#d.e.a.

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Il teatro abitato. Per una moltiplicazione degli sguardi e delle voci

E’ stata una residenza intesa e partecipata quella vissuta dalla compagnia teatroINfolle al lavoro sul loro primo progetto creativo. Appena arrivati a Mondaino hanno incontrato gli spettatori e le spettatrici che fanno parte del gruppo Il pane quotidiano. La moltiplicazione degli sguardi. Dopo la visione di alcuni momenti di lavoro della compagnia impegnata nel montaggio di alcune scene di OUTIS. Viaggio per mare, il dialogo si è aperto intorno ai temi del progetto, ai racconti e alla scrittura drammaturgica, alle macchine che animano le scene e alla grande assente: l’acqua. Il mare non c’è, viene suggerito, dai suoni e dai riflessi di luce, dalle parole; al posto dell’acqua polvere e stelle, vento e tempesta ed è li che il pubblico lo scorge il sapore della salsedine, e in quel sentimento del mare che abita tutti i personaggi.

I naufraghi li avevo incontrati nella serata di presentazione Acqua fresca e mite Acqua aperta all'ascolto All'ascolto del e nel vento Il vento che da fuori per una volta vien travolto da chi trova sul proprio passaggio Mio figlio bambino, s'è aggiunto all'onda per vicissitudini familiari Noi abbiam sentito Sentito Sentito tanto Sentito forse non tutto Abbiamo sentito l'acqua che non c'era Abbiamo sentito la voce nei canti popolari di chi non c'è Abbiamo sentito avvertito le persone vicine anche se con una vela su bocca e naso Ci siamo cullati con voi Abbiamo sentito forte e sicuro l'albero maestro di una collettività che ha trovato un approdo di speranza e fiduciaGrazie da parte di Giulio che ha tanto gradito lo spuntino "È gratis!"  di fine spettacolo 

Giocosamente Manuela, spettatrice e partecipante de Il pane quotidiano 

Il nucleo della compagnia si è formato anche sotto le travi del Teatro Dimora e nella natura di Mondaino, quando Teatro Valdoca ha lavorato al progetto Giuramenti; poi teatroINfolle ha preso unendosi proprio intono a questo progetto che tiene insieme tutte le specificità di ogni singolo artista dando vita a un coro di voci e corpi che evoca il mare. 

La compagnia ha anche incontrato i bambini e le bambine delle scuole elementari di Mondaino. Dopo due anni, infatti, fatta eccezione per la breve esperienza che si è attivata online per le scuole grazie al progetto Residenze Digitali, è ripartito il progetto la Scuola elementare del teatro e della danza, un’esperienza che consente ai bambini e alle bambine di entrare a stento contatto con il lavoro degli artisti in residenza condividendo con gli artisti riflessioni, immagini, questioni che sia aprono in risposta alla visione. Ed è qui, con i bambini e le bambine, che il teatro ha fatto subito da grimaldello riflessivo sulla realtà. Da una parte le macchine sceniche, progettate dal collettivo veneto, hanno subito evocato nella loro mente le macchine leonardesche riportandoli dritto dritto a un progetto che stanno sviluppando a scuola sull’immaginario di Leonardo Da Vinci, dall’altra la guerra: sono quei suoni, che riverberano di acque profonde e oscurità, i rimbombi elettronici e potenti che evocano subito alla mente dei bambini l’eco della tragedia che non molto distante da qui si muove via via più atrocemente. 

Poi è arrivato il giorno della prova aperta aperta al pubblico, anticipata dall’inaugurazione della mostra di disegni di Andrea Bonetti, che ha dato il via ad una collaborazione, della quale siamo onorati, con l’associazione ALMA Animatori un collettivo di artiste e artisti marchigiani che sostengono e promuovo l’arte dell’animazione, del fumetto e dell’illustrazione sostenuti da un parterre di soci internazionali. Durante tutto il 2022 gli spettatori e le spettatrici avrano così l’occasione di entrare nelle visioni dei giovani artisti e delle giovani artiste che saranno ospiti di DEA. 

Perdere/Perdersi. E’ questa la parola che mi resta dopo il cortocircuito che i disegni di Andrea prima e le scene di teatroINfolle poi hanno provocato nella mia visione. I disegni, le immagini e i suoni dello spettacolo hanno aperto paesaggi che ci abitano e ci hanno abitato: nell’attraversarli l’idea di viaggio tra immaginari cosi differenti si è sovrapposta connettendosi è sul sentimento della perdita.

Perdere una terra. Perdere vele e timone. Perdere la ciurma. Perdere il respiro. Perdersi lungo una strada grigia, fermarsi davanti a una piccola pianta, verde. Perdere una persona cara. Perdersi nei labirinti dell’immaginazione. Perdere la vita. Perdersi nello scorrere dei giorni. Perdersi nella danza vorticosa che si riverbera da specchi d’acqua. Perdersi in un tempo indefinito, in un luogo misterioso, un teatro che sa di antico. Sentirsi persi in una camera vuota. Perdere, perdersi, lasciar andare.

Apro la porta del teatro e ci sono tanti occhi,sguardi belli Siamo tutti lì col cuore aperto... Subito catturata da piccoli disegni, delicati e potenti che mi hanno fatto sentite carezze e fruscio di ali di colibrì...

Poi lo spettacolo... E ho sentito il sole sulla pelle, il sale sulla pelle, il vento sulla pelle... Quiete, tempesta e voci come i canti delle sirene Corpi che hanno dato tanto e il corpo è la cosa più spirituale che abbiamo... ci aggancia al Tutto! Bravura Unità Bellezza L'ho sentita una serata importante,una ripresa,un battesimo in quel mare E sono uscita felice!

Sandra, spettatrice e partecipante de Il pane quotidiano 

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Inaugura domenica 16 giugno la nuova mostra nel foyer del teatro. sarà possibile visitarla fino alla fine di agosto.

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D.E.A. #2

[…] sotterrando, de-costruendo e sotilizzando le strutture naturali, i loro ordini algebrici e sinuosi, le loro simmetrie come le loro discrepanze, l’artista ci consegna quasi una “geografia del profondo”, dove l’elemento paesaggistico ed elemento fisico/chimico, in una incomprensibile e perpetuosa specularità, finiscono per disegnare quello che è il profilo più remoto del mondo. 

Roberta Bertozzi

COGLIERE E RESTITUIRE  (cartografie dal mondo vegetale)

Cogliere e restituire non è solo il titolo della mia ultima serie di tavole ma è per me una filosofia e un atteggiamento che accompagna quotidianamente il mio esistere e di conseguenza il mio lavoro come artista. Costantemente immersa in ambienti naturali raccolgo, fisicamente e visivamente, gli indizi lasciati dalla terra, dalle piante, dalla roccia, dall’acqua. Colleziono informazioni nascoste tra i ritmi ripetuti da ogni elemento, tra i disegni metodici all’interno di ogni seme, germoglio, fiore… mi perdo tra le texture di ogni roccia che incontro, mi lascio ipnotizzare dai mantra millenari delle comunità di fili d’erba. Colgo tutto questo con la piena coscienza di un disegno enorme e ordinato e con lo smarrimento di un essere umano che ha perso parti di memoria e che tenta di assemblare i pezzi, guidato dall’entusiasmo dello scienziato e un agire prevalentemente intuitivo. Quindi cogliere e raccogliere per poi osservare, interiorizzare e restituire per immagini che non vogliono avere la pretesa di spiegare qualcosa ma solo sottolineare e ricordare una parte precisa tra i tanti appunti, con la speranza un giorno di poterli unire tutti e trovare non tanto una risposta quanto più una domanda precisa. Con il forte desiderio di indagare passo per passo tutti gli elementi naturali che hanno un forte legame, nonché ascendente, sul nostro esistere, parto con questa nuova seria dedicata al mondo dei vegetali, rivolgendo un’attenzione particolare alle specie autoctone primitive ancora esistenti sul territorio italiano e che hanno una memoria molto antica. Questo guardare lo scorrere del tempo attraverso tutti gli elementi appartenenti alla natura per rivelare (spesso in maniera incomprensibile all’uomo) le memorie più antiche di questo pianeta ci mantiene connessi con le nostre origini.  Le piante hanno da sempre avuto un ruolo importantissimo nella storia dei popoli, sono state per noi nutrimento, fonte di ispirazione creativa, cura e spesso hanno decodificato la simbologia sacra. Non potevo che dedicare una serie di lavori a quelle piante “superstiti” che da centinaia di anni abitano il territorio in cui vivo. Esse arrivano direttamente dal mare e si sono abilmente adattate alla vita di superfice trasformando lentamente la loro anatomia e mutando il comportamento e il sistema di circolazione del nutrimento. Hanno in loro la forza e una straordinaria bellezza. Vivono inevitabilmente le zone più umide dei boschi a contatto con la penombra e i terreni soffici e scuri, sono strettamente legate all’acqua che è simbolo di femminilità e fertilità. Costruiscono gli scenari più affascinanti e misteriosi dei boschi Italiani, luoghi da me prediletti e tutti i giorni parlano del mare che è stato e ne restituiscono la memoria attraverso il suo profumo una volta morte. Colgo indizi e informazioni tra le zone umide e verdi dei luoghi che attraverso e restituisco brandelli di mappe da ricomporre cercando di orientarmi, cercando di ricordare e di conservare la memoria. Faccio luce su una storia già scritta da tempo e che è solo da rileggere. Focalizzo lo sguardo sui piccoli processi, sui dettagli, sulle manifestazioni nel micro, perché li nasce tutto ciò che vediamo allontanando lo sguardo.           

Veronica Azzinari

Bio

Veronica Azzinari nasce a Milano nel 1986.Si diploma presso la Scuola del Libro ad Urbino nella sezione di Cinema di Animazione e nel 2010 inizia una personale ricerca nel mondo dell’incisione grazie all’incontro con Opificio della Rosa, studio e stamperia dedicato alla grafica originale. Sin dall’adolescenza sente il forte desiderio di interrogarsi sulle origini, desiderio che diventa ben presto ricerca umana/individuale ed artistica. Comprende ben presto che è necessario partire dalla comprensione della natura circostante per porsi domande giuste rispetto alla nostra esistenza. Camminare come unica pratica utile al “ridimensionamento”, quasi un metodo per riportarci in asse con la linea del tempo e connetterci con lo spazio e con i perpetui messaggi antichissimi portati dal vento, dalle piante, dall’acqua. Dalle camminate, dalle esplorazioni, dallo studio e dai preziosi incontri con professionisti e scienziati nasce Cogliere e restituire-cartografie dell’origine, una serie lunga tutta la vita e che parte a cavallo del 2017/2018 facendo luce sui vegetali considerati preistorici ancora esistenti sul territorio Italiano. Piante preziosissime, impressionantemente forti e affascinanti ma allo stesso tempo, poco considerate che vivono le zone più umide dei nostri boschi e portano in loro la memoria del mare. Tutte le carte che compongono la serie sono stampate in calcografia su carta di cotone fatta a mano presso il laboratorio del mastro cartaio Lorenzo Santoni di Fabriano.

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Ieri sera si è chiusa la mostra SUCCULENTE di Annalisa Trapani e Laura Nomisake tratta dall'omonima graphic novel. Grazie a chi ha partecipato all'evento di finissage, alle artiste, a TONY LIGHT (MI) e a Mirco Lorenzi per le foto.

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La prossima mostra Alberi di Mirco Lorenzi inaugurerà il 6 settembre 2024 nel foyer D.E.A. Dimora d'Esposizioni d'Arte in occasione della prova aperta di Hamdi Dridi / Cie Chantiers Publics (TUN/FR).

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Ieri sera, in occasione della festa di riapertura del teatro con la prova aperta di Collettivo Cinetico, è stata inaugurata la nuova esposizione nel foyer D.E.A., dal titolo Succulente.

Questa mostra è particolare perché le immagini sono tavole tratte dall’omonima graphic novel di Annalisa Trapani che ha curato i testi e Laura Nomisake che ha invece disegnato le tavole.

È un fumetto che mi sembra riprenda quel filone del fumetto auto prodotto che dagli anni ‘70 in avanti si concentra in particolare sulla tematica della ricerca dell’identità, declinata in questo caso in una dimensione del femminile.

Si tratta di una sorta di storia di formazione: è l’esperienza di crescita e di consapevolezza di un’adolescente come altre, in un certo qual modo in linea tematicamente anche con il lavoro che vedremo a breve. Non c’è una narrazione vera a propria ma a partire dal primo racconto più lineare Mausoleo, la storia si decostruisce nei due racconti successivi, Breccia e La Perla Lemniscata, dove la fa da padrone la poesia e un montaggio minimalista tra parole e immagini, costituite da un equilibrio tra spazi vuoti e linee tracciate nel bianco o dal nero.

Leggendo questo tre racconti mi è sembrato che negli ultimi due si rende visibile la processualità dell’esperienza di crescita e consapevolezza di sè della protagonista del primo racconto. E questo stato di visibilità, di resa appunto visibile di una trasformazione, è dato da una sorta di radiografia interna del corpo e della mente della protagonista.

[ph. Mauro Baratti]

E ciò emerge chiaramente anche nel disegno. Se in Mausoleo c’è a livello cromatico un equilibrio tra il bianco e il nero, nei due racconti seguenti sembra di entrare nella testa, nel corpo della protagonista: in Breccia è il nero a dominare mentre in Pietra Lemniscata il bianco ha il sopravvento sulle linee nera. È un passaggio. Dal caos alla luce.

In Mausoleo utilizzando la ritualità del camminare, del viaggio attraverso spazi e paesaggi onirici, la protagonista scopre pian piano qualcosa di più di se stessa. C’è la metafora del fiore, che unisce maschile e femminile superando la dualità, il binarismo, semi e piante resistenti fin dal titolo e che permeano le tavole simboleggiando l’autodefinizione e il riconoscimento di un essere che cerca di smarginarsi da ciò che l’educazione e più in generale la società impone ai corpi.

Siamo in un luogo a metà tra il sonno e la veglia, dove la protagonista, ricercando forse tra i resti dell’infanzia per decifrare chi è oggi, si ritrova oltre le pieghe e i limiti imposti. È in sostanza una storia di autodeterminazione di un corpo femminile.

La mostra sarà visitabile fino all’inizio di agosto nei giorni di apertura del teatro o scrivendo a [email protected]

In consultazione e in vendita ci sarà anche la graphic novel Succulente.

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“La seconda ballerina” di Veronica Guerra

In attesa di scoprire i nomi delle artiste e degli artisti che quest’anno abiteranno in occasione delle loro residenze di creazione e di ricerca il Teatro Dimora di Mondaino, qualche anticipazione dal foyer D.E.A. Dimora di Esposizioni d’Arte. Lo spazio, che da circa quattro anni ospita artist* visiv* del territorio e non solo, si aprirà con l’installazione di Veronica Guerra dal titolo La seconda ballerina che sarà visibile da fine febbraio fino al 30 giugno 2023 (il vernissage si terrà in occasione della prima prova aperta al pubblico).

La seconda ballerina

L’istallazione lavorata site-specific per L’arboreto Teatro Dimora si apre a uno spaccato autobiografico tra metafisica e storia, in mostra vediamo le tracce o performing remains di un incontro insolito. I resti sono quelli di una performance che sposa una biografia latente, fantasmatica.

Veronica Guerra, artista, performer e ricercatrice, nasce a Cesena il 30 Aprile del 1998. Frequenta il Liceo Scuola del Libro di Urbino nella sezione di Disegno animato, nel quale inizia il suo percorso artistico come disegnatrice. Si trasferisce nel 2017 a Venezia dove si laurea in Arti Multimediali a IUAV, attualmente sta portando a termine la Laurea Magistrale in Teatro e Arti Performative, IUAV, con una Tesi di ricerca sulla manipolazione del materiale di documentazione della danza. In questi anni ha affiancato e attraversato in modo trasversale le pratiche di Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Michele di Stefano, Davide Savorani, Dewey Dell, Mara Oscar Cassiani, Anagoor, NicoNote e di altri artisti e ricercatori incontrati dentro e fuori l’Università.

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Alcune delle immagini dalla prova aperta di Mèlodie Lasselin e Simon Capelle  ENEMY a peace conference e dall’inaugurazione della mostra di Giulia Betti. Trebisonda è il titolo della mostra di disegni: un nuovo percorso di opere nato dal dialogo tra l’artista e Mèlodie e Simon del collettivo ZONE – poème – all’interno del nuovo progetto creativo della compagnia, ENEMY a peace conference, prodotto nell’ambito del progetto europeo Stronger Peripheries: A Southern Coalition, sostenuto da Europa Creativa, del quale l’Arboreto è partner.

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“CIÒ CHE SI OTTIENE SCAVANDO” di ALMA ANIMATORI

La mostra di disegni di Giulia Betti si colloca all’interno della collettiva di Alma Animatori che inaugura il 29 giugno nel contesto del seminario europeo Limen Beyond Borders | Il principio attivo delle residenze. Gli autori di Scuola Marchigiana espongono disegni e cortometraggi animati presso la sede del Museo Paleontologico di Mondaino, nelle sale della Rocca Malatestiana e all’interno del foyer D.E.A. Dimora d’esposizione d’arte. Venti artisti affiancano le loro opere alle immagini fossili impresse su lastre di roccia di un tempo remoto inimmaginabile, le più antiche prove di forme di vita complesse presenti in questo luogo. La mostra è un viaggio tra schegge di eternità racchiuse nelle profondità marine e negli abissi dell'animo umano che svelano il linguaggio segreto dell'universo. Un racconto in bilico tra la consapevolezza della breve durata della vita e la speranza dell'eternità, la trasformazione di un istante in qualcosa che resti oltre il tempo in cui si è manifestato. Il titolo della mostra Ciò che si ottiene scavando è il significato letterale della parola “fossile” e in questa occasione allude a uno scavare metaforico dentro se stessi.

Giulia Betti, classe 1998, si è diplomata in Disegno Animato al Liceo Artistico Scuola del Libro di Urbino dove successivamente ha frequentato un anno al corso di Perfezionamento di Disegno Animato e Fumetto. Nel 2015 e 2016 ha esposto i suoi disegni allo Zoe Microfestival di Pesaro, nel 2016 a Villa'n'Roll di Pesaro. Ha diretto e animato un videoclip musicale per il gruppo "Cucineremo Ciambelle" nel 2017. Ha partecipato a una personale nel circolo Lamusarauka a Pesaro nel 2018. Ha pubblicato nella rivista Destroybrandina con successiva mostra della rivista al Circolo Orbita di Gradara nel 2019. Ha pubblicato nel 2019 due pagine di fumetto nella rivista Lo stato delle città n.2 nella rubrica guazzi urbani. Nel 2019 ha partecipato alla creazione della sigla animata per la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro e diretto e animato un videoclip musicale per il gruppo The winonas. Fa parte dell'associazione culturale musicale Keplero di Saludecio con la quale, dal 2015 e insieme al padre Iano Betti, organizza Estate50Hertz, un festival di musica elettronica, arti performative e installazioni.

What you get by digging 

di ALMA ANIMATORI

The exhibition of drawings by Giulia Betti is part of the collective Alma Animatori. The authors of the Marche School exhibit drawings and and animated short films at the Paleontological Museum of Mondaino, in the rooms of the Malatesta Fortress and inside the foyer D.E.A. Residence of art exhibition. Twenty artists combine their works with fossil images imprinted on rock slabs of an unimaginable remote time, the oldest evidence of complex life forms present in this place. The exhibition is a journey through the splinters of eternity enclosed in the depths of the sea and in the abysses of the human soul that reveal the secret language of the universe. A story poised between the awareness of the short life span and the hope of eternity, the transformation of an instant into something that remains beyond the time in which it manifested itself. The title of the exhibition What you get by digging is the literal meaning of the word "fossil" and on this occasion it alludes to a metaphorical digging into oneself.

Giulia Betti, born in 1998, graduated in Animation at the “Scuola del Libro” of Urbino where she attended a year at “Perfezionamento di Disegno Animato” (Advanced course of Animated Drawing and Comics) afterwards. In 2015 and 2016 she exhibited her drawings at Zoe Microfestival in Pesaro, in 2016 at Villa'n'Roll in Pesaro. She directed and animated a music video for the group Cucineremo Ciambelle in 2017. She participated in a solo exhibition at Lamusarauka club in Pesaro in 2018. She published in Destroybrandina magazine with subsequent exhibition of the magazine at the Orbita club in Gradara (PU) in 2019. In 2019 she published two comic pages in the magazine The state of the cities in the Urban gouaches section. In 2019 she participated in the creation of the animated opening theme for the Pesaro Film Festival and directed and animated a music video for the group The winonas. It is part of the cultural musical association Keplero with which, since 2015 and together with her father Iano Betti, she organizes Estate50Hertz, a festival of electronic music, performing arts and installations.

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OSSESSIONE CHROMA di Riccardo Chitarrari

OSSESSIONE CHROMA è il titolo della raccolta di opere di Riccardo Chitarrari che si ispira alla corrente artistica dell’art brut. Questa corrente, che prende il nome da un termine di origine francese che sta per “arte grezza”, fu inventato dall’artista francese Jean Dubuffet per descrivere quell’arte come i graffiti o l’arte naïf che sta al di fuori della tradizione accademica delle belle arti. In questa nuova categoria Dubuffet collocava le pratiche artistiche degli outsider - il lavoro dei pazzi, dei prigionieri, dei bambini - e degli artisti primitivi. Il portato di queste opere stava nella pura espressione di una visione o di emozioni non tradotte dalla convenzione. Divenuta corrente artistica l’art brut denomina tutti quegli artisti che sono estranei a un ambiente culturale e privi di qualsiasi educazione all’arte. Le prime collezioni di art brut furono iniziate intorno al 1945 dal pittore Dubuffet, che nel 1948 fondò la Compagnie de l’art brut, che ha curato alcune esposizioni e pubblicato dal 1964 un periodico intitolato come la corrente artistica. Legata al concetto di un’ispirazione artistica autonoma, incolta, l’art brut ha avuto un certo riscontro nell’arte moderna.

RICCARDO CHITARRARI, brutartist.

Autodidatta e fuori dalla cultura artistica ufficiale, opera indipendentemente manifestando uno spirito creativo che abbraccia la filosofia dell’Art Brut dove l’unica regola è proprio quella di non avere regole. La privazione della regola permette la creazione di un vocabolario artistico del tutto personale, una matrice che incarna diversi mondi artistici, dalla Secessione Viennese fino ad arrivare al Graffitismo Americano. Ma lui non lo sa. Il tutto nasce da una determinata ed energica necessità interiore che si rivela attraverso una vera e ossessiva ricerca di un cromatismo divergente, manifestandosi in due piani differenti: il primo è l’impatto estetico e quindi visivo, mentre il secondo, concettuale, è la rivelazione del colore (negativa o positiva) con lo scopo di deviare l’osservatore, se non è consapevole di ciò che osserva. Nel corso della sua attività artistica ha esposto in diversi eventi, sia regionali che nazionali.