#seff14

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El placer de formar parte de esta edición 

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A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence. Gorjeo

Como ya parece tradición, Nicolás Ruiz, editor de Cineuá, hace su aparición en la recta final del nuestro blog. Roy Andersson tiene la culpa, con A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence. 

Con la triología existencialista de Roy Andersson me ocurre que, pasado el tiempo, soy incapaz de recordarla como piezas, no sabiendo diferenciar a qué título pertenece cada una de las escenas que me vienen a la mente. Ya no sólo esas piezas aisladas, sino los propios personajes recurrentes no me resulta ubicables bajo un título, así como no sabría discernir si los anacronismos presentes en A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence están presentes en Canciones del segundo piso o La comedia de la vida. Quizás no fuera algo planeado por el director sueco al arrancar su trilogía hace catorce años (o quizás sí) pero eso la dota no solo de perspectiva y, con ello, profundidad, sino que además esa unidad y vigencia a lo largo de década y media convierte en universal a su trilogía, atravesada por historias que no solo contienen flashbacks sino a pasados que irrumpen en el presente. Tres encuentros repentinos con la muerte abren A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence, para dar paso a su colección de retratos humanos aferrados a una existencia absurda que, como palomas en una rama, disfrutamos por cómicas."

En Sección Oficial.

15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 1 / 22.15 horas.

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La pianista. Las trampas de la civilización

En nuestro último día, más colaboradores de lujo para nuestro blog. El crítico, escritor y profesor australiano Adrian Martin nos brinda una píldora crítica de La pianista, de Michael Haneke.

Isabelle Huppert ofrece una de las grandes interpretaciones de su carrera en este estudio, acerado y abrasador, sobre el abuso físico y emocional, situado en el ambiente contemporáneo y de alta cultura de Viena. Erika, una respetada profesora de música clásica, comienza a sentir una extraña atracción por Walter (Benoît Magimel), un estudiante joven y rebelde. Las contradictorias señales lanzadas por este la conducen a actos extremos de sadomasoquismo y de auto-degradación, y también de agresión contra Anna (Anna Sigalevitch), su supuesta contrincante. En paralelo, observamos la relación —compleja y llena de problemas no resueltos— que la profesora mantiene con su anciana madre (interpretada por el icono del cine francés Annie Girardot).

La adaptación de Haneke de la dura y feminista novela de Elfriede Jelinek no se deja nada en el tintero. El mundo del arte elevado está lleno de represión (que apenas puede mantenerse oculta), y de perversos y retorcidos rituales de apego; el amor mismo es un juego violento, incluso mortal, que se funda en la pura alienación entre el hombre y la mujer. Aún así, pese a la severa claridad de la mirada de Haneke sobre estos estremecedores acontecimientos, La pianista (como su posterior Amor) está entre los pocos films de su carrera que se las arregla para mirar a estos personajes problemáticos y emocionalmente deformados con compasión, incluso con comprensión, porque la supuesta cultura civilizada tiende las mismas trampas para todos nosotros.

Traducción: © Cristina Álvarez López 

En Focus Europa: Austria.

15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 14 / 22.30 horas.

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Moonless Summer. Un país llamado...

Junto con Parasite, de Anja y Wilhelm Sasnal, se proyecta Moonless Summer, cortometraje de Stefan Ivančić del que el programador y crítico Gonzalo de Pedro habla de esta manera. Lean atentos. 

¿Dónde están las raíces cuando el país en el que creciste ha desaparecido, se ha desintegrado, ha sido borrado del mapa, dividido en otros tantos nuevos países? Moonless Summer, el segundo trabajo del serbio-español Stefan Ivančić, estrenado a competición en el pasado festival de Cannes, es un retrato de esa generación que vino al mundo en un país llamado Yugoslavia para crecer en un país llamado... quién sabe. Desorientados, perdidos, huérfanos de su propia historia. A través de los días de verano de un grupo de adolescentes que se enfrentan a un primer cambio trascendental en su vida, el trabajo de Ivančić navega entre lo poético, lo social y lo político, y retrata esa nostalgia indefinida por un pasado desconocido y un futuro que asusta: un tiempo suspendido en el que presente, pasado y futuro son solo distintos nombres para una misma indefinición.

En Las Nuevas Olas (fuera de competición)

15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 13 / 12.15 horas.

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Las más macabras de las vidas. Ya no quedan más cojones...

Eskorbuto y sus canciones son la gasolina que hace funcionar el motor de Las más macabras de las vidas, de Kikol Grau. Gerard Casau (que colabora en publicaciones como Rockdelux, Dirigido por, Time Out Barcelona, SO Film España, Numerocero, Transit y Sensacine) se marca unas líneas al respecto. 

En lugar de found footage, search footage. Kikol Grau sale a la caza de imágenes de Eskorbuto y pergeña un collage que devuelve a la vida el fiambre de la banda de la margen izquierda del Nervión. Aquí no hay amigos que loen sus hazañas, ni expertos ponderando la influencia del grupo en el punk hecho en España. Aunque ya no sea posible llamar a la puerta de Iosu Esposito (voz y guitarra) y Jualma Suárez (bajo), caídos en 1992 a causa de la heroína, el intenso montaje que Grau aplica a un puñado de grabaciones costrosas logra que sean los propios Eskorbuto quienes expliquen su historia y su ideario, sin ninguna clase de intervenciones ajenas.

El método del director, similar al que empleó en el noticiario pirata Objetivo Gadafi, convierte Las más macabras de las vidas en una suerte de túnel del tiempo, por el que se asoman Iosu, Jualma y Paco Galán (batería) para escupirnos nuevamente aquello de “¿Dónde está el porvenir que forjaron nuestros viejos? ¿O es acaso esta mierda en que vivimos?”. Una pregunta que quema como cal viva, atravesando años y generaciones, convertida en eco accidental de todos aquellos que se sienten sobre su nuca el peso de una existencia desagradecida.

En Resistencias.

14 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 11 / 22.45 horas. 15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 11 / 17.30 horas.

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Heimat, la otra tierra

La última entrega de la saga Heimat de Edgar Reitz (esta vez, precuela) es lo que aborda Guido Segal, colaborador de El Amante, allende los mares (como la prometedora tierra que gravita en esta historia). 

Un cine que indague en los vericuetos de la patria como concepto debe, necesariamente, ser un poco épico y bastante valiente. Más si hablamos de Alemania, con todas las reverberaciones -tanto positivas como negativas- que dicho término implica. Reitz logra precisamente eso, un milagro fílmico. Promete mucho y entrega todo, mediante una doble operación: convierte, primero, al pasado remoto en presente puro, merced a una coherencia apabullante en tono, manejo de la luz y elecciones formales; en segunda instancia, logra con la serena mano del maestro convertir al presente en potencia simbólica, en reflexión sobre qué implica estar ligado a la tierra, lo que el suelo patrio nos da y lo que nos quita. Heimat es una película de honda belleza, pero también una película desgarrada, que demanda mucho del espectador porque nada le escatima. Una película que envuelve como una novela decimonónica, y que invita a entrar en comunión, de la mano de un verdadero patriarca del cine alemán.

En Selección EFA.

15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 10 / 20.00 horas.

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La fosa. La memoria de los cuerpos

Hoy tenemos el placer de volver a leer en nuestro blog a Quim Casas, que esta vez revuelve en las profundidades de La fosa, de Pere Vilà.

La cámara pegada al cogote de un hombre anciano. El hombre cruza un espacio (aún no sabemos que son los pasillos de un geriátrico) como los héroes del western cruzaban desiertos y laderas. La cámara de Pere Vilà le sigue a su espalda como la de Gus van Sant sigue a los adolescentes de Elephant y la de Béla Tarr captura, en travelling lateral, a tantos personajes de sus filmes. Movimiento permanente cuando la vida toca a su fin. Resonancias de la memoria histórica, del espectro materializado de la guerra civil española, desde un pequeño aparato de televisión: se han hallado los restos de varios soldados republicanos en una fosa común. La fosa. Mirando hacia atrás (con ira). El anciano, ahora con las facciones de Lluís Homar, vuelve del exilio tras la muerte del dictador y reencuentra al amor de su vida. Es un duelo de primera magnitud, cuerpo contra cuerpo (Homar y Vilarasau, dos iconos del audiovisual catalán), recuerdo contra recuerdo, lo que pudo ser y lo que fue (y ya no podrá ser). El tiempo hace estragos y, en La fosa, Vilà lo cuenta como relataba la renuncia de otro anciano (Lou Caste) a abandonar su piso (su memoria) en La Lapidation de Saint-Étienne. El tiempo, el recuerdo, la guerra y todo lo que está se llevó por delante, la imposible reconciliación entre bandos tantos años después y el lugar en el que uno decide morir sabiendo que su legado, si lo hubo, se ha extinguido. Una película magnífica.

En Las Nuevas Olas.

14 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 3 / 12.15 horas.

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White God. El origen del planeta de los perros

Nuestro programador Alejandro Díaz Castaño habla sobre cine de género y sobre la tradición cinematográfica del Este de Europa al hilo de White God, de Kornél Mundruczó.

Hace tiempo que ya no parece pertinente tratar todo el cine procedente de lo que una vez fue Hollywood (ni las series de TV) como meros productos de consumo sin valor artístico (más que nada porque las características que se supone ha de tener un “producto de consumo mayoritario” ya no resultan tan fácilmente identificables). Y hace tiempo que, para muchos críticos y programadores, este cine convive en las listas de mejores películas anuales con propuestas realizadas desde la más estricta independencia, así como con obras fruto de las miradas singulares que sobreviven en el panorama cinematográfico internacional. Un ejemplo de esto es El origen del Planeta de los Simios (Rupert Wyatt, 2011), reivindicada por una parte de la crítica merced a que lograba ir mucho más allá del mero reboot al uso, haciendo gala de un extraordinario brío expositivo, entre otras virtudes.

Esto mismo puede decirse de la nueva película del húngaro Kornél Mundruczó (que se estrena en España en el SEFF tras cosechar el premio de la sección Un Certain Regard en Cannes), pues aunque se trata de un producto 100% europeo, atesora una vibración narrativa similar a la del mejor cine de gran producción estadounidense reciente, además de los evidentes puntos en común a nivel argumental con la mencionada El origen del planeta de los simios. Si bien el arranque parece postularse en prólogo de un drama familiar, la película de Mundruczó pronto se destapa como un ejemplar ejercicio de mixtura genérica y narración pura. El director inocula a las tan atractivas como contundentes imágenes de su film un particular tono de fábula sombría y solo aparentemente infantil (el perro protagonista puede verse como un alter-ego oscuro de la cándida Lassie), el cual bebe de las tradiciones cinematográficas del Este de Europa, y enriquece un espectáculo trepidante resuelto con una pericia técnica fuera de lo común.

En Selección EFA.

13 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 1 / 20.00 horas. 14 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 4 / 19.00 horas. 15 de noviembre. Cines Sur / Nervión Sala 1 / 20.00 horas.