#klaus mann

[reyvov]

me and my inability to draw naked people

[lascitasdelashoras]

Klaus Mann in Le Lavandou. Photo by Annemarie Schwarzenbach. Swiss Literary Archives, Bern.

[nicht-ganz-allein-sunny]

"Du kannst dich nicht auf einer Bühne hinter Shakespeare verstecken, während immer mehr Nazis in die Parlamente gewählt werden."

...wirft Barbara Bruckner ihrem Ehemann Hendrik Höfgen an den Kopf, bevor sich der Vorhang in der MEPHISTO Inszenierung der Münchner Kammerspiele zur Pause schließt.

Und in dem Moment hört mein Herz für eine Sekunde auf zu schlagen, nur um dann in heftiges Rasen zu verfallen, dass sich auch Stunden nachdem die Vorstellung bereits geendet hat nicht wirklich einstellen will.

MEPHISTO von Klaus Mann - der Roman einer Karriere, wie uns der Untertitel so schön mitteilt - ist einer dieser Texte, zu denen ich durchaus ein bisschen Ahnung und vor allem eine ganze Menge an Meinung habe.

Und eine ebendieser Meinungen ist, dass man den Text aus Klaus Manns Roman in einer guten Inszenierung hervorragend für sich alleine stehen lassen (so wie es zum Beispiel in dieser Spielzeit am DNT Weimar mit Erich Kästners FABIAN gemacht wurde), dabei auf große Neuinterpretation und Fremdtexte verzichten kann und es dem Publikum überlässt, die erschreckend mühelosen Parallelen zur Gegenwart zu ziehen.

An den Münchner Kammerspielen bringt man unter Regie von Jette Steckel die Romanvorlage mit einer dynamischen Überschreibung auf die Bühne, die zeigt, das man den eigentlich eh schon aussagekräftigen Text eben doch noch ergänzen kann.

Das Bühnenbild ist eigentlich ziemlich simpel: ein paar simple, schwarze Requisiten wie Tisch, Stühle und Sessel, die immer wieder auf die Bühne und dann wieder weggetragen werden. Dazu ein paar verschiebbare, leuchtende Wandpaneele. Was auf den ersten Blick relativ unspektakulär wirkt, wird sich im Lauf des Abends zu einem Epitom der visuellen Wandelbarkeit steigern.

Aber fangen wir ganz von vorn an: Wir befinden uns im Hamburger Theater, wo der Publikumsliebling Hendrik Höfgen zusammen mit seinen Schauspielerkollegen den Theateralltag durchlebt, während sich das politische Weltgeschehen der späten zwanziger Jahre um sie herum langsam zuspitzt.

Die Geschichte wird dabei explizit auf der Bühne erzählt - und zwar in Theaterform.... im Theater? Es ist ein absolutes Meta-Spektakel, bei dem die Erzählung rund um den skrupellosen Karriereaufstieg des Schauspielers Hendrik Höfgen in episodenhaften Einschüben auf den fiktionalen Bühnen der Geschichte erzählt wird - mal als chaotischer Impro-Abend, dann als eskalierendes Familiendrama (mit einer Menge fliegender Eier), als absurd grotesk anmutende Late-Night Show oder ein völlig abgedrehter Stand-Up-Abend, der eigentlich gar keiner sein soll und in den sich irgendwie Elon Musk und Hitler verirrt haben.

Unterbrochen werden diese Episoden immer wieder durch harte, plötzliche Cuts, die sich immer dann einfügen, wenn das Bühnengeschehen im Bühnengeschehen zu sehr eskaliert - da kommt dann der Hamburger Intendant Kroge schimpfend durch die Saaltür gestürmt und unterbricht eine Probe, Techniker beginnen spontan die Requisiten zu räumen oder das Saallicht geht mit einem Schlag an und blendet uns, als Publikum. Und somit verlagern sich die Diskussionen aus dem Bühnengeschehen schnell in die Lebensrealität der Geschichte. In Kombination mit dem verschiebbaren, farbig erleuchteten Bühnenbild, welches in fast jeder Szene durch geänderten Aufbau eine komplett neue Atmosphäre schafft, entsteht ein herrliches Meta-Verwirrspiel, bei dem es schon passieren kann, dass einem der Kopf schwirrt. Allein die wenigen Momente, in denen man aktiv in die wörtliche Wiedergabe der Erzählperspektive der Romanvorlage wechselt wirken ein bisschen befremdlich, im Vergleich mit dem ansonsten nur aus wörtlicher Rede bestehenden Stücks.

Die erste Hälfte des Spiels ist inhaltlich relativ modern gehalten, nach der Pause finden wir uns jedoch unmissverständlich in der Nazi-Zeit wieder. Zusammen erschaffen beide Hälften damit eine zeitlose Atmosphäre, die sich hervorragend in die Aktualität des Stoffes einfügt.

Dazu kommt das durch die Bank brilliante Ensemble, das uns durch die verschiedenen Meta-Ebenen der Bühnenkunst führt. Insbesondere Edmund Telgenkämper und Johanna Eiworth glänzen dabei in den Doppelbesetzungen Theaterintendant Kroge/Der Ministerpräsident und Dora Martin/Lotte Lindenthal mit ihrer Wandelbarkeit.

Thomas Schmauser ist eine fabelhafte Besetzung für die Rolle des Schauspielers Hendrik Höfgen, der sich den ganzen Abend über, mal im Schreikrampf, mal mit Gewinsel, mal mit falschem Heroismus, aber in den Grundzügen immer als pathetischer Clown über die Bühne schleppt und uns erzählt, dass er doch eigentlich die Welt verbessern will. Und das trägt er dann noch mit einer solchen Überzeugung vor, dass man es ihm fast glaubt. Aber eben nur fast.

Und hier setzt die Brillanz des Abends ein: Denn während Klaus Manns Vorlage Hendriks moralische Verwerflichkeit für sich stehen lässt und man als Leser oder Zuschauer nur schimpfend und voll Verzweiflung die Nase darüber rümpfen kann, beginnen die Charaktere des Stücks um ihn herum Kontra zu geben. Es kommt den ganzen Abend über zur absoluter Konfrontation, zur Eskalation. Er ist halt nicht nur einfach ein Schauspieler. Er kann sich eben nicht hinter seinen Texten, seinem Beruf, seinem Leben verstecken. Er steht auf einer Bühne, die ihm die Nationalsozialisten geboten haben, und betreibt für diese Propaganda. So sehr er es sich auch selbst einreden mag: Er hilft mit seinem Schweigen niemandem.

Das ist jedem Zuschauer natürlich klar. Aber gerade dieses alltägliche Schweigen explizit anzusprechen und dem Ganzen energisches Kontra entgegenzusetzen, macht den Abend wahnsinnig kraftvoll.

Am Ende steht Hendrik alleine, verlassen und argumentativ bis auf die Einzelteile zerlegt auf der Bühne, schaut dabei erst verloren ins Publikum und dann zur Souffleuse.

"Text?"

Was man hier bei den Münchener Kammerspielen auf die Bühne gebracht hat, ist keine große Neuinterpretation der Vorlage. Aber es ist eine unfassbar großartige Erweiterung mit klarem Statement, auch ans Publikum: Es reicht nicht, das politische Tagesgeschehen zu beobachten und sich, versteckt hinter Büchern und Publikumsgesprächen, damit zu beschäftigen. Wir müssen aktiv werden. Wir dürfen nicht aufhören. Wir müssen weitermachen.

Wir müssen Kontra geben.

[mrmousetolliver]

The Pious Dance: The Adventure Story of a Young Man (1925) by Klaus Mann

“Perhaps no book needs to apologize more for its confusion at the very start than one which. . . deals with our younger generation and wants to be nothing more than an interpretation, expression, description and confession of that younger generation, its urgency, its perplexity—and perhaps its high hopes.”

Klaus Mann wrote these words in the Foreword to his first novel The Pious Dance which he subtitled “The Adventure Story of a Young Man.” Written in 1925, the novel chronicles the life of its autobiographical hero Andreas Magnus who, like Mann, was one of a generation of wistful and confused Weimar youth growing up after World War I had collapsed the ideals of European civilization. Mann was barely seventeen when he first arrived in Berlin in 1923, an event he described in his autobiography The Turning Point: “The city seemed both pitiful and enticing: gray, shabby, demoralized, but still vibratingwith nervous vitality, glistening, gleaming, phosphorizing, frantically animated, full of tensions and promise.”

It is against this mixture of squalor, flamboyance and creativity that Mann sets his tale of adolescent longing, its sexual ambiguities, impressionableness, intense emotionality and energy. Here impoverished young people dwelt on the fringes of the art world, big business, and criminal life. Berlin in the twenties has been much mythologized in painting, literature, and film, strikingly so in Cabaret,based on Christopher Isherwood’s Berlin Stories, which share the performance milieu of The Pious Dance. But Mann’s novel has few rivals that portray the gay underworld of its time. In many ways in The Pious Dance a son challenges the linkage of homosexuality and aestheticism that Klaus’s father, Thomas Mann, drew in Death in Venice. Andreas Magnus is more at home in the forest than at sea. His dance alludes to ecstacy in its ritualistic, mystical sense.

Nature, dreams, sexuality and art are inter twined as themes in The Pious Dance, as they are in virtually all works that, like this one, sit comfortably (or not), in the Bildungsroman tradition of German literature. The novel has a genuine lyrical freshness that at times lets go in passages of the most pressing emotion and lucidity.

If Klaus Mann’s early writings outline the agonized consciousness of brilliant youth, his later writings speak for the exiled and cultural¬ly uprooted German intellectuals who, likehimself, could find no comfort in the society ofnational socialism. He committed suicide in 1949. (Source: Blurb of the 1987 edition)

[davidhudson]

Klaus Mann, November 18, 1906 – May 21, 1949.

1935 photo by Fred Stein.

[superconfusedcoryn]

I show up at your house party and just start chewing on my on copy of Klaus Manns 'Der Vulkan'

[mypaulinep-blog]

Gustaf Grundgens, Erika Mann, Pamela Wedekind and Klaus Mann in the drama 'Anja und Esther' - 1925

[litteraeignotae]