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Kritiken, Theater, Musik

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Oldenburgisches Staatstheater – Korea, Frünnen und Demokratie

In letzter Zeit war ich sehr beschäftigt; leider bin ich nicht dazu gekommen meine Einträge hier aufrecht zu erhalten, dafür schreibe ich jetzt recht kurz über die Stücke, die ich kürzlich hier in Oldenburg am Staatstheater sehen konnte (und die ab September wieder zu sehen sind).

 Die Wiedervereinigung der beiden Koreas

Ich dachte bei dem Titel zunächst auch gleich an komplizierte Politik, doch es handelt sich um eine Collage meist leichtherziger Liebesszenen, gespielt in immer neuen Konstellationen von einem elfköpfigen Ensemble, das gleichzeitig auch die Zwischenmusiken und Songs performt. Dieser Abend ist perfekt für das ein Date, das erste Treffen mit der Schwiegermutter oder ähnliche soziale Situationen, in denen man gute Stimmung, aber auch Gesprächsthemen braucht. Es gibt eine breite Palette von leichter Unterhaltung und ersten Themen. Letztere, zum Beispiel Abtreibung, Gewalt in der Partnerschaft und Pädophilie werden ausreichend angeschnitten, um beim Getränk nach der Vorstellung gut diskutiert zu werden. Romantische und Verwirrungsreiche Szenen sorgen aber für genug Komik, um nicht zu lang ins Grübeln zu kommen und die Einschübe aus beliebten Popsongs schaffen eine positive Grundstimmung. Mir gefiel besonders der offene Wechsel zwischen verschiedenen Szenen oder der Musiktätigkeiten in der tieferen Bühnenebene. Außerdem fiel mir auf, wie Regisseur Peter Hailer und Bühnenbildner Dirk Becker Boden und Hintergrund aus ihrer Produktion von Gott von Ferdinand von Schirach (vom Beginn der SZ20/21) kreativ wiederverwenden und dadurch die Produktion ein Stück nachhaltiger machen.

https://staatstheater.de/programm/schauspiel/stuecke/die-wiedervereinigung-der-beiden-koreas

 Teemlich beste Frünnen

Ich verstehe leider nicht so viel Plattdeutsch, wie meinem Großvater lieb wäre, trotzdem gucke ich mir hin und wieder Produktion aus dem Niederdeutschen Schauspiel an. Teemlich beste Frünnen ist eine plattdeutsche Theaterfassung des populären Films Ziemlich beste Freunde von Olivier Nakache und Éric Toledano. Mir ist besonders aufgefallen, dass der Humor des Stückes (wie der des Filmes) mindestens gute zehn Jahre zurück liegt und unter anderem männliche Homosexualität implizit abwertet; dem Rest das Publikums schien es nicht zu missfallen, das Lachen der Anderen gab mir eher Anlass über den Stand der Gesellschaft nachzudenken.

Für gewöhnlich ist mein Plattdeutsch-Verständnis recht gut, in dieser Produktion sollte jedoch ein bewusster sprachlicher Code geschaffen werden, sodass zunächst nur der Pfleger Driss, der aus einem problematischen sozialen Milieu stammt, hochdeutsch spricht. Der gelähmte Philippe samt betuchter Familie sprechen Platt. Durch die vielen Wechsel kann man sich in das Platt nicht recht eingewöhnen und der Wechsel zwischen schauspielerisch rezitiertem Platt vom professionell dargestellten Phillipe und seinen von Laienschauspieler:innen gespielten Familie erschwert das Verständnis zusätzlich. Generell bin ich für die Modernisierung des Niederdeutschen Theaters, indem wie zum Beispiel hier nicht nur traditionelle, plattdeutsche Themen, zum Beispiel aus dem maritimen Bereich behandelt werden. Allerdings ist die Entwicklung hier nicht ganz gelungen. Trotzdem macht man den Großeltern damit eine Freude.

https://staatstheater.de/programm/stuecke/teemlich-beste-fruennen

 Demokratische Sinfonie

Hierzu kann ich leider/zum Glück keinen unvoreingenommenen Beitrag liefern, da ich in einer Hospitanz einen kleinen Beitrag zur Produktion selbst geleistet habe. Aber gerade deshalb möchte ich diese dokumentarische Theaterproduktion hier vorstellen.

Das Ambitionierte Projekt wurde initiiert von Regisseur Kevin Barz und spiegelt mittels direkter Zitate die letzten vier Jahre der aktuellen Legislaturperiode des Bundestages wieder. Die mit Feingefühl gewählten Sätze wurden zu einer Tonspur zusammengefügt und dann wurden sie von Paul Brody direkt auskomponiert, indem er Rhythmus und Melodie der Sprache in Noten ausgedrückt hat. In der Aufführung hören die Schauspieler:innen den Originalton und sprechen simultan mit, damit eine theatral polierte Version im Raum erklingt. Für die Nachvollziehbarkeit kann man die Protokolle zu den Sitzungen, aus denen die Sätze übernommen wurden, online beim Oldenburgischen Staatstheater einsehen. So erklärt klingt es vielleicht sehr verwirrend, aber das Ergebnis ist sehr smooth und die unglaubliche Dichte der Reize, die der Abend bietet, ist durch die Sinfonieübliche Länge von 75 Minuten auch gut zu verdauen.

Ich kann aus meiner Position kein Werturteil abgeben, aber ich muss einfach sagen, dass ich dieses Stück in der aktuellen politischen Situation unglaublich wichtig finde. Während der Proben habe ich bereits viel reflektiert, inwiefern sich Standpunkte innerhalb und zwischen den Parteien verändert haben und auch darüber nachgedacht, wen ich nächsten Monat wählen möchte. Es lohnt sich also besonders als politischer Denkanstoß für die kommenden Zeiten

https://staatstheater.de/programm/schauspiel/stuecke/demokratische-sinfonie

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Gorki Theater: Hamlet

Ich muss ehrlich gestehen: bisher hatte ich den Hamlet nie gesehen. Es ist wohl das bekannteste von Shakespeares Stücken und ich wollte mich schon länger damit beschäftigen, nur war es mir eben auch wichtig, über eine praktische Inszenierung an das Stück heranzugehen.

Die Version des Gorki Theaters in der Regie von Christian Weise benutzt einerseits stark verfremdende Elemente und gleichzeitig wird genau dadurch eine Nähe zum Publikum aufgebaut, diese braucht dieses Stück auch, um gute Vierhundert Jahre nach der Uraufführung noch wirken zu können (das Problem wäre hier nicht das Stück selbst, sondern die vielen Eindrücke über Hamlet, die durch verschiedene Medien vorweggenommen werden).

Die Inszenierung wird weniger vor dem Publikum gespielt als mit der Live-Kamera auf der Bühne (aber hinter einer Kulissenwand) gefilmt und dann auf ebendiese Kulissenwand projiziert. Das ganze Filmprozedere wird offen gemacht. Bei Brüchen der vierten Wand ruft besonders die Hauptdarstellerin öfter mal „cut“ und wiederholt eine Szene, oder fällt aus der Rolle, lässt ein Filmteam (gleichzeitig Rosencrantz und Guildenstern) auf Hamlets Schwert schwören. Abseits der Rolle des Hamlet driftet Svenja Liesau ins derbe Berlinerische ab und spricht über Rolle und Stück oder macht eine Kaffepause auf der Bühne.

Auch der Artstyle des Stücks bietet eine verfremdende Perspektive. Die Filmkulissen sind gemalt wie frühen expressionistischen Filmen, dazu kommt ein Comichaften Stil in Kostüm und Perücken, welche nicht aus Haar sondern Wollfäden bestehen, dadurch wirken die Spieler:innen wie Puppen mit denen eine Geschichte erzählt wird.

Nur das Ummünzen zur West-Ost Geschichte hätte es für mich hier nicht gebraucht, ich kann verstehen, dass das Thema in Berlin im Alltag viel auftaucht, aber ich frage mich, ob sich die Diskussion dort nicht weiterentwickelt. Der Charakter Claudius erklärt er sei Kommunist und hätte Hamlets Vater nur getötet, weil dieser Kapitalist gewesen sei und eigentlich sei er der bessere Herrscher. An dieser Stelle wirkt das ganze recht aufgesetzt und hat wenig Einfluss auf das Geschehen und dadurch wenig eigene Aussage.  Sonst gefällt mir die Inszenierung ausgesprochen gut, gerade auch indem sie eben durch die und nicht trotz der Verfremdungen die komplizierte und oft persiflierte Erzählung von Hamlet sehr nah rüberbringt.

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Finsternis

Zoom-Vorstellung aus dem Residenztheater München

 Mitten in der Coronakrise (oder vielleicht schon gegen Ende?) bringt das Residenztheater München doch noch ein Stück über die Flucht über das Mittelmeer auf die Bühne, oder besser gesagt in die Zoom-Konferenz.

Schauspieler Robert Dölle spielt die Solo-Erzählung live für eine kleine Gruppe an Zuschauer:innen, die nicht nur aus München sondern auch aus Nord- und Mitteldeutschland kamen. Ihm ist dabei wichtig, auch das Publikum wahrzunehmen, sodass wir angewiesen waren Kamera und Ton während der Aufführung eingeschaltet zu lassen. Dadurch entstand das Gefühl eines gemeinsamen Theatererlebnisses.

Inhaltlich ist das Stück ein echter Schocker. In Deutschland, weit weg von den eigentlichen Anlandungen ist man für das Leid Geflüchteter leider abgestumpft, umso intensiver nimmt man die Erzählung wahr. Davide spricht mit lokalen Helfer:innen, Rettungstaucher:innen, einem Bestatter und einer Pathologin um zu untersuchen, was es bedeutet wenn jährlich hunderte Menschen im Mittelmeer sterben.

Die Inszenierung ist dabei sehr persönlich gehalten, nicht nur durch die neue Möglichkeit des Kamera Close-Ups, sondern auch durch die Präsentation der Figur in einer Küche, bei der Arbeit. Durch die Regie von Nora Schlocker wirkt das ganze Stück als leiste man einem Freund Gesellschaft, der von seiner Reise erzählt und dabei Orangenmarmelade macht.

Der einzige Charakter, ein italienischer Schriftsteller, erzählt im Stück seine Reise auf die Insel Lampedusa nach, die er bereits kennt, aber von der Aufnahme von Geflüchteten, die aus dem Nahen Osten über das Mittelmeer anlanden. Gleichzeitig ist es eine Familiengeschichte über seine schwierige Beziehung zum Vater und den an Krebs sterbenden Onkel.

Der biographische Originaltext stammt von Davide Enia, der diesen in Italien auch selbst vorträgt/spielt. Aus seinem Roman „Schiffbruch vor Lampedusa“ hat er das kurze Stück in der italienischen Erzähltradition, es ist aber durch die Ähnlichkeit zum modernen Poetry Slam auch ohne Kenntnis des Ursprungs einfach zu verstehen.

Das Programm enthält dabei das kurze Stück und dazu eine gute halbe Stunde Nachbesprechung, in der man dem Schauspieler und der Dramaturgin einige Fragen stellen kann. Das Format gefällt mir sehr gut. Durch die kürze und Gefühlslastigkeit ist die Zoom-Aufführung von der Anstrengung lange nicht mit Stundelangen Online-Vorlesungen vergleichbar. Zudem kann man Theaterproduktionen auch überregional erleben, wann hätte ich sonst mal ein Stück aus München sehen können? Ich und andere Zuschauer:innen hoffen jedenfalls, das dieser neue Modus auch bei live-Betrieb noch etwas erhalten bleibt, laut Schauspieler und Dramaturgin Almut Wagner ist dies zumindest im Gespräch.

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Hörspiel Operette als Gentrifizierungskritik

Das gräuliche Festmahl als Radioplay aus Berlin Zu Ostern veröffentlich das Berliner Kollektiv für zeitgenössische Oper*ette tutti d*amore ihre Produktion des Offenbach-Klassikers als Hörspiel. Kostenlos und leicht zugänglich schien es mir gerade die richtige Unterhaltung für einen wolkigen Sonntag.

Das Originalstück von Nestroy, sowie die französische Originaltextfassung ist inhaltlich sehr problematisch. Die rassistische „Indianer“-Faschingsburleske wäre als solche heute absolut nicht aufführbar. Das Berliner kollektiv schafft es die Operette inhaltlich in einen politisch/moralisch korrekten Kontext zu versetzen, und trotzdem die stupide Komik zu erhalten. Im neuen Setting geht es um einen Berliner Klubbesitzer namens Abendwind, der einer Allianz mit Biberhahn, einem Kollegen aus Leipzig erseht, um nicht von gefährlichen Investor:innen aufgekauft und gentrifiziert zu werden. Dabei kommen auch die Kinder der beiden, der Berliner Bär, ein Koch und fast ein wenig Kannibalismus ins Spiel.

So spielt die Operette nun in der Lebenswelt des Oper*ettenkollektivs und bringt auch die Probleme der heutigen Kulturbranche in Großstädten mit ein, wobei Berlin und die Bärensymbolik natürlich besonders präsent sind. Auch musikalisch ist das ganze modernisiert und der Klang dem Thema angepasst, so werden Offenbachs Sätze mit Technobeats ergänzt, was keine Epiphanien erzeugt, aber die eigenen Hörerwartungen unterhaltsam durchschleudert.

Zu Ostern wurde das ganz live über verschiedene Radiosender ausgestrahlt, jetzt gibt es alles zum nachhören einfach hier: https://sphere-radio.net/episoden/das-graeuliche-festmahl-die-ultimative-tutti-damore-radioshow/?fbclid=IwAR3IofB8rzt-XJ87NFq9kBK_oWlPUhEUfAbLaHMIS7sSmkAcA3UKBG0mLws

Corona nicht nur als Hindernis, sondern auch als Chance zu sehen ist eine der großen Herausforderungen dieser Tage. Wie im Einführungstext beschrieben, war die Produktion eigentlich als Live-Aufführung geplant und dann zum Hörspiel umgeschrieben. Sicherlich bestand darin ein großer Mehraufwand für das Team, jedoch gelangt die künstlerische Arbeit auf diese Weise überhaupt ans Licht. Das Hörspiel als Form ist mir selbst eher aus Kindertagen bekannt und ich musste mich wieder kurz daran gewöhnen, doch es stellt gerade für Musiktheaterkunst eine valide Möglichkeit dar, ihre Kunst öffentlich zu verbreiten.

Die gemischte Form ist vielleicht bei der Operette besonders geeignet, wo zum Sachverständnis immer genug Sprechtext vorhanden ist, das ganze aber nicht in einen schwer verdaulichen Podcast ausartet. Der genretypische Klamaukspaß ist dieser Tage natürlich auch jederzeit willkommen. Mir hat es sehr gefallen und hoffentlich gibt es noch ein paar mehr solcher Produktionen. Ach, ich vermisse das Theater, aber so ist es nicht ganz so schlimm.

Hier findet ihr mehr über das Kollektiv: http://www.tuttidamore.de/home.html 

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B(l)ackstories Abschlusskritik

Letzte Woche beglückte uns das Oldenburgische Staatstheater mit einer fünfteiligen Krimiserie am fiktionalen Theater Utzbach. Wer es noch nicht gesehen hat, hier kommt ihr zur Playlist: https://www.youtube.com/playlist?list=PLKAjOc0cudMghz-1rMAdNlBFgjoUIE2Zq (Freund:innen, es ist umsonst, also los!) Hier nun mein abschließendes Review, inklusive Spoilern.

 Auch die weiteren drei Folgen fand ich wunderbar. Immer mehr konnte man erkennen, wie die Wahrnehmung der Protagonist:innen des Tages von ihren eigenen Ansichten geprägt wird. Die letzte Folge „Mia“ schießt in dieser Hinsicht einfach den Vogel ab: Das Betreuungsproblem von Lars wurde von allen zwar irgendwie wahrgenommen, die meisten hatte irgendwelche Eindrücke dazu, dass er sein krankes Kind mit in die Probe nehmen muss. Mia aber sieht das Kind überhaupt nicht! Die Kinderschauspielerin ist schlicht nicht in der Szene, der Darsteller des Lars gestikuliert mit der Luft. Besonders gefällt mir auch die schwierige Eifersuchtsdynamik zwischen Jowanna, Mia und Jochen, die nur aufgrund der spezifischen Blickwinkel als solche existiert, trotz der kurzen Folgen konnte hier nochmal ein ganzen Nebenplot entwickelt werden.

Über die Woche hinweg erkennt man, dass alle Kollegen des (in der Probe gestorbenen) Jochen ihr eigenes Tatmotiv hätten, mit jedem Tag schien man als Zuschauer:in einen neuen Verdacht zu haben und sympathisiert gleichzeitig so sehr mit den Teammitgliedern, dass die letztendliche Tatursache sehr erleichternd kommt: es war natürlich nur ein Unfall. Sehr sneaky eingestreut kam der Hinweis schon in einer Szene der Mittwochsfolge: Ein Techniker hatte einen Hammer liegen lassen, der verhängnisvoll auf Jochen hinunterfiel.

Jetzt bin ich natürlich gespannt, ob das Oldenburgische Staatstheater weitere Projekte wie dieses geplant hat, Krimiserien haben ja auch oft mehrere Staffeln, ich würde mich jedenfalls freuen.

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B(l)ack Stories - Krimigeschichte am Theater Utzbach

Oldenburgisches Staatstheater auf Youtube

 Im Theater Utzbach ist ein Mord geschehen, mitten in der Probe. Und niemand weiß, wer es war. Die Kolleg:innen des jungen Opfers werden verhört und mit jeder Folge der Serie wird eine neue Perspektive gezeigt, vielleicht lässt sich so bald erkennen, wer den Mord begangen hat?

Das Oldenburgische Staatstheater hat als Corona-Überbrückung eine kleine Onlinereihe produziert, die diese Woche jeden Abend über staatstheater.de und auf YouTube zu sehen ist. Mit der Premierefunktion geht es noch bis Freitag abends um 20 Uhr los. Die Serie stellt Ausschnitte aus der verhängnisvollen Theaterprobe am fiktionalen Theater Utzbach dar, dazu werden Fetzen aus Befragungen der Probenteilnehmer:innen reingeschnitten.

Besonders interessant ist, dass dabei dieselbe Situationen aus unterschiedlichen Blickwinkel gezeigt werden und dabei vom Weltverständnis der wechselnden Protagonist:innen beeinflusst sind. Lars nimmt einen Betreuungsengpass ganz anders wahr als Aaron. Obwohl die Figuren in der Serie sich manchmal alles andere als gut verstehen, merkt man, wieviel Liebe und Teamarbeit tatsächlich in dieses Projekt geflossen ist. Aus den dargestellten Probenproblemen macht der Schnitt eine Komik, die wunderschön wehtut. Neben Regisseur Eike Weinreich und Dramaturg Jonas Hennicke hat hier unverkennbar das gesamte Team zusammengearbeitet.

Für Oldenburger:innen ist es zusätzlich natürlich auch interessant, Drehorte in der Stadt und am Theater wiederzuerkennen, oder vielleicht sogar einen kleinen Blick hinter die Kulissen zu erhalten. Ich freue mich, dass das Staatstheater eine innovative neue Form gefunden hat, die uns Zuschauer:innen ein wenig über die leider immer noch hohen Infektionszahlen hinweghilft. Und das ganze sogar umsonst und leicht zugänglich! Bisher habe ich zwei Folgen gesehen und bin sehr gespannt auf den Rest der Woche, am Wochenende kommt hier natürlich meine abschließende Kritik. 

 Ein paar Infos und eine Liste der Mitwirkenden gibt es hier: https://staatstheater.de/programm/sonstiges/digitalfriday/blackstories.html

Hier geht es direkt zur Youtube-Playlist, wo ihr heute Abend um acht reinschauen könnt: https://www.youtube.com/playlist?list=PLKAjOc0cudMghz-1rMAdNlBFgjoUIE2Zq

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Zweimal Gott

Gott ist das jüngere der Theaterstücke von Ferdinand von Schirach. Mit unterhaltendem Theater nicht zu vergleichen fühlt sich der Abend eher an wie sehr detailliertes Referat im Ethikunterricht, aber man kommt auch mit der Erwartung des Lernens und Nachdenkens auf dieses Stück zu. Es lief im Herbst 2020 in vielen Theatern an und wurde auch am 23. November 2020 im Ersten als Film ausgestrahlt. Ich möchte hier mal ein paar Gedanken zum Stück im Allgemeinen loswerden und auch die Fernsehproduktion und die des Oldenburgischen Staatstheaters vergleichen.

Schirach hatte in den letzten Jahren viel Erfolg mit zwei Stücken (Terror und Gott) zur Moralphilosophie, beide Male wird eine Art von Verhandlung in Echtzeit ausgespielt, verschiedene Positionen werden vorgetragen und das Publikum darf am Ende entscheiden. Der Autor war selbst Strafverteidiger, weshalb er die Verhandlungssprache wunderbar realistisch darstellen kann; seine Stücke haben einen dokumentarischen Modus, ohne dabei die realen Gegebenheiten zu dokumentieren. Moralisch-rechtliche Themen mit starken Nomen als Titel sind offensichtlich seine Marke als Schriftsteller. Seine Theaterstücke zielen darauf das Publikum in die Situation eintauchen zu lassen, beide Male konnten Zuschauer:innen am Ende entscheiden, die Ergebnisse aus verschiedenen Aufführungen werden gesammelt. Die Stücke werden zudem an vielen regionalen Theatern gespielt, sodass sich tatsächlich ein eingeschränktes gesellschaftliches Stimmungsbild erstellen lässt.

Im Allgemeinen ist Gott etwas problematisch, da es eine Entscheidung behandelt, die von Bundesverfassungsgericht bereits im Februar 2020 getroffen wurde. So ist es nun Ärzten erlaubt bei gesunden Menschen Sterbehilfe (Tötung auf Verlangen) zu leisten, da die Autonomie der Person das Recht auf selbstbestimmtes Sterben, inklusive der Hilfe dritter, miteinschließt. Es war ein starkes Urteil und kein Wunder, dass sich Schirach davon hat inspirieren lassen, jedoch ist es schwierig, dass das Stück etwas verhandelt, das längst entscheiden ist. Besonders schwierig finde ich die Rolle des Katholischen Pfarrers, der über den Zauber des menschlichen Lebens spricht, obwohl der Einfluss der Kirche (insbesondere der katholischen) auf das ethische Empfinden längst überholt ist. Natürlich ist es interessant (und irrsinnig), dass Gott immer noch zu Anfang des Grundgesetzes steht, das sähe ich aber lieber in einem separaten Stück aufgearbeitet. An anderen Stellen wird der Titel nicht aufgearbeitet. Ich finde ihn unpassend, da die dargestellte Situation vielleicht zu eindeutig ist, oder auch, weil es viel bessere Situationen gäbe, in denen sich Menschen vorwerfen lässt, sie würden Gott spielen wollen (Gentechnik und Schaffung von Neuem beispielsweise).

Es werden hohe Anforderungen an die Schauspieler:innen gestellt, indem sie lange Passagen juristischer Argumente rezitieren und sich zunächst wenig gegenseitig anspielen können. Im Oldenburgischen Staatstheater wirkte das Spiel oft etwas gestelzt, besonders was die Zwischenrufe der Anwältin des Sterbehilfesuchenden Herrn Gärtner und die Reaktionen der Vorsitzenden darauf betrifft. Man merkt, dass die Darstellenden dafür ausgebildet sind, menschliches Sein und Emotionen besonders tief und treffsicher darzustellen, und eben nicht vorwiegend logische Reden zu halten. Es ist natürlich meckern auf hohem Niveau, die Darstellung ist gut, nur manchmal lässt sich hinter die Illusion blicken. Ich hätte gern eine Produktion dieses Stückes gespielt von Jurastudierenden Theaterlaien gesehen.

Die Oldenburger Inszenierung ist jedoch sehr gut darin, die einzelnen Personen als Standpunkte darzustellen und nicht als spezifische Personen, hier hat die Aufführung im Theater den Vorteil, dass man die Personen immer aus einiger Distanz sieht und immer in der Rahmung des Bühnenbildes. Das Bühnenbild selbst ist bei Film und Liveaufführung sehr unterschiedlich. Im Oldenburgischen Staatstheater wird durch die Antik anmutenden Säulen auf sehr schlichte und eindrückliche Weise die vom antiken Griechenland ausgehende, westliche Ethik und Philosophie dargestellt. In der Verfilmung schaut das Saalpublikum hinter den Diskutierende aus einer Glasscheibe auf alte und neue Gebäude einer Innenstadt, die die vielfältige Gemeinsam gebaute Kultur veranschaulichen. Noch ein Vorteil ist die Integration der nächsten Redner:innen in das Saalpublikum, als Zuschauer:in fühlt man sich dadurch sehr schnell selbst beteiligt, der Film versucht den selben Effekt durch eine Kameraposition im dargestellten Publikum zu erwirken, hier stößt das Medium aber an seine Grenzen.

Ich finde es sehr interessant was für einen Boom dieses Stück erfahren hat, obwohl es in sich doch noch einige Probleme aufwirft. Trotzdem freue mich über die Popularität dieser nicht-emotionsbasierte Form von Theater und bin gespannt auf das nächste Stück von Ferdinand von Schirach.

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Neubau. Ein Heimatfilm.

Filmbesprechung

 Transmann Markus wohnt irgendwo in Brandenburg, verdingt sich ein wenig auf einer touristenkräftigen Straußenfarm und ist sonst arbeitslos. Er träumt von der bunten queeren Szene in Berlin, kann nur noch nicht dorthin, da er sich um die demente Oma samt Lebensgefährtin kümmert. Er ist hin- und hergerissen zwischen der Liebe zu dieser einzigen Familie und einem Ausweg aus dem Alleinsein.

Er vertreibt sich die Zeit mit Sehnsucht, Schwimmen im Teich, Biertrinken. Das Lebensgefühl in der Ostdeutschen Provinz wird so wunderbar authentisch dargestellt, man merkt, dass hier der Drehbuchautor und Hauptdarsteller Tucké Royale seine eigenen Jugenderfahrungen mit einbringt. Mich persönlich erinnert alles ans Jugendlager im Süden Mecklenburgs über Landschaft, Kleidungsstil und Biersorte.

Erst mit dem jungen langhaarigen Fernsehtechniker Duk beginnt Markus wirklich zu sprechen, in den ersten zwei dritteln des Films erscheint die Gefühlswelt des Protagonisten, im letzten Drittel lernt man über das Wie und Warum seiner Geschichte. Den ganzen Film über baut sich Spannung zwischen beiden auf, obwohl sie lange nicht gleichzeitig im Bild zu sehen sind. Gerade als sich beide näherkommen stirbt Markus Oma und er könnte vielleicht endlich wegziehen. Das Ende bleibt offen: Markus bittet Duk gemeinsam nach Berlin zu ziehen, aber Duk gefällt seine Arbeit und die Ruhe auf dem Land, die Zukunft der beiden bleibt ungewiss.

Mir hat der Film wirklich gut gefallen, es gibt immer wieder Momente, in denen man sich in Markus hineinversetzt, aber dann auch wieder eine reflektierende Entfernung aufbauen kann. Angesprochen hatte mich der Trailer besonders wegen der schwulen Liebesgeschichte, diese machte scheinbar dann keinen so großen Anteil aus, trotzdem zog sich der Slow-Burn doch effektiv durch den ganzen Film. Die starke Authentizität der Lebenswege und Gefühle ist das große Plus des Films, trotz der vielen Besonderheiten der Figuren (Markus als MLM Transmann, Duk als Sohn vietnamesischer Einwanderer, jüdisch lebende Omas), wird alles so eingefangen, das es gefühlt real so irgendwo in Brandenburg passieren kann.

Ich konnte diesen Film im Rahmen der ersten queer Online-Filmnacht „Que*rschnitt“ sehen, die von Universum Filmtheater und den Verein für sexuelle Emanzipation e.V. aus Braunschweig und dem Filmverleiher Edition Salzgeber organisiert. Finanziert wurde das Ganze von Land Niedersachsen. Das Rahmenprogramm war öffentlich zugänglich, die Filme gab es über Vimeo für einen knappen fünfer. Ein paar weitere Infos gibt es hier: https://www.universum-filmtheater.de

Ich habe selbst in den letzten Jahren beim Internationalen Filmfest Oldenburg gearbeitet, das im letzten Jahr dank der niedrigen Coronazahlen hybrid – sowohl online als auch vor Ort – stattfinden konnte, dort habe ich schon gemerkt, dass auch aus der Entfernung viele Zuschauende kommen. Für mich selbst ist es auch ein positiver Nebeneffekt der Pandemiesituation Kulturangebot von anderen Orten wahrnehmen zu können. Ich hoffe so vielleicht noch ein paar mehr queere Filmfestivals zu finden und den ein oder anderen Film zu entdecken, den in den stressigen letzten Jahren verpasst habe, dazu kommt hier dann die Rezension ;)

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Ziellos im Abendkleid

Die Ermüdeten oder Das Etwas, das wir sind

Autor Bernhard Studlar, Regie Claudia Bauer

Das Schauspiel Leipzig bietet diese bewegungstheaterlastige Uraufführung (erstmals 25. September 2015) im Onlinestream an.

Die Aufführung bringt allerdings leider nur ein zentrales Argument über die Leere der Millenials im mittleren Alter, das auf vielfältige und absurde Art und Weise dargestellt wird. Der größte Anteil der Aufführung ist gefüllt von sechs Darstellenden, die alle abstrakte Charaktere darstellen, die allein oder mit ungeliebten Ehepartnern auf eine Terrassenparty gehen. Durch viele Wiederholungen in Text und Bewegung wird die Leere des Alltags vermittelt. Auch die Orientierungslosigkeit und Unsicherheit in der modernen Welt sind klar zu erkennen.

Es gibt Kunstvolle Bilder und Bewegungen, es ist absolut Post-dramatisch (der Text spiel nicht die zentrale Rolle). Über den Verlauf des Stücks werden die darstellerischen Mittel immer gesteigert. Die Personen werden dabei anhand von Einheitskostümen genderblind dargestellt, gleichzeitig bewirkt die Verwendung von Masken und die Trennung der körperlichen und der stimmlichen Darstellung einen Verfremdungseffekt.

Darüber hinaus ist es (vielleicht besonders im Stream) einfach bizarr und tatsächlich schwierig auszuhalten. Generell darf Theater natürlich schwer auszuhalten sein, aber besser ist, wenn man dafür emotionale und geistige Stimulation bekommt, das ist leider wegen der Einseitigkeit des Stückes hier nicht der Fall.

Ein interessanter Faktor ist jedoch die Zeitweise aufploppende Geschichte von Gastgeber und einer unerwarteten Besucherin. Diese filmisch dargestellten Episoden werfen Fragen auf? Was genau sind ihre Absichten? Wer sitzt am längeren Hebel und warum genau? Hier entsteht eine flüchtige Spannung, die ein Enigma aufwirft, die unklaren Verhältnisse regen zum Nachdenken und Hinterfragen der sozialen Machtgefüge der modernen an. Genau, was ich an postmodernen zeitgenössischen Inszenierungen mag. Wegen des geringen Anteils können diese Einwürfe mein Urteil leider nicht retten.

 Den Stream gibt es nochmal am 21. Und 22. März und zum letzten Mal gibt es den Stream am 27.März.

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Rezension: In My Room

Maxim Gorki Theater - Stream

Stück von Falk Richter & Ensemble

 Den Anfang bildet eine 30-minütige Soloperformance von Darsteller Jonas Dassler. Hier wird (vermutlich) die Beziehung von Regisseur Falk Richter zu dessen Vater beschrieben, die dargestellte Person unterscheidet sich in Habitus und Kleidung, von der ebenfalls von Dassler dargestellten Rolle „Jonas“ in der er sein Verhältnis zu seinem eigenen Vater beschreibt. Diese erste halbe Stunde umfasst wenig andere Mittel als die schauspielerische Performance, die sehr energetisch ist und beim Zuschauen für fast körperliche Anspannung sorgt.

Danach beginnen die fünf Ensemblemitglieder knapp ihre Väter darzustellen, indem sie Bewegungen nachmachen und den Vätern entsprechend kostümiert sind. Anschließend gibt es wieder monologisch vorgetragene Detailbehandlungen der Vater-Sohn-Beziehungen. Musikalisch und visuell ist das Stück sehr abwechslungsreich, die Darsteller singen und spielen alle Instrumente selbst und auf der Bühne, was erheblich zum authentischen, offenen Character der Performance beiträgt. Jede der Geschichten ist in kleine Songs und Musikstücke eingebettet, die einerseits Überleitungen schaffen aber auch direkte Kommentare zu den Monologen darstellen oder diese zum Teil im Wortlaut aufgreifen.

Das Stück ist von einem vereinzelten Charakter durchzogen, da die Vater-Sohn-Beziehung besonders als Individualerlebnis aufgearbeitet wird. Dies wird aufgebrochen durch die gemeinsam gespielten Musiknummern, die das Einzelschicksal als eines von vielen gleicher Art außerhalb der Theaterbühne in Szene setzen. Es wird, recht selbstironisch, eine Art Gruppentherapiesitzung zum Vater-Sohn-Verhältnis dargestellt, die inhaltlich an die biographische Situation des Regisseurs Falk Richter anschließt. Die szenische Darstellung erinnert an Verkörperungsmethoden einer Gruppentherapie (mit Benny Claessens in der Therapeutenrolle). Die nebelgefüllte Bühne abstrahiert die Darsteller. Die Spannung der Szene im Stück bricht nach dem Klimax abrupt ab.

Bis zum Ende hin bleibt es fragmentarisch, liefert keine Antworten, es werden allerhand Ausschnitte und Einzelschicksale, Lebenssituationen gezeigt und anfänglich bearbeitet. Dabei werden Lösungen und Chancen der Situation selten vorgekaut, sondern dem Publikum mitgegeben, fast durch Peer-Pressure beginnt man das eigene Vater-Sohn- und Männlichkeitsverhältnis zu befragen.

Die Aufnahmen mit Publikum aus der Prä-Corona-Zeit sind etwas irritierend, jedoch ist der Stream selbst derzeit einfach eine gute Möglichkeit doch in den Theatergenuss zu kommen. Mir kommt die Frage auf, wieso nicht viele weitere Theater ebenfalls Streamingangebote und -aufnahmen dieser Zeit fest einplanen. Ein wichtiger Grund sind sicher die Rechte an den Stücken, doch bei begrenzten Streams wären Ausstrahlungsrechte für einzelne Stücke sicher verhandelbar. Aber dieses Thema ist sicher seinen eigenen Post wert ;)

  In my Room läuft nochmal als Stream am 17.3 ab 19:30 und ist dann für 24 Stunden online abrufbar.

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Rezension: Und sicher ist mit mir die Welt verschwunden

Maxim Gorki Theater

Stück von Sibylle Berg, Regie Sebastian Nübling

 Im coronatauglichen Stream präsentiert das Gorki ein Stück, das ablenkt von allen Maßnahmen und den Blick lenkt auf die Scheiß-Welt jenseits des Lockdowns.

Vier Schauspielerinnen spielen eine Mitfünfzigerin, die ihr Leben und Ableben beschreibt, von Jugendtagen an bis zum letzten Event, einem Selbstmordattentat auf Libertäre Erfolgsmenschen (wie sie einer war), welches Sie am letzten Tiefpunkt ihres Lebens verübte. Aus Rache für den Raub ihrer Ideale.

Sie war so geworden, wie sie nie sein wollte. Während des Sterbeprozesses auf der Intensivstation geht sie ihr Leben nochmals durch. Es kommen viele Moment der Verzweiflung, Gefühle von Belanglosigkeit. Auf der Bühne herrscht emotionales Reflektieren mit Elektroklangkulisse. Passend zur echten Kulisse aus metallischen Flächen und Neonröhren. Der Innenraum der Intensivstation oder das Innenleben der Protagonistin?

Die vier Darstellerinnen Anastasia Gubareva, Svenja Liesau, Vidina Popov und Katja Riemann wechseln dabei immer wieder vom performativen Chor in einzelne Rollen und Lebensabschnitte der Protagonistin. Dazu stellen sie selbst das Sounddesign und die Musik des Stückes live mit Keyboards und Loopstations dar.

Zur Verhandlung von Werten in der heutigen Gesellschaft wird gern auch die vierte oder fünfte Wand gebrochen und rau gesungen und trotz aller Dekonstruktion kommt ungeheures Mitgefühl auf, denn es wird ein gescheiterter Versuch des guten, ethischen, liebevollen Lebens gezeigt und beim Zusehen beginnen die eigenen Ideale mit einem zu ringen. War doch auch die Attentäterin nur eine junge Frau mit viel Sehnsucht.

Am 5. März kommt es nochmal im Stream. Weitere Infos unter: https://www.gorki.de/de/stream-und-sicher-ist-mit-mir-die-welt-verschwunden?fbclid=IwAR1vRIJ7fRRt3EJHvz0rKjLi8DFiTYYWJyG8Fj1CXWFk-itYbNNJ4RLnEkA

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Erster Eintrag

Hallo allerseits, dieser Blog wird einige Rezensionen und Kritiken zu Theater, Kultur und Zeitgeschichte geben. Auf gute Vorhaben!