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Schnipo Schranke

Ein Interview über Erwartungen, Existenzängste und scheune-ähnliche Großhäuser.

Ich kann mich nicht mehr genau daran erinnern, wie ich auf die Hamburger Band Schnipo Schranke gekommen bin. Ob es durch das Radio war oder Facebook oder irgendein Magazin. Keine Ahnung, aber eigentlich tut das auch nichts zu Sache. Wichtig ist ja nur, dass ich die Band, oder genauer gesagt Daniela Reis und Frederike „Fritzi“ Ernst, die beiden Frauen dahinter, großartig finde. Ich stehe auf ihre unverblümten, gnadenlos ehrlichen Texte, die ungeschönt und dennoch auch mit einem  liebevollen und ironischen Blick unsere geheimsten Alltags-Realitäten vermessen. Und ihre Videos sprechen mir mit ihrer Ästhetik und ihrem Humor aus der Seele. Jetzt ist - zu unserem großen Glück - ihr zweites Album „Rare“ bei Buback erschienen und ich habe Fritzi und Daniela - zu meinem kleinen Glück - für ein kurzes Interview getroffen.

2015 seid ihr mit eurem Debüt „Satt“ regelrecht durch die Decke gegangen. Wie war es nun für euch an eurem zweiten Album zu arbeiten? Gab es da Druck, weil Erwartungen von außen oder der gleichen?

Fritzi: Eigentlich nicht, denn wir haben uns Zweifel und Druck, wie auch beim ersten Album, verboten. Wir haben wirklich versucht, solche Gedanken so gut wie möglich auszublenden und nicht an die Erwartungen anderer zu denken. Weder sie brechen noch erfüllen zu wollen, sondern einfach nur das zu machen, was uns einfällt und was wir schön finden.

Und hat das funktioniert?

Daniela: Ja, das hat vor allem deswegen gut funktioniert, weil wir aus der Stadt gefahren sind und auf dem Land in einem Scheune-ähnlichen Großhaus das Album aufgenommen haben. Da waren wir voll raus aus allem. Und dann klappt das eigentlich immer recht gut, wenn wir versuchen alles zu verdrängen. (lacht)

Also, einfach mal flüchten…?!

Daniela: Ja, das können wir recht gut. (lacht)

Wie hat sich eigentlich seit eurem Debüt-Album euer alltägliches Leben verändert?

Fritzi: Also, wir haben nun einen Beruf (lacht). Und noch dazu einen, der uns auch sehr viel Spaß macht und erfüllt. Man hat auch Geld – jetzt nicht übermäßig viel – aber man kann halt von dem, was man macht leben und das ist total schön.

Daniela: Es hat sich – zwar noch unterschwellig – ein Gefühl der Grundzufriedenheit eingestellt. Man kann nachts wieder schlafen. Allein deswegen, weil man keine Existenzängste mehr hat. Man unterschätzt das während man die hat. Dann denkt man: „Ja, mir geht es ja eh ganz gut“. Aber, wenn diese Ängste dann weg sind und man zurück blickt, dann denkt man: „Mann, ich war krass im Arsch und richtig gebeutelt von Existenzängsten“. Das hat sich nun komplett geändert, wobei wir gleichzeitig auch wieder Angst haben alles wieder zu verlieren, was wir uns bis jetzt erarbeitet haben. Was aber wiederum sehr gut verdrängt und ausgeblendet werden kann (lacht).

Holt ihr euch in solchen Stress- und Angstsituationen dann gegenseitig auch runter?

Daniela: Ich glaube, wir schaukeln uns eher hoch. Wir sind beide sehr neurotische Wesen vom Grundding her. Ich glaube aber, dass das auch damit zu tun hat, dass alles noch ganz neu ist und wir es erst mal glauben müssen, dass jetzt wirklich alles in Ordnung ist.  

Und dass man vielleicht auch stolz auf sich sein kann?

Fritzi: Ja, eben. Das sind wir viel zu selten. Wir müssen uns das auch echt mal ins Bewusstsein rufen, dass wir jetzt das geschafft haben, was wir uns vor drei Jahren gar nicht hätten vorstellen können.

Daniela: Uns ist vor Kurzem aufgefallen, dass wir noch nicht einmal unseren Plattenvertrag gefeiert haben. Wir sind einfach noch nicht dazu gekommen, obwohl das ja eigentlich das Größte war, was uns bis jetzt passiert ist. Da hatte ja keiner daran geglaubt. Alle haben gesagt, es gibt heute kaum noch Plattenverträge und dann war der plötzlich da. Und wir haben das nie gefeiert.

In einem Interview über euer erstes Album mit bento.de hast du, Daniela, einmal gesagt:  "Ich habe Bock, beim nächsten Mal inhaltlich richtig tief zu gehen und krasse private Themen anzusprechen“. Ist das passiert?

Fritzi: Echt, das hast du gesagt?!

Daniela: Ja.

Fritzi: Ich finde schon. Es sind auf diesem Album nun auch viele krasse Sachen dabei, bei denen wir uns auch echt überwinden müssen sie live zu spielen.

Zum Beispiel?

Daniela: Also, mein Sorgenkind ist der Song „Dope“. Nein, er ist nicht mein Sorgenkind, sondern eher mein Lieblingskind. Aber, ich muss schon schlucken, wenn ich daran denke, mit diesem Lied auf die Bühne zu gehen. Im Vergleich zu den meisten anderen Songs, die wir machen, versteckt sich dieser viel weniger unter dem Deckmantel des Humors. Schon allein musikalisch. Oft versuchen wir ja besonders schwere Texte mit lustigen Melodien zu durchbrechen. Das haben wir bei „Dope“ eben nicht gemacht und daher kann dieser Song unter Umständen die Laune auch ganz schön runter ziehen.

Er ist auch ganz schön hart.

Daniela: Er ist ernst und hart. Und bin ich gespannt, wie er vom Publikum aufgenommen wird.

Sind eure Songs auch autobiographisch?

Daniela: Ich finde es nicht wichtig darüber ins Detail zu gehen, was wirklich biographisch ist und was nicht. Ich gehe davon aus, dass es den Leuten klar ist, dass ein Song, wie Dope nie völlig an den Haaren herbeigezogen wird und dass ich mir das nicht ausdenke, um einen möglichst krassen Song zu schreiben.

Fritzi: Aber auch, wenn die Songs sehr persönlich sind, dann suchen wir uns genau aus, was wir preisgeben und was nicht und…

Daniela: …es bedarf keine weiteren Erklärungen. (lacht)

Fritzi: (lacht) Ja, genau das wollte ich sagen.

In fast jedem Artikel oder Interview wird eure - ich zitiere - „derbe“ Sprache angesprochen. Nervt euch das eigentlich?

Fritzi: Naja, nerven würde ich nicht sagen. Wir hatten es aber auch nicht auf dem Schirm, dass das eine so auffällig „derbe“ Sprache ist (lacht). Für uns steht das auch nicht im Vordergrund.

Daniela: Wir reden halt auch privat so. Wenn jemand sagt: „Du hast eine unnormale Sprache“ – was jemand ja auch damit sagt, wenn er unsere Sprache als „derb“ bezeichnet – dann hat der Fragesteller, meiner Ansicht nach, wahrscheinlich eine ganz andere Sozialisation als ich. Dann ist das aber weder gut noch schlecht, sondern ganz einfach zu erklären, warum es manchen Menschen mehr auffällt und anderen nicht.

Die meisten Leute reden privat ja mit ihren Freunden genauso.

Fritzi: Ja, eben. Und oft entsteht auch genau so ein Song, weil in einem Gespräch ein lustiger Satz gefallen ist.

Daniela: Mir ist einfach dieser Prozess komplett schleierhaft, einen Text noch einmal zu verblumen, bevor ich ihn an die Öffentlichkeit schicke. Ich verstehe überhaupt nicht, wo darin der Sinn liegen soll.

Ich kann mir vorstellen, dass diese Sprache auch thematisiert wird, um eine Art Vorsichtigkeitsfilter anzuwenden, um nicht allzu viele Leute vor den Kopf zu stoßen.

Fritzi: Wir wollen auch niemanden vor den Kopf stoßen. Ich finde das immer voll schade, wenn sich jemand von unseren Texten provoziert fühlt.

Daniela: Ich glaube dann aber auch, dass in solchen Fällen das Problem nicht bei uns, sondern bei demjenigen liegt, der uns das jetzt krumm nimmt.

Passiert das?

Daniela: Es wird selten an uns heran getragen, aber es passiert schon. Aber die Leute die uns nicht mögen, die reden nach dem Konzert ja auch nicht mit uns.

Fritzi: Beziehungsweise, kennen sie uns auch noch nicht. Ich denke, wir sind auch noch nicht „fame“ genug, dass die Leute, für die unsere Sprache ein absolutes No-Go ist, mitkriegen was wir machen.

Daniela: Für die ist das dann ja auch echt nicht gemacht. Mir tut das eher leid und es macht mich eher etwas betroffen, wenn Leute verärgert sind. Ich denke mir dann immer: Was ist dein Problem? Es ist ja nichts dabei.

Schnipo Schranke auf Facebook

Fotos: Simone Scardovelli

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Ich über mich

Ein Selbstportrait in Zahlen aka. ein kleines Hörspiel 

“Ich über mich” ist ein Selbstportrait, das ich vor gefühlt einer Ewigkeit mal gemacht habe. Es ist eines ohne definierten Rahmen und Linien. Es wird nicht mein Gesicht, meine Herkunft, meine Hobbys, meine Träume oder Charaktereigenschaften nachzeichnen. “Ich über mich” ist ein Selbstportrait in Zahlen und Ziffern. 
Grundidee ist der Gedanke daran, wie viele Zahlen ein Mensch im Laufe seines gesamten Lebens bis über seinen Tod hinaus mit sich trägt. Vom ersten Milli-Moment unserer Existenz an werden wir in Zahlen und Codes übersetzt und definiert. Der Eintrag ins Geburtenregister, das Bankkonto, die Matrikelnummer, die Versicherungsnummer, die Telefonnummer, die Größe, die Steuernummer, die Mitgliedsnummer in der Videothek oder Bibliothek, die Nummer des Grabes. Jeder einzelnen von uns verfügt so über einen codierten Fingerabdruck, der einzigartig ist. Dies ist mein - damals aktueller -Lebenscode. Und egal in welche Sprache man diesen Code übersetzt, wird er immer zu mir zurückführen.

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Junge Römer tanzen anders als die anderen

Falco

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St. Anton | raw

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In the morning it was morning and I was still alive. Maybe I'll write a novel, I thought. And then I did.

Charles Bukowski - Post Office

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Isolation Berlin

"Es ist eine unglaubliche Befriedigung für mich mit Worten den Nagel auf den Kopf zu treffen.” 

Es war irgendwann im Februar dieses Jahres, an einem dieser Scheiß-Tage, an denen sowieso alles schief zu laufen schien, als ich das Radio anschaltete und mir dieser großartiger Song entgegenflog: 

Einen besseren Titel-Song für diesen Welt-Verneinenden-Tag konnte ich nicht finden. Es war Liebe auf den ersten Takt. Die Recherche nach der Band führte mich zu vier Berliner Burschen die sich „Isolation Berlin“ nennen und eben in diesem besagten Februar ihr wunderbares Debütalbum „Und aus den Wolken tropft die Zeit“ veröffentlichten. Große Gefühle verpackt in großartige Texte, deren Mischung aus Präzision, Nüchternheit und Poesie mich jedes Mal wieder aufs Neue mitten ins Herz trifft.

Und so kam es, dass es Isolation Berlin nun nach Wien trieb und ich Sänger und Songwriter Tobi Bamborschke an einem kalten Oktoberabend in der Fluc Wanne traf, um mit ihm über die Sehnsucht zu reden.

Deine Texte handeln viel von Wut und Depression. Ein anderes Gefühl, das für mich stark an das der Depression gekoppelt ist, ist die Sehnsucht, denn ich zum Beispiel bin meistens eher depressiv, wenn ich mich nach etwas sehne, das nicht da ist. 
Welche Rolle spielt die Sehnsucht für dich?

(Stille)...Boah…Das ist schwer, wo fang ich da an?! Irgendwie dreht sich alles um die Sehnsucht. Die Sehnsucht nach einem neuen Song. Die Sehnsucht nach der Liebe. Die Sehnsucht nach dem Ende einer schlechten Phase. Ich glaube, sie ist generell der Antrieb von jedem Menschen.

Ja…?

Ja, die einen haben Sehnsucht nach Geld. Die anderen packt das Fernweh…

Und was sind deine Sehnsuchtsobjekte?

(Stille) Das ist eigentlich immer unterschiedlich…Im Moment, meine Freundin (lacht). Ja, Mein Sehnsuchtsort ist meine Freundin.

Und in deinem Schaffen?

Ich glaube, mein Grundantrieb ist, die Songs zu schreiben, die mir fehlen. Also, die Sehnsucht nach einem Lied, das ich selber gerne hören oder singen möchte, aber das es noch nicht gibt und das das ausdrückt, was ich fühle.

War Musik-Machen und Songs-Schreiben eigentlich immer schon ein Traum von dir?

Ja, schon, aber keiner den ich für besonders realistisch gehalten habe.

Weil…

…weil mit Musik Geld zu verdienen schon eine harte Nummer ist. Das ist im Endeffekt schon recht utopisch. Aber ich habe schon seitdem ich ganz klein war Lieder und Gedichte geschrieben. Das habe ich einfach immer gemacht, ohne darüber nachzudenken.

Viele Leute, die ich kennen, die eine künstlerische Bahn einschlagen haben oft Probleme damit ihre eigene Sprache zu finden, um ihre Ideen und ihre Gefühle auszudrücken.

Ja, ich denke, das ist ein langer Prozess. Mir hat es sehr geholfen Gedichte zu lesen. Da habe ich gemerkt, dass das meine Sprache ist und dass mich das begeistert.

Hat es dich auch Überwindung gekostet zu sagen: Ok, ich mache das nun und schreibe Songs!

Schon ja. Vor allem am Anfang stößt man auf viele innere Blockaden. Man will ja nicht nur einen Song schreiben, sondern man will einen guten Song schreiben. Und man will ja nicht nur Sänger sein, man will ein guter Sänger sein. Aber das ist der falsche Ansatz. Das ist eine Einbahnstrasse, denn man orientiert sich nicht daran, was für einen selbst gut ist. Man hat auch Angst seine Sachen irgendjemanden zu zeigen. Ich habe oft erlebt, dass alle gleich auf kreative Arbeiten drauf schlagen, sie kritisieren und an Weltliteratur messen. Irgendwie wird allen immer erzählt: „Das ist Kacke, was du da machst.“ Aber man kann ja nicht von Anfang an gut sein. Man muss erst einmal anfangen und sich selber erlauben, kacke zu sein. Und man muss sich selber einfach lieb haben. Und das ist schwierig.

Und wann hast du dir das alles erlaubt?

So richtig angefangen zu schreiben habe ich, als ich begonnen habe mich von allen Menschen loszusagen, die mir nicht gut getan haben. Ich habe mich komplett zurück gezogen und nur auf mich selbst konzentriert. Dadurch war niemand da, der irgendwie über meine Songs geurteilt hatte. Das hat mir dann die Freiheit gegeben, wirklich solche Zeilen zu schreiben, wie: „Ich bin so fett. Ich schlitz mich auf“ oder „Ich hab keine Angst vorm Sterben mehr“. Ich habe mir den Luxus gegönnt zu sagen: Scheiss drauf, was kommt und hör nur auf das, was sich für mich richtig anfühlt und nicht, wo ich das Gefühl habe, das könnte ankommen.

Hast du dir dieses „Fuck-it-all“ beibehalten?

Naja. Es ist immer ein Kampf und es ist jetzt nicht so, dass ich über alle anderen Meinungen drüber stehe. Da würde ich lügen. Aber ich versuche immer, mich möglichst von diesen frei zu machen. Alles, was ich schreibe behalte ich zunächst in einer Schublade auf bis ich davon überzeigt bin, dass es passt und der Song sich richtig anfühlt. Ich glaube auch, dass das jeder machen sollte der Songs schreibt. Zeig es erstmals keinem! Das ist ganz wichtig, denn das kann so viel kaputt machen. Alle haben sofort eine Meinung, rümpfen die Nase oder können sich nichts vorstellen. Daher sollte man alles Kreative zuerst in einem Schutzraum machen und so lange selber wiederkäuen, anschauen und wieder hervorholen, bis man selber komplett dahinter steht und mit jedem Wort zufrieden ist. Und dann sollte man erst rausgehen, damit einem die anderen den kreativen Keim nicht zertrampeln.

Man ist aber meist sich selbst gegenüber der größte Kritiker…

Ich glaube, der eigene innere Kritiker ist gar nicht der eigene, sondern ein anerzogener Kritiker. Das ist der Kritiker der ersten Musiklehrerin, der ersten Freunde denen man seine Gedichte zeigt. Von diesem Kritiker muss man sich distanzieren und sagen: Es gibt ihn zwar da oben in meinem Kopf und ich kann mir anhören, was er zu sagen hat, aber das bin ich nicht. Man sollten ihn nicht zu krass mit sich verschmelzen lassen, sondern sich fragen:  Was fühle ich? Was fühlt sich richtig an? Was würde ich gerne sagen? Was fehlt mir eigentlich? Was will ich singen? Was will ich auf einem Bild sehen? Und den bösen Kritiker, der einen nicht liebt, sollte man in die Schranken weisen.

Klagst du in deinen Songs auch solche emotionale Missstände an?

In meinen Songs sind viele Vorwürfe, aber vieles drehe ich auch einfach um. „Verschließe dein Herz“ ist zum Beispiel das Gegenteil von Ansagen, wie „Öffne dein Herz und liebe die Menschen“. Da habe ich ganz bewusst einen Gegenentwurf kreiert, denn ich muss ganz ehrlich sagen: Ich habe es probiert und man muss schon ganz schön aufpassen, wem man sein Herz öffnet.  Ich habe viele emotionale Missstände, viel Missgunst und Intoleranz erlebt. Vor allem die Schulzeit hat mich sehr aufgeregt.

Warst du ein Außenseiter?

Ja, eigentlich jahrelang. Aber die Schule ist ja repräsentativ für ein Gefüge. Der Staat ist auch so ein Gefüge. Die Gesellschaft ist ein Gefüge. Jede Stadt ist ein Gefüge. Ein Freundeskreis ist ein Gefüge. Ein Bekanntenkreis ist ein Gefüge. Es hat sich unglaublich viel Wut in mir angestaut und ich finde keine Songs die genau diese bestimmten Momente und Ereignisse in meinem Leben zusammenfassen und in einem Grundgefühl vereinigen. Ich brauche das Songschreiben, denn irgendwann muss alles raus. Es ist eine unglaubliche Befriedigung für mich mit Worten den Nagel auf den Kopf zu treffen. Das ist vielleicht sogar meine größte Sehnsucht. 

isolationberlin.bandcamp.com

Fotos: Noel Richter 

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Anna Calvi

“Du musst einfach einen Weg finden. Du musst da durchgehen, egal was dir auch entgegen kommt.”

NEU-BAU | Archiv | 2014

Der innere Kampf der eigenen, oft doch sehr unterschiedlichen Persönlichkeitsanteile birgt oft die Freiheit in sich, die Person zu sein, die man immer schon sein wollte. Denn bei näherer Betrachtung besteht kein Widerspruch, sondern eine Erweiterung des eigenen Persönlichkeitsspektrums. Ich sind ja bekanntlich viele. Auch die britische Musikerin Anna Calvi bewegt sich in diesem widersprüchlichen Freiheitsspektrum. Der schüchternen, zurückgezogenen Privatperson steht die selbstbewusste, starke und laute Bühnenperson gegenüber. Ein Gegensatz, der der 34-jährigen Musikerin mehr Kraft als Zerwürfnis gibt, wie sie erzählt. Auch Anna Calvis Musik pendelt zwischen den Extremen: Lautes trifft auf Leises. Raues auf Sanftes. Traumhaft-Verspieltes auf Knochen-Trockenes. Romantisch-Verführerisches auf Rockig-Hartes. Und über allem: Anna Calvis großartige Stimme. Zwei Alben („Anna Calvi“ in 2011 und „One Breath“ in 2013) hat sie seit Beginn ihrer Karriere 2006 veröffentlicht und sich einen guten, treuen und internationalen Fanpool aufgebaut (darunter viele prominente Unterstützer, wie Brian Eno als Mentor der ersten Stunde, Nick Cave aber auch das Modehaus Gucci und Modedesigner Karl Lagerfeld).

Während unseres Gesprächs ist von der schüchternen Anna nichts zu merken. Selbstbewusst und gelassen sitzt mir die zierliche Britin gegenüber. Charismatisch ist wohl das treffendste Adjektiv, um sie zu beschreiben. Ihre Stimme ist rauchig, fein. In ihrem Blick liegt etwas Klares, Zielstrebiges.

Jeder, der dich schon einmal live auf der Bühne gesehen hat, ist überwältigt von deiner selbstbewussten Performance. In zahlreichen Artikeln und Interviews erzählst du jedoch, dass die private Anna eine sehr ruhige, ja fast schon zurückgezogene Person ist. Wie gehst du mit diesem großen Unterschied zwischen deiner öffentlichen und deiner privaten Person um?

Ich genieße es ehrlich gesagt, dass ich zwei ganz unterschiedliche Persönlichkeiten in mir trage. Ich wäre ohne einer der beiden auch nicht komplett, denn du kannst nicht immer laut oder nur leise sein. Ich denke, dass jeder von uns eine Kombination aus vielen verschiedenen Persönlichkeiten ist. Bei mir sind es eben zwei sehr extreme.

Auch sehr Widersprüchliche...

Definitiv. Es geht aber auch um eine gewisse Ko-Abhängigkeit. Die eine braucht die andere zum Überleben.

Wie hast du diese beiden Seiten vor deiner Karriere als Sängerin gelebt?

Zu dieser Zeit gab es immer eine Stimme in mir, die mir gesagt hat, dass ich irgendetwas in mir unterdrücke. Als ich mich dann dafür entschieden habe Sängerin zu werden und angefangen habe aufzutreten, habe ich mich unglaublich befreit gefühlt. Heute fühle ich mich endlich ausgeglichen.

Du hast dich also im Sängerin- und Musikerin-Sein letztendlich selbst gefunden?

Ja, denn ich finde, in der Kunst kannst du alle Teile deiner Persönlichkeit leben, die du im „normalen“ Leben nicht leben würdest. Man wird auch nicht verurteilt, denn die Leute erwarten von dir als Künstlerin, dass du anders bist. Darin liegt für mich die Schönheit der Kunst: Du kannst in ihr das sein, was du immer sein wolltest.

Diese Freiheit kann sich aber auch schnell in eine Belastung verwandeln. Du kannst ja nicht jeden Tag jemand anderes sein...?!

Klar, aber das ist es eben. Du kannst im „normalen“ Leben sehr ruhig sein und dann auf der Bühne total ausflippen. Die Kunst gibt dir diesen freien Ort, genau die Person zu sein, die du im Moment gerade sein willst. Das ist eine riesige Befreiung. Besonders in Hinblick darauf, dass es im „normalen“ Leben so viele Regeln und Stereotypen gibt, wie man leben und sein soll. Auf einmal ist da dieser Raum in dem es keine Regeln gibt und du machen kannst, was du willst.

Hat es dich viel Mut gekostet diesen freien Raum zu betreten?

Ja, es braucht viel Mut, aber wenn du diese Freiheit einmal gekostet hast, dann gibt es keinen Weg zurück mehr (sie lacht).

Du hast oft in Interviews erzählt, dass du jeden Tag sehr hart trainiert hast, um deine starke und selbstbewusste Stimme zu finden. Denkst du, dass Selbstbewusstsein auch eine Sache der Disziplin ist?

Ich denke, ja. Als Sängerin brauchst du auch die körperlichen Kapazitäten, um das auszudrücken, was in deinem Kopf und in deinem Herzen ist. Du musst vorher das Alphabet lernen, bevor du sprechen kannst.

Auf der Bühne trägst du meistens die Kleider eines männlichen Flamenco-Tänzers und ich habe bemerkt, dass im Großteil der Berichte, die es über dich zu lesen gibt, gerne darüber diskutiert wird, dass du dich männlich kleidest. Stört dich das?

Ich bin mir nicht sicher, ob mir das was ausmacht. Ich denke, das gehört auch zu dem was ich vorher gesagt habe, die Bühne ist für mich ein Gebiet, auf dem du machen kannst, was du willst. Ich denke, dass jeder von uns, natürlich in unterschiedlicher Intensität, eine maskuline und eine feminine Seite hat. Als Frau in einem „normalen“ Leben ist man zum Beispiel dem Druck ausgesetzt, dass man sich in einer bestimmten Art verhalten und auch kleiden muss. Wenn ich mich maskulin anziehe, dann fühle ich mich femininer. Ich denke nämlich, dass die Grenzen zwischen dem, was eine Frau oder einen Mann ausmacht, sehr verschwommen sind. Ich könnte sie nicht definieren. Sie liegen viel tiefer, als in der Frage, ob man Hosen trägt oder nicht.

Am Ende sind das ja auch nur Codes, die sich seit jeher aus unterschiedlichen Gründen etabliert haben. Heutzutage brechen diese Strukturen ja zum Glück mehr und mehr auf. Männer können nun auch Nagellack tragen ohne gleich als Transvestiten zu gelten. Ich habe mich in deinem Fall darüber gewundert, dass man heutzutage noch diskutieren muss, dass sich eine Frau Männerkleider anzieht.

Ja, es ist bizarr, dass das die Leute noch interessiert. Ich denke, das Beste für einen selbst ist, dass man sich durch solche Gender-Stereotypen nicht limitiert fühlt.

Siehst du deine Outfits auch als eine weitere Möglichkeit, dich auszudrücken?

Meine Kleidung ist für mich ein Weg meine Leidenschaft und Emotionalität auszudrücken. Ich denke, es geht viel um Sensualität. Ich zelebriere es regelrecht, mich für die Bühne herzurichten. Ich mag das. Ich trage mir den Lippenstift und Parfum auf, obwohl das niemand riechen wird. Aber für mich ist dieser Moment der Veränderung sehr wichtig, denn er bereitet mich auf etwas vor, dass außerhalb des Normalen liegt. Es ist so, als ob ich diese Verwandlung durchlaufen müsste, damit ich die sein kann, die ich auf der Bühne sein möchte.

Deine Karriere ist von dem Moment deines Debüts an sehr schnell und erfolgreich verlaufen. Hast du das Gefühl, deine persönlichen Ziele erreicht zu haben?

Ich habe viele Jahre damit verbracht, nicht dort zu sein, wo ich sein wollte und ich denke daher, als es dann passiert ist, hat es sich nicht so angefühlt, als wäre es sehr schnell passiert, denn ich habe zwei Jahre lang hart dafür gearbeitet. Das beschützt einen auch vor Enttäuschungen. Generell versuche ich aber nicht zuviel darüber nachzudenken, wo ich stehe oder wo nicht.

Wie gehst du mit Enttäuschungen und Misserfolgen um?

Ich habe die gleichen Songs, die heute meine Hits in Clubs sind, für vielleicht zwei Leute gespielt. Und selbst denen waren sie egal. Ablehnung beziehungsweise abgelehnt zu werden, ist ein großer Teil des Musikerlebens. Auf eine Art ist es gut, solche Erfahrungen zu machen, denn das führt mir auch die Realität dieses Business vor Augen. Wenn ich jetzt zum Beispiel 16 Jahre alt wäre, einen Vertrag bekommen würde und man mir sagen würde: „Wow, du bist so toll!“, dann wäre das wirklich hart, wenn man dann keinen sichtbaren Erfolg hat. Es ist Teil der Erfahrung, sich nutzlos und wertlos zu fühlen. Ich denke, alle Künstler müssen da durch.

Und wie beschützt man sich da?

Du musst einfach einen Weg finden. Du musst da durchgehen, egal was dir auch entgegen kommt. Das ist überlebensnotwendig und das ist wirklich sehr, sehr hart. Es gibt Zeiten in denen du aufgeben willst, weil dir alles so sinnlos vorkommt. Aber genau diese Momente können dir den Antrieb geben, härter zu arbeiten. Ich denke, das ist der Trick, damit du dich selber wieder spürst und weitergehst, anstatt aufzugeben und dich als Opfer zu fühlen.

Wenn du eine Zeitreise machen und in die Zeit deiner Anfänge als Sängerin reisen könntest, welchen Rat würdest du der Anna von damals geben?

Keinen. Ich würde sie alleine lassen, denn ich denke, ich habe es richtig gemacht. Ich hatte definitiv viele Zweifel am Anfang, ob das, was ich tue, gut und richtig war. Aber wie gesagt, ich habe das Gefühl, dass mir diese Zweifel geholfen haben, die zu werden, die ich jetzt bin. Ich kann nicht sagen, dass ich das Ganze noch einmal leben möchte (sie lacht). Ich habe sehr hart gearbeitet, um da hinzukommen, wo ich jetzt bin. Und darauf bin ich sehr stolz.

Aufgeben kommt also in keinem Fall in Frage...

Nein. Ich bin zwar nach außen sehr ruhig, aber ich habe einen starken Willen.

Und wo findest du Ruhe?

Wenn man so viel unterwegs ist, wie ich, dann sind es die kleinen Momente, in denen man Ruhe findet. Für mich ist es sehr wichtig, Zeit mit mir alleine zu verbringen. So lade ich meine Batterien wieder auf. Es ist sehr anstrengend permanent zu geben. Ich brauche diese einsamen Momente, in denen ich mich einfach nur unter meiner Bettdecke verstecke.

annacalvi.com

Foto: Roger Deckker

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Feldküche 1552 ü.M. RAW | Dachstein | Österreich | Austria | 2016

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Richard Eigner aka Ritornell

Über Gegensätze...

23. August 2016

In all den Jahren in denen ich nun schon Interviews mit den unterschiedlichsten Menschen gemacht habe, habe ich mir immer wieder die selbe Frage gestellt: wie beginnt man ein Gespräch mit einem Menschen, den man nicht kennt und den man in einem begrenzten Zeitraum teilweise ziemlich nahe kommen will (jetzt nicht körperlich). Ich habe mir nun vorgenommen mit jedem meiner Gesprächspartner und -Innen über ein Thema zu reden. Es muss nicht unbedingt mit der Person und deren Beruf oder Leidenschaft zu tun haben. Hier geht es mir mehr darum Meinungen, Ansichten und Charaktereigenschaften herauszufinden.

Den Anfang dieser neuen Reihe macht ein Gespräch mit dem österreichischen Soundkünstler und Musiker Richard Eigner. Richard nimmt Eis beim Schmelzen auf und fängt den Klang  ein, den Schneeflocken machen, wenn sie auf eine Gitarrensaite fallen. Mit dem Musiker Roman Gerold bildet er gemeinsam das Duo Ritornell. Ich mag Richards Arbeiten sehr. Ich finde sie poetisch, verspielt und experimentell. Zum Interview treffen wir uns bei Richard in der Wohnung – irgendwo im 1. Stock eines Hinterhauses im 5. Wiener Gemeindebezirk. Die Fenster führen in einen begrünten Innenhof, das Interieur ist schlicht und mit kleinen Naturdetails ausgestattet. Ein Vogelhaus aus Holz steht auf einem Lautsprecher im Wohnzimmer. An den Wänden hängen Bilder von Wäldern. Es ist erstaunlich ruhig hier. Ich möchte mit Richard über Gegensätze reden, denn im Zuge meiner Recherche zu diesem  Interview, ist mir immer wieder ein Satz in den Kopf gekommen, den ich einmal im Zuge der Recherche eines anderen Interviews (ich glaube, es war über A-ton-Musik) gelesen habe und zwar: Die Emanzipation der Dissonanz. Also, der Freischlag der Nicht-Harmonie, der Unstimmigkeit.

Du sprichst in verschiedenen Interviews immer wieder davon, dass du dich zwischen Gegenpolen bewegst: zwischen Musik & SoundArt. Zwischen akustischen und elektronischen Klängen? Was fasziniert dich am Ausloten dieser Grenzen oder an diesem Tangieren zwischen den Gegensätzen?

Oh, das ist mal eine Frage. Im Moment versuche mich rückwärts zu bewegen und alles, was ich mache immer harmonischer zu gestalten. Die letzte Ritornell-Platte ist zum Beispiel wieder viel musikalischer geworden. Das, was wir jetzt mit Ritornell machen, ist für mich eigentlich gar nicht so ein Gegensatz, sondern eher eine Bereicherung. Ich arbeite in unterschiedlichen Bereichen, die in sich alle ganz unterschiedlich sind. Und genau darin liegt für mich die Bereicherung, dass ich in dem einen Feld etwas lerne, was ich in dem anderen wieder gut einsetzen kann.

Also, eher das Maximum an Möglichkeiten ausloten?

Ja, schon. Was bei Ritornell teilweise ein Vorteil und teilweise ein Problem ist ist, dass unsere Musik eigentlich nirgends so richtig reinpasst. Irgendwie stiftet sie immer etwas Verwirrung. Das merke ich nun teilweise auch an den Reviews über unsere letzte Platte „If Nine Was Eight“. Da gibt es Vorwürfe aus der Experimentalszene, dass es Loungemusik oder Jazz wäre. Da fühle ich mich immer sehr missverstanden. Und Leute, die rein aus dem Jazz oder Pop kommen, die finden es dann wieder teilweise zu schräg. Also, da liegt wohl die Dissonanz. Dass wir immer diese gegensätzlichen Bilder erzeugen. Obwohl ich mir dann immer denke: Ok, das ist ja spannend. Ich sehe das gar nicht so.

Viele Künstler sind ja sehr genervt davon, wenn sie von anderen, besonders von den Musikjournalisten, in Genres eingeordnet werden. Weil man ja quasi ein Image übergestülpt bekommt, das eher einengt und das man dann zeitweise gar nicht mehr so leicht los wird. Wie geht es dir damit?

Ich mach das ja gemeinsam mit einem Kollegen und wir denke beide, glaube ich, beim Musik machen nicht wirklich dran. So eine Kategorisierung wird dann halt ein Problem, wenn andere die Musik vermarkten müssen. Wir haben z.B. noch nie eine Booking-Agentur bekommen, eben weil wir nirgends so richtig reinpassen. In der Hinsicht straucheln wir ein bisschen. Ich finde es manchmal schade, dass die Leute unsere Musik einfach nicht so anhören, wie sie ist. Ich war vor Kurzem beim FM4 Musikchef und dem gefällt das Album recht gut. Aber er meinte: Naja, das ist halt schon sehr ruhig. Und für uns ist die Platte aber schon ziemlich rhythmisch und nach vorne. (er lacht - ich auch) Das finde ich dann immer sehr lustig.

Für mich hat das Album ja echt ein paar schnelle Nummern - zum Beispiel die Startnummer, die fast schon hiphop-mäßig, Club-mäßig. Aber aus einer Formatradio-Warte sind wir immer noch recht…zurückhaltend. (lacht)

Ich denke, es geht hier ja auch um eine Entscheidung, die man als Künstler trifft, wenn man sagt „Ok, wir bewegen uns einfach in einer Sphäre, die von anderen eine gewisse Offenheit verlangt bzw. keine Kategorisierung zu lässt“.

Ich kann eigentlich auch gar nichts anderes machen. Ich müsste mich sonst zu sehr verbiegen. Und überhaupt bekomme ich, glaube ich, sowieso nichts anderes zusammen. (lacht) Meine Kompositionen passieren mir eher immer im Schaffensprozess. Ich feile so lange an einem Lied, bis ich mir denke: ok, das kann ich nun von vorne bis hinten durchhören, ohne dass es mich langweilt.

War die Produktion von „If Nine Was Eight“ auch eine Art Ausloten von neuen Grenzen und neuen Feldern?

Ja, insofern, dass wir noch mehr Instrumente verwendet haben als jemals zuvor. Das ergibt dann über die Platte verteilt ein ziemlich absurdes Instrumentarium.

Ein richtig faszinierendes Projekt von dir ist „Denoising“…

…ja, gut, das ist vielleicht wirklich ein Grenzen ausloten.

…in dem du eine Denoising-Technik, die normalerweise dazu eingesetzt wird Störgeräusche aus Aufnahmen zu eliminieren, dazu verwendest um tatsächlichen Lärm, wie von der Autobahn…in harmonisch, schöne Klänge zu verwandeln. Also quasi eine Umkehr von Negativ in Positiv vollziehst.

Ich bin zu dem Projekt durch einen Vortrag über Postproduktion auf der FH Salzburg gekommen. Der Vortragende hat so ein ganz teures Gerät gehabt mit dem man Sprache im Film von Hintergrundgeräuschen reinigen kann. Und dann hab ich mir gedacht, das wäre ja lustig, wenn man die Noise-Musik denoised. Dann bin ich im nächsten Schritt auf diese Ambiences aus der Natur gekommen. Aber zuerst war eben die Frage, ob man Noise-Musik auslöschen kann. Und dabei sind wirklich lustige Sachen rausgekommen. Da geht es um Graubereiche und die Frage: was bleibt überhaupt noch übrig. Und das, was übrig bleibt ist sicher keine Musik in dem Sinne.

…Ich muss mir noch ein Wasser holen.

Richard geht in die Küche und kommt kurze Zeit später mit zwei Gläsern Wasser zurück ins Wohnzimmer.

Wie geht es dir mit Noise? Ist das was, das dich fasziniert und das du selber gerne auslotest?

Ich habe mich gerade mit der Denoising- und mit der Fieldrecording-Arbeit so auf Geräusche sensibilisiert, dass ich schon fast verrückt geworden bin. Ich habe einfach alles gehört. Jetzt bin ich schon seit einiger Zeit dabei, dass ich mich wieder desensibilisiere, weil ich schon ziemlich von jedem Geräusch sehr genervt gewesen bin. Ich habe zum Beispiel angefangen, dass ich in Hotels drei-, viermal das Zimmer gewechselt habe. Und dann habe ich mir gedacht: das kann jetzt nicht mehr sein.

Das Problem ist ja auch, dass dieses Sounddesign und diese Produktionsarbeit sehr fein ist und ich leider alles höre, wenn ich möchte.

Hast du das schon immer gehabt?

Nein, das ist durch die Arbeit entstanden, denn ich brauche das ja auch. Bei der neuen Ritornell-Platte sind so viele Details drinnen, die ganz bewusst so gesetzt sind. Da muss man eben aufpassen, dass man diese Geräusch-Sensibililtät nicht in andere Lebensbereiche übernimmt.

Suchst du wegen dieser Geräusch-Überladung auch oft die Natur auf?

Ja, sicher. Wobei es da auch keine Ruhe vom Menschen gibt. Auf 2000m hört man den menschlichen Lärm ja noch besser.

Ist deine Oase also die Stille…?

Also, die Stille gibt es ja eh nicht, aber so quasi die Abwesenheit von menschlich erzeugten Geräuschen. (lacht)

Wenn man das Denoising nun in die Totale treibt, dann ist es ja ganz ruhig…also Still.

Ja, aber wie gesagt, die Stille ist ja auch eine Utopie. Die gibt es nicht einmal dann, wenn man tot ist.

Was fasziniert dich an Geräuschen?

Wenn ich etwas entdecke, das ich vorher noch nicht so gehört habe, dann taugt mir das. Vieles, was sich bei mir elektronisch anhört ist meistens gar nicht elektronisch, sondern eine Textur bei der ich entweder durch das Basteln von Sachen oder von lustigen Schlagzeugschlägen solche Geräusche erzeugt habe.

Einer meiner Lieblingsarbeiten von dir sind die Schneeflocken die auf die Gitarrensaiten fallen bzw. diese bespielen. Ich finde ja generell deine Naturarbeiten sehr poetisch…

Ja, danke.

und auch irgendwie…und ich weiss nicht, ob du dem zustimmen würdest, so als ob du zeichnen würdest mit dem Sound.

Mhm…

Eine Art akustische Landschaftsmalerei oder Momentaufnahmen. Wie akustische Fotos.

Mhm…da kann ich mich schon damit identifizieren. Teilweise ist das ja auch, wie ein Sport, denn ich bin ja nicht einzige, der solche Aufnahmen macht. Die Schwierigkeit liegt ja darin etwas zu finden, was vorher noch niemand gemacht hat.

Ist das die Herausforderung an dich selbst…?

Ja, aber das gelingt mir auch oft nicht. Das passiert ja eher immer nur alle 2 - 3 Jahre, dass ich etwas finde, das vorher noch niemand gemacht hat? Schmelzendes Eis haben ja schon viele aufgenommen aber die Arbeit mit den Gitarrenseiten und den Schneeflocken hat vorher noch niemand gemacht.

Welche Rolle spielen eigentlich Menschen für dich in der Soundarbeit?

Inwiefern…

In deinen Arbeiten spielt sehr oft die Natur eine Hauptrolle bzw. ist sie sehr präsent. Interessiert dich der Sound des Menschen auch? Zum Beispiel, wenn man mit der Hand über ein T-Shirt streift…

Nein, eigentlich gar nicht. Das einzige, wo Menschen in meinen Arbeiten vorkommen sind in Fieldrecordings im städtischen Bereich, weil die Leute dort sprechen und sich bewegen. Verkehrsgeräusche sind ja auch menschlich verursacht. Aber generell spielen Menschen in meiner Soundarbeit eher eine untergeordnete Rolle.

Würdest du dich als Soundforscher bezeichnen?

Ja, vielleicht, aber das ist ein sehr unkorrekter Begriff, weil man so viel damit assoziieren kann.

Wie würdest du den Soundforscher dann beschreiben?

(längere Pause….) Ich weiss nicht, da stelle ich mir eher jemanden vor, der wissenschaftliche Versuche macht, um wieder einen Sound zu finden, den er so noch nicht gehört hat.

Was ist die perfekte Soundkulisse für dich?

Alles ohne vom Menschen erzeugte Geräusche. In der Natur klingt eigentlich eh alles super. Ich liebe Bäche. Die haben so eine entspannte Wirkung und einen Wald mit einem Specht finde ich super.

Hier der Link zu Richards Website: http://richard.ritornell.at

Fotos: Clemens Fantur, Chloé Thomas

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Der letzte Tag

Das kleine-Läden-Sterben in Wien hat nun auch den 1. Bezirk erreicht. Jüngstes Opfer: der Delikatessladen Böhle in der Wollzeile. Seit 1939 wurde dort alles verkauft, was Gourmetherzen höher schlagen lässt und nun ist er – u.A. wegen horrenden Mieten und Konkurrenz der umliegenden Supermarktketten – leider Geschichte.

Das Foto wurde am letzten Tag des einst legendären Ladens aufgenommen, an dem dann auch noch das Inventar verkauft worden ist. Datum: 13.08.2016

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Chinawoman

NEU-BAU | Archiv | 2011

Es gibt Musiker, die einem mit ihren facettenreichen bis bombastischen Soundkonstruktionen den Atem rauben. Und es gibt Musiker, die den anderen Weg gehen und sich durch reine Reduktion ins Herz ihrer Hörer spielen.

Die kanadische Musikerin CHINAWOMAN gehört für mich zu dieser zweiten Sorte. Ich mag ihre trockene Art, ich mag den lo-fi Sex der sich über ihre Musik legt und ich mag die Reduktion, die am Ende die Großartigkeit ihrer Songs ausmacht.

Chinawoman heißt mit bürgerlichen Namen Michelle und kommt aus Toronto/Kanada. Zur Musikerin ist die ausgebildete Film-Editorin eher zufällig geworden. Ersten Bed-Room-Recording-Sessions folgten Konzerte in den Indie-Clubs von Toronto und Tour-Einladungen nach Russland und andere ehemaligen Ostblockstaaten.

Seit gut einem Jahr lebt Michelle nun in Berlin, um sich komplett ihrer Musikkarriere zu widmen. Dort habe ich Chinawoman an einem der letzten warmen Tage dieses Jahres getroffen und mich mit ihr über Heimat, russischen Trash und dem Gefühl, sich auf der Bühne zu verlieren gesprochen.

Du lebst nun seit einem Jahr in Berlin. Wie buw. warum bist du hierher gekommen?

Weil meine Freunde mir empfohlen haben, hierher zu ziehen. Ich habe viele Einladungen für Konzerte in Europa bekommen und da dachte ich mir, es ist wohl logistisch das Beste nach Berlin zu ziehen.

Warst du vorher schon einmal in Berlin?

Sie schüttelt den Kopf

Nicht einmal?

Sie schüttelt wieder den Kopf

Wow. Und bereust du deine Entscheidung hierher zu kommen?

Nein. Ich bemerke im Moment auch immer mehr, dass Berlin wie Toronto ist. Es ist sehr international und multikulturell. Toronto besteht fast nur aus Immigranten. Berlin ebenso.

Fühlst du dich als wärst du nach Berlin „immigriert“?

Es fühlt sich nicht so an, denn ich habe das Gefühl, dass ich immer zurück bzw. woanders hingehen kann. Es ist nicht so, dass ich mit zehn Kindern hierher gekommen bin und mein zu Hause für immer verlassen habe. Ich bin mit zwei Koffern in dieser Stadt angekommen und spreche die Sprache eigentlich überhaupt nicht. Es fühlt sich also nicht negativ oder traumatisch an.

Deine Eltern sind selbst von Russland nach Toronto ausgewandert. Kannst du dich erinnern, ob sich das für sie so gefühlt hat?

Für meine Eltern war es ein großes Ding an einen Ort zu ziehen, ohne wirklich die Sprache zu beherrschen. Mein Vater war in Russland Ingenieur. Meine Mutter war Mutter Ballerina des Kirow-Balletts in St. Petersburg. Als sie in Toronto angekommen sind, da mussten meine Eltern jeden Job annehmen, den sie bekommen konnten. Mein Vater ist jahrelang Taxi gefahren. Das war keine leichte Umstellung.

Haben deine Eltern versucht, die russischen Traditionen beizubehalten, oder waren sie froh weg zu sein und wollten nichts mehr mit Russland zu tun haben?

Klar, waren sie froh weg zu sein. Sie haben auch nie in Nostalgie geschwebt. Sie haben Russisch gesprochen, weil es eben ihre Muttersprache war. Sie haben mich auch nie dazu verdonnert Russisch zu lernen. Im Endeffekt war und bin ich viel nostalgischer als sie.

Inwiefern?

Naja, ich habe immer russische Musik gehört und ich wollte immer in die russischen Restaurants und auf diese trashigen russischen Partys gehen. Meine Eltern haben dann immer gesagt „Ach, Michelle. Wir hassen das! Wir wollen da wirklich nicht hin. Warum willst du da hin?“ Sie waren einfach immer schon sehr glücklich Russland verlassen zu haben. Wie alle Russen in Toronto. Ich habe nie je einen von ihnen hören sagen „Wir wollen wieder zurück“....Oh Gott, das riecht gut....

Die Kellnerin geht mit einem Teller frisch gebackener Pancakes an uns vorbei

...wie Süßigkeiten!

Noch mal zurück zu deiner Nostalgie zur Russischen-Kultur und zu deiner Vorliebe auf russische Trash-Partys zu gehen. Was gefällt dir an dieser leicht billigen, pompös glamourösen Ästhetik?

Ich liebe das. Als ich das erste Mal mit Russen in Russland über das gesprochen habe, da waren sie eher enttäuscht und meinten „Echt?! Diese Musik gefällt dir?!“. Meine russischen Musik-Helden sind für sie in der gleichen Kategorie, wie Cher. Es war halt nicht dieses intellektuelle Zeug. Es war poppiger Trash. Aber so habe ich das vorher nie gesehen, da ich nichts anderes gekannt habe. Die meisten Russen in der russischen Gemeinschaft in Toronto hören diese Musik. Aber wie auch immer, ich finde auch heute nicht, dass diese Lieder trashig sind. Ich finde sogar, dass manche dieser sowjetischen Popsongs sehr intelligent sind.

Inwiefern?

Auch wenn der Style sehr poppig und vorhersehbar ist, finde ich, dass die Texte einen tieferen Sinn haben. Zumindest mehr als die amerikanischen Popsongs, wenn du verstehst, was ich meine... (sie lacht)

Nicht so ganz...

Ich meine, du kannst ziemlich banal singen „Oh, du bist so ein Arsch und hast mich verlassen.“ Du kannst das aber auch auf eine intelligente und interessante Art und Weise machen. Ich kann das nicht so genau erklären, wie ich das meine...Es ist einfach, wie sie über das Leben singen. Das ist sehr klischeelos. Zumindest für mich. Vielleicht ist es voller Klischee für die Russen. Für mich ist es das nicht.

Russen haben hier den Ruf eher schwerfällig und düster zu sein. Neigt die russische Seele zum Leiden?

Vielleicht. Ich bin in Kanada aufgewachsen. Ich habe nicht so viel gelitten (sie lacht). Ich denke, jeder hat seine eigene Art zu leiden. Das klingt ziemlich tragisch. Das klingt sogar tragischer als über Leben und Tod zu singen.

Bevor du zu Chinawoman geworden bist warst du Film-Cutterin. Ist dir die Entscheidung schwer gefallen zu sagen „Okay, Jetzt lass ich den alten Job und werde Vollzeit-Musikerin?“

Nein, war es eigentlich nicht. Es war ja nicht so, dass ich gesagt habe: „Jetzt lass ich alles fallen“. Das war eher eine gleichmäßige Entwicklung. Ich habe ja zunächst bei mir zu Hause in meinem Schlafzimmer angefangen Musik zu machen. Und das ist dann immer mehr gewachsen.

Du bist als mehr oder weniger zufällig zur Musik gekommen? Das klingt nun nämlich nicht so, als ob es schon immer dein Traum gewesen wäre.

Nein, war es auch nicht. Das Leben steckt eben voller Überraschungen. Manchmal fühlt es sich sehr lächerlich an. Zum Beispiel, wenn mich Leute fragen, was ich so mache. Dann muss ich immer noch nachdenken bis ich antworte „Ja, ich denke, ich bin Musikerin und Performerin...so etwas halt in die Richtung“...Es ist eben noch sehr neu für mich. Aber dann denke ich mir: „ Michelle, komm schon“ Es ist nicht so neu. Du machst das nun schon seit fünf Jahren. Also verhalt dich auch mal so“ (sie lacht). Ich bin eine Musikerin und das ist es (Sie klatscht in die Hände)!

Ja, das solltest du mal anfangen zu glauben!

Vermutlich. Aber es ist, wie gesagt, noch immer komisch für mich. Aufnehmen und das Lieder-Schreiben fühlt sich sehr natürlich an für mich. Das Performen kam erst später. Heute machen viele Leute dieses Internet-Ding. Du nimmst einen Song zu Hause in deinem Schlafzimmer auf, stellst ihn online und auf einmal sind da Leute, die du nicht kennst, die den Song super finden und dich einladen Konzerte zu spielen. So ist es ja bei mir mehr oder weniger auch passiert. Und Konzerte zu spielen ist für mich noch eine sehr frische Sache.

Eine Freundin von mir – auch eine Musikerin, die vor nicht allzu langer Zeit angefangen hat Konzerte zu spielen – meinte zu mir: „Weißt du, ich muss mir wirklich überlegen, wer ich auf der Bühne sein und wie ich mich selbst präsentieren will. Alles, was ich tue wird interpretiert werden und man wird mich sofort in eine Schublade stecken. Vor allem auch, weil ich eine Frau bin. Also, muss ich mir vorher überlegen, in welche ich gesteckt werden will.

Das stimmt. Für mich ist es immer sehr wichtig und interessant mit anderen Performern zu reden. Da mir dadurch vor allem klar wird, dass ich ganz normale Stadien durchlaufe. Da sind all diese Fragen: Wie soll ich mich verhalten? Etcetera. Es gibt eine klare Trennung zwischen dem Schöpfer und der Kreation. In dem Sinne: wie viel auf der Bühne ist Chinawoman und wie viel auf der Bühne ist Michelle, die Chinawoman spielt. Im Grunde geht es darum, dich selbst los zu lassen und dich selbst zu vergessen, aber nicht im negativen Sinne. Es geht ja nicht um deine persönlichen Neurosen auf der Bühne, es geht um den Song und darum  Spaß zu haben.

Das klingt einerseits schwierig aber andererseits aber auch sehr befreiend...

Ja, aber trotzdem hab ich dennoch meine Neurosen. Aber es wird immer besser. (sie lacht)

Hast du das Gefühl, dass du dir eine andere Identität auf der Bühne zu legst?

Nein. Ein Freund von mir, der auch Performer ist, hat vor Kurzem zu mir gesagt, dass du keine neue Identität annehmen kannst, sondern nur eine „extended version“ von dir selbst sein kannst. Das, was ich mache, erfordert keine neue Identität. Wenn ich eine Elektro-Pop-Star in Pink wäre, dann könnte ich mir eine neue Identität zu legen. In meinem Fall ist es eher eine sehr subtile Ausschmückung als eine komplett neue Person.

Häufig ist es ja so, dass diese Bühnen-Persona eine Ventil für etwas ist, das nicht im „Normalen“ gelebt werden kann. 

Das trifft nicht auf mich zu. Ich denke, so wäre es sogar einfacher für mich, wenn ich sagen würde: „Ich werde nun Cindy Stardust sein.“ Denn dann könnte man die Sache viel objektiver betrachten. Man könnte sich dann eben überlegen „Okay, wie würde Cindy aussehen? Wie würde sie sich benehmen?“ Aber bei mir ist es so: Okay, das bin ich, aber vielleicht nicht ich die ganze Zeit.

Das klingt ziemlich herausfordernd...

Das ist es. Ich bin froh zu wissen, dass jeder durch diesen Prozess durch gehen muss. Für eine Zeit habe ich das Ganze zerdacht.

Über eine Sache möchte ich gerne noch mit dir reden, und zwar ist das deine riesige Fanbase in Russland. Stimmt es, dass es Handy-Klingeltöne von deinen Songs gibt?

Ja, das ist sehr lustig. Aber im Endeffekt verkaufen die dort alles, was sich verkaufen lässt.

Wie ist das für dich, dass du dort bereits so etabliert zu sein scheinst und hier und in Kanada geht es jetzt erst richtig los. Ist das nicht ein bisschen extrem?

Das ist es allerdings. Aber das war extremer für mich, als ich noch in Toronto gelebt habe. Dort war ich eine ganz neue Indie-Songwriterin. Und in Russland war ich zur gleichen Zeit bereits im Rolling Stone Magazin. Die Menschen in Russland waren ziemlich überrascht, dass es von mir wenig in der kanadischen Presse zu lesen gab. Und als wir dann in Russland auf Tour waren, kamen Leute auf der Straße auf mich zu und mein Poster hing an den Wänden in den Straßen.

Überwältigt das?

Ja. Bevor wir nach Russland fuhren, hatte ich schon etwas Angst, weil ich mir dachte, dass die Erwartungen der Leute sehr hoch sein würden. Ich habe lange befürchtet, dass es, wenn wir dann schlussendlich in Russland spielen werden, das Ende sein wird. Entweder werde ich umgebracht werden oder es ist das Ende von Chinawoman. Aber weißt du was dann passiert ist?

Nein.

Wir sind gefahren und alle Shows sind gut gelaufen und das Leben ging weiter. Wir waren nun nicht außergewöhnlich, aber ich war zufrieden und die Leute auch. Diese Erfahrung hat wirklich das Eis gebrochen in dem Sinne, dass das Schlimmste vorbei ist. Und jetzt geht es weiter.

www.chinawoman.ca

Foto: Joachim Zimmermann // joachimzimmermann.com

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tUnE-yArDs

NEU-BAU | Archiv | 2011

Es war die britische Musikerin Planningtorock die mich dieses Jahr in einem Interview auf die Band tUnE-yArDs aufmerksam gemacht hat. Nach dem Gespräch zu Hause angekommen, habe ich mich gleich auf die Suche nach dieser Band gemacht. Was ich dann gefunden habe, war großartig. Rhythmische und a-rhythmische Musik- und Samplecollagen die sich – etwas lo-fi und experimentell - verspielt und doch herausfordernd in vielschichtigen Loops ineinander reimen. Das alles auf der Basis von einer Stimme, einer Ukulele und einem elektronischen Bass. Ich wollte mehr wissen über diese Band und vor allem wollte ich die Frau hinter tUnE-yArDs kennenlernen. Merrill Garbus. Merrill Garbus stammt aus New England in den USA – heute lebt sie in Oakland in Kalifornien. Sie hat auf Theaterbühnen gestanden, in den Straßen von Montreal die Passanten mit Performances und sich selbst als Teilnehmerin bei Open Mikes überrascht. Mit der Indierock-Noise Band Sister Suvi hat sie ihre erste Erfahrung als Sängerin gesammelt und dann 2006 ihr Soloprojekt tUnE-yArDs gegründet. Sie tourte mit der US-amerikanischen Band Dirty Projectors durch die Welt und unterrichtete Kinder in Kenia im Singen. Ihr erstes Album „BirdLands“ hat sie in kompletter Eigenregie mit einem Dictaphone zu Hause aufgenommen. Ihr zweites „w h o k i l l“ ist nun dieses Jahr im Frühling auf dem US-amerikanischen Label 4AD erschienen. Merrill Garbus hat sich weder von schwierigen finanziellen Zeiten noch von selbstauferlegten Selbstzweifeln von ihrem Willen Musik zu machen abbringen lassen. Aber ich will nicht zu viel vorweg nehmen, über all das erzählt sie im Interview, das ich dieses Jahr beim Berlin Festival mit ihr geführt habe.

Bist du zum ersten Mal in Berlin?

Nein. Ich habe hier schon ein paar Mal gespielt. Vor zehn Jahren war ich zum ersten Mal hier.

Ach, vor zehn Jahren. Da hast du noch ein total anderes Berlin kennen gelernt. Die Stadt hat sich ja so stark in dieser Zeit verändert.

Ja, alles ist so anders. Es gibt von allem soviel mehr. Ich kann mich noch daran erinnern als ich vor zehn Jahren durch die Straßen gegangen bin und alles so leer war. Die Straßen, die Plätze und auch die Häuser. So, als ob die Leute gerade erst weggezogen wären und ihre Sachen zurückgelassen hätten. Jetzt ist alles so belebt. Ich meine, sicherlich gibt es irgendwo noch diese verlassenen Orte, aber die werden offensichtlich immer weniger.

Diese leeren und verlassenen Plätze und Orte, die sich die Leute einfach aneignen, um darin zu leben und/oder zu arbeiten, das ist sehr typisch für Berlin und macht einen großen Teil der Geschichte der Stadt aus.

Ich weiß und hier sehe ich starke Anknüpfungspunkte zu meiner Musik. Vor kurzem bin ich gefragt worden, warum ich diese Sound-Samples in meiner Musik verwende. Ich denke vieles davon ist für mich eine Art historische Konservierung der Zeit. Je mehr ich mich damit beschäftige, desto stärker wird mir klar, wie schnell sich die Welt verändert. Hier und an anderen Orten.

Also eine Art Geschichts-Sammlung?

Ja, ich würde das so sagen. Als ich an meinem neuen Album „w h o k i l l“ gearbeitet habe, habe ich diese Audioaufnahmen gefunden auf denen meine Großeltern mit mir reden als ich ein Baby war. Es war einfach unbeschreiblich für mich diese Aufnahmen zu haben. Oft haben wir Photos oder andere Formen der visuellen Erinnerung. Aber eine akustische – das ist etwas anderes. Beide meine Großeltern sind während der Entstehung des Albums gestorben. Die Bedeutung dieser Aufnahmen wurde so noch größer. Es war komisch ihre Stimmen zu verwenden. Aber auch wunderbar, dass sie nun akustisch auf dem Album präsent sind.

So etwas ist auf der einen Seite sehr schön, aber auf der anderen wohl auch sehr schwierig...?

Ja, das ist es. Ich probiere nicht zu sentimental mit tUnE-yArDs zu sein. Das ist nicht immer leicht, denn ich bin eine sehr sentimentale Person (lacht). Aber in der Kunst habe ich immer einen Platz gefunden, diese Gefühle anzuhalten. Der Auftrag des Künstlers ist für mich ein Kunststück zu präsentieren und das Publikum das fühlen zu lassen, was es fühlt. Sicherlich wird es interessanter, wenn ein Kunstwerk ein Stück meiner eigenen Vergangenheit beinhaltet. Für mich ist es dann fast wie eine Collage – eine Art Abstraktion,  so dass ich nicht von meinen Emotionen eingeholt werde und ich kann das Publikum ihre eigenen emotionalen Reaktionen lassen ohne ihnen die meinen überzustülpen. 

Performance scheint in deinem Leben immer schon eine große Rolle gespielt zu haben. Du warst Teil eines Theaters, du hast Straßenperformances gemacht und an Open Mikes teilgenommen. Wie geht es dir dabei, wenn du als so persönliche Anteile deiner eigenen Person einer Öffentlichkeit preisgibst?

Ich glaube, es gibt zwei verschiedene Merrills. Manchmal komme ich von der Bühne und möchte nur weinen und mich in einer Ecke verkriechen. Ich weiß nicht, warum das passiert – aber es passiert. Vielleicht weil ich mich so stark in den Bereich vorgetrieben habe an dem ich mich so entblöße. Wenn ich singe, fühle ich mich unglaublich befreit und zeige einen wirklich tief liegenden Teil von mir. Daher, denke ich, fühle ich mich danach so überwältigt und denke mir „Oh, du hast dich gerade vor tausenden von Leuten bloß gestellt.“ Früher war ich sehr schüchtern und hatte große Selbstzweifel. Klar, ist es normal und menschlich, dass man durch Selbstwertlosen-Zeiten geht, aber ich habe mich wirklich gehasst als ich Anfang 20 war.

Wieso das?

Ich weiß nicht genau. Wenn ich nun zurückblicke, denke ich mir oft: „Was hab ich mir nur gedacht“. Ich glaube, ich habe mir einfach nicht vergeben können, dass ich mich nicht lebendig gefühlt habe. Warum das so war, weiß ich nicht. Vielleicht hat es mit meiner Familien-Geschichte zu tun, dass ich so streng und hart mit mir als Künstlerin gewesen bin. Wenn ich eine Buchhalterin wäre, dann könnte ich ja sagen „Oh, ich bin erfolgreich, denn ich verdiene viel Geld“. Aber wenn du Künstlerin bist, dann ist es schwierig Erfolg zu definieren. Da geht es mehr um „Wann werde ich mich selbst als gut genug empfinden.“ Für eine lange Zeit hatte ich das Gefühl, dass ich das nie finden würde und immer gedacht „Ach, ich werde zwar kreativ arbeiten aber mich immer in dieser Welt verloren fühlen.“ Aber in tUnE-yArDs habe ich genau das gefunden, das für mich das Wahrste zu sein scheint. Plötzlich hatte ich den einen Rahmen in dem ich arbeiten und sagen konnte: „Das ist meines. Das kann ich der Welt bieten!“  Eine Performerin zu sein, hat mich persönlich wachsen lassen, denn du kannst dich nicht weinend in eine Ecke verkriechen und gleichzeitig auf einer Bühne sein. Da musst du dich zusammenreißen und über deinen Schatten springen.

Hattest du denn eine Familie, die einen großen Druck auf dich ausgelöst hat, weil sie nicht verstanden haben, was du machen willst?

Meine Eltern sind selbst Musiker. Sie waren immer sehr verständnisvoll, aber auch sehr kritisch. Ich denke, wenn du Eltern hast, die das gleich wie du machen, dann gibt es viel Platz für Beurteilungen. Ich denke, ich habe so lange gezögert selbst Musikerin zu sein, eben weil meine Eltern auch Musiker sind. Dass ich Musikerin geworden bin, ist dann eher mehr passiert. Ich habe es nicht provoziert sondern einfach gemacht (lacht). Als erstes dachte ich, ich werde für immer eine Theater-Performerin sein. Aber irgendwie hatte ich das Gefühl nicht genug Leute zu erreichen und habe mich sehr isoliert gefühlt. Ich habe diese Grenzen gespürt und dass ich nur die Leute erreichen kann, die eben gerne Freitagabend ins Theater gehen. Und das war eben nicht das Publikum, das ich erreichen wollte.

Ist es dir wichtig Leute zu erreichen...?

Ja, und auch etwas zurückzubekommen. Was für mich immer schon wichtig war ist, mich mit „meiner Generation“ verbunden zu fühlen. Ich meine, eher mit der Menschheit (lacht). Also, mit allen anderen Menschen, die die Welt heute erleben. Das meine ich mit „meiner Generation“ – nicht Leute meines Alters, sondern Leute die heute Leben und bemerken und erleben, wie sich die Welt verändert. Die aufmerksam gegenüber Themen sind, wie die globale Erwärmung, den Effekt der Wetterveränderungen und auch wie das Internet unser Leben komplett verändert (hat). Ich möchte, dass meine Musik vom Jetzt ist. Sie spiegelt die Gegenwart wider. Ich möchte dann auch mit den Leuten über all das sprechen können und selbst wiederum aufnehmen, was für sie wichtig ist.

Brauchst du auch die Aufmerksamkeit der anderen? Immerhin bist du ja eine Performerin...(wir müssen beide lachen)

Ja, es gibt all diese negativen Dinge die man mit einem Performer verbindet. Und, ja, ich brauche sie. Klar wurde mir das in den alten Zeiten als ich noch in Open Mikes mitgemacht habe und alle Leute getrunken und sich laut unterhalten haben. Da stehst du dann da mit deiner Ukulele und musst die Aufmerksamkeit des Publikums gewinnen. In dieser Zeit habe ich mir ein paar hilfreiche Tricks angeeignet. (lacht) An einem bestimmten Punkt musst du loslassen und nicht darüber nachdenken, dass der Typ in der ersten Reihe gelangweilt aussieht und die Damen da hinten permanent reden. Ich kann halt nicht zu allen zur gleichen Zeit reden...(kichert)...aber...

In diesem Moment geht die Band Black Angels an uns vorbei – Merrill lächelt ihnen zu und flüstert.

Es war großartig...

Du magst diese Band offensichtlich wirklich sehr...

(Lacht)...Ich habe gerade ihr Set gesehen. Black Angels.

Aber...ja...ich brauche nicht von allen geliebt zu werden. Wenn ich auf der Bühne bin, dann ist das meine Show und du wirst mich ansehen und du wirst auch an der Show teilnehmen. Ich ziehe es vor so zu denken, dass die Leute nicht auf meiner Show sind um faul zu sein.

Nach dem Motto: Bewegt euch Leute! Ihr habt hier zu arbeiten?

(Lacht) Genau! Ich arbeite – ihr arbeitet!

Als ich dich heute auf der Bühne gesehen habe, habe ich mir gedacht, dass es eigentlich noch immer deutlich weniger Frauen im Musikgeschäft gibt als Männer. Natürlich sind es viel mehr als früher, aber dennoch viele sind es nicht – vor allem selbstbewusste und starke.

Ich finde es auch interessant und lustig, dass die Leute heutzutage sagen, dass das kein Thema mehr ist, denn es gibt ja genügend Frauen. Da ist Lady Gaga. Da ist Beyoncé und wer auch immer. Das sind aber sehr Pop orientierte Frauen, die einen bestimmten Sexappeal haben und bei denen die Aufmerksamkeit vor allem auf ihre Körper gerichtet ist – zumindest bei den meisten. Wenn ich allerdings auf Tour bin, sehe ich schon einen gewissen Prozentsatz an Frauen – z.B. ist der Schlagzeuger der Black Angels eine Frau und davon gibt es ja nicht so viele. Dennoch es ist nicht ausgeglichen und gleichgestellt, wie die meisten sagen. Wenn man z.B. die weiblichen Stimmen ansieht. Da gibt es noch immer einen bestimmten Standard von Stimmen, die schön, leicht zum Zuhören und nicht bedrohlich sind. Für mich war das eine Herausforderung diesen Anspruch, den ich auch an mich selbst gestellt habe, zu überwinden, dass meine Stimme auch so klingen muss und zu akzeptieren, dass meine Stimme auch tief und herausfordernd sein kann.

Ich finde auch, dass es diese starken Stereotypen  von weiblichen Stimmen und generell von Frauen im Musikgeschäft gibt. Eine Sängerin soll hübsch, adrett, sexy, also eine Art von deinem persönlichen lalala-Traum sein...

Lalala-Traum, das beschreibt es gut... (sie schmunzelt)

Braucht es da eine Art Emanzipationsprozess als weibliche Künstlerin, um zu  sagen „Hey, ich bin anders“?

Ja, definitiv. Für mich schon. Ich habe das gelernt als ich in einer Rockband mit zwei anderen Typen gespielt hab. Beide haben mir soviel über Musik und das Musiker-Sein beigebracht. Wir wollten unbedingt eine Rockband haben und plötzlich war ich eine weibliche Rock-Sängerin und ich dachte mir nach einiger Zeit „Will ich das wirklich sein? Was mach ich hier?“ Denn ich dachte auch, als Rocksängerin muss ich enge Lederhosen tragen und so weiter. Das  wollte ich aber nicht. Ich habe es dann auch nicht gemacht, aber wohl habe ich mich auch nicht gefühlt. Es hat eine Weile gedauert bis ich mich wirklich auf der Bühne gefunden habe. Ich lerne auch noch immer dazu. Erst seit kurzem trage ich zum Beispiel Kleider auf der Bühne.

Es geht dir also schon auch um ein weibliches Selbstbewusstsein?

Ja und darum, mich und meine Fähigkeiten nicht runterzuspielen. Ich kenne viele weibliche Musikerinnen und viele von ihnen sind nicht so trainiert wie ihre männlichen Kollegen. Sie waren halt nicht auf einer Musikschule oder haben Jahre in einem Keller mit ihrer Band verbracht. Ich kenne viele Frauen, die einfach Musik machen wollen. Ich bin auch eine davon. Lange habe ich gesagt „Ach, ich bin gar keine Musikerin. Ich schwindle mich da nur durch. Und nein, ich bin keine echte Sängerin, da schwindle ich mich auch durch.“ Aber heute denke ich mir: „Hey, wenn ich keine Sängerin bin, wer verdammt noch mal ist eine?!“. Ich habe gelernt mich selbst besser zu behandeln und mir selbst auch Guthaben zu zuschreiben für das, was ich geschafft habe und was ich kann.

Verarbeitest du das auch in deinen Texten?

Ohja. Ist das so offensichtlich?! (lacht)

Vor kurzem hat mich jemand nach dem Satz gefragt: „I am a new kind of woman. You are a new kind of man. And come and come and come and get me as quick as you can.“ (lacht). Es geht mir auch darum, dass wir alle weibliche und männliche Aspekte in uns haben. Wenn man in den USA als Frau aufwächst, dann gibt es da schon einen gewissen Druck eine Frau zu sein und genau darauf zu achten, was einen von den Männern unterscheidet bzw. davon männlich zu sein. Das war, denke ich, nicht okay für mich. Mir war  es immer wichtig eine Balance von beiden Seiten zu haben. Also, die Seite nicht zu verleugnen, die vielleicht als männlich eingestuft werden. Ich denke des Weiteren, als Musikerin in einem „Jungs-Club“ – die die Rockwelt ja ist – zu sein, ist definitiv ein Thema, das sich durch meine Musik zieht. Auch wie sich das in Macht, Gender, Sexualität und all die Dinge die diese mit sich bringt äußert. Das ist alles in meinen Texten drinnen.

tune-yards.com

Foto: Katharina Wallisch

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UMA

NEU-BAU | Archiv | 2014

UMA. Hinter diesen drei Buchstaben verbirgt sich eine ganz fantastische Welt von ästhetischen und emotional tief greifenden Klangbildern. UMA sind das Musiker-und-Produzenten-Ehepaar Ella und Flo Zwietnig. Sie aus Österreich. Er aus Süddeutschland. Beide nun in Berlin zu Hause. Sie ehemaliges Mitglied der Wiener Band-Formation Go Die Big City und Solo Musikerin unter dem Namen Jools Hunter. Er, die zweite Hälfte des bekannten elektropunkigen Duos Mediengruppe Telekommander. Beide haben sich in UMA nun ihren eignen Kanal geschaffen, emotionale Momente, Stimmungen und nachhaltige Alltagsreflexionen in ausgefeilt-komlexe, elektro-popig-eingefärbte Kompositionen zu verwandeln.

Ihr jüngst erschienenes, selbst betiteltes Debüt haben sie in kompletter Eigenregie erschaffen. Es ist in seinen musikalischen Details so spannend, dass man bei jedem neuen Mal Anhören, weiter in seine Tiefen gerissen wird.

Ein Gespräch über Gänsehaut-Momente und das Überschreiten von (emotionalen) Grenzen.

Ihr habt 1 ½ Jahre intensivst an eurem Debüt gearbeitet. Jetzt ist es endlich “draußen”. Wie geht es euch nun?

Flo: Für mich ist es nicht so, dass die Veröffentlichung eines Albums der Punkt der größten Erleichterung ist. Die größte Erleichterung tritt wirklich ein, wenn die Platte an sich  abgeschlossen ist. Also, wenn sie fertig gemischt und gemastert ist. Alles, was dann kommt, ist ja eigentlich Musikindustrie. Für mich als Musiker und Produzent ist diese Zeit dann oft eine lange und mühselige Wartezeit bis wieder etwas los geht. Sowohl eine Tournee als auch bis das fertige Album dann wirklich mit Cover fix und fertig in deiner Hand liegt. Bis dahin tritt nicht wirklich eine Erleichterung ein.

Ihr habt wirklich super Kritiken bekommen. Da britische Soundlab bezeichnet eure Musik aber als „provocative“...Was sagt ihr dazu?

Ella: Das finde ich interessant, aber ich weiß ehrlich gesagt nicht genau, was die meinen (lacht). Vielleicht liegt die Provokation für sie darin, dass das, was wir machen nicht so einfach und ein bisschen eine Zumutung ist.

Flo: Eine Beschreibung, die ich auch unterschreiben kann, ist ein gewisser emotionaler Aspekt. Dass man mit der Musik einen Gänsehaut-Effekt erzeugen will und ich denke schon, dass wir diesen emotionalen Effekt oft in unseren Produktionen suchen.

Das ganze Album habt ihr analog zu Hause in eurer Wohnung in Berlin aufgenommen. Beschreibt doch mal, wie euer „Homestudio“ ausgesehen hat!

Ella: Wir haben ein Hochbett im Schlafzimmer gebaut...

Flo: ...und darunter alle Sounds, die nicht elektronisch waren, über Verstärker aufgenommen. Wir haben z.B. eine Gruppe von Freunden eingeladen und sie gebeten, für uns in die Hände zu Klatschen.

Ella: Wir haben die Balkontür abgedichtet.

Flo:. Das Wohnzimmer wurde zum Aufnahmestudio mit dem Mischpult und allem drum und dran.

Ella: Und im Badezimmer haben wir die Vokals aufgenommen.

Und was haben eure Nachbarn dazu gesagt?

Flo: Die hat das nicht gestört. Über uns wohnt eine Frau die unter der Woche lange arbeitet und dann Abends und am Wochenende total gern, ganz laut klassische Musik hört. Das heißt, wir hatten dann so einen Deal mit ihr, dass wir gegenseitig laut sein durften.

UMA ist in kompletter Eigenregie von euch aufgenommen und produziert worden. Das klingt nach verdammt viel Arbeit.

Flo: Ja, das war schon ein bisschen zu krass. Wir wollten ja eigentlich mit einem Engineer zusammen arbeiten und der konnte dann aber leider nicht. Also haben wir zu zweit alle Rollen übernommen, die sonst ein ganzes Produktionsteam innehat. Wir waren sowohl die, die den Song geschrieben und arrangiert haben. Die, die die Produktionsvision hatten, haben das ganze Engeneering gemacht, alle Mikrofone aufgestellt, alle Verstärker, Mikrofone ausgetauscht, verschiedenste Instrumente ausprobiert haben. Wir haben das ganze dann auch noch auf Tonband gezogen und deswegen war das ein wahnsinnig, langer Arbeitsprozess. Stellenweise war es auch zu viel.

Ich kann mir vorstellen, dass man in so einem langen Produktions- und Schaffensprozess Momente hat, in denen man sich fragt: “Warum machen wir das ganze eigentlich?”

Ella: Täglich sogar. Man ist halt auch total übermüdet und verliert dann schnell einmal die Geduld. Man wird auch unsicher, weil man auf jedes kleinste Details achtet und stellenweise den Überblick verliert. Aber ich glaube schon, dass wir uns da gegenseitig durch den letzten Sommer – der Produktions-Hochphase - durchgepusht haben.

Flo: Es war in jeder Hinsicht eine Grenzerfahrung. Leider haben wir diese Grenzen auch oft überschritten und hoffentlich für dich Zukunft viel gelernt.

Flo,  du warst vor UMA ja schon ziemlich erfolgreich mit deiner alten Band Mediengruppe Telekommander. Jetzt, nach deren Ende, hast du dich auf ein ganz neues, unbekanntes Projekt mit deiner Frau eingelassen, das musikalisch auch noch komplett anders ist. Wie ist das für dich?

Flo: Das Anders-Sein war total gewünscht. Mit UMA ist eigentlich für mich eine Vision in Erfüllung gegangen, die sich mit der Medienrguppe einfach nicht realisieren hat lassen und zwar jene, musikalisch und kreativ eine neue Richtung einzuschlagen. Das wollte ich gerne machen, wusste aber nie genau, wie. Das war dann eben super, dass sich mit Ella eine neue Chance ergeben hat.

Hast du das Gefühl gehabt mit der Mediengruppe ein totes Ende erreicht zu haben, bei dem keine Entwicklung mehr möglich gewesen wäre?

Flo: Total. Das hatten aber Gerald und ich. Es war einfach eindeutig, dass wir das, was wir machen nicht mehr lange machen wollen und alles andere, was wir zusammen probiert haben, nicht funktioniert hat. Damit war das Ende der Mediengruppe ganz klar für uns, weil es kreativ keine Entfaltungsmöglichkeiten mehr offen gelassen hat.

Hilft dir UMA über das Ende der Mediengruppe hinwegzukommen? Ihr habt ja doch elf Jahre miteinander erfolgreich Musik gemacht und es ist eigentlich immer traurig, wenn so eine Ära zu Ende geht...

Flo: Total und UMA hilft mir durchaus. Es ist aber jetzt auch nicht so, dass ich der Mediengruppe so nachtrauere, eben weil wir an so ein totes Ende angelangt sind. Wir  haben über vier Alben ausleben können, was uns bestimmt hat. Dann war einfach Schluss und damit ist es einfach gut so. Natürlich blickt man manchmal mit Wehmut zurück, aber ich glaube auch, dass das ganz normal ist nachdem man so was erlebt hat.

Wie ist nun aber für dich mit UMA quasi von ganz vorne wieder zu beginnen? Die Mediengruppe war ja zum Schluss quasi schon ein Selbstläufer.

Flo: Der Arbeitsaufwand ist der gleiche. Was wirklich krass ist und was wir beide nicht absehen konnten, ist die Arbeit als Paar.

Ella: Vor allem, wie emotional das auch ist, wenn wir miteinander aufnehmen, Songs schreiben und dem anderen Feedback geben. Es ist wirklich schwer in solchen Momenten die Arbeit vom Privatleben so zu trennen, dass man nicht beleidigt ist. Man muss viel vorsichtiger sein in der Kommunikation und Interaktion. Ich habe aber noch nie mit einer anderen Band Songs geschrieben, immer nur gespielt deshalb kenne ich den Prozess sowie überhaupt nicht. Aber ich glaube, für Flo war es sehr ungewohnt, dass er in der Arbeit mit mir eine neue Sprache lernen musste.

Es ist sicherlich auch schwierig, weil die Grenzen zwischen einander anders gezogen sind. Wenn ihr in der Arbeit zusammenkracht, dann müsst ihr  am Abend trotzdem im gleichen Bett schlafen. Es ist ja nicht so, dass man den Proberaum oder das Studio verlassen und heimgehen kann und den anderen halt mal einen Tag nicht sieht. Der oder die andere sitzt nämlich dann in der Küche.

Ella: Ja (lacht).

Wie zieht man dann emotional seine Grenzen? In dem man einen genauen Arbeitsplan aufstellt und z.B, sagt: Ok. Jetzt sind wir in der Arbeit. Dann machen wir eine Pause, gehen raus und wenn wir wieder kommen sind wir privat. Irgendwie muss ja Platz zwischen einander geschaffen werden, dass man sich wieder als Paar treffen kann...

Flo: Man zieht die Grenzen nicht. Man überschreitet sie restlos und...

Ella lacht

Flo: ...endet in einem endlosen Tumult aus dem man sich nur ganz langsam wieder herausarbeitet. Ich würde es eher so beschreiben. Es wäre wünschenswert, wenn es so wäre, wie du es gerade beschrieben hast. Und wahrscheinlich, wenn man ein reifes und erwachsenes Produzentenpaar wäre, dann wäre das eventuell möglich. Es war uns aber leider nicht möglich diese Überlegenheit über unsere Charaktere zu legen.

Ella lacht.

Das heißt die Töpfe sind geflogen...

Flo: Ja, ungefähr so.

Ella: Ich glaube, das Schwierige ist, dass Musik-Machen - zumindest für mich - sehr emotional ist. Wenn ich Musik mache oder singe, öffne ich mich komplett. Mit der Konsequenz, dass ich super sensibel werde, was nicht gerade hilfreich ist in den meisten Situationen (lacht).

Flo: Es wäre vielleicht ganz lustig, wenn man alle diese Out-Takes veröffentlicht in denen Ella wutentbrannt ins Mikrofon geschrieen hat. Aber das wäre uns zu peinlich.

Jetzt lachen beide.

Ich möchte auch noch kurz auf die Texte zu sprechen kommen. In deinem Vorgängerprojekt Jools Hunter hast du, Ella, die Texte mittles der Cut-Up-Methode aus Gedichten von E.E.Cummings erstellt. Wie war das bei UMA?

Ella: Teilweise war es ähnlich jedoch ohne, dass ich mir einen konkreten Autor als Vorlage genommen habe. Ich mache mir viele Notizen und schreibe Phrasen aus Interviews, Gesprächen und Zeitungsartikel zusammen. Ich singe aber zuerst immer ohne Sinn und konzentriere mich mehr auf die Melodie eines Wortes oder einer Phrase. Der eigentliche Text kommt dann ganz zum Schluss, wenn das ganze Lied musikalisch schon fertig ist. An Hand der Melodie und Rhythmik des Songs versuche ich dann den Text mit Inhalt anzufüllen.

Wie schaffst du das dann, dass so ein in sich stimmiger Text entsteht?

Ella: Ich habe im letzten Sommer ganz viele Gedichte gelesen und mir ganz genau angesehen, wie die aufgebaut sind. Ich hatte und ich habe bis jetzt noch kein großes Bedürfnis eine so große Botschaft in die Welt zu tragen. Ich wollte eher, dass das ganze für UMA passt. Wir sind ja auch keine politische Band. Vielleicht passiert das einmal, aber im Moment ist das nicht so relevant. Daher habe ich mir große Pop-Songs als Vorlage genommen und angesehen, deren Struktur ist und wie manchen Wörter im Chorus und im Vers verwendet werden.

Wenn man nun alles, was man über euch weiß zusammenfasst, könnte man euch musikalische und textliche Forscher bezeichnen?

Flo: Der Klang ist eher konzeptionell als forschend. Es sind die Songs vielleicht von der Struktur forschend, aber von der Instrumentierung wollten wir uns schon begrenzen und nicht alles verwenden, das uns über den Weg läuft. Es war uns wichtig das analoge Equipement, das wir haben - die alten Drum-Machines, die alten Synthiesizer - so modern wie möglich einzusetzen und doch eine alte Aufnahmetechnik zu verwenden. Ich denke, aus diesem Spannungsfeld sind diese warmen Soundwelten entstanden. Ein bisschen haben wir auch danach gesucht. Aber es war eher das Beste aus dem rausholen, was wir haben und sind dabei schon einer starken Vision gefolgt.

Ella: Bezüglich des Textes, war es mir persönlich sehr wichtig zu lernen, wie man ein Lied auf dieser Ebene aufbauen kannn und wie man ein Lied so mit Text füllt, dass man eine kurze Geschichte oder einen kurzen Emotionsmoment erzählt.

Also, wieder der Gänsehaut-Effekt...

Ella: Genau.

UMA ist 2014 bei Seayou Records erschienen. Das Interview fand im selben Jahr statt.

oh-uma.tumblr.com

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AA Bronson

NEU-BAU | Archiv | 2014

Heiler. Künstler. Queere Ikone. Muse. Kurator. Officer of the Order of Canada. Mehrfacher Ehrendoktor. Hippie. Zeitungsherausgeber. Schamane. Chevalier de l’ordre des arts et des lettres der französischen Regierung. Gründer der „School of Young Shamans“. Die Berufs- und Identitätsliste des Kanadiers AA Bronson ist so vielseitig, dass sie für mehr als ein Leben ausreichen würde.

Bekannt, oder besser gesagt, berühmt geworden ist AA Bronson mit dem Künstlerkollektiv „General Idea“, das er zusammen mit den Künstlern Felix Partz und Jorge Zontal 1969 in Toronto/Kanada gründete. 25 Jahre lang verwebten die drei Freunde ihre gemeinsamen Erlebnisse sowie ihre Ansichten zur Pop- und Medienwelt zu interdisziplinären Kunstwerken und erlangten damit internationalen Ruhm. Ihr selbst-veröffentlichtes Magazin „FILE“ war legendär für unkonventionellen Inhalt und radikale Ästhetik und zählte u.A. auch Andy Warhol und Joseph Beuys zu seinen Abonnenten. Vor allem die AIDS-Krise die Anfang der 1990er wie ein Tsunami tausende von schwulen Männern mit sich in den Tod riss, spielt in den Arbeiten von General Idea eine tragende Rolle – leider auch deswegen, weil Partz und Zontal selbst an AIDS erkrankten. Skulpturen von überdimensionalen Tabletten oder die Anpassung von Robert Indiana’s Bild “LOVE” an das Word “AIDS” waren ihre Antworten auf die, in den 1990ern mehr und mehr um sich greifende, Angst und Ohnmacht gegenüber dieser damals neuen und fatalen Krankheit.

Als Zontal und Partz kurz nach ihrer Erkrankung an AIDS starben, fand AA Bronson Stütze im Schamanismus und in der Spiritualität. Aus dieser Stütze wurde schließlich seine Berfung. Die Berufung zum Heiler.

Ich treffe AA Bronson am Donaufestival 2014 in Krems. Er empfängt mich in einem Schamanenzelt aus bunten, handgewebten Teppichen. Ein junger, nackter Mann serviert Pfefferminztee in marokkanischen Teegläsern. AA Bronson liegt ausgestreckt auf einer Couch. Es folgt ein Gespräch über Identität, Schamanismus und wie wichtig es ist, als Heiler den Bodenkontakt nicht zu verlieren.

Wann bist du das 1. Mal mit Shamanismus und Spiritualität in Kontakt gekommen?

Als ich etwa sieben Jahre alt war begann ich mich für diese Themen zu interessieren. Ich war sehr einsam als Kind und hatte wenig Kontakt mit anderen Leuten. Alles, was ich gemacht habe war Lesen. Mein Vater war Pilot bei der Canadian Airforce, also sind wir alle drei Jahre umgezogen. Das habe ich immer als großes Glück angesehen, denn so hatte ich alle drei Jahre eine neue öffentliche Bibliothek zum „auslesen“.

Mit sieben bin ich oft in die Kirche gegangen und nach einiger Zeit hat mich die christliche Kirche richtig angewidert. Das hatte vor allem mit meinen damaligen Religionslehrern zu tun. Die waren zuvor Missionare in Afrika gewesen und das einzige, was die beiden im Unterricht getan hatten, war uns Diashows von den armen Kindern in Afrika zu zeigen. Das war auf der einen Seite natürlich aufregend, weil es exotisch war Menschen aus Afrika zu sehen. Aber auf der anderen Seite wollte ich unbedingt einen religiösen Unterricht haben. Ich wollte wirklich etwas über den christlichen Glauben lernen. Aber diese beiden Lehrer waren daran nicht interessiert. Im Endeffekt haben sie uns nur gebabysittet. Also begann ich  mich selber zu informieren und Bücher über Okkultismus, Hinduismus, Islamismus, Zen, Buddhismus und Schamanismus zu lesen.

War das auch eine Art Suche nach deiner eigenen Identität?

Ich denke schon. Ich war ein sehr sensibles und intuitives Kind. Ich hatte das Gefühl, dass es da etwas für mich gibt. Aber ich wusste nicht, was. Als ich dann älter wurde, kamen mir diese ganzen spirituellen Sachen lächerlich vor. Vor allem als Teenager.

Aber dann begann ich mich für Psychologie, insbesondere für Gestalt-Therapie zu interessieren. Ich wurde dann auch in meinen Hippie-Zeiten der Assistent eines Gestalt-Therpeuten. Wir sind gemeinsam durch das Land gezogen und haben Gruppentherapien für Truckfahrer angeboten (er lacht). In einer Art ist das nicht so unähnlich zu meiner jetzigen Arbeit als Heiler.

Wann hast du bemerkt, dass du eine besondere Gabe als Heiler hast?

Erst ab den späten 1980ern, als viele meiner Freunde begannen an AIDS zu sterben. Ich bemerkte, dass ich 1. keine Angst vor dem Tod hatte und auch mit jemanden, der bald sterben würde, zusammen sein und ganz offen über seinen Tod sprechen konnte. Und 2. war ich sehr gut darin, mich um sterbende Menschen zu kümmern. Ich habe als Künstler in einer Gruppe namens „General Idea“ gearbeitet und beide meine Freunde und Kollegen sind innerhalb eines kurzen Zeitraums an AIDS gestorben. Ich habe mich bis zu ihrem Tod um sie gekümmert und dafür auch Kurse über das Heilen gemacht. Aber wenn ich ganz ehrlich bin, dann hat eigentlich alles mit dem Tod meines Vater 1987 begonnen. Ich hatte dieses lächerliche Erlebnis. Ich sage deswegen „lächerlich“, weil es so ein Klischee ist. Ich habe seine Hand gehalten als er starb und ich erinnere mich, und das klingt nun eben so komisch, dass ich gesehen habe, wie er und ich einen langen Korridor entlang gegangen sind an dessen Ende ein sehr helles Licht leuchtete. Und ich wusste, dass ich ihn an diesem Punkt gehen lassen und ich umkehren musste.

In deinen Solo-Arbeiten als Künstler widmest du dich sehr schweren Themen, wie Tod, Traumata und Verlust. Welche Rolle spielt das Leben da eigentlich für dich?

Mit dem Älter-Werden, ich bin ja nun ein dummer alter Mann, habe ich mehr und mehr gelernt, wie wichtig Liebe und die Gemeinschaft mit anderen ist. Dass meine Rolle, besonders im Verhältnis zu anderen queeren Menschen, die ist sie anzunehmen, sie zu umarmen und ihnen einen Platz zu geben an dem sie sich verstanden und aufgehoben fühlen. Das wichtigste dabei und auch das wichtigste für mich im Leben ist, das Gefühl von Vertrauen, denn dann können magische Dinge passieren.

In einem Interview hast du einmal über deine frühen Selbstporträts gesagt, dass du damals nicht wusstest, wer du bist. Du warst dir zwar sicher, dass du Künstler sein wollest, aber hattest keine Ahnung davon, wie du diesen Traum verwirklichen könntest.Wie hast du deine künstlerische Sprache gefunden?

Ich denke, ich musste aufhören mich selbst zu verurteilen. Ich musste beginnen, mir zu erlauben, das zu tun, das ich für richtig hielt. Für mich passierte das dann in der Zusammenarbeit mit Felix Partz und Jorge Zontal in der Künstlergruppe „General Idea“.

In dieser Gruppe haben wir emotionalen und psychologischen Halt gefunden, um das zu tun, was uns unsere innere Stimme gesagt hatte. Uns allen dreien gab das einen Freiraum in dem wir unsere Ideen ausprobieren und umsetzen konnten ohne dabei über unsere Karrieren als Künstler oder die Anerkennung von Kritikern Gedanken zu machen.

Um noch einmal auf deine Arbeit als Heiler zurückzukommen. Wenn man auf so einem intensiven Level mit Leuten und deren Energien arbeitet, wo zieht man da die Grenzen zu sich selber?

Das Geheimnis, das ich für mich gefunden habe, ist keine Grenzen zu setzen und die Energie einfach in einen hineinströmen zu lassen. Aber ich muss mir dann immer sehr bewusst sein, dass ich die Energie auch wieder aus mir rauslasse. Dazu ist es sehr wichtig, dass ich direkten Kontakt mit dem Boden habe. Ich praktiziere auch nur barfuss, damit die Energie auch gleich über den Boden abgeleitet werden kann.

Wo findest du Ruhe?

Ich denke, in mir selbst und in meinem häuslichen Leben mit meinem Ehemann. Dort finde ich die Sicherheit und den Anker, den ich brauche, um das zu tun, was ich tue.

Das Interview fand 2014 statt.

www.aabronson.com