e Versace. Donatella Versace, emocionada, pensando ao mesmo tempo na família e nos negócios. O assassinato de Versace acontece já no começo, antes mesmo do nome da série aparecer, como se Ryan Murphy tivesse feito uma checklist de tudo o que as pessoas queriam ver até então. Passados quatro episódios de The Assassination of Gianni Versace, estamos vendo se formar uma série bem diferente do esperado.

Apesar do título, The Assassination of Gianni Versace não fala só sobre o assassinato de Gianni Versace (assim como a primeira temporada era menos sobre O.J. Simpson e mais sobre a banalização do caso). Não temos mais o clima de "julgamento do século" que tínhamos na primeira temporada porque a história de Andrew Cunanan é, como o título do livro que inspirou a temporada indica, "a mais fracassada caçada policial da história dos EUA". Não tem muito mistério na morte de Versace, assassinado rapidamente a tiro por um serial killer famoso, e embora discussões como a luta da família Versace pelo comando da companhia pode até ser bacana pra tabloides, não ia acrescentar muito aqui. (Outro ponto comentado da época, a anorexia da filha de Donatella após a morte do tio, foi um assunto vetado da série pela própria Donatella).

Gianni Versace foi a quinta vítima de Cunanan, mas não foi a única, e a vida dos outros importa tanto quanto a de Versace. E é nisso que a série se fortalece.

A partir do episódio 2, American Crime Story começa a mostrar suas reais intenções: um estudo de personagem, não sobre a vida das vítimas, mas sobre a criação de um monstro. A trajetória de Andrew Cunanan é contada de trás pra frente, indo do assassinato de Versace (episódio 1) e o planejamento de tudo (ep 2) às mortes de Lee Miglin (ep 3) e das duas primeiras vítimas, Jeffrey Trail (eps 4 e 5) e David Madson (ep 4). No ponto onde estamos hoje, a série ainda não deu qualquer indicação das motivações de Cunanan (elas existem mesmo?), mas já vimos todos os assassinatos que ele cometeu, tornando impossível qualquer empatia com o assassino.

Cada episódio de American Crime Story, até agora, tem se mostrado uma pequena janela na vida de algumas pessoas envolvidas. São segmentos estrelados por atores que provavelmente não voltarão em outros episódios (Judith Light, Max Greenfield, Cody Fern), mas que protagonizam com dignidade esses pequenos retratos que ajudam a entender a figura maior, a de Cunanan e sua onda de crimes. O roteiro da série nem sempre está à altura dessa construção, mas assim como em muitos outros trabalhos de Ryan Murphy, o elenco eleva consideravelmente a qualidade da produção. É bem a cara de Murphy escalar atores que ele gosta como coadjuvantes de luxo, seja uma diva como Judith Light ou um desconhecido como Fern. São pessoas que têm pouco tempo para brilhar, mas quando o fazem é com intensidade (Light, inclusive, seria minha torcida no Emmy se não fosse inelegível).

Outro ponto forte da temporada é a forma com que lida com a sexualidade dos personagens. Andrew Cunanan era um homem gay que matava outros homens gays. A série tem vários personagens homossexuais, todos muito diferentes uns dos outros. Gianni Versace tinha um relacionamento aberto, ao contrário do parceiro Antonio, que queria se casar com ele. Ronnie, com quem Cunanan se relaciona por um tempo, prefere os relacionamentos casuais. Lee Miglin vivia em um casamento heterossexual de aparências e reprimia sua sexualidade, talvez pela religião. David Madson estava lidando com sua recente saída do armário para sua família (e o medo de que seu nome aparecesse nos jornais e arruinasse a vida dos pais na cidade pequena). Jeffrey Trail era um soldado logo no início da era Don't Ask Don't Tell, onde soldados gays podiam ser expulsos caso fossem assumidos. Muitos desses eventos podem ser ficcionalizados, mas são essenciais para o que a série quer dizer.

A audiência, por outro lado, não tem reagido tão bem. Não é um daqueles casos em que o público "não gostou porque não entendeu", porque Versace não passa ilesa de problemas (pelo menos nessa metade inicial). Além do já citado roteiro que nem sempre realiza seu potencial em mergulhar fundo nesses personagens e nesse panorama de ideias que ela tenta fazer, o ritmo lento abre espaço para perguntas como "precisamos mesmo de 9 histórias sobre esse caso?" e "pra onde a série está, exatamente, nos levando?".

Há também, embora não seja o meu caso, a frustração por causa das expectativas. A temporada atual foi vendida como uma série sobre poder, opulência e o império Versace, mas a notória família nem aparece mais na série. Porque, então, a série se chama Versace? É claro que é um golpe de marketing. Mas querendo ou não, foi a morte de Gianni que fez Cunanan entrar para a história. Foi também o que mais movimentou a polícia, que sabia a identidade de Cunanan desde que ele matou a primeira vítima e mesmo assim não conseguiu pegá-lo. Os eventos que vemos na série todos levavam a Versace, num assassinato misterioso, mas não aleatório. Até onde vimos, a genialidade de Gianni Versace e o luxo que o cercava eram tudo que Cunanan queria ter (e se achava merecedor disso). Ao seguir um rosto e um nome famoso, Cunanan era capaz de abrir mão inteiramente de sua própria identidade. (Esse contraste deve ficar mais evidente no episódio 8, chamado Creator/Destroyer e dirigido pelo Matt Bomer)

Comparar com o fenômeno The People v. O.J. Simpson seria injusto porque Andrew Cunanan não é um serial killer com tanto apelo midiático, não existe muito de cinematográfico na história dele. Scott Alexander e Larry Karaszewski, roteiristas e criadores da primeira temporada, não têm o menor envolvimento com a temporada atual. OJ era fascinante em termos de história: apesar de ter personagens fortes (Marcia, Marcia, Marcia é um dos estudos de personagem mais interessantes da TV atual), a trama em si era muito rica, cada dia no julgamento de OJ Simpson era uma reviravolta nova. A trajetória de Cunanan não tem o mesmo mistério. Estamos seguindo pessoas, em suas rotinas de calmaria até que a tragédia os atravessa.

The Assassination of Gianni Versace pode até não ser a grande série que Ryan Murphy planejava fazer (algo que fica óbvio desde a abertura, com longos e ostensivos planos da mansão Versace ao som de ópera), mas é uma série muito boa nas pequenas coisas. 

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Dias de Cinefilia no Set: os bastidores de “Teodora Quer Dançar”

Depois de acompanharmos os bastidores de um drama familiar que tem uma forte ligação com um disco da Gal, da devastadora história de uma mãe solteira que luta por uma vida melhor, da história de uma artista de rua que se vê puxada pela realidade contra um sonho e de uma série de TV sobre orientação sexual e identidade de gênero, eis que chegamos ao último episódio da nossa temporada de bastidores.

Dias de Cinefilia no Set tem a honra e o prazer de apresentar, hoje, sua season 1 finale. Mas antes que a gente comece a chorar e rolar no chão lembrando dos bons momentos, venho confortá-los e dizer que antes tem mais um episódio! Por último, mas jamais menos importante, acompanhamos os bastidores da deliciosa e misteriosa história de amor de Teodora Quer Dançar. Vambora, one last time!

na foto: Filipe Ribeiro e Mariana Badan. (foto por: Wers Gravaluz)

O CURTA Escrito e dirigido por Samantha Col Debella, Teodora Quer Dançar conta a história de Álvaro, um advogado recém-chegado em Cuiabá que se encanta por uma mulher mascarada misteriosa. Quando segredos do passado dela vêm à tona e sua real identidade é posta em xeque, Álvaro tem seu amor testado e se encontra nomeio de verdades e mentiras, vida e morte. A história de Teodora é baseada numa lenda urbana da região, sobre uma mulher mascarada e um amor que desafia a morte. Segundo a diretora, "era importante a gente falar da questão das tradições, trazer para o cenário moderno e mostrar como ela se relaciona com esse contexto."

(foto por: Joanna Campos)

Recontar essa história tem um caráter de universalidade (afinal de contas, toda cidade no mundo tem sua lenda de mulher misteriosa), mas também de uma localidade muito interessante, ainda pouco explorada na realidade cuiabana. Samantha aceitou o desafio. "É uma história de uma mulher misteriosa, como toda cidade tem sua história de mulher misteriosa, mas que tem muito da cultura cuiabana, tem os costumes e tem a Praça da Mandioca que é um ponto histórico daqui."

Quem protagoniza essa história é o casal vivido por Filipe Ribeiro, um jovem muito talentoso que pôde ser visto recentemente na novela Babilônia, e Mariana Badan, uma atriz com toda a sensualidade e o encanto que Teodora requer.

(foto por: Wers Gravaluz)

A PRODUÇÃO E depois de tantas semanas falando do processo de produção aqui no blog como se o desenvolvimento do filme começasse no set, é bom ouvir uma palavra de sabedoria da diretora. Segundo Samantha, "os maiores desafios que podem aparecer agora são de ordem técnica. Criativamente falando, agora é a hora de brincar". Se pode brincar porque, até chegar a esse estágio de produção, foram anos de preparação (eu li o roteiro de Teodora pela primeira vez há quase um ano), com o roteiro passando por tratamentos e os meses de pré-produção que envolvem procura de locação, organização de set, treinamento dos atores... Essa preparação é algo que se percebe no set. É sempre bonito ver uma diretora bem preparada pra responder qualquer dúvida dos outros profissionais e ciente de todos os aspectos da história. Isso não significa apenas uma preparação meticulosa do que vai aparecer no filme, mas um entendimento daquele universo pra que as respostas fluam naturalmente.

Pela primeira vez nessas cinco semanas, acompanhei a gravação de uma sequência feita em estúdio, em vez das locações. Primeiro, o estúdio foi transformado no quarto de Álvaro, numa cena em que ele acorda e sente a falta de Teodora. Instantes depois, o mesmo estúdio deu vez à recriação de um jazigo em um cemitério, lindamente construido pelo departamento de arte.

na foto: a montagem do cenário. Rachel Oleksy, do departamento de arte, acende uma vela. (foto por: Wers Gravaluz)

Gravar num estúdio dá uma liberdade que a locação nem sempre permite: o estúdio fechado impede que o tempo feche (e olha que choveu mesmo nesse dia), impede que pessoas e aspectos externos interfiram na gravação, sem falar nas transformações que podem ser feitas ali. Mas é preciso também um controle bem rigoroso do que se pretende filmar, pra que os planos não escapem do que foi construido para a cena. Por exemplo: o quarto de Álvaro foi imaginado para um plano tão fechado que eu pude ficar bem perto da cena sem aparecer nela, ao pé da cama do personagem. (Inclusive queria pedir desculpas ao ator principal porque ele acabava dando de cara comigo quando acordava, me desculpe por ter que me ver de manhã).

(foto por: Wers Gravaluz)

Outra coisa que eu pude ver pela primeira vez nessa gravação (ou melhor: não pude ver), foi a gravação de uma cena de nudez. Calma, não é que eu tenha sido expulso do set, é que pude presenciar como se discute a ética na gravação dessas cenas. Em respeito à privacidade da atriz (e, nas palavras da preparadora de elenco, para não tirar dela a confiança que está na personagem), a equipe que fica presente nessas horas é a menor possível. Só fica quem for imprescindível para que a cena seja filmada (câmera, direção, som). Eu fui autorizado a ficar, mas preferi sair, no que deve ter sido a atitude mais ética que eu tive esse ano. Tá, foi a única atitude ética que eu tive esse ano.

(foto por: Wers Gravaluz)

A FESTA EM LOCAÇÃO Mas se você estava sentindo falta de imagens de festa e ferveção noturna, boa notícia: teve gravação externa sim, já que a Praça da Mandioca é personagem essencial da história de Teodora. É onde a história de amor começa e se desenvolve, além do peso histórico que a praça tem na cidade. A diária de gravação, feita toda na praça, demandou um grande número de figurantes, todos devidamente alimentados e servidos com cerveja (meu Deus aquela torta tava tão boa). Infelizmente eu não estava entre os figurantes, porque já fiz figuração numa cena noturna em Juba e mesmo num universo ficcional seria impossível que eu saísse de casa à noite mais de uma vez no mesmo ano. A festa de Teodora teve música ao vivo, teve beijo, teve máquina de fumaça criando neblina e teve chuva. Sim, chuva.

Se em A Gente Nasce só de Mãe a produção teve que fazer fogo (com a ajuda da máquina de fumaça e o corpo de bombeiros), nesse final de temporada a gente fez chover. Foi bem mais fácil do que eu esperava, a gente não teve que fazer uma dança pras nuvens nem descobrir o e-mail de São Pedro (é [email protected]). A resposta é um caminhão pipa. A mangueira é apontada pra cima, a chuva cai e depende da organização da equipe e das câmeras pra pegar um ângulo em que parece que o mundo vai acabar de tanto chover.

deu pra sentir o impacto, né Nicole? (gif por: Joanna Campos)

Depois de muita tentativa e erro, a cena fica pronta - e fica linda. O elenco, a figuração e parte da equipe saem todos molhados. Eu tenho dito por aqui algumas vezes sobre a diferença entre o glamour do cinema, do filme pronto, e o trabalho duro dos bastidores. E é mesmo. Mas o cinema é também essa coisa esquisita, doida e divertida que faz atores irem embora molhados de chuva às 3 da manhã e saírem sorrindo. A desprodução começa, desmontando o set aos poucos e deixando a praça "sem maquiagem", mas o filme está longe de estar terminado. Assim como Teodora que desaparece pela névoa deixando Álvaro querendo mais, sua história nos deixa na promessa de voltar um dia, para ser devidamente assistida e apreciada.

(foto por: Wers Gravaluz)

E, ENFIM, A SEASON FINALE Foram cinco semanas intensas, cinco textões pra divulgar e enaltecer a mágica do cinema pela ótica privilegiada dos bastidores, mas agora também é a minha hora de me despedir. A primeiríssima temporada de Dias de Cinefilia no Set acaba hoje, depois de cobrir cinco produções incríveis, mas a saga continua na nossa página, qualquer informação sobre eles vai chegar por lá. Diego Baraldi, Juliana Curvo, Caru Roelis, Severino Neto, Rafael de Carvalho, Felippy Damian, Ângela Coradini e Samantha Col Debella... Foi um prazer e uma honra presenciar expressões tão distintas de talento. Viva o cinema mato grossense, hoje e sempre, e viva as diferenças nos sets (4 mulheres na direção de 5 filmes, que coisa linda!).

Depois dessa experiência toda, eu só tenho a agradecer a toda essa equipe que me acolheu ao longo dessas semanas, eu pude acompanhar tudo e até falar com tentar falar certa distância aqui, mas eu sempre me senti bem e me senti em casa fazendo isso. Não quero ser injusto listando nomes aqui, eu podia até colar um print da ordem do dia com o nome de todo mundo mas não quero ser preso, mas sintam-se todos abraçados e cumprimentados por mim. Quero mandar um beijo em especial pra Bárbara Varela e P.A., que produtores executivos que me incentivaram nessa viagem, pra Aline Teixeira e Joanna Campos que ficaram acordadas até tarde me acompanhando e me mostraram a batalha que é lidar com a burocracia que possibilita as etapas no set; o assistente de direção Jorge Antonio que muitas vezes foi a ponte entre mim e a cena. Pra Isabela Venâncio pelos docinhos contrabandeados na festa de Juba, pro diretor de fotografia Marcelo Biss e sua equipe incrível, Biss eu te venerooo. Departamento de arte, som, figurino, preparação de elenco... Parabéns pelo talento e obrigado por deixarem essa criança passear no set.

na foto: eu e a diretora, Samantha Col Debella. (foto por: Wers Gravaluz)

Por último mas não menos importante, o meu agradecimento o meu beijo e a minha simpatia eterna vão pra você a você, leitor ou leitora que acompanhou a série nesses cinco episódios, o meu muitíssimo obrigado. Eu não sei se Dias de Cinefilia no Set volta para uma season 2, isso vocês vão ter que negociar com a emissora diasdecinefiliaflix. Mas seja durando uma temporada como The Get Down, durando quinhentas como Grey's Anatomy, voltando só depois de 25 anos como Twin Peaks ou engavetada indefinidamente igual à nova série do Falabella (que eu adorei, inclusive), essa primeira temporada foi um passeio e tanto.

Outros episódios da série:  01. os bastidores de “Aquele Disco da Gal”  02. os bastidores de “A Gente Nasce Só de Mãe”  03. os bastidores de “Juba”  04. os bastidores de “Ciranda” 

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Dias de Cinefilia no Set: Os bastidores da série “Ciranda”

Depois de acompanharmos as gravações de três curtas metragens (que você pode ler sobre aqui, aqui e aqui), o Dias de Cinefilia no Set de hoje vai falar da produção de um projeto um pouco mais ousado. Iremos acompanhar as gravações de um longa-metragem em 3D com carros em chamas e dublês voando? Não, embora eu goste muito de Mad Max: Estrada da Fúria. Aproveitando esse momento maravilhoso para a televisão que estamos vivendo, a gente vai acompanhar no episódio de hoje a produção de uma série de TV!

No post de hoje, acompanharemos uma diária das gravações do episódio piloto de Ciranda, uma série de TV que aborda toda forma de amor. Todos prontos pra conhecer Ciranda? Então vambora.

- o fotógrafo Marcelo Biss (centro) e os diretores Ângela Coradini e Felippy Damian.

A SÉRIE Ciranda, escrita e dirigida por Felippy Damian e Ângela Coradini, é uma série ficcional de 13 episódios que tratam de questões de orientação sexual e identidade de gênero. "Ciranda é um projeto que tenta dar cara para todos os tipos de amor que a gente possa conseguir imaginar que exista. A gente sabe que não conseguiu pensar em todos, existem várias de amar, de se relacionar, mas a nossa ideia era abordar algumas delas”, diz a diretora Ângela Coradini.

Na diária em que tive a chance de acompanhar, estava sendo gravado o episódio piloto. No jargão televisivo, o piloto é o primeiro episódio de uma série, um episódio feito para mostrar aos investidores (e, às vezes, ao público) alguns aspectos essenciais da série como o formato da série, o estilo e a apresentação da ideia que se pretende desenvolver caso o piloto seja aprovado como série.

- o fotógrafo Marcelo Biss e o assistente de câmera Ricardo Hessel filmam uma cena noturna.

Para a diretora, um fator importante é não abrir mão das convicções que você tem para o produto final. “Quando você grava um piloto pra vender uma série, ao mesmo tempo em que a gente tem que ter um cuidado muito grande com a estética e com a narrativa, cuidando do que a gente imaginou, a gente tem que fazer com que as pessoas vejam aquilo e acreditem naquilo. Nada do que a gente fez foge do que a gente sempre quis que o Ciranda fosse.”

No episódio piloto acompanhamos a história de Raul, um homem trans de 57 anos de idade, e seu amor por uma bailarina de nome Larissa, uma mulher cis. À noite, Raul trabalha como drag queen, quando se apresenta com a persona Tina Mon Amour. Ao longo do episódio, conhecemos a rotina de Raul como um homem trans (indo a compromissos como uma visita ao ginecologista), a glória de Tina nos palcos e conhecemos e nos emocionamos com a história de amor dos dois, o artista (Léo Moreira Sá) e a bailarina (Carla Tausz) que querem se casar.

- os atores Léo Moreira Sá e Carla Tausz, encenando o casamento de Raul e Larissa.

A PRODUÇÃO E quem dá vida a esse protagonista fascinante é Leo Moreira Sá, considerado o primeiro ator homem trans da dramaturgia brasileira. Sucesso nos palcos e nas telas, Leo ganhou um prêmio Shell no teatro e atuou em séries como Psi e O Negócio, da HBO e Pacto de Sangue, do Space (em que interpreta um homem cis). É sempre muito bonito ver artistas trans tendo oportunidades nas telas, em um mundo em que persiste o hábito de usar atores cisgênero para interpretar personagens trans, e Léo traz a representatividade, a visibilidade e a empatia certa para o papel.

- o ator Léo Moreira Sá.

O principal evento do filme é o casamento de Raul e Larissa, que eu infelizmente não pude conferir inteiro, mas cheguei na hora em que eu costumo chegar nos casamentos: na hora do bufê. Inclusive gostaria de agradecer à Isabella por ter traficado uns docinhos da festa pra mim, aquele mini-churros estava uma delícia.

O casamento filmado atravessava o dia, começando à tarde e indo até o auge da noite. Como as cenas durante o dia precisaram de um tempo maior do que só uma tarde, foi criada na locação uma espécie de "Sol artificial", usando as técnicas de iluminação necessárias para que as cenas gravadas à noite parecessem diurnas.

A cerimônia foi marcada por declarações de amor e pela celebração da diversidade presente na festa. Entre os convidados, pessoas de todos os espectros da população LGBT, de homens e mulheres trans a drag queens, gays e lésbicas. A diversidade da festa de casamento de Raul e Larissa nos mostra o mundo em que eles vivem, mas além deste ser o universo dos dois, é o mundo de Ciranda, a série como um todo.

- a figuração em um momento dos bastidores e durante a gravação, na cena em que Larissa joga o buquê.

Cada episódio de Ciranda conta a história de um personagem diferente, e é no casamento deste episódio que vários deles se encontram. Enquanto o público assiste ao episódio e pensa naqueles personagens como figurantes ou coadjuvantes, o roteiro dá conta de apresentar algumas nuances de seus conflitos, por meio de diálogos rápidos. Essa cena é apresentada em um plano sequência em que Raul anda entre os convidados, distribuindo champagne, enquanto ouvimos as conversas de cada um.

Se você tiver acompanhado os episódios anteriores da nossa série de posts aqui no blog, pode ter reparado que o fotógrafo de todos os filmes é o mesmo: Marcelo Biss, que faz uns planos sequências que são minha obsessão mais recente. Pra fazer justiça a ele, eu vou escrever uma frase em negrito aqui, não só porque eu prometi a ele, mas porque é verdade: Marcelo Biss, eu te venerooo

- o diretor de fotografia, Marcelo Biss. 

No final da noite, eis que surge ela, a tão aguardada Tina Mon Amour. Na história, Raul se transforma em Tina durante a festa, onde dedica o show à amada. Com a voz embriagada e o olhar apaixonado, Tina canta "Pra Ser Só Minha Mulher", do Roberto Carlos, enquanto o casal dança e é acompanhado pelos outros casais da festa, que seguem o exemplo. Glamourosamente montada e maquiada como uma figura feminina, Tina mantém no rosto a barba de Raul, como um lembrete do quanto as questões de identidade são mais complicadas e interessantes que qualquer rótulo.

- Tina Mon Amour, pronta pro show. 

"Raul" é o primeiro episódio dos treze planejados para a temporada. Ao contrário dos curtas que presenciei nas semanas anteriores, a história não termina aqui, é uma parte de uma história muito maior que Ciranda pretende contar. Quando, no final da festa de casamento, vemos os outros personagens se juntarem à dança de Raul e Larissa, eu só conseguia pensar nas histórias que cada um daqueles personagens guardavam pra si, nas suas histórias de amor que estão apenas esperando a hora certa para se desvendarem. Os casais dançam, a câmera sobe, e eu fico aqui torcendo pra que o universo dessa Ciranda tenha a chance de ser visto, apreciado e explorado o mais rápido possível.

- a equipe. 

As imagens deste artigo foram fotografadas por Wers Gravaluz. 

episódios anteriores da série: 01. os bastidores de “Aquele Disco da Gal”  02. os bastidores de “A Gente Nasce Só de Mãe”  03. os bastidores de “Juba”  semana que vem é a season finale! 

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Dias de Cinefilia no Set: Os bastidores de “Juba”

Depois de acompanharmos os bastidores do drama familiar Aquele Disco da Gal e presenciarmos a gravação de um incêndio em A Gente Nasce Só de Mãe, Dias de Cinefilia no Set tem hoje o prazer de apresentar um pouquinho das filmagens de Juba, curta-metragem de drama dirigido por Severino Neto e Rafael de Carvalho. No post de hoje, vamos falar de temas como preparação de elenco, administração dos imprevistos e a experiência de fazer figuração em duas cenas diferentes, rezando pra ninguém perceber. Vamos lá?

na foto: os atores Ana Rafaela, Douglas Peron, Mariana Mendes e Adolfo Peralta. (foto por: Ana Rafaela)

O CURTA O nosso filme de hoje, Juba, conta a história da personagem-título, uma adolescente que ganha a vida como artista de rua. "Juba é uma menina que, como milhares de brasileiras, cresceu numa realidade difícil." diz um dos diretores, Severino Neto. "Ela cresceu na periferia, criada apenas pela mãe, sofreu todo o preconceito por ser negra e pobre... E é uma menina muito forte, que nunca se abalou."

os diretores, Severino Neto e Rafael de Carvalho. (foto por: Wers Gravaluz)

Ao mesmo tempo em que recebe uma oportunidade profissional para seguir na carreira artística, Juba descobre estar grávida, o que a coloca em um conflito entre viver o sonho e procurar uma vida estável. É, como diz Neto, um conflito "em que a vida limita a arte".

"Tem muitos temas que eu gosto de falar, eu queria falar da gravidez na adolescência, mas sem tentar uma abordagem novelesca ou clichê. Outra coisa que eu gosto de falar e acabei trazendo foi a questão dos artistas de rua, os malabaristas, que são artistas muito presentes aqui na nossa cidade [Cuiabá]. Eu queria, de alguma forma interessante, unir essas duas coisas e falar das pessoas que, assim como nós, querem poder viver da arte."

a atriz principal, Mariana Mendes. (foto por: Wers Gravaluz)

E quem dá vida a Juba é a atriz Mariana Mendes, que apesar de nunca ter atuado antes, sentiu a conexão com a personagem desde antes de ler o roteiro: "Três pessoas me encontraram e falaram 'cara, a gente tá fazendo um filme assim, um curta-metragem, você parece a Juba...' e me convidaram, eu achei melhor não, eu nunca atuei e tal. Aí a Rachel, que é a diretora de arte, me encontrou num set um dia, sem saber que eu já tinha sido convidada e chegou pra mim, 'cara, a gente tá fazendo um curta e você parece muito a Juba...'. Depois uma amiga minha me mandou mensagem falando do curta e eu pensei, tá bom, é melhor eu fazer."

o elenco (foto por: Wers Gravaluz)

A PREPARAÇÃO DE ELENCO Assim como Mariana, os outros integrantes do elenco também são estreantes no cinema. Adolfo Peralta, que interpreta Thyago, tem experiência prévia com comerciais e ficou sabendo do filme pelo Facebook. "Eu vi no Facebook que estavam procurando uma pessoa que soubesse fazer malabares e tal, aí eu pensei 'Então tá... Vamos lá, não to fazendo nada mesmo" e entrei em contato com o pessoal. Achei que não ia dar em nada, mas acabei mandando o vídeo e to aqui."

Douglas Peron, que interpreta Eduardo, tem experiência com o teatro desde os treze anos, mas é a primeira vez em uma produção cinematográfica. Já Ana Rafaela, intérprete de Amora, é recém-chegada ao cinema mas já tem intimidade com as telas: ela participou da primeira temporada do The Voice Brasil, em 2012. "Eu gosto da sensualidade que a Amora traz, porque na vida real eu não faço muito isso, com ela eu pude trabalhar um lado de mim que eu gostei, viu?", diz Ana Rafaela.

(foto por: Ana Rafaela)

E a preparação começou muito antes que um segundo de filme sequer fosse gravado. Além da preparação no set feita por Juliana Capilé e Tatiana Horevicht, os atores passaram por um treinamento de um mês, comandado pelo artista Júlio Carcará, que ensinou o elenco a fazer os truques circenses que seus personagens, artistas de rua, fazem em cena. "O mais legal de fazer Juba é isso", diz Douglas. "É poder vivenciar as questões dos personagens, da gente ter que aprender o que eles fazem pra fazer também." Os atores aprenderam técnicas como malabarismo, treinaram o equilíbrio em um monociclo e praticaram a swing flag, que é um exercício com bandeiras que eu fiquei morrendo de medo que batessem em mim (felizmente o treino foi bom e deu tudo certo).

a preparação do elenco e a prática, na rua. (foto por: Wers Gravaluz)

Com esse treinamento, os atores tiveram o tempo certo para se conhecerem melhor e chegarem entrosados até o começo das filmagens. No set, eles só se chamavam pelos nomes de seus personagens, um método que reforça a identidade de cada um.

TEVE EU FAZENDO FIGURAÇÃO E se vocês acharam que só ia ter gente bonita no elenco desse filme, fico feliz em desapontá-los com um anúncio: também estou no elenco!! Tá, é como figuração, mas foi uma boa oportunidade para mostrar meus inegáveis talentos e carisma. Eu vou ficar devendo a parte do rosto bonito, não tenho nada cinematográfico, mas já que estamos em 2017 e A Bela e a Fera é a maior bilheteria do ano, talvez finalmente seja a hora de pessoas como eu brilharem.

A primeira cena em que eu fiz figuração foi como um dos passageiros de um ônibus em que Juba e seus amigos pegam durante o filme (o ônibus foi cedido pela secretaria de trânsito daqui). A cada plano novo que precisava ser gravado o ônibus precisava dar mais uma volta, o que me deu tempo o suficiente pra me dedicar a esse árduo papel. As instruções eram bem simples (aja naturalmente e pelo amor de deus sob nenhuma circunstância olhe para a câmera) e na maior parte do tempo a equipe ficava do lado de fora, o que deixou a gente bem à vontade. Gravar foi a segunda coisa mais divertida daquela tarde. A primeira foi ver as pessoas que tentaram pegar o ônibus achando que a linha era de verdade.

na foto: eu e minhas amigas maravilhosas, Aline Teixeira e Joanna Campos. na última foto, o assistente de câmera, Ricardo Hessel. (fotos por: Joanna Campos)

À noite foi a vez da sequência mais trabalhosa e esperada do dia: uma rave em que a turma de Juba faz uma apresentação. Como a rave precisava de muita gente e eu já estava por lá mesmo, estendi meu personagem até a sequência da festa. Continuei ao fundo, perseverante, sem falas, mas dei tudo de mim. Se eu fosse desequilibrado eu teria até imaginado uma história de fundo para o personagem, mas não sou assim.

Tá, eu sou sim, eu pensei assim:

Meu personagem se chama Marcelo Bonifácio, 21 anos, olhos azuis, com o carisma de uma princesa e um corpo para o pecado. Ao longo do curta, vemos sua jornada pegando o ônibus para ir ao trabalho e, ao fim da noite, o vemos se jogando em uma rave para tentar esquecer os problemas causados por sua demissão, ocorrida naquele mesmo dia.

Mas e aí, você me pergunta, como é gravar uma rave de mentira?

(foto por: Wers Gravaluz)

É bem legal, na verdade. Talvez seja porque eu tenho terror social e não vou em rave de verdade, mas todo mundo se divertiu e teve a oportunidade de socializar e dançar de verdade enquanto a cena se desenrolava na nossa frente. Teve até um momento em que a câmera passeou pela gente, o que além de ter sido muito interessante deve ter rendido um plano muito bonito que felizmente estive sóbrio para acompanhar.

Nós também fomos deixados livres no ambiente, as regras continuavam as mesmas (não olha pra câmera, aja naturalmente, não deixe que os malabaristas te atinjam sem querer) e a cena correu tranquilamente, embora a gente tenha interrompido mais de uma vez pedindo pra tocar Despacito. Num segundo momento, em que foi gravada uma cena com diálogos, nós tivemos que dançar sem música, o que proporcionou as coreografias mais estranhas do mundo desde que Kelly Clarkson lançou o clipe de Stronger.

AS FILMAGENS Uma das últimas cenas filmadas na diária que acompanhei, um flashback da infância da Juba, contou com mais planos visualmente deslumbrantes, fotografados por Marcelo Biss e sua equipe. A própria montagem do cenário foi um espetáculo à parte, transformando um bosque comum em um ambiente sobrenatural que logo se tornou um ponto disputado por todo mundo querendo tirar foto pra colocar no perfil. Felizmente, também consegui tirar.

não é coincidência que a melhor foto que já tirei na vida não mostre o meu rosto.

A cena envolve a pequena Juba rodando uma palha de aço em chamas, algo que é menos perigoso e mais bonito plasticamente do que parece. E foi nessa hora que surgiu um imprevisto. Por mais controlado que um set possa ser, existem aspectos que a gente não consegue dominar, como o tempo, cachorros da vizinhança, crianças no set e a Ashley Judd (já leram sobre o que ela faz nos bastidores? Credo). O tempo, os cachorros e a Ashley Judd estavam a nosso favor naquela noite, mas a atriz mirim que iria protagonizar a sequência decidiu desistir, com medo do contato com o fogo. Outra atriz foi contatada, ainda na mesma noite, e a sequência ficou lindíssima.

no gif, o produtor Paulo Afonso Nogueira, o P.A., treinando a modalidade olímpica e agora cinematográfica, "Fogo na palha de aço".

Eu acompanhei Juba por um dia, os profissionais que trabalharam nele ficaram por muito mais tempo (e ainda ficarão, já que existem etapas depois da filmagem). É exaustivo, de uma forma que eles vão saber explicar muito melhor do que eu, e requer até que você desenvolva habilidades que não tem e disponha de um tempo bem específico (eles tiveram que gravar até no domingo, dia das mães, às 5 da manhã). 

Cinema, especialmente no Brasil, ainda mais especialmente em Mato Grosso que está engatinhando nessa indústria, está longe de ser glamour. Mas é algo feito por pessoas que confiam no que estão fazendo, que acima de qualquer ambição estão tentando honrar a história que eles querem contar. Cinema, como me disse a produtora executiva Bárbara Varela, é um mundo doido em que "você tem que dançar sem música, atuar como se estivesse bebendo sem ter bebida". Cinema é uma loucura, é uma bela mentira que a gente conta pra transformar a realidade, e é um universo que todo mundo ali se orgulha de estar construindo.

episódios anteriores da série:  01. Os bastidores de “Aquele Disco da Gal”  02. Os bastidores de “A Gente Nasce Só de Mãe”

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Dias de Cinefilia no Set: os bastidores de “A Gente Nasce Só de Mãe”

“Depois de acompanhar os bastidores de um drama sobre as relações humanas e os laços familiares (Aquele Disco da Gal, que você pode ler aqui), Dias de Cinefilia no Set está de volta para saber mais sobre os bastidores de mais uma produção audiovisual realizada no estado de Mato Grosso. O filme de hoje é A Gente Nasce Só de Mãe, um curta-metragem intenso, realizado pela diretora Caru Roelis, que eu estou aqui para divulgar e enaltecer. E aí, vamos lá?

a diretora, Caru Roelis.

O CURTA A Gente Nasce Só de Mãe conta a história de Emilly, uma garota de 17 anos que vive em um bairro na periferia com dois irmãos mais novos e o filho recém-nascido. O curta segue algumas horas na vida da jovem, nos mostrando as delicadas e complexas relações de família e de poder que atravessam o cotidiano da jovem, cuja vida é devastada por uma tragédia que se aproxima.

O roteiro é inspirado em um evento que aconteceu aqui em Mato Grosso, mas a personagem e os eventos foram ficcionalizados de uma forma que tornam a história ainda mais universal (assim como seu título, afinal, a gente nasce só de mãe). O curta é a história de uma pessoa específica, mas é também a vida de milhões de mães solteiras, periféricas, muitas delas adolescentes, mulheres condicionadas a muitas responsabilidades e pouco suporte.

Segundo a diretora, a intenção era falar de assuntos que ela queria ver representados no cinema. "É um filme sobre a força da mulher periférica", diz Caru. "Quando eu li a matéria [sobre o acontecimento], a primeira coisa que eu vi foram comentários perguntando 'onde estava a mãe quando isso aconteceu?'. Alguém precisava mostrar que a culpa não é delas, houve toda uma ausência de suporte do governo, do Estado, há a questão da estruturação familiar, há a ausência desse pai. O que me levou a pensar nesse filme foi defender essas mulheres, que não são poucas. Existem 20 milhões de mulheres no Brasil que cuidam sozinhas dessas crianças".

o elenco.

A PREPARAÇÃO DO ELENCO No curta, quem representa estas mulheres é a atriz Edilaine Duarte, que faz de sua Emilly uma pessoa tão crível que eu só queria abraçá-la e dizer que está tudo bem (eu e todo o resto da produção, porque a vontade de chorar vem desde os ensaios). Na diária em que acompanhei, a atriz deu conta de duas das sequências mais importantes do filme, ambas com uma carga dramática intensa, e lidou com essas situações com muita naturalidade.

Quando a gente vê um filme, qualquer filme, nós temos a chance de presenciar os acontecimentos se desenrolando na ordem certa e entender o processo que conduziu a personagem ao estado emocional em que ela que está agora. Numa gravação, não se tem o luxo de filmar todas as cenas na ordem cronológica. Interpretar uma personagem no audiovisual significa se preparar para adentrar diversos estados de espírito, às vezes expressando sentimentos completamente opostos em um só dia, e compreender o caminho para se chegar a esses estados.

a preparadora de elenco, Juliana Capilé, e a atriz Edilaine Duarte (de costas).

Edilaine não está sozinha nesse processo: além do roteiro e da direção de Caru, a atriz contou com o esforço das preparadoras de elenco Juliana Capilé e Tatiana Horevicht, que eu tive a oportunidade de ver em ação e fazem um trabalho impressionante ao colocar esses atores nesse universo. Outro ator que eu pude ver em cena, Venicio Bulhões (que vive um traficante no curta), teve a liberdade de improvisar em cima dos diálogos durante sua cena.

A FOTOGRAFIA O grande momento da gravação, tanto na importância para o roteiro quanto pelo número de pessoas envolvidas, é o de um incêndio que Emilly presencia. É um evento muito relevante no roteiro, algo que vai ressignificar toda a trajetória de Emilly e que requer muito esforço para a realização. Para a gravação, a produção contou com a presença de veículos da Polícia Técnica e do Instituto Médico Legal, além da presença de trabalhadores reais do Corpo de Bombeiros (infelizmente não consegui tirar foto com a mangueira igual aqueles calendários temáticos, mas não desistirei do sonho). Além de oferecer suporte para que nada desse errado nas gravações, os Bombeiros atuaram dentro do filme, encenando o trabalho que eles estão habituados a fazer (alguns deles, inclusive, trabalharam apagando o incêndio no qual este filme se inspira).

na segunda foto, a diretora Caru Roelis; na quarta foto: a produtora de locação Ana Maria Araújo, a produtora executiva Bárbara Varela e a produtora Joycy Ambrósio,

E se acompanhar um processo de produção é sempre empolgante (um set nunca é igual ao outro), essa produção foi particularmente especial para mim, porque ela vem de um roteiro que eu tive a oportunidade de ler há mais de um ano, quando ainda era um projeto em desenvolvimento. Filmar a cena do incêndio é muito mais complicado e interessante do que eu poderia imaginar lendo o roteiro. Figurantes e vizinhos curiosos se misturam no meio da rua, eventualmente se tornando um grupo só (todo mundo teve que assinar a autorização pra participar do filme, só pra garantir). Eu e parte da equipe ficamos em um lugar mais reservado, acompanhando por video, porque cada canto da rua era um plano em potencial para a cena. Com tudo a postos, era hora de gravar os planos. E que planos!

O incêndio (e o tumulto que vem depois dele) foi filmado em plano sequência, contando depois com a ajuda de planos detalhe igualmente devastadores, capturados pelo fotógrafo Marcelo Biss. A fotografia é essencial nesse plano, porque além de capturar a conexão entre o acontecimento e o estado emocional de Emilly, o plano sequência dá conta de toda a devastação deixada pela tragédia (vamos vendo, aos poucos, tudo o que foi perdido com o fogo). A situação filmada é tristíssima por si só, o clima quando se grava um acontecimento desses é pesado como não poderia deixar de ser, mas a forma como tudo foi filmado não deixa que a cena seja inassistível. Muito pelo contrário. A duração do plano é pensada de uma forma que ressalte cada um daqueles elementos, porque é um acontecimento que a gente precisa ver, a gente precisa discutir sobre, a gente realmente precisa pensar na história dessa mulher. É um exercício de empatia causado pela câmera. Não à toa, Biss e sua equipe foram aplaudidos ao final da cena.

A Gente Nasce Só de Mãe ainda tem um longo caminho para percorrer (espero que festivais estejam nesse caminho, vou ligar pros meus contatos em Cannes), as gravações terminaram nesta segunda-feira, mas é definitivamente um filme que eu quero muito ver. Muita coisa vai mudar do roteiro que eu li até o filme pronto, espero que para melhor, mas só essa experiência de ver como funciona o processo de adaptação para as telas já é fascinante o suficiente. É uma história triste e realista, de um jeito difícil (e, às vezes, doloroso de fazer), e que todo mundo na equipe sente orgulho em trazer à vida, por acreditar nessa história e no dever de contá-la. E espero que seja contada e refletida por muito tempo.

na foto: a equipe.

- Agradecimentos ao fotógrafo Wers Gravaluz pelas imagens utilizadas nesse artigo.

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Dias de Cinefilia no Set: Uma visita ao set de “Aquele Disco da Gal”

Depois do sucesso de American Crime Story, que tinha Dominic Dunne trazendo os bastidores do julgamento de O.J. Simpson e Feud: Bette and Joan, que trazia Hedda Hopper invadindo os sets de Hollywood para relatar as novidades, chega até você o novíssimo seriado Dias de Cinefilia no Set, uma série de posts aqui no blog e no nosso Facebook dedicados a acompanhar e relatar os bastidores de cinco projetos audiovisuais nacionais, com acesso exclusivo às gravações e em narrados em primeiríssima pessoa. A série é uma oportunidade de falar não só de uma cena cinematográfica em ascenção (vamos cobrir produções do cinema matogrossense), mas de conversar sobre o processo de produção a partir de uma pessoa que só visitou sets de filmagens durante a madrugada, que é quando eu durmo e sonho que estou em Hollywood.

E aí, estão preparados para viver um dia de Hedda Hopper?

Ao longo de cinco semanas, vamos acompanhar os bastidores de cinco projetos realizados em Mato Grosso, vários deles com uma mesma equipe em comum e todos com produção executiva de Bárbara Varela. A primeira produção que a gente vai conhecer é Aquele Disco da Gal, um curta-metragem de ficção escrito e dirigido por Diego Baraldi e Juliana Curvo. O filme aborda uma relação entre pai e filha, que tentam recomeçar a vida após o divórcio dos pais. O tal "disco da Gal" do título é Fa-Tal - Gal a Todo Vapor, álbum ao vivo lançado por Gal Costa em 1971 e que tem um papel fundamental na trama. "A história desde o início tratava dessa relação, pai e filha, e a gente foi imaginando umas nuances ao longo do tempo. (...) Orbitando essa relação tem a figura da mãe: quem é essa mãe, como é a outra relação que essa mãe foi viver depois da separação... E aí uma série de possibilidades foi se abrindo com o desenvolvimento do argumento", explica o diretor Diego Baraldi.

(o disco, Gal a Todo Vapor, e a dupla de diretores, Diego Baraldi e Juliana Curvo)

No set, a dupla na direção recebeu o apelido carinhoso de Irmãos Marlene, uma referência aos irmãos Dardenne, a dupla de cineastas belgas que dirigiu filmes como Rosetta e A Criança (ambos vencedores da Palma de Ouro) e Dois Dias, Uma Noite. A comparação vem do fato de que os Dardenne, além de dirigirem juntos os filmes e compartilharem os mesmos gostos, têm uma preferência pelos retratos das relações humanas e em realizar filmes tecnicamente modestos. "Eu não curto muito falar que tal coisa é uma referência, porque eu acho isso tão sério, as pessoas podem julgar o filme através dessa referência. Mas, de certa maneira, a gente imagina que é um filme que dialoga com certos assuntos", esclarece Juliana Curvo.

o elenco: Luciano Bortoluzzi (como o pai, Henrique), Tatiana Horevicht (a mãe, Mariana) e Gabriela Iaia (a filha, Natália).

E por falar nas relações humanas, no centro dessa história está uma família formada por pai, mãe e filha, um elenco tão entrosado que eu demorei um dia e meio para perceber que eles não eram uma família na vida real. A preparação do elenco incluiu atividades entre eles, ainda na época de pré-produção, para que elas criassem uma aliança que ficasse visível durante as cenas (e, sim, isso transparece no curta).

Durante as filmagens, houve a mobilização para locações como um hospital (cujas filmagens aconteceram com equipe reduzida, durante o fim da madrugada) e um bar com karaokê, além de uma pista de skate que exigiu a presença de inúmeros figurantes. As externas contaram com a presença da polícia para proteger a equipe, o que é um procedimento padrão na hora das filmagens, mas eu levei um tempo até descobrir que eles não estavam lá para me prender pelas legendas que eu disponibilizo na internet.

Outra cena que eu tive o prazer não só de visitar, mas de participar, envolveu o personagem principal, Henrique, descendo de um ônibus. A gravação envolveu um ônibus de verdade, da empresa responsável pelo transporte público em Cuiabá (e a linha que aparece nas gravações, de número 310, não existe de verdade). Entre os passageiros do ônibus estava eu, eu mesmo, myself, esse autor que vos fala, que não consegui tirar foto da gravação porque a minha câmera morreu bem naquela hora - mas não se preocupem, um dia o filme sai e a cena vai me assombrar pelo resto da vida.

Entre os planos mais ambiciosos de Aquele Disco da Gal estão um belo conjunto de planos sequência e planos fixos longos, que vão de cenas intimistas em casa à observação de skatistas fazendo manobras em um ginásio. O mais impressionante deles, fotografado por Marcelo Biss, inclui mãe e filha se encontrando e se despedindo entre uma subida e descida do elevador. Eu não posso vazar a cena porque sou muito jovem pra ser preso, mas escondi um pouquinho na bolsa e trago, com exclusividade, um pedacinho dela.

Filmar uma produção audiovisual é um trabalho cansativo e de imersão total, envolve lidar com mudanças climáticas e atrasos que podem colocar sequências inteiras a perder, mas esse trabalho é realizado por gente sabe o que está fazendo e gosta do que faz. Segundo Diego Baraldi, um elemento importante nesse momento é o tempo: ele funciona diferente quando se está filmando e cada segundo conta. Durante o meu tempo no set, presenciei alguns medos envolvendo o tempo, o medo de que chovesse antes da cena terminar, o medo de que não desse pra fazer todo o planejado naquele dia, medo de perder um plano bonito do pôr do sol. Faz parte. No final, deu tudo certo.

 (no sentido horário: o maquiador Marcelinho e a produtora de figurino Daniele Borges; os diretores com a produtora executiva Bárbara Varela; a atriz Tatiana Horevicht ao lado do diretor e, na última foto, a sombra da equipe de fotografia. Abaixo, toda a equipe)

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Kate e Christine: dois filmes opostos sobre a mesma história

"Agora eles querem fazer um filme / para todas as pessoas que não tem a capacidade / de imaginar o corpo da minha mãe, com a cabeça no forno / deixando as crianças órfãs."

- Frieda Hughes, artista e filha de Sylvia Plath.

Em 1974, a jornalista Christine Chubbuck interrompeu o programa de TV que apresentava, tirou uma arma debaixo da mesa e atirou na própria cabeça. É um jeito cruel e seco de se começar um artigo sobre um filme, mas é também a descrição direta de uma notícia que levou a décadas de especulação, inspirou um roteiro vencedor do Oscar (Rede de Intrigas, 1976) e alimentou uma lenda e uma sede por um vídeo que nunca vai poder ser visto (ainda bem, eu acho).

43 anos depois da tragédia de Chubbuck, dois filmes sobre ela chegam à internet, depois de serem exibidos no mesmo Festival de Sundance e estrearem na mesma data em países diferentes. Os filmes (ambos com legendas em pt-br feitas por mim e disponíveis no Opensubtitles), apesar das coincidências temáticas e de lançamento, não são projetos conjuntos: são dois filmes separados que agora estão inevitavelmente lado a lado para serem comparados. São eles: Kate Plays Christine e Christine.

Além de terem a mesma pessoa como tema, ambos são inspirados num artigo do Washington Post, que o Post se orgulha em dizer que é "o artigo definitivo sobre Christine Chubbuck". 40 anos se passaram sem que alguém fosse atrás de mais informações, então o Post é a provável única fonte porque a maior parte das coisas está enterrada ou virou lenda.

Os dois filmes podem ser vistos em qualquer ordem, mas como eu tive acesso a Kate primeiro (o torrent saiu quase um mês antes do outro) e gostei da experiência, acho recomendável. Se você está em dúvida, sugiro que pense em duas questões. A primeira é que a protagonista de Kate Plays Christine lê na íntegra o texto de várias passagens importantes do artigo do Post, enquanto cenas inteiras de Christine se baseiam nesses textos. Então se você quiser saber o menos possível antes da hora, veja Christine primeiro. A segunda questão é que Kate levanta uma reflexão no espectador sobre a ambiguidade de se fazer um filme sobre o caso, enquanto Christine é o filme pronto. Se você quiser ver o filme pronto com essa reflexão em mente, veja Kate primeiro.

Se você quiser ver só um deles, eu recomendo que seja Christine, porque é um filme mais convencional, uma adaptação direta da história de uma forma bem menos experimental - e igualmente excelente - da tragédia.

KATE PLAYS CHRISTINE

Kate Plays Christine é um documentário mais experimental do que apenas um filme em que pessoas são entrevistadas ou um acontecimento é encenado. Na verdade, a protagonista do doc é uma atriz que está ensaiando para viver Christine em uma reencenação (que é o próprio Kate Plays Christine), enquanto lida com a dificuldade de haver pouquíssimo material sobre a personagem. Kate Lyn Sheil, a atriz, vai atrás de mais detalhes enquanto tenta entender e se parecer com Christine, como se perseguisse um fantasma. É mais ou menos, como uma crítica chamou na época de Sundance, a versão documentário de Um Corpo que Cai.

Entre os entrevistados, pessoas que conviveram com Kate, jornalistas, um psicólogo e também todos os atores que participam da encenação sobre Christine, que trazem insights bem interessantes sobre a morte e o suicídio (os depoimentos das atrizes que fazem a mãe e a amiga de Christine são especialmente devastadores).

Mas o que Kate Plays Christine quer não é exatamente entender a morte de Christine. É entender a vontade das pessoas em entender a morte da Christine. Todos os entrevistados têm uma opinião a respeito do suicídio dela. Um âncora diz que "foi o desperdício de uma boa bala". O psicólogo diz que foi o jeito dela de machucar quem a machucou, de um jeito que um suicídio menos espetacularizado não faria. Até as pessoas que não conheciam Christine (e mesmo as que conviveram com ela não a conheciam de verdade) trazem uma opinião formada, mas nenhuma delas sabe falar sobre a vida de Christine. Tirando o artigo do Post, as únicas novidades que Kate consegue encontrar sobre o caso são o fato de que o irmão de Christine era gay (e que ela o apoiava fortemente em plenos anos 70), que ela era descendente de Douglas Fairbanks, e que o vídeo com o suicídio dela existe mas nunca será publicado.

Para ser justo, o doc também traz Christine em vídeo pela primeira vez, algo que nem a internet conseguiu. Mas o mais interessante fica por conta do depoimento que segue essa cena. “Eu sinto que eles não querem ver Christine por causa da vida dela e sim por causa da morte. (...) Eu sinto que não estaríamos conversando se ela não tivesse morrido daquela forma, ela não teve uma carreira extraordinária, não foi uma pessoa extraordinária. Ela era muito bacana e eu a amava, mas foi por causa do sangue, das vísceras, da violência da morte dela. É o gancho para estarmos aqui hoje. E hoje é história. A briga de Christine com o canal era por causa de sangue e vísceras... Então tudo o que ela mais odiava é hoje o que motiva a ressuscitarem a vida dela”.

Essa ambiguidade entre a vida e a morte de Christine resultam em uma cena final surpreendente (que, ao contrário do que alguns acreditam, não foi ensaiada ou roteirizada). Alguns podem argumentar que o filme é muito artificializado em sua dramatização (uma escolha proposital) ou que ele é muito incisivo em seu argumento, mas é um filme forte o bastante para levantar sua reflexão. Quando Kate Plays Christine diz que é difícil fazer um filme sobre Christine, não significa que é impossível. Até porque esse filme foi feito e é excelente. E se chama...

CHRISTINE

A primeira coisa que a gente tem que pensar quando Kate diz que é difícil fazer um filme sobre isso, é que Christine não está nas mãos de qualquer um. O cineasta Antonio Campos vem de uma carreira de filmes impactantes que são fortes estudos de personagem centrados em pessoas problemáticas. Afterschool é sobre obsessão e suicídio no ambiente escolar. Simon Killer é um sociopata. Alguns acusam Antonio de ser distante demais em suas abordagens (o que está longe de ser um problema em filmes assim), mas quem não sofreu com a meia hora final de Christine favor me comunicar onde você guardou seu coração e responder por que não o colocou de volta. A abordagem de Campos em Christine é certeira porque, assim como um personagem diz a ela durante o filme, "você não é sempre a pessoa mais acessível do mundo".

Pensando em Christine separadamente, o filme é um trabalho excelente de empatia. É realmente um filme sobre a vida dela, embora que inevitavelmente tenha uma sensação de queda livre para a morte. O que doi em Christine é que não é um filme sobre uma pessoa que foi perdendo todas as esperanças até encontrar o fim, é sobre uma mulher que apesar de não ver mais expectativas e estar cansada de sofrer, ainda tinha muito potencial. Seu chefe a diz que ela é a mulher mais inteligente dali. O homem por quem ela se apaixona a leva para uma terapia e ela tenta ser receptiva. Mas a morte de Christine não é resultado de uma conta simples. Christine tinha transtorno bipolar e ia do céu ao inferno em um tempo em que ninguém usava esse diagnóstico.

O roteiro é uma adaptação tão direta do texto do Washington Post que dá pra visualizar o trecho em que cada cena do filme se inspirou.

Mas o roteiro vai além de uma adaptação simples. Pra ser sincero, passagens marcantes (como a vez em que Christine fez uma piada sobre se suicidar ao vivo e ninguém ligou) foram minimizadas ou excluídas porque o filme atinge o mesmo efeito em outros momentos (ainda nesse exemplo, quando o chefe de Christine reage ao suicídio dizendo "muito engraçado, Christine"). Mas é um roteiro em que cada escolha é feita para maximizar a discussão a respeito de cada situação envolvendo a pessoa real, criando nuances a uma mulher de quem sabemos muito pouco. Embora possa ser pouco fiel em alguns momentos à realidade, é fiel à imagem que quer construir de Christine, uma personagem verossímil com suas profundidades.

Uma das escolhas mais interessantes do roteiro foi a de transformar Andrea Kirby, dita no texto original como melhor amiga e confidente de Christine, em uma figurante no filme. A personagem não tem falas e nunca é vista como amiga, mas ela continua sendo o que o texto representava dela: uma mulher mais bem-sucedida do que Christine e uma pessoa que representa uma traição em um momento chave do filme e da vida da protagonista. A personagem que toma as vezes de amiga de Christine no filme é Jean, baseada na real operadora de câmera do programa, que representa alguém que realmente quer ajudar a protagonista e entender o que ela está passando - assim como nós.

E que atriz do caramba é Rebecca Hall! Christine é, de longe, sua melhor performance. É a personagem que ela merecia fazer e é uma pena que esteja sendo pouco reconhecida pelo filme. Sua interpretação de Christine não é unidimensional, é muito mais que apenas "uma mulher deprimida que cometeu suicídio". É uma personagem é complexa, bem intencionada e tem passagens bem humoradas. É uma pessoa por quem a gente torce e empatiza, embora sua mente pareça impenetrável.

MAS E AÍ... QUAL DOS FILMES É MELHOR?

Eu entendo que cada um se incline a gostar bem mais de um deles (e meu favorito é Christine), mas recomendo que os dois filmes sejam vistos juntos. Não apenas porque são filmes complementares na história que contam, mas porque é bacana ver dois projetos tão focados argumentando um contra o outro. Não é porque Christine contrapõe o argumento de Kate que ele seja inferior ou que um deles seja inválido. Christine é um filme incrível sobre uma trajetória, sobre temas como depressão e suicídio, e um recorte muito interessante sobre uma personagem em particular. Já Kate é uma reflexão sobre a ligação entre atriz e personagem, a frustração e a ambiguidade de se mexer com uma história tão sensível e uma busca de respostas em um caso em que talvez não haja uma resposta.

Se Christine apresentou bem que um filme pode falar de uma morte sem ser mórbido ou sádico, é porque foi um filme excelente nas mãos de um diretor competente. Mas nem sempre é assim. O argumento do filme vai além de Chubbuck.

Quantas outras histórias podem ser representadas no cinema sobre uma morte sem que tenham um senso de morbidez? A história de Sylvia Likens por exemplo, adaptada no filme Um Crime Americano, não conseguiu evitar ser um filme extremamente deprimente. Que diretor conseguiria adaptar a vida de Nicole Brown Simpson sem que ela fosse uma fantasma, fugindo do inevitável fim em que ela é esfaqueada por O.J. Simpson?

O texto que abriu esse artigo é o de um poema de Frieda Hughes ("My Mother"), feito para ilustrar o descontentamento dela com a realização de um filme sobre a mãe dela, Sylvia Plath. Se o filme (lançado em 2003 com Gwyneth Paltrow) ficou bom ou não vai além da opinião de Frieda, mas ela não quis nem permitir que os poemas de Sylvia fossem executados no filme, porque ela não queria "alimentar a fantasia da Sylvia suicida".

Segue abaixo um trecho do poema:

"Eles estão a matando de novo Ela disse que tentou fazer isso a cada dez anos Mas eles fazem anualmente, ou semanalmente, Alguns até a matam diariamente, Carregando a morte dela na cabeça deles E a praticando. Ela os salva Dos problemas deles; Eles podem morrer através dela Sem nunca fazer a decisão de morrer.

(...)

Agora eles querem fazer um filme Para qualquer um que não tenha a capacidade De imaginar o corpo, com a cabeça no forno, Deixando crianças órfãs. Então Eles poderão rebobinar o filme Para que eles vejam ela morrer Do começo, tudo de novo.

Os espectadores do circo, entretidos Com a morte da minha mãe, irão para casa, Cada um carregando a memória que tem dela, Sem vida - um souvenir. Talvez eles comprem a fita de vídeo depois.

Assistir alguém morrer na TV Significa que tudo o que eles têm que fazer É apertar o 'pause' Se eles quiserem esquentar água na chaleira, Enquanto minha mãe segura o fôlego na tela Para terminar de morrer depois do chá."

Independente da sua opinião a respeito da morte de Christine Chubbuck, da sua vontade ou não de ver a fita com o suicídio ou de assistir a uma encenação dessa tragédia, fica o meu convite: assista aos dois filmes. São duas narrativas poderosas que argumentam entre si, como se tivessem se encontrado e conversado, e podem gerar um terceiro argumento. O seu.

(texto originalmente publicado em nosso antigo site)

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Bojack Horseman, 2ª temporada

Eu não sei exatamente porque tenho essa mania, mas os filmes que eu mais chorei na minha vida são animações. Talvez seja porque eu não entendo nada de como se produz uma série animada e isso me force a abstrair os aspectos e entrar na história com mais empatia. Ou talvez seja porque a leveza dos traços me faz reconhecê-los como figuras que podem representar qualquer um de nós. Depois desse parágrafo descrevendo a minha neurose você talvez não termine o texto ou nem queira mais olhar para a minha cara, mas eu não tenho culpa se a morte do cão do Fry em Futurama é uma das cenas mais tristes do mundo. (Clique aqui para ver).

Independente da razão, a mais nova aquisição da minha galeria de séries que me botaram para chocar no beco é a série do Netflix, Bojack Horseman, cuja segunda temporada estreou na última sexta.

A primeira temporada foi recebida com frieza, talvez porque o início seja mais lento que o habitual para TV (a crítica recebeu 6 dos 12 episódios, mas a coisa começa a pegar fogo mesmo no sétimo). O que parecia ser uma crítica rasa do showbiz que apenas atirava referências para todos os lados, se mostrava na segunda metade um interessante estudo de personagem com depressão. No sétimo vemos também Princesa Carolyn, até então uma rainha da auto-confiança e da canalhice, tendo que lidar com seus demônios. Ela até entrega um monólogo que eu carrego pra vida:

Você precisa se recompor. Ontem, deixou se apaixonar um pouco, e ficou com o coração partido. Bem feito pra você por ter sentimentos. A partir de agora, você é uma profissional durona e fria. Vá trabalhar, seja incrível nisso e não perca tempo com besteiras. A partir de agora, você é um robô.

(Bastante inspirador, se você ignorar o fato de que Carolyn continua sozinha e apenas o celular dela se lembra que é seu aniversário.)

Daí pra frente... É só ladeira.

A segunda temporada começa no meio dessa ladeira, quando vemos a inspiradora cena de abertura do último episódio por outro ângulo, mais triste. Dão sequência a essa cadeirada-nas-costas um episódio (que me botou pra chorar) sobre lidar com a morte e o criativíssimo 4º com quatro histórias fragmentadas sobre a natureza do amor.

Mas isso não significa que não seja uma série engraçada. É. Se o primeiro ano da série deixou os risos primeiro e a profundidade depois, aqui é mais equilibrado. Depois de mergulharmos na devastação de cada um dos personagens, a história vai se iluminando e, apesar das dores, termina com um sorriso. "Atriz caricata Margo Martindale" (dublada pela própria Margo) segue sendo a piada recorrente mais genial da série, e é uma delícia vê-la metralhando as pessoas que não conseguem reconhecê-la, apesar de saberem que é uma atriz famosa.

A série também não tem medo de tocar em temas espinhosos com um olhar crítico, usando um tom mais metafórico que de chacota. São brilhantes os paralelos às acusações ao Bill Cosby por abuso sexual e a trama que remete à Cientologia.

Composta por uma montanha-russa emocional ao longo de seus 12 episódios, BoJack Horseman é uma série divertidíssima, mas que encanta por sua capacidade de criar empatia e por seu grande, machucado coração.

BOJACK HORSEMAN, 2ª temporada EUA, 2015. De Raphael Bob-Waksberg. Vozes de Will Arnett, Amy Sedaris, Paul F. Tompkins. Disponível no Netflix. Avaliação: Excelente.

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Sobrenatural: A Origem

Depois de um segundo filme que fez o cinema gargalhar tanto que eu me senti na plateia de Friends, a nova entrada da franquia Sobrenatural volta ao terreno conhecido do primeiro filme (e, em menor escala, do segundo): sustos que pulam na sua cara, um passeio pelo enevoado submundo, uma trilha sonora carregadíssima, mais sustos que pulam na sua cara e uma divíssima vilã drag queen viciada em enforcar a Lin Shaye. Sobrenatural: A Origem, em cartaz a partir do dia 30, conta a história de uma garota que, ao procurar a médium Elise (Lin Shaye) para contatar a mãe falecida, acaba trazendo à vida um espírito violento que deseja tomar conta de seu corpo. A história se passa antes dos dois primeiros filmes e não pretende esclarecer como Elise conheceu seus dons paranormais (já tivemos flashes de sua juventude no filme anterior), mas presenciamos um momento decisivo em sua vida. É a primeira vez que Leigh Whannell dirige, após ter roteirizado e atuado nos dois anteriores. É também a primeira vez que ele trabalha sem o diretor James Wan (que recentemente fez barulho por Invocação do Mal e o mais bem-sucedido dos Velozes e Furiosos). A direção de Whannell não apresenta nada de novo, é no roteiro que ele se sai melhor, mas segue bem os passos dos originais (existem ainda piscadas espertas para o resto da franquia). Mas o ponto alto do filme é, de longe, Lin Shaye na pele de Elise. Uma eterna coadjuvante de Hollywood, dessas que a gente conhece o rosto mas não o nome (só consigo me lembrar da hiperbronzeada Magda, de Quem Vai Ficar com Mary), ela rouba a cena desde a primeira aparição na franquia. Dois filmes mais tarde, além de ficar claro que a saga é toda dela, notamos o quanto Whannell se importa com ela. Além de dar palco para que ela brilhe, inserindo dimensão à personagem e até um pouquinho de humor, os instantes finais são de uma doçura inesperada (até meio estranha, confesso). Ah, e ela ainda tem a chance de soltar pérolas como essa:

Sobrenatural: A Origem não pretende pregar para incrédulos, ou seja, pisa em terreno familiar e não tenta reinventar a franquia. Mas é uma sequência melhor que o esperado para quem quer passear de novo pelo "outro lado" e levar uns bons sustos. SOBRENATURAL: A ORIGEM Insidious: Chapter 3 EUA, 2015. De Leigh Whannell. Com Lin Shaye, Dermot Mulroney, Leigh Whannell. Avaliação: Bom.

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Mad Max: Estrada da Fúria

Eu sei que quando você se prepara para ler um texto sobre um filme de ação, espera um argumento racional que justifique o amor ao filme em vez de um blogueiro ensandecido enumerando tudo o que o fez delirar. Eu sei. Estou tentando não gritar na sua cara o quanto amei tudo isso, mas só queria voltar pra sala e ficar mais um pouquinho naquela trilha frenética, saindo do nada para o lugar nenhum, entre perseguições, tempestades de areia, velhinhas motoqueiras e uma guitarra lançando chamas. Vou me segurar. Mas sim: o novo Mad Max é tiro, porrada e bomba. E perfeito por isso.

Mas e aí: precisa ver a trilogia original? Não necessariamente. É claro que você será uma pessoa mais feliz se presenciar a escalada da violência do primeiro filme, a tensão delirante do segundo e Tina Turner sendo poderosíssima no terceiro. Mas se o tempo for curto e a vontade de ver este último for maior, não, não precisa fazer maratona. Estrada da Fúria é tanto sequência quanto reboot: o cineasta prefere chamar de "revisita ao universo do original".

E enquanto somos atirados nesse novo mundo, o didatismo é ZERO. Sabemos tanto da Cidadela quanto Max sabe (o que significa nada) e aprendemos, na marra, o que significam "bolsa de sangue", "Valhalla" e "estrada da fúria". Entre perseguições e pancadas, vamos descobrindo a dinâmica daquela gente, a hierarquia criada por um messias distorcido e as motivações das esposas em fuga. 90% do filme devem ser de perseguição de carros, mas isso não significa que não haja uma boa história se desenvolvendo ali. A violência é só a forma que Miller encontrou para expressar aquele universo de (des)esperança e fúria. Em meio ao caos e terror que se alastram na trilha, encontramos humanidade, empatia e sororidade.

O ponto forte é Charlize Theron, merecidamente louvada por sua Imperator Furiosa, uma das personagens femininas mais maravilhosas e complexas a passar por um filme de ação (e não perde em nada pra tenente Ripley, ícone máximo das fodonas do gênero). Isso não é uma batalha de protagonismo, mas o temperamento durão de Furiosa bate de frente com o estilo caladão e solitário de Max e cria uma dinâmica incendiária. Nicholas Hoult completa o eixo dessa jornada com mais um errante em busca de redenção.

Mad Max: Estrada da Fúria é um grande triunfo de George Miller, que aos 70 anos consegue dar sangue novo a sua própria criação e mostrar aos novatos do gênero como é que se faz. Só tenho medo de que a viagem insana de Max tenha me deixado mal acostumado, ao me trazer tanta sensibilidade e inteligência em meio a um filme (e um gênero) que é pancada do começo ao fim.

MAD MAX: ESTRADA DA FÚRIA Mad Max: Fury Road EUA, 2015. De George Miller. Com Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult.

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Quando o cinema age por justiça

Chega ao mercado de home video norte-americano esta semana o blu-ray de A Tênue Linha da Morte, um documentário divisor de águas que analisa o caso de Randall Adams, condenado à morte pelo assassinato de uma policial em Dallas, apesar da ausência de provas o ligando ao caso. Aos poucos, o jornalismo meticuloso exercido pelo cineasta Errol Morris vai juntando as peças deste quebra-cabeça (encontrando conexões e ouvindo pessoas que a Justiça da época não deu a mínima), compreendendo motivações e nos conduzindo a um desfecho surpreendente.

Paralelo a este lançamento, saiu nas últimas semanas o último episódio de The Jinx, série documental da HBO nascida da vontade de Robert Durst de ser ouvido. Durst é um nome conhecido do cenário policial dos EUA: acusado de dois homicídios e um desaparecimento, sua absolvição em 2003 ao alegar legítima defesa (e depois esquartejar a vítima) causou furor na época. Agora é a vez de ouvir sua versão dos casos, tentar entender o excêntrico milionário que foi demonizado pelo rastro de morte que o segue. Ao longo dos seis episódios, vamos ficando cada vez mais íntimos do carismático Durst e perto da verdade. Perto demais.

The Jinx é uma cria da obra-prima de Morris. Assim como uma gama incontável de filmes a respeito de investigação criminal, da trilogia Paradise Lost ao Linha Direta e aqueles documentários sinistros do Investigação Discovery. Documentos poderosos como Linha e Jinx ultrapassam a barreira do cinema e vão atrás da verdade, não terminam depois dos créditos. Pessoas foram presas por causa deles (e é claro que eu não vou contar aqui quem foi) e aparentes falhas judiciais puderam ser corrigidas.

Alguns acusam The Jinx de manipulativo e um pouco sensacionalista, mas não o acho de forma alguma que explore o caso de forma gratuita. O atendimento dado a cada lado da história e o envolvimento pessoal do cineasta em descobrir (e lidar com) a verdade são parte do poder confrontador do gênero documental.

Talvez seja cedo para levantar a bandeira de The Jinx como um novo divisor de águas do gênero, mas é um trabalho ousado e excepcional. Em ambos os filmes aqui destacados, mesmo depois de todo o trabalho, sabemos que a história não terminou. Mas a História, com h maiúsculo, está sendo escrita.

A LINHA TÊNUE DA MORTE The Thin Blue Line, EUA, 1988. Documentário de Errol Morris. Disponível na Claro Video da operadora NET.

THE JINX The Jinx, EUA, 2015. Série documental HBO de Andrew Jarecki. Ainda sem previsão no Brasil.

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Dias de cinefilia em 2014: dezembro, 11 filmes

Encerrando a megamaratona (que devia durar uma semana, mas levou quatro meses) dos filmes vistos no ano de 2014, chegamos a dezembro, o mês em que eu tento ver de tudo pra salvar o número de filmes vistos. Bem, fico na tentativa mesmo, porque não deu muito certo. Foram míseros 11 filmes, mas filmaços, incluindo uma Amy Dunne que agora carrego no coração e um Babadook que eu forcei meia dúzia de amigos a verem (e três não gostaram, agora são ex-amigos).  219. Tabu (2012) ★★★★★ Filme lindo, os dois atos da tragédia de Aurora são profundamente envolventes e narrados de formas distintas, sempre interessantes. É meu primeiro filme português (poisé, poisé) e fico grato da primeira vez ter sido com uma história tão maravilhosa. Agora eu fico querendo chorar e morrer toda vez que toca Tu Serás Mi Baby. 223. Asas do Desejo (1987) ★★★★★ Da coleção: por que eu demorei demais pra ver essa maravilha??!!! 225. The Babadook (2014) ★★★★★ Babadook, a bad book. É sempre uma delícia encontrar um filme de terror que se preocupe mais em criar uma atmosfera do que atirar objetos na sua cara. Filme envolvente principalmente pelo ambiente familiar, a forma com que ele foge do clichê e trata a relação mãe/filho com humanidade (a transformação da mãe é fantástica). Amei também a mitologia do Babadook e tudo o que ele representa. 226. Garota Exemplar (2014) ★★★★★ Excitante jogo de aparências, com uma acidez deliciosa atirada ao circo midiático. É tenso e sem dúvidas macabro, mas não esperava que tb fosse divertido. Assisti às gargalhadas, algumas bem nervosas. 227. Olive Kitteridge (2014) ★★★★★ You have to believe we are magic... Um mosaico hipnotizante, de narrativa lenta e sedutora, com um elenco afiadíssimo. Protagonista ideal pra me lembrar porque eu amo Frances McDormand. Minissérie linda, linda. 229. O Abutre (2014) ★★★★ e 1/2 Se o jornalista inescrupuloso de 'A Montanha dos Sete Abutres' e a produtora maquiavélica de 'Rede de Intrigas' fossem parceiros de trabalho, o resultado seria meio assim. Comparações à parte, é um baita thriller, a ponto de nos deixar tão sedentos pela tragédia quanto os espectadores do noticiário. Jake Gyllenhaal arrasa, Rene Russo rainha também chama a atenção. 231. Harry e Sally - Feitos um para o Outro (1989) ★★★★★ O último do ano: surpresa gratíssima, que amor de filme! Sempre soube da reputação, mas imaginava algo mais clichê e me deliciei com a criatividade do roteiro. Billy Crystal e Meg Ryan apaixonantes demais, cena dela fingindo orgasmo rules.

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Dias de cinefilia em 2014: novembro, 5 filmes

- A fachada dizia "primeira consulta grátis". E eu nem pretendo voltar, sabe? Isso é um blog de cinema, não o muro das lamentações.

Estive fazendo nas últimas semanas uma retrospectiva dos filmes vistos em 2014. Não fui tão mal, sabe? Vi 231 (contra 500 do ano anterior), muita coisa gostosa, mas fiquei com um gosto amargo no saldo final. E o culpado disso é novembro. O bendito mês em que eu vi apenas cinco filmes, sendo um curta e duas revisões.

Mas o problema nem é exatamente o cinema, nem falta de tempo (devo ter visto todas as temporadas de American Horror Story e Arrested Development nesse período), eu ainda me satisfaço à beça em ver um filminho e me acabar nas comédias da Goldie Hawn, eu só... não sei se quero continuar debatendo sobre eles. De repente eu me vejo andando em círculos, chamando tudo de ternurinha e dando insights superficiais por achar que o que tinha de ser dito já foi dito... Sem falar na minha impaciência com os debates, que me parecem cada vez mais egocêntricos e com cegueira de ambos os lados que tratam o cinema como se fosse matemática exata. Eu sei que o que eu sinto só interessa a mim e que chorar com um filme não o torna a obra-prima mais impactante dos últimos 30 anos, mas eu queria um pouco mais de empatia.

Pensei sim, e estou te dando uma chance. o consultório é seu, mas...

Enfim, esses são os filmes vistos em novembro de 2014:

214. Chicken Little (1943) ★★★★★ "Para influenciar as massas, dirija-se primeiro ao menos inteligente."; "Se é para contar uma mentira, que seja das grandes.", "Destrua a confiança do povo nos seus chefes"... Apavorante que um curta produzido na Segunda Guerra Mundial seja tão atual. E que final!

215. Insignificance (1985) ★★★★ E se Marilyn Monroe e Albert Einstein tivessem se encontrado? Nicolas Roeg traz à vida essa noite peculiar, com uma aura surrealista e uma inquietante Theresa Russell no papel da musa loira. A cena em que ela explica a Teoria da Relatividade usando brinquedos é linda.

216. Pânico 4 (2011)[RE] ★★★★★ É emocionante revisitar o filme que me apresentou a essa quadrilogia que domina meu coração, agora com o meu conhecimento da franquia e mesmo da identidade do assassino o jogo continua excitante, deliciosamente metalinguístico e ácido. A cotação é sentimentalíssima, mas... sempre é, né doutora Frida? Sempre é.

217. Se eu Fosse a Minha Mãe (1976)[RE] <3 A versão original (e mais surtada) de "Sexta-Feira Muito Louca" é uma das minhas comédias-ternurinha, é só passar na TV que eu to la vendo. A pequena Jodie Foster manda bem aqui, mas a suprema é Barbara Harris, uma mulher que me arranca sorrisos só de estar em cena.

218. Perfect Blue (1997) ★★★★★ Atriz e personagem, realidade e ilusão, passado e presente... Tudo se cruza (e se perde) em meio a essa impressionante viagem pela mente de uma artista atormentada. Filmaço.

Pensando melhor, dra Frida, até que foi um mês bacana... Passei por um curta-metragem genial, uma gracinha super desconhecida, um guilty pleasure made by disney, um filme de terror que muitos acham patético e até uma obra-prima. Amei todos. O caminho pode ter sido tortuoso e vazio, eu posso ter vivido uma crise e posso não ter me expressado da melhor forma sobre eles, mas o passeio me empolgou. Perfect Blue, principalmente, tá devidamente carregado no coração.

Então é... Novembro foi um período ingrato, mas vou aprender a viver com ele. Obrigado pela consulta, doutora.

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Dias de cinefilia em outubro: 8 filmes

205. Passion (2012) ★★★ e 1/2 Tomei coragem pra ver esse ame/odeie, não entrei em um desses lados radicais mas sou suspeito pra elogiar porque adoro o filme original, com todo o bitch fight e as vinganças novelescas. De Palma continua afiado, adicionando seus elementos à história e brincando até com quem viu o original (invertendo a loira sensível e a morena forte de papel; além do final hitchcockiano). Sempre vibro quando ele divide a tela e aconteceu aqui.

206. Os 7 Suspeitos (1985) ★★★★ Uma paródia descompromissada do gênero "quem matou?", inspirada no jogo de tabuleiro Detetive/Clue e com overactings deliciosos de Tim Curry, Eileen Brennan e Madeline Kahn: se eu não adorasse esse conjunto, podiam me internar. Adorei também os finais alternativos, se é que algum é definitivo.

207. A Música mais Triste do Mundo (2003) ★★★★ É uma viagem vintage por um mundo distinto, com uma lógica interna onde ser ninfomaníaca é uma nacionalidade e pernas de vidro preenchidas com cerveja podem andar. Elementos tão peculiares podem tornar o filme tão fascinante quanto irritante, mas a presença absurdamente hipnotizante de Isabella Rossellini nos conecta com esse mundo e deixam o passeio divertido.

208. Searching for Debra Winger (2002) ★★★★★ Uma atriz envelhece e os papeis vão desaparecendo. Hollywood começa a pressioná-la. Não se é mais a protagonista, é a mãe dela. Aí vêm as cirurgias, papeis ruins, aposentadorias... Dezenas de atrizes que sentem na pele o envelhecimento em frente às câmeras discutem essas e outras questões nesse documentário interessantíssimo (e o fato de ser dirigido por uma atriz, Rosanna Arquette, faz toda a diferença).

209. Peppermint Frappé (1967) ★★★★ Trama macabra de Carlos Saura sobre um homem que tenta transformar uma tímida enfermeira na imagem de uma mulher sedutora que o rejeitou, uma espécie mais homicida de 'Um Corpo que Cai'. O destaque é Geraldine Chaplin encarnando suas duas, três personagens com uma presença hipnotizante e o final destruidor mesmo.

210. Ata-Me! (1990) ★★★★ Não achei que ia dizer isso de um filme de sequestro e obsessão, essa mistura de horror e sexo com os filmes da Doris Day, mas: que coisa lindinha! Acho que a síndrome de Estocolmo me pegou.

211. Hoje (2013) ★★★ Adoro um teatro filmado (e quem não curte pode correr pras colinas, o clima é bem esse), e embora o texto aqui não tenha a intensidade que se espera de uma experiência dessas, tem seu brilho e a interpretação da Denise Fraga faz valer demais a pena. Gostei também das cenas de reconstituição e do final.

212. Gata Velha Ainda Mia (2014) ★★★★ Thriller metalinguístico e cheio de reviravoltas (umas menos convincentes que outras), que abusa dos close-ups e do trabalho das atrizes pra construir a claustrofobia. Bárbara Paz faz o que pode, mas é escada de uma S̶a̶l̶l̶y̶ ̶F̶i̶e̶l̶d̶ Regina Duarte totalmente entregue à loucura de sua personagem: amarga, engraçada, macabra.

213. Meu Amigo Totoro (1988)[RE] ★★★★★∞ Rever Totoro é trazer pra vida mais um pouco da doçura que só o mexxxxtre Miyazaki me proporciona, é me envolver de novo com a aventura, a inocência, as descobertas. É infância pura batida com nescau.

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Dias de Cinefilia em 2014: setembro, 9 filmes

195. Miss Violência (2013) ★★★★★ Uma história de horror, de silêncios intimidadores, de uma revolta tão grande que o sorriso só tem vez na hora da morte. Fazia um tempinho que eu não tomava uma cadeirada nas costas assim, viu?

196. Deixe-me Viver (2002) ★★★★ Drama bem adorável amparado por um elenco feminino no mínimo interessante, especialmente pelas interpretações de Alison Lohman (cuja montanha-russa emocional é ilustrada pelos diferentes cortes de cabelo) e Michelle Pfeiffer em uma personagem intensa. Final lindo demais.

197. O Lobo Atrás da Porta (2013) ★★★★★ Suspense doloroso, contado de forma a encontrar humanidade em um crime tão terrível. É daqueles filmes que apertam mais a cada segundo perto do final, que eu não consigo evitar ficar pensando (vi faz uma horinha), esperando a poeira baixar, pensando no conjunto. E que elenco, hein? Leandra Leal destruidoríssima, dona do filme até dizer chega e Thalita Carauta marca em sua curta aparição.

198. Feitiço da Lua (1987)[RE] ★★★★★ "A lua une a mulher e o homem, capisce?" Que filme mais apaixonante, gente! Vi há muito tempo e sempre tive mt carinho pelas poucas coisas que eu lembrava dele, como a cena da ópera que eu acho linda de viver e o drama da Olympia Dukakis. Na revisão isso só melhorou, é um filme hipnótico (e Cher está igualmente encantadora, não reclamo desse Oscar nem a pau), muito agradável de ver e cheio de sorrisos gostosos. Coisa linda.

199. Os Outros (2001)[RE] ★★★★★ Uma inesquecível Nicole Kidman caminhando com uma lamparina na mão, uma neblina hipnotizante que encobre a ilha, toda a reconstituição de época... A combinação desses elementos na atmosfera que o filme levanta sempre me deixou uma impressão mt forte e essa revisão só fez bem. Suspense lindo.

200. As Irmãs Diabólicas (1973) ★★★★ e 1/2 O primeiro thriller hitchcockiano de Brian De Palma, seu Psicose com um toque de Festim Diabólico, já dava sinais dos grandes filmes que viriam. Adorei as reviravoltas macabras e o efeito da tela dividida cria cenas interessantíssimas.

201. Mapas para as Estrelas (2014) ★★★★ O passeio de Cronenberg pela cidade dos sonhos é obscuro e divertido, não ao mesmo tempo mas em um ritmo confortável, com um roteiro que metralha referências (tem até Mommie Dearest!) uma atmosfera que não perturba apesar de sérias consequências. Chamam a atenção Julianne Moore e Evan Bird, encarnando pessoas que Hollywood destruiu: a primeira como uma bitch queen atormentada e o segundo como um ex-astro mirim em constante reabilitação.

203. Vestida para Matar (1980) ★★★★★ Um dos meus suspenses favoritos, De Palma sabe referenciar e ao mesmo tempo criar algo muito seu. Por que diabos Gus Van Sant fez um remake de Psicose se ele já existia e se chamava Vestida para Matar?! Eu hein.

204. À Procura do Amor (2013) ★★★★ e 1/2 Até esperava que fosse uma delícia de filme, mas conseguiu me surpreender mais com sua perspectiva do que vem depois do "felizes para sempre" e com a humanidade dos personagens, como a protagonista errante. Gandolfini tá um fofo e Julia Louis-Dreyfus arrasa com uma interpretação que, mesmo cômica, é mais dramática que a de costume (que mulher FDP! hahaha)

[diasdecinefilia]

Dias de Cinefilia em 2014: agosto, 11 filmes.

183. Cría Cuervos (1976) ★★★★★ Geraldine Chaplin não é atriz, é uma mestra da hipnose. Filme extremamente comovente, angustiante, agridoce, às vezes ternurinha. Ana Torrent é uma pérola. 184. Valerie e Sua Semana de Deslumbramentos (1970) ★★★★★ A chegada da puberdade e a perda da inocência ganham contornos vampirescos nesse envolvente conto surrealista. O título está certíssimo: é deslumbre a cada frame. 185. Smiley Face - Louca de dar Nó (2007) ★★★★ De 0 a 10, quais as chances de você me internar em um hospício se eu disser que Anna Faris dá um tour de force nesse filme? 11? Ah. Ok. Talvez tour de force não seja a expressão adequada, mas vá lá: Anna arrasa. Ela está presa a esse estereótipo de loira burra quando é mais do que isso, e neste filme não é diferente, mas ela arrasa como pode. E o filme é bem melhor do que deveria ser. Baita performance cômica (e não, comédia não é gênero menor). 187. O Conselheiro do Crime (2013) ★★★ e 1/2 Malkina é daquelas ladras-de-cena que nos fazem desejar que o filme seja sobre ela e, felizmente neste caso, talvez seja mesmo. Crime, castigo e muita verborragia tomam conta do roteiro de Cormac McCarthy, que traz a personagens superficiais insights interessantíssimos. O conjunto é bagunçadinho, mas tem uma vibe incendiária que me fez gostar dele. 188. Crô (2013) whatever Vamos fingir que eu dei uma justificativa maravilhosa por ter visto, sei lá, sou um pesquisador conceituadissimo fazendo uma monografia sobre o fundo do poço. Pelo menos é melhor que O Diário de Tati. 190. As Pequenas Margaridas (1966) ★★★★★ "Se tudo no mundo está indo mal, podemos ser más também." 73 minutos da mais pura alegria em tocar o terror. Filme-vida. 192. Aconteceu Perto da sua Casa (1992) ★★★★★ Um projeto universitário resultou nesse falso documentário sobre o dia-a-dia de um serial killer, um filme que aproveita sua premissa brilhante para uma execução deliciosamente perversa. O protagonista, apesar dos absurdos que faz e diz, é tão carismático que nós (equipe e espectador) viramos seus cúmplices. 194. A Garota Morta (2006) ★★★ e 1/2 Cinco mulheres, cinco segmentos, um cadáver. A narrativa de cinco histórias que têm em comum o cadáver de uma jovem começa pouco promissora, mas melhora a cada segmento. O elenco é dos sonhos, com váários nomes que me agradam, mas o segmento mais intenso cai na mão da mais desconhecida do conjunto, Mary Beth Hurt.