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Quella luce che mi ricorda Franco Fontana i America Mi sono trovato a Milano per fare delle fotografie di street e sono rimasto incantato, perso, avvolto da quella luce che mi ricorda tanto le fotografie di Franco Fontana in America, la fotografia è sempre emozione e ricordo.

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Dopo un po di assenza dal blog eccomi con un nuovo articolo di food Photography, un genere che in questo periodo adoro. Ho scelto un cibo molto goloso anzi il più goloso per queste fotografie…… il cioccolato, i cioccolatini ripieni di crema di pistacchio, crema di the verde, un inebriarsi di dolci sapori.

Le fotografie che allego sono state scattate da me.

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Il cioccolato e i cioccolatini Dopo un po di assenza dal blog eccomi con un nuovo articolo di food Photography, un genere che in questo periodo adoro.

Gli Amor e Pontremoli sono un binomio gustoso. Vi allego di seguito la ricetta che non è la ricetta perchè ognuno la conserva gelosamente in qualche cassetto senza rivelarla, i piu famosi sono quelli del Caffè degli Svizzeri http://www.aichta.com/

Gli Amor

Cosa serve Due uova intere, un etto di zucchero, due bicchieri piccoli di latte, una scorza di limone, un etto di burro, cognac, biscotti tipo ostie.

Come si preparano Sbattete le uova con lo zucchero, aggiungete il latte e cuocete a fuoco lento inserendo una buccia di limone. Appena la crema si è un po’ addensata, spegnete il fornello e lasciate riposare due o tre ore. Poi unite un etto di burro e un poco di cognac, frullate il tutto ottenendo una pasta abbastanza densa. Riempite piccole sfoglie, rifilando ai lati la crema in eccesso. Queste sfoglie si trovano in drogheria, in alternativa potete usare i biscotti tipo “marie” o preparare da voi dei biscottini molto sottili, tagliati a quadri di tre centimetri di lato.

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Vi allego di seguito il link e lo scritto di un sito che ho scovato e racconta in modo straordianrio l’esperienza Amor……… http://www.dissapore.com/mangiare-fuori/cose-lamor-e-lamor-dolcezza/

Ci sono dolci per i quali si va pazzi, altri che possono piacere leggermente meno, altri ancora, pochissimi, che sono talmente buoni da risultare trasgressivi. E quando si parla di perversioni gastronomiche, come ben sanno gli amici gurmé, ognuno ha le sue preferite. Mi trovo una domenica mattina a Pontremoli, nella ruvida e verdemetallico Lunigiana. Sono arrivato fin qui per il premio Bancarella della Cucina: c’è il sole, la gente, ma di libri nemmeno l’ombra. Sulla piazza principale alcune bancarelle propongono buone cose, birre, gelatine e formaggi di Piozzo, tonno di Favignana, salumi di Cinta senese, testaroli e funghi locali. Tutto però, poco coinvolgente, stanco, un po’ posticcio e fuori luogo.

L’avevo già programmato, ma non mi resta che riparare nel Caffè Pasticceria degli Svizzeri, proprio lì, sotto i portici, col suo aspetto leggermente fané, ma signorilmente accogliente complice il calore dei suoi legni liberty, originali del primo Novecento. E’ un periodo che mi piace, specie la domenica mattina, fare sosta in un bar, prendermi un po’ di tempo intorno a un caffè e a una pasta. Forse un tardivo tentativo di volermi bene, di concedermi un piccolo vizio. E non c’è niente di più vizioso di un “Amor”.

Cos’è l’amor… è la Ramona che entra in campo, e come una vaiassa a colpo grosso, te la muove e te la squassa. Sicuramente i sogni erotici di Vinicio Capossela non si riferivano a questi amor, anche se effettivamente i miei amor, gli amor dello Svizzeri, sono piccoli dolci lussuriosi: 2 quadrati di 3 centimetri di lato di cialda tipo biscotto frufru a a racchiudere una crema pasticcera, la cui ricetta centenaria sembra sia, è il caso di dire, elveticamente segreta, ma che di sicuro prevede uova, burro e cognac, forse amaretto o china, un po’ di polvere di pan di spagna, in un impasto molto denso, grasso e di gusto dolcemente persistente. Ci sono dolci così buoni e ruffiani che pretendono dedizione, obbligandoti a gesti furtivi spinti oltre la decenza, sul filo della vergogna. Tanto da farti guardare intorno, quasi a sincerarti che nessuno ti abbia visto assecondare una segreta libidine.

Infatti addentare un amor è faccenda estremamente complessa perché per quanto friabili, le cialde di wafer non cedono al morso. La conseguenza è che la crema esce, “squizza”, deborda, tracima morbida e sensuale senza colature. E’ con malcelata rassegnazione che ci si adopera per riprenderla, ripianarla, recuperarla con ogni mezzo, labbra; lingua; dita… velocemente, precisamente. Scandalosa cialda.

C’è chi li chiama àmor, chi amòr? Ritirando il pacchettino da portare a casa, chiedo quale sia la pronuncia esatta. “E’ lo stesso”, risponde la signora sbrigativa, svizzera, freddina e forse un po’ tediata. Non ne potrà più degli amor, penso io, quasi in un moto di incredulità finto-distaccata. Mentre mi lecco un dito decido di propendere per àmor, con l’accento sulla “a”, alfa privativo che precede “mores”, cioè regole, buoni costumi, moralità: dolci senza regole, senza morale, quindi. Scostumati, goduriosi, pimpanti… ahi, permette signorina sono il re della cantina…

Gli Amor di Pontremoli Gli Amor e Pontremoli sono un binomio gustoso. Vi allego di seguito la ricetta che non è la ricetta perchè ognuno la conserva gelosamente in qualche cassetto senza rivelarla, i piu famosi sono quelli del Caffè degli Svizzeri

#biologico #centro storico #cibo #food #foto #fotografia #fotografie #fotografo #fuji #fujifilm #immagine #immagini #leica #luoghi #matteo #photo #photography #toscana

La Fotografia di cibo a modo mio……..

Food Photography La Fotografia di cibo a modo mio........

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Sei maestosi cavalli sorgono dalla sabbia come dopo una lunga traversata, oper dello scultore messicano Gustavo Aceves. È soltanto una delle scene sorprendenti che trasformano questa primavera il lungomare di Forte dei Marmi. Da sempre meta dei più grandi scultori per le sue cave di marmi pregiati, dai tempi della Belle Èpoque la Versilia è stata luogo di villeggiatura e di lavoro per artisti di tutto il mondo, da Henry Moore a Igor Mitoraj. La cittadina amata da Carlo Carrà e Carlo Dazzi diventa una straordinaria galleria a cielo aperto, In questo scenario maestoso accompagnato da Federica la mia modella per una mattina abbiamo interpretato a modo nostro queste opere. Abbiamo destato la curiosità dei turisti che passeggiavano sul pontile con varie fotografie fatte a noi e di altri fotografi che erano li a immortalare le sculture. Situazione insolita questa, devo dire che questi cavalli che sorgono dalla sabbia sono davvero suggestivi.

Ringra

zio la mia modella Federica per la pazienza che ha avuto con me.

Cavalli che sorgono dalla sabbia di Forte dei Marmi Sei maestosi cavalli sorgono dalla sabbia come dopo una lunga traversata, oper dello scultore messicano Gustavo Aceves…

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Asfalti, li vediamo e li calpestiamo tutti i giorni, sono cosi vicini a noi che non li vediamo o meglio a volte sentiamo le buche nell’ asfalto. Il Maestro Franco Fontana uno dei più grandi fotografi che abbiamo in italia, il Maestro del colore. Il suo stile inconfondibile nei paesaggi del sud Italia, i suoi paesaggi urbani americani, le ombre di presenze assenze, e infine gli asfalti. Fontana ha nventato uno stile fotografico da tutti riconosciuto tale, l’uso del teleobbiettivo per schiacciare i piani per creare immagini dove la sottrazione degli elementi è l’ingrediente principale. Poche e semplici linee che crano arte ecco cosa penso che sia la fotografia di Franco Fontana. Quindi in questi fiorni mi sono trovato tra le mani alcune fotografie che ho scattato agli asfalti e oggi ve le propongo.

Vi allego di seguito una intervista del 2010 ftta dal National Geographic a Franco Fontana.

Nato a Modena nel 1933, Franco Fontana è senza dubbio tra i fotografi italiani più stimati a livello internazionale. Considerato un “maestro del colore”, nel corso della sua lunga carriera ha dimostrato di essere un fotografo molto eclettico: mai fossilizzato su un genere in particolare, si è cimentato con il paesaggio, con il nudo, con il reportage, con la fotografia fine art e con le polaroid, senza disdegnare la pubblicità, la moda o altri lavori commerciali. Le sue opere sono state pubblicate su oltre 40 libri fotografici e sono state oggetto di centinaia di mostre in Italia e all’estero, dal Museum of Modern Art di New York al Musée d’Art Moderne di Parigi, all’Australian National Gallery di Melbourne. Ha collaborato con le maggiori testate mondiali (da Vogue a Time a Frankfurter Allgemeine, per citarne alcune), ha tenuto workshop e conferenze in tutto il mondo ed è direttore artistico di diversi fotofestival nazionali. Le foto di Franco Fontana saranno in mostra a Corigliano Calabro a partire dal 3 luglio.

Come si è avvicinato alla fotografia? Ho iniziato cinquant’anni fa come fotoamatore e ho continuato per amore della fotografia con il cuore, il pensiero e la passione. Il mio primissimo approccio fu con una macchina presa a noleggio, una Kodak Retina che affittavo nei fine settimana così, per curiosità. Un mese dopo comprai una Pentax dallo stesso rivenditore, a 5.000 lire al mese. Per me comunque la fotografia non è mai stata una professione: è la mia continua realtà, che dona qualità alla mia vita.

Lei è un fotografo eclettico: ha fatto di tutto nella sua carriera, dal nudo al paesaggio. Che genere la appassiona maggiormente? Per la me la fotografia rimane sempre un pretesto: è una parte di te stesso che va a testimoniare il tuo mondo, che sia un paesaggio o un essere umano. Infatti ho significato la mia testimonianza nel paesaggio naturale, nel paesaggio urbano, nelle ombre, nel nudo femminile, nella gente e nei ritratti.

Una delle sue caratteristiche è stata la scelta del colore già fin dagli anni ’60, quando molti fotografi si dichiaravano “puristi” del bianco e nero, considerato una forma d’arte più elevata. Perché questa scelta? Fotografo il colore perché fortunatamente vedo a colori: ritengo il colore più difficile del bianco e nero, che è già un’invenzione perché la realtà non è mai accettata per quello che è a livello creativo e conseguentemente va reinventata. Il mio colore non è un’aggiunta cromatica al bianco e nero ma diventa un modo diverso di vedere, essendomi liberato da quelle esigenze spettacolari che hanno caratterizzato la fotografia a colori, accettando il colore come un traguardo inevitabile nell’evoluzione della fotografia.

La geometria, la ricerca della composizione delle linee, sembra essere un suo marchio di fabbrica: un approccio spontaneo o il frutto di un lavoro di ricerca? Si tratta sempre di cancellare per evidenziare. In ogni situazione cerco la significazione, la sintesi delle cose affinché da oggetto diventino soggetto, e il compito della fotografia creativa non è illustrare o rappresentare ma esprimere.

Quali sono i mezzi tecnici che preferisce oggi? Come si rapporta con la fotografia digitale? Non amo molto parlare degli apparecchi che uso; non lo ritengo importante; comunque oggi uso la digitale perché offre un’economia e una rapidità di lavoro che mi permette di risparmiare tempo.

Infine, la nostra domanda di rito: cosa consiglierebbe a un giovane che voglia avvicinarsi oggi alla fotografia? Umiltà, cercare di maturare e di capire che prima di diventare bisogna “essere”; ed essere significa testimoniare e significarsi per quello che si è e non per quello che si immagina. Inoltre, non ci vuole fretta.

Asfalti, il mio omaggio al Maestro Franco Fontana……. Asfalti, li vediamo e li calpestiamo tutti i giorni, sono cosi vicini a noi che non li vediamo o meglio a volte sentiamo le buche nell' asfalto.

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Autobus come vecchie signore eleganti, parcheggiati in questa struttura che sta per riavere una nuova vita con la costruzione al suo interno della nuova biblioteca di La Spezia. Ma prima di questa nuova vita era il deposito degli autobus di linea della città. trovarsi a camminare in mezzo a questi mezzi accompagnato dalla mia Leica con il 35 mm, nel silenzio, ricordarsi quando ero bimbo e quelli erano gli autobus che prendevo per andare al mare, salire a bordo e sentire ancora le voci di noi bambini felici che anche se faceva un caldo terribile dentro a questi mezzi eravamo troppo felici. Poi si diventa grandi a noi vengono i capelli bianchi e gli autobus vanno in disuso in qualche magazzino, cominciano a impolverarsi, poi diventano la casa dei piccioni e poi il loro destino nella demolizione. Sono andato a fotografarle con l’intento di ridare a questi mezzi la loro bellezza e la loro dignità, ho passato una mattina intera a scorrere le loro fiancate a leggere i loro modelli a vedere se c’erano ancora le tracce del passaggio dei passeggeri, ho provato a suonare il clacson ma senza fortuna tutto tace, eppure ricordo benissimo il suono del clacson sulle curve di Lerici. Le ho volute fotografare cosi come erano con tutto quello che le circondava e che forse in qualche modo le proteggeva. Non so dove siano stati poi trasferiti dopo questo loro parcheggio, mi auguro che possano trovare una sorta di pace e che magari possano essere restaurati e di nuovo visibili. Per me è stato emozionante poterli fotografare come una sorta di prendere il mio ricordo di questi mezzi che non è solo il ricordo dei mezzi ma sono i ricordi della mia infanzia che quando tornano alla mente fanno emozionare, e ti lasciano dentro quel senso di pace e di gioia.

Autobus come vecchie signore eleganti Autobus come vecchie signore eleganti, parcheggiati in questa struttura che sta per riavere una nuova vita con la costruzione al suo interno della nuova biblioteca di La Spezia.

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Venezia, la città perfetta, perfetta in tutti i suoi limiti, mi ritrovai a Venezia nei giorni in cui l’Italia era divisa in due dal maltempo e dalla neve. Decisi di partire in treno con Anna da Santo Stefano di Magra, prima tappa Parma, interminabile attesa in stazione del nostro treno. Seconda tappa Bologna, li tutto bloccato ore e ore di attesa e poi finalmente il nostro treno, arrivati a Venezia. la stazione, li appogiata al Canal Grande, il traghettobus per arrivare ai giardini dell’ arsenale, l’acqua che ti accoglie che ti cocoola, che ti fa camminare a piedi, che ti da il tempo per guardarti intorno. Si azzera la freneticità della nostra quotidianità. Svegliarsi la mattina e trovare Venezia imbiancata da una soffice neve che sembrava accarezzare tutto, le gondole, le calle, i ponti, i tetti. Un paesaggio incredibile, incredibilmente bello. Mi sono ritrovato con la macchina fotografica al collo a camminare guardando i riflessi nei canali a assaporare i profumi dei Venezia, a ascoltare le persone parlare. Arrivare Al mercato di Rialto farsi abbagliare dalle sue tende rosse. Camminare, camminare, camminare, non vedere automobili, biciclette scooter, tutto quello che è la mia quotidianità non c’era, mi sono subito trovato a mio agio in questa dimensione diversa, in questa tranquillità. Venezia è davvero magica e ti rimane dentro al cuore, tutto sembra essere sospeso in un equilibrio instabile che le dona il suo fascino unico. Ho scattato molte fotografie durante quei giorni, ma ho deciso di farvene vedere quattro, che a me ricordano quei giorni. Una con le persone nella neve quasi sospese in questi toni di bianco, una di uno scorcio dove le gondole si riposano e le ultime un momento di quella quotidianità. Ho deciso di partire con una sola macchian fotografica con un solo obiettivo non per limitarmi ma per non farmi distrarre da quello che può essere l’attrezzatura a scapito del piacere di poter vivere e vedere una magica Venezia.

Vi allego il link di uno straordinario libro di Gianni Berengo Gardin sulle grandi navi a Venezia, potete comprarlo direttamente cliccando sul banner qui sotto.

Venezia abbracciata dalla neve Venezia, la città perfetta, perfetta in tutti i suoi limiti, mi ritrovai a Venezia nei giorni in cui l'Italia era divisa in due dal maltempo e dalla neve.

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Uomo dentro la Tv

L’uomo dentro la Tv, una strana immagine che mi sono trovato davanti in una delle mie esplorazioni urbane. A volte aggirandosi per questi luoghi si fanno incontri che ti lasciano un po di pensieri dentro, come in questa foto che ho scattato qualche tempo fa. L’uomo dentro la tv, tutto sembrava organizzato in maniera quasi perfetta. non resta altro che inquadrare e fotografare. Facile a dirsi un o…

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Spiaggia, omaggio a Luigi Ghirri , di quello che tutti i giorni abbiamo davanti agli occhi e che tutti non vediamo. Lui ci ha insegnato a guardare. La spiaggia era uno dei suoi luoghi preferiti per fotografare. Una di queste mattine anche io mi sono ritrovato in spiaggia e improvvisamente mi sono venute alla mente le sue fotografie, e, ho deciso di rendergli un piccolo omaggio fotografico a modo mio. spero che vi possano piacere e suscitare emozioni.

Se La fotografia di Luigi ghirri vi appassiona potete coprare questo libro sarà un alettura molto formativa per le vostre fotografie. basta cliccare sul link qui sotto:

Vi allego di seguito uno scritto tratto dal blog Fotocrazia, di Michele Smargiassi che racconta in modo delizioso Luigi Ghirri.

I Ghirroglifici che decifrano il mondo.

I Ghirroglifici non sono difficili da decifrare, anzi: ci aiutano a decifrare il mondo. Dal viaggio nelle trecento fotografie della retrospettiva di Luigi Ghirri al MAXXI di Roma, dal titolo efficace, Pensare per immagini, si esce con la sensazione di conoscere una lingua in più, di possedere un giocattolo magico, un Ghirroscopio con cui finalmente comprendere quel che vediamo. Si esce con lo sguardo finalmente vaccinato, desaturato dall’orda di immagini e dall’assedio dei segni selvaggi. Si esce con in tasca una medicina omeopatica, una Ghirrospirina che cura la patologia della visione con la rigenerazione della visione, che allevia il mal di testa di un mondo sovracomunicato, ridondante di icone. Ventun anni dopo la scomparsa prematura, a soli 49 anni, con questo omaggio il mite entusiasta colto eclettico geometra reggiano-modenese che prendeva le misure al mondo (come facesse, poi, con quegli occhiali perennemente appannati dalle ditate…) ha finalmente il posto che gli è dovuto nella cultura italiana. Uno dei rari intellettualidella nostra fotografia, che mise finalmente sullo stesso piano di dignità degli altri linguaggi, vedi le sue straordinarie collaborazioni trasversali con Gianni Celati, Aldo Rossi, Lucio Dalla, con gli artisti delle neoavanguardie. Organizzatore di cultura, editore, curatore, coordinatore di progetti collettivi, così rari sulla solipsistica scena dell’arte. Un produttore di pensiero visuale: per lui le fotografie non sono mai state puri manufatti estetici, ma strumenti dialettici, euristici, conoscitivi. Fotografie con uno scopo, perseguito con coerenza per tutta una breve vita: rinnovare la freschezza dello sguardo incrostato dalla (in)civiltà delle immagini, praticare un’ecologia della visione, ritrovare il piacere adolescenziale del bere il mondo con gli occhi. Le fotografie di Ghirri sono aperte, godibili al primo sguardo, popolari, serene: c’è chi le ha perfino proposte come strumenti per terapie analitiche. Ma non sono facili, come qualche banalizzazione in questi anni ha cercato di renderle. Ghirri non è il «poeta delle nebbie», non è il fotografo dei colori pastello, e i curatori della mostra (Laura Gasparini, Francesca Fabiani, Giuliano Sergio) ricorrendo in modo non mercantile ma filologico alle stampe vintage (benché alcune mostrino di aver sofferto un po’ il passare del tempo) oltre che ai libri d’artista e alle prove di stampa, smentiscono i cliché: Ghirri adatta lo stile all’oggetto, al progetto, sa alternare acquerelli e tempere, toni sfumati e saturi. In realtà Ghirri si affaccia sugli anni Settanta come un onnivoro, curioso, intelligente uomo della sua epoca, ama la musica (da Bach a Dylan), il cinema, la letteratura, l’arte, guarda con interesse alla fotografia americana dei “nuovi topografi”, e soprattutto respira a piene narici l’aria della ribellione postmoderna contro il predominio del simulacro, contro il potere dell’illusione. Si rende conto, fin dall’inizio, che è impossibile fotografare la realtà, perché è ormai nascosta dalle immagini della realtà. I suoi paesaggi, i suoi personaggi nuotano come pesci spaesati in acquari di cartone, il mare è dipinto, i monti sono cartoline, il cibo è un poster pubblicitario, tutto sembra già messo in cornice. Certe sue immagini sembrano pure ironie, divertenti trompe-l’oeil, «sembrano fotomontaggi» ammetteva lui stesso, «e invece sono fotosmontaggi». Ghirri legge Baudrillard e Derrida, e usa le immagini per decostruire altre immagini, smaschera l’ossessiva messa in codice del reale, non si limita a sorriderne, va all’attacco, come scrive un amico acutissimo, Franco Vaccari: «affronta il nemico-segno dove sembra avere più successo». Ma sui pensatori postmoderni, che alla fine rimangono prigionieri dei simulacri che hanno denunciato, Ghirri ha un vantaggio. Lui, i segni selvaggi, li adora. Gli piacciono, anche se ne teme la prepotenza. È un collezionista di oggetti kitsch, di cartoline, comprende l’estetica della foto di massa, chiamerà Kodachrome uno dei suoi lavori capitali. È cresciuto con le immagini, sa viaggiare (e sa farci fare viaggi estatici) ingrandendo i dettagli dell’atlante di sua figlia, con quei nomi proustiani scritti su campiture tipografiche, con quelle palmine che sulla mappa simboleggiano le oasi ma nella mente rappresentano l’esotico e l’avventura. Non possiamo rinnegare la bulimia semantica dello sguardo in cui siamo nati. Possiamo però ripulirla. Decongestionarla. Dopo aver decostruito, Ghirri ricostruisce. L’arma segreta è lo stupore: «vedere ogni cosa come se fosse la prima e l’ultima volta». Non annoiarsi mai, non cedere all’abitudine che acceca, non avere paura di osservare il banale quotidiano: «banale è lo sguardo che relega un oggetto nel ghetto del non dignificante». Con gli attrezzi dello smontatore, l’ironia e la curiosità, i segni perdono la loro arroganza, e il mondo reale torna ad essere visibile. C’è sempre un’Italia ailati, la realtà è palindroma, se la rovesci diventa sorprendente. «Non c’è niente di antico sotto il sole», questa la mission che assegnò ai suoi amici e grandi colleghi fotografi (da Basilico a Chiaramonte, da Fossati a Cresci, Jodice, Guidi) di Viaggio in Italia, progetto collettivo più unico che raro di riscoperta del paesaggio italiano. Ma fece tutto così, con una dolcezza che ci fa uscire rasserenati dalle sale del museo. Una consapevole strategia della tenerezza. Quel che lodava nel suo maestro Walker Evans, Ghirri l’ha praticato: ci ha restituito la facoltà di guardare il mondo, facendogli le carezze. [Una versione di questo articolo è apparsa su La Domenica di Repubblica il 28 aprile 2013] Tratto da Fotocrazia di Michele Smargiassi

Spiaggia, omaggio a Luigi Ghirri Spiaggia, omaggio a Luigi Ghirri , di quello che tutti i giorni abbiamo davanti agli occhi e che tutti non vediamo.

Tulipano, omaggio a Robert Mapplethorpe a modo mio

Tulipano, questo fiore era li in un vaso in casa quando ricordando alcune foto che ho sempre ammirato, di , uno dei fotografi che ammiro di più, la limpida, perfetta armonia estetica che Robert Mapplethorpe riprende dall’arte classica e rinascimentale in un maniacale studio sulla luce, sulla materia e la forma, che lo porta a prediligere le linee forti e nette, i volumi plastici, e i chiaroscuri…

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Contrasti a Venezia

La mia fotografia di oggi l’ho scattata a Venezia, il contrasto apparente tra i due simboli, uno della Cristianità e uno della Politica, cosi vicini e cosi lontani messi li vicino per chissà quali eventi nel corso del tempo. Un occasione ghiotta per l’occhio di un fotografo che passa di li. Perchè la scelta del colore in questa foto, vi allego di seguito parte di un articolo che ho reperito sul…

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Come vi ho gia detto più volte le fotografie che mi piace fare sono le fotografie mosse, o meglio poco nitide dove al loro interno mi piace soffermarmi a vedere queste pennellate di colore che si amalgamano che si rincorrono ce si staccano andando a creare nuoove forme, e allora perchè omaggio a Claude Monet perchè, perchè lui è la fotografia in pittura, uno degli Impressionisti Il 15 aprile 1874 inaugura, nello studio del fotografo Nadar, al 35 di buolevard des Capucines, la mostra del gruppo Societé anonyme des peintres, sculpteurs et graveurs, composto, da Monet, Cézanne, Degas, Renoir, Pizzaro e altri, polemici nei confronti della pittura, allora di successo, accettata regolarmente nei Salons. Monet presenta la tela, dipinta due anni prima, Impressione, levar del Sole; il critico Lous Leroy prende spunto dal titolo del quadro per coniare ironicamente il termine impressionismo.

«…sono impressionisti nella misura in cui non rappresentano tanto il paesaggio quanto la sensazione in loro evocata dal paesaggio stesso. E proprio questo termine è entrato a far parte del loro linguaggio. Da questo punto di vista hanno lasciato alle loro spalle la realtà per entrare nel regno del puro idealismo. Quindi la differenza essenziale tra gli impressionisti e i loro predecessori è una questione di qualcosa in più e qualcosa in meno dell’opera finita. L’oggetto da rappresentare è lo stesso ma i mezzi per tradurlo in immagine sono modificati.

« La rappresentazione dello spazio, non articolata, senza piani precisi, unisce il vicino e il lontano. Viola e gialli sono nell’azzurro dell’acqua come del cielo, eppure il loro tono diverso distingue la sostanza liquida dall’eterea, in modo da costruire lo specchio del fiume come base del cielo. La prospettiva geometrica è abbandonata per rivelare il fluire infinito della vita atmosferica. Ciascun colore è attenuato, ma il loro insieme è intenso, per rivelare la contemplazione del giorno che muore infocato all’orizzonte, mentre la gran vela si raffredda in penombra grigia. È la contemplazione del visionario che partecipa alla vita della luce, al suo lento morire al tramonto, al suo diffondere su tutta la natura un velo di malinconia »

Omaggio a Claude Monet…….. a modo mio………… Come vi ho gia detto più volte le fotografie che mi piace fare sono le fotografie mosse, o meglio poco nitide dove al loro interno mi piace soffermarmi a vedere queste pennellate di colore che si amalgamano che si rincorrono ce si staccano andando a creare nuoove forme, e allora perchè omaggio a Claude Monet perchè, perchè lui è la fotografia in pittura, uno degli Impressionisti Il 15 aprile 1874 inaugura, nello studio del fotografo Nadar, al 35 di buolevard des Capucines, la mostra del gruppo Societé anonyme des peintres, sculpteurs et graveurs, composto, da Monet, Cézanne, Degas, Renoir, Pizzaro e altri, polemici nei confronti della pittura, allora di successo, accettata regolarmente nei Salons.

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