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Seleção 2016

Sem textão nem homenagem. 10 Filmes + 1 Curta A assassina, de Hou Hsiao-Hsien A vizinhança do tigre, de Affonso Uchoa Aquarius, de Kleber Mendonça Cemitério do esplendor, de Apichatpong Weerasethakul Certo agora, errado antes, de Hong Sang-Soo Elle, de Paul Verhoeven Exilados do Vulcão, de Paula Gaitán O cavalo de Turim, de Béla Tarr Os oito odiados, de Quentin Tarantino Sinfonia da necrópole, de Juliana Rojas Curta: As Ondas, de Juliano Gomes e Leo Bittencourt Filmes de outros anos: Sorcerer, de William Friedkin; Jornal do Sertão, de Geraldo Sarno 30 Discos A Tribe Called Quest – We Got It From Here...Thank You 4 Your Service aka Mortuário – c32 Andy Stott – Too Many Voices Autechre – elseq 1-5 Ben Johnston – String Quartets Nos 6, 7 & 8 (Kepler Quartet) Brian Chippendale, Mats Gustafsson e Massimo Pupillo – Melt Clima – Monumento Ao Soldado Desconhecido D/P/I – Composer Danny Brown – Atrocity Exhibition David Toop – Entities Inertias Faint Beings Demdike Stare – Wonderland Douglas Germano – Golpe de Vista Equiknoxx – Bird Sound Power Grupo Bongar – Samba de Gira Linda Sharrock/(In) The Abyssity Of The Grounds – Gods M. Geddes Gengras – Interior Architecture Maja Ratkje – Crepuscular Hour Mark Ernestus’ Ndagga Rhythm Force - Yermande Masami Akita & Eiko Ishibashi ‎– Kouen Kyoudai Metá Metá – MM3 Negro Leo – Água Batizada Okkyung Lee & Christian Marclay ‎– Amalgam Oren Ambarchi – Hubris Peter Brötzmann & Heather Leigh – Ears are filled with wonder Peter Evans – Lifeblood Rashad Becker – Traditional Music of Notional Species Vol. II São Paulo Underground – Cantos Invisíveis Second Woman – Second Woman Shackleton & Ernesto Tomasini – Devotional Songs Sote – Hardcore Sounds from Tehran Hors-concours: Ivor Lancellotti – Tudo o que eu quis 20 Relançamentos/Coletâneas/Inéditos antigos/Boxes A Made Up Sound – A Made Up Sound Anna Homler & Steve Moshier – Breadwoman & Other Tales Awalom Gebremariam – Desdes Bitori – Legend of Funaná (The forbidden music of the Cape Verde Islands) Burkina Faso: Volume 1, 2, 3 Charlie Parker – Unheard Bird: The Unissued Takes Delia Derbyshire & Elsa Stansfield – Circle of Light DJ Marfox – Revolução 2005-2008 Ecstatic & Wingless: Bird-Imitation on Four Continents, ca. 1910-40 Gqom Oh! The Sound of Durban Harry Bertoia – Sonambient (Complete Collection) Kenya Special: Volume Two - Selected East African Recordings From The 1970s & '80s Kwangkay: Funerary Music of the Dayak Benuaq of Borneo Mbaraka Mwinshehe & Orchestra Super Volcano – Zanzibara 9 (Un souffre frais de Tanzanie 1972-74) Music of Xinjiang: Kazakh and Uyghur Music of Central Asia Space Echo - The Mystery Behind The Cosmic Sound Of Cabo Verde Finally Revealed! The Egyptian Lover – The Egyptian Lover 1983-1988 Tony Conrad & Faust – Outside the dream syndicate Wake Up You, Vol. 1 – The Rise And Fall Of Nigerian Rock 15 Shows Chelpa Ferro – Antimatéria II (Audio Rebel) DEDO "Espelho III" no Antimatéria II (Audio Rebel) God Pussy + Lê Almeida + Tantão (Galpão Gamboa/Novas Frequências) Large Unit — Little Combos Barbecue (Audio Rebel) Lzana (Comuna/Novas Frequências) Metá Metá lançamento MM3 (Circo Voador) Negro Leo pré-lançamento Água batizada (Audio Rebel) Peter Evans (Audio Rebel) Pinduca (SESC Tijuca) Romulo Fróes lançamento Rei Vadio (Sesc Vila Mariana) Ruins Alone Antimatéria II (Audio Rebel) São Paulo Underground (Sesc Belenzinho) Stine Janvin Motland (Oi Futuro/Novas Frequências) TEST (Audio Rebel) Trio Repelente + Julian Desprez + Rob Mazurek + Phillipe Sommervell + Thomas Rohrer + Eddu Ferreira (estudiofitacrepe) 70 faixas A Made Up Sound – “All Out” A Tribe Called Quest – “Movin Backwards” Adrian Younge – “Psalms” Andy Stott – “Forgotten” Ash Koosha – “Harbour” Babyfather – “Prolific Deamons” Basic Rhythm – “Raw basics” Cadu Tenório – “Cyberia(Digital Deathru)” Clima – “Alguém responde para mim” Danny Brown – “Tell Me What I Don't Know” David Bowie – “Lazarus” Demdike Stare – “FullEdge (eMpTy-40 Mix)” Dirty Projectors – “Keep your name” DJ Earl – “Rachett” DJ Marfox – “Unsound” Dona Onete – “Tipiti” Douglas Germano – “You S/A” Duppy Gun – “Love di People” Equiknoxx – “A Rabbit Spoke To Me When I Woke Up” Eli Keszler – “The Immense endless belt of faces” Elysia Crampton – “Dummy Track” FaltyDL – “Mean streets pt 3” Gonjasufi – “Afrikan Spaceship” Huerco S – “Kraanvogel” Idris Ackamoor & The Pyramids – “Whispering Tenderness” James Holden/Camilo Tirado – “Outdoor Museum of Fractals” Jameszoo – “The Zoo” Juliana Perdigão e os Kurva – “Crack de ninar” Klein – “Arrange” Konono N.01 + Batida – “Um Nzonzing” Lee Perry – “Psycho dread” Mad Professor – “Western Border” Mark Ernestus’ Ndagga Rhythm Force – “Lamb Ji” Metá Metá – “A imagem do amor” Micachu – “I Dare You” (Demdike Stare Edit) Negro Leo – “Noite Invertida” Nick Cave – “Anthrocene” Noura Mint Seymali – “Eguetmar” Oren Ambarchi – “Hubris part 3” Pan Sonic – “(Part 2)” Paul Simon – “Wristband” Peder Mannerfelt – “Her Move” PJ Harvey – “Ministry of Defence” PLIM – “Mãe da vertigem” Powell – “Gettin' Paid to Be Yourself” [Al's 'Kick Ass' Mix] Prostitutes – “Pressure on the Haunted” Psilosamples – “Biohack Banana” Radiohead – “Ful Stop” Rangda – “Mondays are Free at the Hermetic Museum” Rian Treanor – “Pattern 1” Ricardo Villalobos & Oren Ambarchi – “Hubris Variation” Roisín Murphy – “Ten Miles High” Romulo Fróes – “Mulher sem alma” RP Boo – “What Am I?” Salão Extremo – “Gravado numa parede pode sumir” São Paulo Underground – “Violent Orchid Parade” Saul Williams – “The noise came from here” Second Woman – “100407jd7” Shackleton & Ernesto Tomasini – “Father, You Have Left Me” Sun Ra & Merzbow – “Granular Jazz Part 4” The Avalanches – “Because I’m me” The Caretaker – “It's just a burning memory” The Dwarfs of East Agouza – “Resinance” Thiago Nassif – “Quiçá (Leito Eito)” Tom Zé – “Sobe ni mim” Tomash & Projeto Mujique – “Cosmossamba” Vermes do Limbo – “Rifi Trote Rango Dujungle Talo” Yver Tumor – “Dajjal” Zfelip Hip Hop – “Seresta é…” Zomby – “Sweetz”

(Marginal Men)

#SoundCloud #music #Marginal Men #Enchufada #LuxFrágil

Denis Ichitovkin (1977 –) Russia

the player

Jacob Lawrence (1917–2000)

Sammy Baloji (1978 - ) República Democrática do Congo

Daniel Richter (1962-) Alemanha

Gérard Quenum (1971 - ) Benin

Saul Leiter (1923-2013) EUA

Victor Man (1974 - ) Romênia

William Kentridge (1955 - ) África do Sul

Bernd (1931-2007) and Hilla Becher (1934- ) Alemanha

Panela de pressão: sobre “The Hateful Eight”

"Gran Torino" abre a Era Obama com uma apologia da imigração, "The Hateful Eight" encerra o ciclo com um conto sobre a desintegração da América. Seu pano de fundo histórico: as tensões que marcam o período posterior à Guerra Civil e que evidentemente ressoam os conflitos raciais de 2015. Em um dado momento, um dos personagens brancos diz: ”White folks are safest when blacks are scared..." Mais tarde, o personagem negro responde: ”It’s only safe for blacks when whites are disarmed"... Na mitologia tarantinesca cinéfila, "The Hateful Eight" é "Os Doze Condenados", "Sete Homens e Um Destino” e filmes construídos sobre conflitos éticos encenados através do tensionamento nos diálogos. Nota-se também remissões a "Carrie", a "El Topo" e, sobretudo, "The Thing". Na mitologia tarantinesca, auto-referencial, "The Hateful Eight" é "Django Unchained" pelo sentido histórico e "Reservoir Dogs" pela forma com que eleva a tensão através da conversa. ”The film that I ended up making ends up being a really serious examination of both the Civil War and the post Civil War survivors. But I really was coming more from a mystery angle, creating a little Agatha Christie thing.” Não acredito no Tarantino. É evidente que ele sabe que está mexendo no vespeiro das políticas identitárias, coisa que mesmo Spike Lee não teve lá muito interesse em fazer. E é nesta encruzilhada entre a realização cinematográfica precisa e original e um visão atomizada e problemática da política que Tarantino reafirma sua posição dentro da tradição do cinema americano de John Ford, Samuel Fuller, Robert Aldrich, John Sturges, Michael Mann, Martin Scorsese. Essa mitologia tarantinesca envolve uma dupla operação, muitas vezes simultânea, sobre a experiência privada da cinefilia e o peso político que essa experiência pode adquirir. Evidentemente, pode-se fazer a objeção de que este peso político é sustentado por um grande estúdio que trabalha agressivamente com distribuição mundo afora. Quando se trata, porém, de um grande filme, creio que não seja produtivo desconsiderar tanto a experiência, como seus efeitos no plano da arte e da política. A partir da experiência cinéfila, a reutilização dos signos cinematográficos como dispositivo dramático, reeditados, remodelados: não só no plano puramente mitológico (as citações a "Os Doze Condenados", "Carrie", "The Thing"), como também na remissão constante à história do cinema e à própria obra. Além dos atores e diálogos, outros dispositivos tarantinescos: a paranoia que faz a mediação das relações, a sanguinolência splatter, o tema racial sob o ponto de vista do negro, a utilização do plano geral e do primeiro plano — e o porão de "Inglorious Basterds" e "Pulp Fiction", a dicção de Waltz através de Tim Roth, o negro badass, a encarnação de uma sabedoria como em "Django Unchained”… Através de uma cinematografia particular, Tarantino faz uma interpretação provocativa acerca de aspectos que norteiam a conjuntura política norte-americana atual. Como em "Django Unchained", "The Hateful Eight" lida novamente com o tipo dicotômico, de formação malandra e aplicada, do negro que, por sofrer na pele o peso da escravidão, desenvolve uma sabedoria capaz de assegurar sua sobrevivência. Remissões à genealogia do período imediatamente posterior à Guerra da Secessão — uma lente de aumento sobre as relações interpessoais em tempos de guerra, permeada inclusive pela luta contra a própria natureza. Seja pelo suspense da trama, seja pela reconstrução minuciosa de tipologias da Guerra Civil, Tarantino realizou seu filme mais provocador no que diz respeito à interpretação política dos conflitos raciais. “The Hateful Eight” pode até não ser o seu melhor filme, mas certamente é aquele em que ele trabalha em seu próprio território de forma mais concentrada, valorizando o contraste entre o espaço limitado e a tensão constante nos diálogos, trabalhando seus efeitos com precisão e extraindo das sequências o habitual efeito de "panela de pressão".

Arte e devir, arte do devir — Parte I

[Versão corrigida e modificada do artigo presente no catálogo da mostra de cinema “Sonoridade Cinema”, pp. 44-48, organizado por Jo Serfaty e Guilherme Farkas: http://www.sonoridadecinema.com.br/wp-content/uploads/2015/11/Catalogo-SonoridadeCinema-2015.pdf]. Solapando as bases representativas da percepção e do entendimento — o ver associado ao exercício retiniano, o ouvir à atividade auricular, a imaginação e o entendimento como faculdades ordenadoras — alguns artistas do século passado buscaram prejudicar o conceito burguês de “estética”, elaborado a partir de um modelo cultural centrado no espectador médio. Em oposição a este modelo, Nietzsche tece anotações impiedosas acerca do filisteísmo da burguesia prussiana, preocupada em ir à ópera para viabilizar seus negócios, desatenta para o que se desenrolava no palco e no libreto. Modulando da passividade característica do espectador médio para uma atividade de avaliação das relações entre as obras e a história, este fruidor básico fundaria a “crítica”, isto é, a perspectiva do fruidor alçada a tribunal do espírito. A arte “estética”, problematizada a partir da fruição e da recepção, seria possibilitada por um processo de consolidação do espectador passivo, inflexão preliminar da qual derivariam modelos de subjetividade cultural do século XX, como o consumidor da indústria cultural e o telespectador. Ao voltar-se para a aniquilação de seus pressupostos, os artistas manifestaram um desejo violento de se desembaraçar deste esquema. Uma determinada arte do século XX se caracteriza por operações de transparência e opacidade entre as representações habituais da percepção, particularmente o “ver” e o “ouvir”. Ancoradas nas concepções estratificadas da filosofia moderna, estas concepções foram problematizadas por artistas como Duchamp, ao recusar a pintura “retiniana”; Schoenberg e Webern, ao atribuir características visuais à composição através da ideia de uma “melodia dos sons coloridos” (klangsfarbenmelodie); os procedimentos e a música do silêncio de John Cage (“deixar os sons serem eles mesmos”); artistas como Kazimir Malevich e Paul Klee deslocando a pintura do espaço da tela e do museu, lançando-a no tempo da experiência. Esta concepção geral da estética, centrada sobre a conservação das condições passivas de fruição, incide categoricamente sobre o problema do tempo, em relação ao qual os artistas ofereceram contribuições decisivas. Opuseram um continuum justaposto de durações heterôcronas a uma temporalidade linear, estratificada e segmentarizada. Propuseram uma atividade sinestésica, capaz de embaralhar os sentidos e as funções imediatas e consolidadas pelo hábito, contraposta aos modelos da representação artística grega, clássica e romântica. Ao privilégio do espectador médio, responderam com uma complexidade constituída por forças expressivas, seja nas artes plásticas, no cinema ou na música. Trata-se, portanto, não mais de uma arte da representação — que remeteria à estabilidade de uma forma prévia, seja a mise-en-scène, sejam as formas musicais como a sonata e a canção — mas de expressão, capaz de produzir, não uma narrativa linear, mas uma experiência difusa. Esta arte fornece subsídios para a problematização do tempo tal como ele é representado no cotidiano do capitalismo, base sobre a qual se fundamenta a narratividade clássica. Neste sentido, é possível detectar algumas de suas qualidades objetivas: causalidade e cronologia. Cronos, o tempo da medida, pode ser comparado ao tempo pulsado da música, ao ritmo marcial que estabiliza as formas e as subjetividades, que estabiliza identidades e funções: é o tempo do exército, do trabalho, da economia, das prisões, da escola, dos compromissos marcados e das instituições disciplinares. Estabilidade que é assegurada pela crença na causalidade, ainda que em uma “causa última”, como na religião. Há, porém, uma temporalidade mais complexa que diz respeito ao tempo indefinido, aquele que é efetuado na superfície do próprio acontecimento e que já não corresponde às representações consolidadas da percepção. Em música, Pierre Boulez chama de “tempo não pulsado”, enquanto Gilles Deleuze, em seus livros sobre cinema, distingue o caráter representativo da imagem-movimento e afirma a duração volátil da “imagem-tempo”. Em ambos os casos, trata-se de um tempo que emerge em fluxos descentralizados, desprovidos de causalidade e cronologia, que não se esgotam no “sentido” do acontecimento, termo característico da fenomenologia e das filosofias das essências. Como esta percepção dilatada percebe o tempo? Como pergunta Stockhausen para problematizar o ritmo em sua obra: “como o tempo passa”? Não se trata, no entanto, de um tempo geral, abstrato, externo aos processos de subjetivação. Para Deleuze-Guattari, o compositor moderno e contemporâneo se torna “escultor do tempo” e afirma a potência do devir. Ocorre que o devir já não se identifica com a transcorrência do tempo, mas com a criação de novas formas de vida. Liberando-se do peso do tempo estratificado do capitalismo e do controle, emergem novas subjetividades. Como afima Guattari, “devir como ‘processo maquínico’ de produção do desejo: devir mulher, devir planta, devir animal.” A multiplicidade substantiva que exprime “maneiras de inventar, de ‘maquinar’ novas sensibilidades, novas inteligências da existência” (Guattari em “A Revolução Molecular”). “Devir é o conteúdo próprio do desejo; desejar é passar por devires”, escreve François Zourabichvilli. O tempo, submetido ao primado do desejo e à polissemia do acontecimento, torna-se objeto não de uma fruição ou mesmo de uma “aisthesis” genérica, mas de uma atividade criadora particular, em parte aquilo que Fanon chamava “vertigem do devir”. Revolver as identidades implica em edificar novas temporalidades. Durante o século XX, os artistas criaram, de modo variado, suas próprias perspectivas temporais, transformando o cinema e a música em “fábrica de tempos”, uma “arte do devir”.

Os filmes mais sinistros que assisti em 2015 nos cinemas…

…em quatro linhas. Tomando como critério o que foi lançado em circuito no Brasil, uma seleção de “melhores” acompanhada por uma breve justificativa em quatro linhas. (Escrevo mais de quatro linhas acerca de Adeus à Linguagem por incapacidade de abordar tamanha grandeza e radicalidade em poucas palavras). Tomei como ponto de partida os filmes que apostaram uma problematização do cinema contemporâneo enquanto potência expressiva e narrativa. Incluo nesta primeira categoria Hard to be a God, a obra monumental de Aleksei German, que assisti no cinema durante uma viagem. No final da lista, outros filmes, ótimos e bons, vistos no cinema durante este ano. Outros grandes filmes que poderiam constar desta lista caso fossem lançados em 2015: Blackhat de Michael Mann, Breve em Nenhum Cinema de Kiko Dinucci, Cavalo Dinheiro de Pedro Costa, As Mil e Uma Noites de Miguel Gomes, O Assassino de Hou Hsiao-Hsien, entre outros. —— A visita [The visit, Estados Unidos, 2015], de M. Night Shyamalan. Terror e comédia enquanto gêneros que avançam sobre uma dinâmica narrativa constituída por cortes e contrastes. E isso com absoluto controle do espaço subjetivo, graças à utilização do artifício da auto-filmagem e a eficácia dos atores. Pasolini [Pasolini, França, Itália, Bélgica, 2014], de Abel Ferrara. A naturalidade inquieta dos últimos instantes, turbulenta, atormentada por dilemas, alguns deles atrelados a conflitos internos, outros resolvidos com uma disciplina moderada, a leitura dos jornais, o trabalho, a família, o dia-a-dia e a morte. Adeus à linguagem [Adieu Au Langage, França, 2014], de Jean-Luc Godard. No final do filme, um dueto entre o cão e a criança selam a proposta deste que é um dos mais belos filmes da filmografia de Godard: apesar de sequenciar incontáveis citações de diversos escritores e pensadores, o autor dá adeus à linguagem dos enunciados humanos, seres que destroem o planeta com suas guerras, programas de tevê e aerosóis. Na falta de pessoas com quem conversar, Godard conversa com seu cão. Jauja [Jauja, Argentina, Brasil, 2014], de Lisandro Alonso. Um filme sobre deslocamentos: morais, espaciais, temporais, culturais. Ambientado na Patagônia do século XIX, Jauja tem como pano de fundo a imensidão claustrofóbica de uma paisagem embebida em conflitos morais e situações-limite. Batguano [Brasil, 2014], de Tavinho Teixeira. Batman e Robin conversam: “fomos inventados, assim como são os deuses. A diferença é que estamos vivos.” Embora vivos, fomos inventados. Um filme sem paralelos na cinematografia recente. Corrente do mal [It Follows, Estados Unidos, 2014], de David Robert Mitchell. It follows: “isso” te persegue e só você vê: um produto do inconsciente, o medo primordial do desconhecido. A partir desse leitimotiv, aparentemente gasto e batido, David R. Mitchell explora o clichê suprimindo todo o conteúdo emocional. Hard to be a god [Trudno byt' bogom, Russia, 2013], de Aleksey German. A paisagem extraterrena de Hard to Be a God, de um preto e branco estourado, saturada de detalhes e, para alguns, “futurista”, produz uma conexão evidente entre a idade média e o antropoceno no planeta terra. A origem baixa dos deuses. ----------- Outros filmes muito bons que assisti esse ano: Branco sai, preto fica [Brasil, 2014], de Adirley Queirós. Últimas conversas [Brasil, 2014], de Eduardo Coutinho. Phoenix [Phoenix, Alemanha, 2014], de Christian Petzold (Imovision). Mad Max - Estrada da fúria [Mad Max - Fury Road, Estados Unidos, 2014], de George Miller. Dois dias, uma noite [Deux Jours, Une Nuit, França, Bélgica, 2014], de Jean-Pierre Dardenne. Timbuktu [Timbuktu, França, Mauritânia, 2014], de Abderrahmane Sissako. Nostalgia da luz [Nostalgia De La Luz, França, Alemanha, Chile, Espanha, Estados Unidos, 2010], de Patricio Guzmán. As maravilhas [Le Meraviglie, Itália, Suíça, Alemanha, 2014], de Alice Rohrwacher.

sobre “A Visita”

Como em todos os filmes de Shyamalan trata-se de um elogio e de uma operação sobre a hesitação: duvidar daquilo que se vê e crê. O horizonte de expectativa é borrado pela dúvida: o que virá? O “terror” como subproduto da dúvida, uma realidade imantada pelas consequências imprevistas: a descortinação do mito e o mundo desprovido de sentido em “A Vila”, as forças invisíveis em “The Happening”, a ameaça alienígena em “Os Sinais”, a esperança de reconduzir a “dama da água” de volta a seu mundo. No caso de “A Visita”, a dúvida se instala através do artifício da auto-filmagem: quanto maior a investigação, quanto mais se entregam aos delírios da narrativa (a necessidade de narrar a qualquer custo), mais as expectativas se tornam incertas. Mais os personagens sentem medo. Mais se tornam eles mesmos, provocando riso. Porém, os personagens de Shyamalan nunca são meramente arquetípicos: os traços subjetivos, as pequenas estranhezas de cada um constituem uma marca fundamental em seus filmes: em “A Vila”, a cegueira épica da personagem central; em “Unbreakable”, a melancolia dos super-heróis’ em “A Dama da Água”, a devoção dos desconhecidos. Em “A Visita” sobressai o niilismo, a velocidade e a ironia dos adolescentes hiperconectados. O “terrir” de Shyamalan se sustenta muito sobre a espontaneidade desse cinismo teen, uma tipologia da hiperatividade que se afirma mais através do desempenho dos atores do que do interesse provocado pelo personagem (como nos filmes de Tarantino). As cenas em que o menino canta rap são impagáveis. Não me lembro de outro filme que equilibrasse de forma tão eficaz a irrupção do susto e o click do riso como em “A Visita”. A exploração das brechas narrativas possibilitadas pela operação com o “gênero” — o terror, a comédia — é reforçada pela perspectiva subjetiva da auto-filmagem. A ambiguidade de um terror que faz rir emerge a todo instante, e se catalisa em um plano exemplar: câmera parada: o menino joga com a “vovó”: debilmente a vovó come biscoitos e, na sequência, tem um espasmo tenebroso: ao mesmo tempo, o menino grita pela irmã. A comicidade contamina o susto e vice versa. Além de uma perspectiva sobre a hesitação diante do mistério, o contágio é uma outra perspectiva presente em “A Visita”. Não só o contágio entre os gêneros, não apenas o contágio fatal que o menino tanto teme (e que virá), mas a própria natureza, o próprio tempo se tornam contagiosos. Todo o ambiente da fazenda dos avós é contaminado pelas fraldas sujas, os vômitos, a comida suspeita, o porão, o celeiro, mas também pelos gestos sem sentido, pela demência é transmitida ao menino nas cenas finais. Escondendo-se sob a perspectiva dos adolescentes urbanizados, Shyamalan constrói um mundo no qual deixar-se envolver implica em deixar-se contaminar pela praga, partilhar o contágio e expor-se ao perigo.

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