Sakura Baroque

ちょっとマニアックなバロック音楽の紹介

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J.G.Walther: Organ Concerto in B minor (after Vivaldi’s RV275)

遅くなりましたが、明けましておめでとうございます。現在大学の試験期間に近いということで、試験勉強と課題で押しつぶされそうです。というわけで、たぶん今月はこの更新のみです。

後期バロック時代になるとバッハなどがイタリアの協奏曲をオルガン用に編曲する動きを見せました。バッハの従兄にあたるヨハン・ゴットフリート・ヴァルター（Johann Gottfried Walther）もそうした編曲を手掛けた作曲家の一人で、バッハとともにオルガンを学んだと言われております。この曲はヴィヴァルディのヴァイオリン協奏曲を彼が編曲したものです。

こういうオルガンに編曲されたのを聞くと、オルガンが一人でオーケストラを奏でられるというのが改めて理解できます。また普通に器楽で演奏されるときと違ってより音の構造といいますか、音がどのように絡み合っているのかがより明らかになるようで面白いです。

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Tůma: Stabat Mater

ご無沙汰となってしまいましたが、ようやくある程度課題が片付き（それでも実はけっこう残っているんですが...）久しぶりの更新となります。2016年もあと僅か、今週の週末にはクリスマスも控えているということで、クリスマス・イヴに静かに聞きたいバロックを紹介していこうかなー、と思ってます。というわけでフランティシェク・イグナーツ・アントニン・トゥーマ（František Ignác Antonín Tůma）の聖歌Stanat Matar（スターバト・マーテル）です。トゥーマは1700年代にチェコのボヘミア出身の作曲家です。古典派になるとチェコという国は非常に重要な役割を担うことになるのですが、そのベースは後期バロック時代に築かれました。彼もその基礎となる作曲家の一人であり、チェコ音楽史においては重要な位置を占めているそうです。僕も最近まで知らなかった作曲家でした。彼自身は声楽だけでなくシンフォニア、ソナタといった多様な曲を書いております。

Stanat Materというのはカトリック教会における聖歌の一つで、「聖母哀傷」と邦訳されることが多いです。歌詞は死刑を言い渡され、十字架に架けられた我が子キリストを思うマリアの心境を描いた詩となっており、なかなかに強烈です。興味がある方はWikipediaに邦訳が載っていたので参照されるとよいと思います。僕自身はキリスト教徒というわけではないのですが、何となくマリアの心の痛みが伝わってきます。この痛烈な感情を優しく包み込むトゥーマの声楽は、きっとクリスマスに相応しい厳かな雰囲気を誘ってくれることと思います。

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Weichlein: Passacaglia

もう2016年も残すところ僅か1ヶ月となりまして、本当に時が過ぎるのは早いものだと改めて実感しております。体調管理だけでも徹底しておきたいものです。

さて、12月のトップバッターを務めますのはオーストリア出身の作曲家ロマヌス・ヴァイヒライン（Romanus Weichlein）が手がけたパッサカリアです。YouTubeなどで調べると「Bassagaglia」の表記が多いのですが、これは恐らく元の楽譜の文字が非常に見づらいために起きたものだと思われ、確かにヴァイオリンパートの楽譜を見ると「Bassagaglia」と書かれているように見えましたが、通奏低音の楽譜を見た限りでは「Passacaglia」の表記となっていましたので、こちらに合わせることにしました。パッサカリアというのは所謂変奏曲というもので、オスティナート・バス（一定の和声進行によるバスパート）を伴うものを指します。そのため、通奏低音の楽譜はA4一枚に印刷しきれるという非常にシンプルな譜面になりますが、演奏者が変奏ヴァリエーションごとにアレンジを加えないといけないので、そこが腕の見せどころではあります。

この曲は『音楽の復興祭（Encaenia musices, Op.1）』という曲集に所収されていますが、そのタイトルはバロック音楽が漸進的に変化しつつあることを示唆しているような気がします。彼自身はシュメルツァーらの音楽を踏襲しているような節があり、この曲もシュメルツァーの『「美しい羊飼い」による変奏曲（La bella pastora）』に似ている作風にあると思います。また、6小節で1フレーズという構成で、ちょっと舞曲チックなところもあります。何となく悲痛な嘆きのような感情が想起させられて、美しい曲だと思いました。

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Heinichen: Violin Concerto in A minor

前の投稿からけっこう間が空いてしまいました。ここ最近大学の課題に追われまくっており、実は「おっこれいい曲じゃん」と思ってメモしていたリンクが下書きにけっこう溜まってしまっています。そんな前置きはさておき、今日はヨーハン・ダーフィト・ハイニヒェン（Johann David Heinichen）のヴァイオリン協奏曲イ短調です。ハイニヒェンはドイツ後期バロックの作曲家で、イタリアへの留学経験もあります。

その経験からなのか、ちょっとヴィヴァルティっぽいところがあります。ヴァイオリンのソロのところの進行とか飄々とした感じで、かなりヴィヴァルティに近いのでは。一方ユニゾンになっている部分の旋律なんかはズンズンと行進しているかのような印象で、「ああ、ドイツっぽいなぁ」と思わせてくれるところも二度美味しいポイントです。何回か前のアウフシュナイターのように、もっと注目されてほしい作曲家です。

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Albinoni: Sonata a cinque in D major, Op.2-No.5

「バロックの入門に何を聞いたらよいか」と尋ねられたら、恐らく僕はコレッリか、今日ご紹介するトマソ・ジョバンニ・アルビノーニ（Tomaso Giovanni Albinoni）を勧めると思います。アルビノーニの曲は、バロック時代によく見られる音の使い方や作曲技法がギュッと凝縮されているだけでなく、展開が明快なため聞きやすい作品が多く、さらにいうと彼の曲は時代を追うごとに古典派チックに変化するので、その変遷がよく見えるのです。今回ご紹介したOp.5 『5声のソナタ』は彼の前半の作品で、コレッリら中期バロックとの類似点が至る所に認められますが、彼の生涯の後半の曲集、とくにOp.10あたりまで行くとヴィヴァルディかそれより先の作曲家の作風に近づくのがわかります。

慈愛に満ち溢れた揺り籠の中にいるような1楽章、踊りたくなるような軽やかなフーガ風の2楽章、一転して暗い夜の街に訪れた静けさのような3楽章、そして再び爽やかな天気のもと踊りだすような華やかな4楽章。解釈は人それぞれですが、ある程度どういう方向で物語が進むのか想像しやすいので、皆様もそれぞれの物語を考えながら聞いてみると面白いと思いますよ。

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Fasch: Recorder Quartet in B-flat major, FWV N:B1

記事を書いていて「ここ最近重たい音楽ばっかり取り上げているな...」と思ったので、久しぶりに気楽に聞けそうな音楽をご紹介します。ドイツ後期バロックの作曲家ヨハン・フリードリヒ・ファッシュ（Johann Friedrich Fasch）のリコーダー四重奏 FWV N:B1です。リコーダー四重奏といっても実際の編成は動画のようにリコーダーに加えてヴァイオリン、オーボエ、そして通奏低音という組み合わせが一般的のようです。

緩-急-緩-急で三楽章に短調の楽章を挟むという、比較的典型的な進行ではありますが、パート間のバトン渡しがよく見える曲で、換言すればそれぞれのパートの独立性と協調性が同時に満たされている音楽の良例だと思います。耳にスッと入ってくるような明快な旋律が好感触です。特にリチェルカーレ風 （旋律を模倣しながらしながら進むスタイル。フーガの一種。）の2楽章が好きです。

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Pezel: Ciacona from Opus musicum sonatarum praestantissimarum

ここ最近ドイツ・バロックを取り上げる記事が増えてきましたが、また一人ご紹介することにします。今回はヨハン・クリストフ・ペツェル（Johann Christoph Pezel）という中期バロックの作曲家です。これは『Opus musicum sonatarum praestantissimarum』という曲集の最後にあるチャコーナ（舞曲の一種）なのですが、英語では”Alphabet Sonatas”と訳されているようで、というのはこの曲集にはチャコーナを除くと24曲が収録されているのですが、その24曲すべてに歴史や神話になぞらえたAからZまでの女性の名前を順に冠した標題が付いているのです。なぜなのか、と言われると正直分かりませんが、何かしら当時の社会と関係していると推測するのが妥当なのでしょうか... 

曲集の最後をチャコーナで締めるというのは僕の知る限りだと同時代のドイツにはあまりなかった気がしますが、例えばコレッリのトリオソナタ集Op.2などでもみられます。コレッリの場合も、それまでの11曲はいわゆる室内ソナタ形式と呼ばれる緩-急-緩の3楽章形式なのですが、最後の12曲目にて1楽章形式のチャコーナを置いているのです。さらに面白いのは、コレッリがその曲集を出した一年後にペツェルもこの曲集を出しているのです。ペツェルがコレッリを意識していたのか、はたまた別の理由か。 またチャコーナの割には曲が15分と長大であることも（地味にではありますが）珍しいポイントだと思います。

こんな感じで個人的な謎は残ってはいますが、僕はこの曲が結構好きです。合奏部分の絢爛さと、とソロ部分のシンプルながらも甘美な旋律の対比がうまい具合に出来ており、非常に洗練された印象を受けました。ソロ部分には様々なヴァリエーションがあって、長大な曲に飽きが来ないような工夫がされているのがよく分かります。

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Tartini: Sonata No.7 in A minor, B.a1 (3rd movement)

有名な悪魔のトリルを作曲したジュゼッペ・タルティーニ（Giuseppe Tartini）ですが、彼のヴァイオリンの技量は素晴らしいもので、それゆえ彼の曲も技巧的なものが多数を占めています。このソナタ第7番イ短調も技巧的なパッセージが散見されます。

基本的に初めの数小節の主題を変奏曲風に繰り返しているのですが、そもそもの主題が超カッコいいし、これが思った以上にヴァリエーションに富んでいるため10分超の曲にも関わらず体感的にはもう少し短く感じます。技巧的なタルティーニの曲にはまさに「タルティーニ節」というべきものがあるような気がしまして、個人的には、特に彼の短調の曲について、装飾的な音の使い方が歯痒さのようなものをこちらに提示しているような気がします。言ってみれば、彼の曲は一種の苦しみと共にあるような気がします。それは悪魔のトリルもまた同じくであり、自分のヴァイオリンの技量に納得することが出来ずに苦悩した彼の姿に重なる部分があるのかもしれません。

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Aufschnaiter: Sonata No.6 ‘S. Marci’ from Dulcis Fidium Harmonia

最近、超が付くほどすっかり気に入ってしまったのがベネディクト・アントン・アウフシュナイター（Benedikt Anton Aufschnaiter）という後期オーストリアの作曲家です。彼は宗教曲を中心に手掛けていたようですが、器楽曲もいくつか遺しています。その一つにこの『Dulcis Fidium Harmonia《甘美なる和声の調べ》』という曲集があります。

この曲集は8つのソナタで構成されているんですが、その全てのタイトルにキリスト教の聖人の名を冠しています。ご紹介しました曲も聖マルコ（Saint Marco）からその名を取っているようです。キリスト教徒ではないのでそれぞれの聖人については全くもって無知ですが、各曲とも緩急がハッキリしておりドラマチックな展開があることを鑑みると、きっと彼らの人生や人柄というものが織り込まれているのでしょう。当時の宗教観を読み解くうえでも参考になるのでは。そして曲集名通りの「甘美なる和声」が本当に鳥肌が立つぐらいに美麗です。甘いところは砂糖のように本当に甘いです。バロック時代後期の南ドイツやオーストリアではイタリアの音楽スタイルを取り入れようという動きが強まったようで、本曲もハーモニーがイタリアの影響を強く受けていることが分かると思います。しかしそこには中期ドイツのキリッとした感じ、巻いてくる感じ、ひっくるめると安定感というのが背景に残っているのもまたイイ。

今年僕が最も注目している作曲家です。彼の他の作品も是非紹介したいと思っております。

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Albertini: 12 Violin Sonatas

初見でビーバーやヴァルターなどの中期ドイツ・バロックに散見されるヴァイオリン・ソナタに作風が似ていると思ったのですが、イグナツィオ・アルベルティーニ （Ignazio Albertini）という作曲家の名前の響きはイタリア... どっちなんだろうと思ったらイタリア人でした。しかし前半の予測も実はそんなに的外れではなかったようで、彼はオーストリアへ移住した他、オーストリアのヨハン・ハインリヒ・シュメルツァー（Johann Heinrich Schmelzer）とも交流があったそうです。彼はその死まで神聖ローマのフェルナンド三世の皇后の宮廷音楽家として仕えていたそうですが、それ以外の経歴については不明。なかなか脚光の当たらない作曲家で、というのも彼が出版した唯一の曲集『12 Violins Sonatas《12のヴァイオリン・ソナタ》』は彼の死後に出版されたものの間もなく絶版となったようで、現在ではフランスの国立図書館に蔵書があるのみだそうです。

やはり技巧的かつ華麗な旋律とドシッと構えた通奏低音の組み合わせは、一言でいえばカッコいい。バラエティに富んでいますが、とくに大河のように雄大な曲が多く、自然と引き込まれていきます。それでいて上品さも具備しており、このあたりがビーバーやヴァルターのソナタとの違いなのでしょうか。ビーバーらの作品は結構激しいものが多い気がしますが、彼の作品は様々な方向性を持った抒情的な要素が多く含まれているように思われます。

ちなみに曲の間に演奏されているテオルボやチェンバロの独奏は彼の作品ではなく、アンジェロ・ミケーレ・バルトロッティ（Angelo Michele Bartolotti）やヨハン・カスパール・ケルル（Johann Caspar Kerll）などの作曲家によるものです。

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Wassenaer: Conrerti Armonici No.6 in E-flat major

18世紀前半を生きたユニコ・ヴィルヘルム・ファン・ヴァッセナール・オブダム伯爵（Unico Wilhelm van Wassenaer Obdam）というオランダの貴族が手掛けた曲集『Concerti Armonici《調和の協奏曲集》』というものがあります。長い間、同時代に活躍したジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージ（Giovanni Battista Pergolesi）作だと思われていたようですが、1970年頃になってオランダの公文書で明らかになったとか。

バロック時代には「調和」という言葉を冠した曲集が幾つかありまして、その筆頭はヴィヴァルディの『L'estro Armonico《調和の霊感》』です。一方でバロック時代全体としては、後の時代に「歪な真珠」と揶揄されるように、調和を重んじるというよりはむしろルネサンスからの脱却という意味で「非調和」を志向していたというのもちょろっと見たことがあります。そんなこんなで、調和という言葉が何故使われている曲集が複数見られるのかというのには謎が残る部分がありますが、いずれにしても恐らく和声を重視したという意味での「調和」なのだろうと推測できます。すなわち対位法に代表されるように各パートの独立性に重きを置きつつ、それらがバラバラになりすぎないよう和声にも配慮したということなのでしょう。あくまで憶測ですが...

彼の作品群は作曲活動を生業としていない、いわゆる「アマチュア」の作品としては非常に重要かつ貴重なものですが、とりわけこの曲については小鳥のさえずりが聞こえる春の花畑に囲まれたような心地がする曲で、他の作曲家にも引けを取らない良作だと思います。

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Corrette:  Les Délices de la Solitude

naxosで色々探しているうちにミシェル・コレット（Michel Corrette）の『Les Délices de la Solitude《孤独の悦び》』という曲集名に惹かれて聴いてみたら思った以上にいい感じだったのでご紹介。これはバロックと古典派の過渡期を生きたフランスの作曲家ミシェル・コレッテが遺したものですが、ソロ楽器がファゴットだったりホルンだったりと、なかなか面白い曲集です。

“The Grove Concise Dictionary of Music”には、「彼の音楽のほとんどは安っぽく取るに足らず、彼の作品の多くは通俗的なメロディが使われている」と酷評されているらしいが、柴田先生の前掲書には「彼はひじょうに多作の上に、かなり風変わりな曲を残している」とある。 （孤独の悦び-クラシック音楽の小窓 より）

この引用元の記事でも紹介されているように、彼についてはメロディが使い古されたものだという主張（酷評）がちょこちょこあるようですが、僕個人はむしろ一種「作法」を守っているという意味でポジティブに捉えるべきではないかと思います。特に20世紀以降の音楽と違って当時は作法なようなものを守ることが大いに求められていた時代ですから、ある意味では的外れな指摘であるような気がいたします。ある程度の規範の中でちょっとズレたところがあるからバロック音楽は面白いと、僕はそう思っています。

さてさて、やはりこの通奏低音を寄せ集めたような楽器編成ですから、全体的には華やかさというよりは荘厳な音楽に仕上がっております。  フランス・バロックということでもっと重厚なものと予想していたのですが、 低音域だからこその温もりというか語りかけてくる感じがとても好印象です。孤独の悦びという曲集名から想像されるような悲壮感あふれる曲は少なく、孤独を癒す、あるいは楽しむ人の姿が思い浮かびます。曲によっては思った以上に躍動的で激情的にさえ感じるものもありました。普段あまり表舞台には立たない楽器の可能性を広げたという意味で、是非彼の音楽には注目してみたいものです。

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Werner:  Musicalischer Instrumental-Calender

ヴィヴァルディやグイード（こちらの記事で一度紹介しました）の四季のように、音楽には季節をモチーフにしたものって結構ありますよね。西洋に限らず、日本でも桜とか赤とんぼとか、そういう感じで何かしら季節を描写しようとする試みというのは万国共通なのでしょう。本日はグレゴール・ヨーゼフ・ヴェルナー（Gregor Joseph Werner）がカレンダーをプレゼントしてくれるようです。その名も『Musicalischer Instrumental-Calender《音楽カレンダー》』。1月から12月までの曲（組曲？）がズラッと収められております。

ヴェルナーはオーストリア人で、どうやらウィーンでヨハン・ヨーゼフ・フックス（Johann Joseph Fux）から音楽を学び、その後はその生涯に渡って宮廷に仕えていたようです。彼は名前こそあまり知られていませんが意外と多作家であり、宗教曲、世俗曲両方の作曲を手掛けたようですが、フックスの影響は特に宗教曲に見られます。一方の今回の音楽カレンダーなどの世俗曲は比較的キャッチーなものが多いです。

かなり自由な着想を感じさせる音楽ですが、一部の楽章には副題のようなものが付いており、それが結構的を得ている点には注目すべきです。たとえば、一番初めの1月の1楽章は「Az új év kezdete（ハンガリー語で”新年の始まり”の意）とか、あと面白いのは11月の1楽章は「A mélabús diák（気怠い学生）」。僕個人としては11月は布団から出るのが辛くなる時期ですが、やはり今も昔もどこの国でも学生にとっては11月は億劫な月なんですね...（笑） かなり気楽に聴ける曲集なので、是非お気に入りの月のカレンダーを探してみてください。

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Muffat: Armonico Tributo

最近バロック界で密かなブームが来ている（らしい...？）ゲオルグ・ムファット（Georg Muffat）。本日は彼の作品の中では比較的有名な『Armonico Tributo《調和のささげもの》』です。ムファットはフランス生まれですが、彼自身はドイツ人としての意識が強かったようで、初めこそフランスにてリュリから音楽を学びますが、その後はイタリアやオーストリアを巡り最後はドイツにてその生涯を閉じたそうです。彼はオルガン奏者だったようで、『Apparatus musico-organisticus《オルガン音楽の練習》』という曲集にはトッカータなどが収められています。また彼の息子ゴットリープ・ムファット（Gottlieb Muffat）も作曲家であります。

その人生に裏付けられるような彼のコスモポリタンな音楽は最近かなり注目されているようで、彼の曲が演奏される機会は以前と比べたら相当増えています。特に彼はコレッリの音楽に感銘を受けたようで、「あ、このフレーズとコレッリのトリオ・ソナタすっごい似てる！」って思う部分がかなりあります。そこにフランスのイネガル風の音型を入れながら、そしてドイツの劇的な物語展開を盛り込むという、贅沢に贅沢を重ねたような曲集だと思います。

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T.A.Vitali: 12 Trio Sonatas

恐らくヴァイオリンを習ったことがある方は一度はトマソ・アントニオ・ヴィターリ（Tomaso Antonio Vitali）という名前を聞いたことがあるかもしれません。僕なんかは篠崎の教本を使っていましたが、後半（5巻か6巻だったかな...）で彼のシャコンヌが収録されていました。まだ教本が3巻あたりだった頃、ヴァイオリン教室の発表会で当時高校生ぐらいの生徒が演奏していたシャコンヌに惹かれてしまい、その数年後ようやく自分も弾くようになるまで憧れの曲でした。厳密には、教本等に収められている一般的なものは、ほぼ100％モダン風に編曲されているものですが... 残念ながらなかなかバロック時代の奏法での録音はないんですよね......

何はともあれ、やはりヴィターリというとシャコンヌ。そう、それはそうなんですが、この際是非ヴィターリの他の曲も聴いていただきたく思います。今回は彼の『12のトリオソナタ』です。彼はコレッリや同じく作曲家だった彼の父ジョバンニ・バティスタ・ヴィターリ（Giovanni Battista Vitali）の影響を色濃く受けているような印象です。 実際、ヴィターリは父の赴任に同行したようであり、父の音楽を身近で聞いていたことと思います。また「トリオ・ソナタ」というとコレッリの名前が真っ先に挙がりますが、父ヴィターリもトリオ・ソナタの確立に貢献した方でもあり、さらにいうとコレッリにも大きな影響を与えています。

個人的な印象としては、フワフワとした曲が多いような気がします。音楽自体がが比較的高音域を中心としていて、さらに早い楽章での軽快なパッセージにおいては通奏低音の音の密度が低いため、より一層ふわっとした音楽に聞こえるのではないかと思っております。

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Sanz: Danza de las hachas

このブログを書き始めてから、本当に知らない作曲家に出会う機会が増えたような気がします。「ブログのネタ探すぞ！」というのが頭の片隅にあるからかもしれませんけど...... 本日の記事でご紹介する方も僕は1時間前まで知りませんでした。適当にnaxosを放浪しているうちに流れ流れて、たまたまこの方の名前を見つけた...... という感じです。

さてさて、今回は本ブログ初めての、そして僕自身もあまり聞く機会のないスペイン人作曲家です。 ガスパル・サンス（Gaspar Sanz）の教則本『Instrucción de música sobre la guitarra española （スペイン・ギターによる音楽教育）』から、「Danza de las hachas （たいまつの踊り）」をお届けします。

サンスはスペイン・バロック時代の重要なギター奏者、作曲家の一人（らしい...）で、イタリアを旅しクリストフォロ・カレザーナ（Cristofaro Caresana）の指導を受けたとか。ほか様々なイタリアの作曲家らのもとで勉強をしたそうです。その後、帰国してからはマドリードの宮廷に仕えたそうで、王の好みをよく熟知していたとも言われておりますが、サラゴサに居たという記録もあり、なかなか謎の多い人物であります。彼の音楽は20世紀に入ってから編曲されることがしばしばあり、例えばこちらのホアキン・ロドリーゴ・ビドレ（Joaquín Rodrigo Vidre）の『ある貴紳のための幻想曲』という協奏曲にはこのサンスの教則本から6つの舞曲（この曲も入っています）にアレンジを施したものなどがあります。

スペインにイタリアの風が吹き込むと、こういう作品になるんですね。フォリアなどのスペイン舞曲がイタリアやフランスに持ち込まれ各地で発展したのはご存じの方も多いと思いますか、この曲はいわば「逆輸入」しております。僕個人のイメージはスペイン・バロック音楽に対するイメージは、ギター曲が非常に多いことと、葉から雫がぽろぽろと落ちるような音楽が目立つ、独特の和音が用いられる、という感じでした。、そこにイタリアの音楽を持ち込むことによってよりスムーズな流れが生まれ、ちょっとした親近感が湧いてくるような気がします。

本来は恐らくギター1本で演奏する曲ではありますが、こちらの演奏が2国の融合している感じが分かり易いと思いましたので弦楽編成の動画をご紹介しました。もちろん本来のギター・ソロでの演奏も是非聞いてみてください。こちらから行けます。この曲は35分を過ぎたあたりにありますが、実は原曲そのものは1分程度ですので、時間がございましたら他の曲も併せて聞いてみると良いと思います。

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Zach: Harp Concerto in C minor

バロック時代においては、ハープがアンサンブルで用いられるということは本当に少なかったようです。単独で用いられることはあったようですが、アンサンブルに限るとヘンデルのハープ協奏曲（Op.6 No.8）ぐらいしか見当たらなかったのですが、つい先日ふと見つけたのがこのヤン・ツァハ（Jan Zach）のハープ協奏曲です。といっても彼は1699年生まれなので、バロックと古典派の狭間という感じで、実際どっちに分類されるのかは人によるみたいですが、その辺はラフに扱おうと思います。

そもそもハープの原型こそ古代メソポタミア文明からあるものの、ハープが大きく発展したのは17世紀後半にできたものらしく、それゆえ曲数がかなり限られてくるということでしょう。もちろん17世紀にもハープ自体はあったようで、16世紀のルネサンス時代にもルネサンス・ハープというのがあったようですが、本格的に使われるようになったのは18世紀に入ってからだと思われます。実際、古典派が興隆する18世紀後半になると、ハープが大いに活躍する曲が増えてきますし、オーケストラなんかにも使われるようになりますね。もっと知りたいという方はハープ奏者の西山まりえさんのホームページが参考になるでしょう。

この曲においてはハープが曲全体の流れを生み出すチェンバロのような役割を果たしてます。チェンバロと比べるとやはり音の残響が特徴的で、ふわっとした感じが新鮮です。それに加えてツァハの故郷チェコの東欧感といいますか、ちょっと舞曲っぽいといいますか...... 有名なハンガリー民謡の「マジャールの踊り」に何となく似ている気がして面白いと思います。