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El Renacimiento consistió en un amplio movimiento cultural que renovó las ciencias y las artes. Se originó gracias a las ideas humanistas que proclamaban al hombre como el centro del universo, a diferencia de lo que dictaba la Iglesia (Dios es el centro del universo). Esta transición de la Edad Media a la Edad Moderna trajo consigo el Arte Moderno.
La perspectiva del mundo y el ser humano cambió, hecho que podemos ver reflejado en la pintura de la época.
El siguiente cuadro es uno de los máximos del Quattrocento italiano. Fue considerado revolucionario en su tiempo al mostrar un cuerpo desnudo y por no tratarse de un tema relativo al cristianismo; sin embargo, sí toca un tópico religioso al hablar sobre mitología griega:
Cuenta el mito que Saturno (Cronos, nombre helénico), dios del tiempo, desgarró los genitales de su padre Caelos (Urano), fertilizando el mar. El esperma que en este cae germina a Venus (Afrodita). Allí es llevada por "las Horas" al lugar de los inmortales.
Sandro Botticelli (1445 - 1510) ; El nacimiento de Venus, c. 1482 - 1485
Técnica: temple sobre lienzo ; Dimensiones: 278.5 x 172.5 cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia ; https://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus_(Botticelli)#/media/Archivo:Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited.jpg
El Renacimiento toma el cuerpo humano para hacerlo un tema central, por lo tanto, los desnudos son muy recurrentes. Pero dentro de este rubro el enfoque principal siempre ha sido sobre el cuerpo femenino.
Como dice John Berger en Modos de ver (1972) "en los desnudos europeos encontramos algunos de los criterios y convenciones que han llevado a ver y juzgar a las mujeres como visiones.”
“Los hombres actúan y las mujeres aparecen, los hombres miran a las mujeres y ellas se contemplan a sí mismas mientras son miradas. Esto determina no sólo la mayoría de las relaciones entre hombres y mujeres sino también la relación de las mujeres consigo mismas. El supervisor que lleva la mujer dentro de sí es masculino: la supervisada es femenina. De este modo se convierte a sí misma en un objeto, y particularmente en un objeto visual, en una visión.” (Berger, 1972)
Tiziano (c. 1477 - 1490) ; La Venus de Urbino, 1534
Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 165 x 119 cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Urbino#/media/Archivo:Tizian_102.jpg
Las tres Gracias eran las diosas de la alegría, el encanto y la belleza. Se les conocía también como Aglaya (Belleza), Eufrósine (Júbilo), y Thalía (Abundancia). Suelen ser tratadas como una personificación triple de gracia y esplendor, vistas siempre como una sola entidad.
La obra de Raffaello cuenta con una armonía que varios consideraron perfecta por su composición, la sinuosidad de las posturas y su serenidad, la luz y el color.
A diferencia del cuadro de Sanzio, el de Rubens, más allá de querer ser realista —que, sin embargo, logra con mayor grado de mímesis que el cuadro de Sanzio—, busca animar a las figuras, así como el paisaje, con su propia luz. Esto lo categoriza en el estilo barroco.
Raffaello Sanzio (1483 - 1520) ; Las Gracias, 1504 - 1505
Técnica: óleo sobre tabla ; Dimensiones: 17 x 17 cm
Museo Condé, Chantilly, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/Las_Gracias_(Rafael)#/media/Archivo:Rapha%C3%ABl_-_Les_Trois_Gr%C3%A2ces_-_Google_Art_Project_2.jpg
Rubens (1577 - 1640) ; Las tres Gracias, 1636 - 1639
Técnica: óleo sobre tabla de roble ; Dimensiones: 221 x 181 cm
Museo del Prado, Madrid, España ; https://es.wikipedia.org/wiki/Las_tres_Gracias_(Rubens)#/media/Archivo:The_Three_Graces,_by_Peter_Paul_Rubens,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg
El barroco utiliza una paleta de colores más dramática, representando la realidad de una manera más cruda, lo cual manifiesta una distorsión en las formas: efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y una tendencia al desequilibrio y la exageración. Es exuberante e introduce muchos símbolos dentro del cuadro, abusando de lo ornamental.
Este estilo, que surge como antítesis del clasicismo, es menos racional y más apasionado. Se manifiesta debido a la crisis económica y los cambios políticos que se viven en el siglo XVII.
Pretende asombrar con su dinamismo, teatralidad y efectismo.
Rubens ; La fiesta de Venus, 1635 - 1636
Técnica: pintura al óleo ; Dimensiones: 217 x 350 cm
Museo de Historia del Arte, Viena, Austria ; https://es.wikipedia.org/wiki/La_fiesta_de_Venus#/media/Archivo:Peter_Paul_Rubens_-_The_Feast_of_Venus_-_Google_Art_Project.jpg
Los temas mitológicos no pasaban de moda; uno muy comúnmente retratado en pintura es el de Dánae, hija de Acrisio y Eurídice. La historia cuenta que su padre, rey de Argos, fue advertido en un oráculo que su nieto lo asesinaría, aviso que lo llevó a encerrar a Dánae en una cámara. Sin embargo, el oráculo exigía cumplirse y para esto Zeus se metamorfoseó en una lluvia de oro y violó a la joven, embarazándola.
Acrisio encerró en un cofre a Dánae y al niño —llamado Perseo, y los tiró a mar, por miedo de que se cumpliera el augurio. De cualquier manera, Zeus los protegió y llegaron a la isla de Séfiros a salvo.
Rembrandt (1606 - 1669) ; Dánae, 1636
Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 185 x 203 cm
Museo del Hermitage, San Petesburgo, Rusia ; https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A1nae_(Rembrandt)#/media/Archivo:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_026.jpg
Saturno es una de las obras más dramáticas de Rubens. Cuenta la historia de cuando el titán Saturno comenzó a devorar a sus hijos por temor a que lo destronaran (simbolizando el paso del tiempo). El único que pudo sobrevivir al filicidio fue Zeus, gracias a su madre, Rea, quien disfrazó una piedra de bebé al envolverla en pañales. Este engaño fue presentado a Saturno, quien inmediatamente lo devoró.
Mientras tanto, Zeus fue escondido en la isla de Creta. Cuando este se hizo mayor, Gea le dió un veneno destinado a Saturno. Al ingerirlo, comenzó a regurgitar a sus hijos uno por uno, en orden inverso a como los había tragado.
El cuadro de Goya (perteneciente a la serie de las Pinturas negras) retrata la misma escena pero supera al de Rubens en cuanto a la violencia del mismo. Ya sea por el contraste de blancos y negros, el rojo de la carne viva del hijo o la voraz y terrible expresión de Saturno.
Esta última obra pertenece al romanticismo por su manera de transmitir el avorazado sentimiento de desesperación de Cronos por engullir a sus descendientes.
Rubens (1577 - 1640) ; Saturno, 1636
Técnica: pintura al óleo ; Dimensiones: 180 x 87 cm
Museo del Prado, Madrid, España ; https://es.wikipedia.org/wiki/Saturno_(Rubens)#/media/Archivo:Rubens_saturn.jp
Francisco de Goya ; Saturno devorando a su hijo, 1819 - 1823
Técnica: óleo sobre revoco trasladado a lienzo ; Dimensiones: 146 x 83 cm
Museo del Prado, Madrid, España ; https://es.wikipedia.org/wiki/Saturno_devorando_a_su_hijo#/media/Archivo:Francisco_de_Goya,_Saturno_devorando_a_su_hijo_(1819-1823).jpg
Calvo, M. (2015, 21 enero). Barroco. Recuperado de https://historia-arte.com/movimientos/barroco
Museo del Prado. (s. f.). Las tres Gracias - Colección. Recuperado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-tres-gracias/145eadd9-0b54-4b2d-affe-09af370b6932
Berger, J. (1972). Modos de ver. Barcelona, España: Gustavo Gili
Colaboradores de Wikipedia. (2021, septiembre 18). Renacimiento. Recuperado 202d. C., de https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
Rosillo, B. (2016, 4 agosto). Dánae y la lluvia de oro. Recuperado de https://barbararosillo.com/2016/08/04/danae-y-la-lluvia-de-oro/
Colaboradores de Wikipedia. (2021, agosto 22). Saturno devorando a su hijo. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Saturno_devorando_a_su_hijo#An%C3%A1lisis_del_cuadro
