WalkingFra

Abito il margine. Sto in ascolto. Osservo, leggo, cammino. Custodisco tracce.

[sguardimora]

Dove il tempo si dissolve e lo spazio si apre. Nella Madeleine di Stefania Tansini

Ieri all'Arboreto abbiamo assistito alla prova aperta del nuovo lavoro di Stefania Tansini, ospitato nel contesto del Santarcangelo Festival.

[ph. Chiara Mannucci]

La scena si apre su una black box vuota. Una luce quasi naturale attraversa il nero, come se il teatro, per un istante, si lasciasse abitare dal giorno.

Una figura taglia improvvisamente lo spazio. Tiene una sedia in mano, avanza decisa, poi si ferma, torna sui suoi passi. Il gesto sembra già accaduto, o forse sta accadendo per la prima volta. Poco dopo quella figura si moltiplica: una seconda presenza la segue, poi una terza. Stessa divisa blu, stessa sedia, stesso portamento, stessa ostinazione. Sono Stefania Tansini, Lucia Sauro e Liliana Benini: tre corpi che entrano nella scena come in una fenditura del tempo.

Da lì in avanti Madeleine sembra abitare un glitch sottile: qualcosa ritorna, ma mai identico; qualcosa si ripete, ma ogni volta lascia una traccia diversa. I corpi custodiscono il passaggio appena avvenuto, ne trattengono il residuo. La scena non procede: si piega, arretra, ricomincia. Le sedie si spostano, le traiettorie si rincorrono, lo spazio stesso pare sollevato e riposato altrove dal movimento che lo attraversa.

[ph. Pietro Bertora] A un certo punto le danzatrici scostano le tende, aprono le finestre, e dietro la scatola nera appare il bosco. Non come paesaggio, ma come memoria: qualcosa che era già lì, fuori e dentro la scena, in attesa di essere visto. Escono, rientrano, e ogni ritorno riapre il loop, come se il presente fosse solo una superficie fragile sotto cui premono altri tempi.

Anche lo spazio, come il tempo, subisce la trasformazione prodotta dal passaggio dei corpi. Il linoleum viene piegato a metà, come un nastro che si riavvolge per poi avanzare di nuovo: quasi come prima, ma già un poco diverso. La scena si lascia manipolare, trattenere, ripiegare. Diventa materia mobile, memoria fisica, superficie attraversata.

La danza non racconta un ricordo: lo fa accadere nel corpo. Lo lascia emergere per frammenti, per posture, per scarti minimi, per improvvise intensità. Come nella memoria involontaria di Proust, non c’è una prova logica, ma un’evidenza sensibile: qualcosa affiora senza spiegarsi, e proprio per questo sembra vero.

[ph. Pietro Bertora]

Poi qualcosa cambia, nel secondo frammento che ci viene mostrato.

La ripetizione si incrina. Le tre figure non sembrano più appartenere allo stesso piano. Una si perde in una danza lieve e palpitante, quasi pacificata, come se abitasse un tempo interiore. Un’altra pare già sospinta altrove: esce e rientra tenendo stretta a sé una materia molle, simile a interiora esposte, che porta il corpo fuori da ogni compostezza. La terza abita quella stessa soglia e, nel tentativo di liberare quel corpo attorcigliato a terra, stride con la voce e con il gesto.

È come se il teatro si fosse sdoppiato in due spazi simultanei: uno interno, trattenuto, quasi mentale; l’altro esposto, doloroso, attraversato da qualcosa che non può più restare nascosto. Non è più soltanto il tempo a slittare. È lo spazio stesso che si apre in una distanza.

In questa seconda parte la bellezza del movimento non consola. Resta accanto a qualcosa di più ambiguo, più affilato. Nei corpi appare una grazia che non cancella il dolore, ma lo attraversa. La dolcezza del ricordo d’infanzia evocato da Proust sembra rovesciarsi in una materia più scura, più fisica, quasi terribile. Le figure continuano a muoversi, ma portano addosso un peso diverso: una memoria che non è solo ritorno felice, ma anche perdita, attrito, esposizione.

In mezzo a tutto questo, la struttura sonora di Enrico Malatesta lavora accanto ai corpi. Non li accompagna soltanto: li attraversa, li spinge, li sospende. E quella luce, prima quasi naturale e poi leggermente oscurata, apre soglie, produce contrasti, rende visibile il passaggio tra ciò che resta e ciò che svanisce.

[ph. Pietro Bertora]

In questo nuovo lavoro di Stefania Tansini il tempo non è una linea che scorre fuori dai corpi, sembra piuttosto prendere forma nel momento stesso in cui viene attraversato: da ciò che ritorna, da ciò che si perde, da ciò che ancora preme per accadere. Non passa soltanto. Si deposita. Incide. Riemerge come un gesto che sembrava finito, come una postura che riappare, come una stanza che il corpo continua ad abitare anche dopo averla lasciata.

Rovelli scrive che «siamo parte di una rete che va molto al di là dei pochi giorni della nostra vita e dei pochi metri quadrati dove muoviamo i nostri passi». In Madeleine questa rete sembra farsi visibile nel movimento: ogni corpo porta con sé più tempi, più stanze, più memorie. Tutto pulsa in una simultaneità fragile, come se il tempo non fosse un passato, un presente, un futuro ma una materia prodotta dalla danza e dal suo farsi in scena davanti a noi.

MADELEINE

progetto, coreografia Stefania Tansini danza Stefania Tansini con Liliana Benini, Chara Kotsali, Alice Raffaelli, Lucia Sauro drammaturgia sonora Enrico Malatesta luci Elena Gui costumi Chiara Venturini, Stefania Tansini organizzazione, promozione Federica Parisi consulenza alla produzione Chiara Boscariol co-prodotto da Nanou Associazione Culturale, Orbita | Spellbound Centro Nazionale di Produzione della Danza con il sostegno produttivo di Fondazione Teatro Grande di Brescia, Torinodanza Festival / Teatro Stabile di Torino - Teatro Nazionale, Fondazione I Teatri di Reggio Emilia | Festival Aperto, Centro Nazionale della Danza Virgilio Sieni, FREE SEED - sconfinamenti / Mosaico Danza con il supporto di Étape Danse | network di Festival Interplay/Mosaico Danza (IT), Fabrik Potsdam (DE), Bureau du Théâtre et de la Danse (DE), La Briqueterie CDCN (FR) in partnership con Lavanderia a Vapore / PDV e Torinodanza Festival / Teatro Stabile di Torino, ResiDance - azione del Network Anticorpi XL (Lavanderia a Vapore, I Teatri di Reggio Emilia | Festival Aperto, L'arboreto - Teatro Dimora di Mondaino | Centro di Residenza Emilia-Romagna, CSC - Centro per la Scena Contemporanea / Operaestate Festival), Lavanderia a Vapore / PDV, Oriente Occidente, Fondazione Armunia

in collaborazione con L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino | Centro di Residenza Emilia-Romagna

The scene opens onto an empty black box. An almost natural light cuts through the darkness, as if, for an instant, the theatre allowed itself to be inhabited by daylight.

A figure suddenly slices through the space. She holds a chair in her hand, advances with determination, then stops and retraces her steps. The gesture seems to have already happened, or perhaps it is happening for the first time. Shortly after, that figure multiplies: a second presence follows her, then a third. The same blue uniform, the same chair, the same bearing, the same stubbornness. They are Stefania Tansini, Lucia Sauro and Liliana Benini: three bodies entering the stage as if through a fissure in time.

[ph. Pietro Bertora] From that moment on, Madeleine seems to inhabit a subtle glitch: something returns, but never identically; something repeats, but each time it leaves a different trace. The bodies preserve the passage that has just taken place, holding on to its residue. The scene does not move forward: it folds, retreats, begins again. The chairs shift, the trajectories chase one another, and the space itself seems to be lifted and placed elsewhere by the movement that crosses it.

At a certain point, the dancers draw back the curtains, open the windows, and behind the black box the woods appear. Not as landscape, but as memory: something that was already there, both outside and inside the scene, waiting to be seen. They exit, return, and each return reopens the loop, as if the present were only a fragile surface beneath which other times are pressing.

Space, like time, is transformed by the passage of the bodies. The linoleum is folded in half, like a ribbon rewinding itself before moving forward again: almost as before, but already slightly altered. The stage allows itself to be manipulated, held, folded back. It becomes mobile matter, physical memory, a surface that has been crossed.

The dance does not narrate a memory: it makes it happen in the body. It lets it emerge in fragments, through postures, minimal deviations, sudden intensities. As in Proust’s involuntary memory, there is no logical proof, but a sensory evidence: something surfaces without explaining itself, and precisely for this reason it seems true.

Then something changes in the second fragment we are shown.

Repetition cracks. The three figures no longer seem to belong to the same plane. One is lost in a light, throbbing dance, almost pacified, as if inhabiting an inner time. Another already seems propelled elsewhere: she exits and returns, clutching to herself a soft matter, like exposed entrails, carrying the body beyond all composure. The third inhabits that same threshold and, in the attempt to free the body twisted on the floor, strains with both voice and gesture.

It is as if the theatre had split into two simultaneous spaces: one internal, withheld, almost mental; the other exposed, painful, crossed by something that can no longer remain hidden. It is no longer only time that slips. Space itself opens into distance.

In this second part, the beauty of movement offers no consolation. It remains beside something more ambiguous, sharper. A grace appears in the bodies that does not erase pain, but passes through it. The sweetness of the childhood memory evoked by Proust seems overturned into a darker, more physical, almost terrible matter. The figures continue to move, but they carry a different weight: a memory that is not only a happy return, but also loss, friction, exposure.

In the midst of all this, Enrico Malatesta’s sound structure works alongside the bodies. It does not merely accompany them: it passes through them, pushes them, suspends them. And that light, at first almost natural and then slightly darkened, opens thresholds, produces contrasts, makes visible the passage between what remains and what vanishes.

[ph. Pietro Bertora]

In this new work by Stefania Tansini, time is not a line flowing outside bodies. Rather, it seems to take shape in the very moment it is crossed: by what returns, by what is lost, by what still presses to happen. It does not simply pass. It settles. It cuts. It resurfaces like a gesture that seemed finished, like a posture that reappears, like a room the body continues to inhabit even after having left it.

Rovelli writes that “we are part of a network that extends far beyond the few days of our lives and the few square metres within which we move our steps.” In Madeleine, this network seems to become visible through movement: each body carries with it multiple times, multiple rooms, multiple memories. Everything pulses in a fragile simultaneity, as if time were not a past, a present, a future, but a matter produced by dance and by its unfolding on stage before us.

[sguardimora]

Dentro l’onda dell’incanto. Appunti dalla prova aperta di Parini Secondo con MALIA – studio sull’incanto

La scena si apre in bianco e nero, dentro un paesaggio visivo che sembra continuamente mutare forma. Sul fondo, macchie simili a figure di Rorschach si espandono, si contraggono, si trasformano. Davanti a questo paesaggio percettivo, il primo corpo entra come una presenza scura, attraversata da un ritmo metal che ne accende la materia, la porta verso una fisicità frontale, tellurica, quasi rituale.

Quando le altre danzatrici entrano, lo spazio cambia respiro. Il bianco dello sfondo non pacifica la scena, ma la espone, la rende più tagliente. La danza comincia dalla schiena, dalla colonna vertebrale, da una zona profonda e mobile del corpo che sembra ricordare movimenti anteriori alla postura eretta: curve, spirali, rotazioni, onde. I corpi non avanzano, ma si avvolgono; non disegnano traiettorie lineari, ma insistono su una vibrazione che cresce per ripetizione.

Poco a poco, il rosso affiora sullo sfondo. Non arriva come colore decorativo, ma come temperatura della scena: una pressione interna, una traccia che sembra salire dai corpi e contaminare lo spazio. L’immagine che si compone è quella di un organismo plurale dove l’unisono non coincide mai perfettamente con l’identico: si inclina, ritarda, si sfasa appena, per poi ritrovarsi in appuntamenti ritmici comuni, come se una forza interna richiamasse continuamente i corpi a una coralità pulsante.

In questa prima apertura di MALIA – studio sull’incanto, presentata al termine della residenza creativa di Parini Secondo al Teatro Petrella di Longiano, il lavoro appare come un dispositivo già molto preciso, ma ancora attraversato dalla libertà della ricerca. Musica, luci, immagini e movimento concorrono a costruire un ambiente di saturazione sensoriale: un habitat in cui il corpo può sperimentare la reiterazione, la trance, la perdita momentanea di un centro stabile.

Nel dialogo seguito alla prova aperta, le artiste hanno raccontato come MALIA segni, per il collettivo, uno spostamento importante. Dopo lavori fondati sul gesto di prendere qualcosa da fuori e renderlo corpo - dalla copia di una danza giapponese diffusa nei club di Tokyo in SPEED, fino allo studio atletico e ritmico del salto con la corda in HIT e HIT OUT - questo nuovo percorso nasce dal desiderio di “tornare un po’ al dentro”: cercare qualcosa che ha a che fare con la fantasia, l’immaginazione, la possibilità di dare forma a ciò che esiste prima di tutto interiormente.

La parola incanto arriva così come una soglia. Non viene intesa in senso illustrativo o narrativo, ma come stato dell’attenzione: una condizione percettiva che si stacca dal tempo ordinario e si dispone su un altro ciclo temporale. Le artiste hanno raccontato di essersi interessate a forme di “incantamento del corpo”, capaci di produrre condizioni cinetiche sospese, in cui il movimento sembra insieme trattenuto e continuamente rilanciato.

Da qui nascono le due linee principali della ricerca coreografica emerse anche nella prova aperta: da un lato l’headbanging, studiato come tecnica fisica e come pratica non ancora appartenente alla motricità delle danzatrici; dall’altro il movimento a spirale della colonna vertebrale, pensato come possibilità di riportare il corpo verso zone di motricità meno abituali, quasi arcaiche, in cui la spina torna a essere asse mobile, ondulatorio, generativo.

Il rapporto con la musica resta centrale. Come hanno spiegato le artiste, Parini Secondo parte spesso dal suono: la musica crea un’architettura dentro cui il corpo entra e comincia a muoversi. In INCANTO, la struttura della trance, più che la sua sonorità immediatamente riconoscibile, incontra il massimalismo del metal e la fisicità estrema del canto, dando origine a un paesaggio sonoro in cui la curva, l’ipnosi, la ripetizione e la saturazione diventano principi compositivi.

La prova aperta ha assunto allora la forma di un episodio pilota: un frammento iniziale capace di accennare a tutto ciò che il lavoro potrà diventare. Non una sintesi conclusiva, ma una soglia di accesso. Un primo attraversamento in cui si intravedono già gli elementi portanti della ricerca: il bianco e nero che si incrina nel rosso, il corpo che cerca nella schiena una nuova sorgente di movimento, la musica come architettura percettiva, l’immagine come materia instabile, l’incanto come forza che cattura, sospende, altera.

In questo stadio del processo, il lavoro sembra abitare precisamente questa tensione: non rappresentare l’incanto, ma costruire le condizioni perché possa accadere. Dentro un ritmo che insiste, dentro un’onda che ritorna, dentro una coralità che si compatta e si sfalsa, il corpo diventa il luogo in cui qualcosa prende forma prima ancora di essere nominato.

MALIA – studio sull’incanto di Parini Secondo x Bienoise con Sissj Bassani, Camilla Neri, Martina Piazzi, Francesca Pizzagalli coreografia Parini Secondo musica e partitura Alberto Ricca/Bienoise light design Bianca Peruzzi assistenza coreografica Carlotta Hofrichter manager Camilla Ferrazzi produzione Parini Secondo, Associazione Culturale Van, Piccolo Teatro di Milano con il supporto di O Espaço do Tempo (Montemor-o-novo, PT), Fabrik Heeder Krefeld (Krefeld, DE), IIC Colonia, Toscana Terra Accogliente, Vorrei fare con te quello che la primavera fa con i ciliegi (L’arboreto – Teatro Dimora e Teatro Petrella, IT)

[sguardimora]

Cadeva una neve rada. Una vasta pianura si stendeva davanti a me fino a culminare in una montagna bassa punteggiata, dalla vetta in giù, di migliaia di tronchi neri che variano in altezza, come persone di età diverse, ed erano spessi più o meno quanto traversine ferroviarie, ma non altrettanto dritti. Inclinati e storti, sembravano migliaia di uomini, donne e bambini emaciati, curvi sotto la neve. Sono in un cimitero? mi chiedevo. Queste sono tutte lapidi? Camminavo tra gli alberi dalle cime recise, sui quali si erano posati dei fiocchi di neve simili a cristalli di sale. Dietro a ciascun tronco si ergeva un tumulto. A un certo punto mi fermavo perché sentivo un leggero sciabordio sotto le scarpe da ginnastica. Neppure il tempo di pensare che strano e avevo l’acqua alle caviglie. Mi voltavo. Non credevo ai miei occhi; quello che avevo scambiato per l’orizzonte all’altra estremità della pianura era in realtà la linea del mare. E il mare stava salendo. Che razza di idea mettere delle tombe in un posto del genere, mi sfuggiva ad alta voce. Il mare avanzava sempre più rapido. La marea andava e veniva così ogni giorno?

Han Kang, Non dico addio

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OPEN CALL: Custodi delle Residenze per spettatori e spettatrici under 30 dell'Emilia-Romagna

Anche quest'anno il Centro di Residenza Emilia-Romagna propone un percorso di ascolto, analisi e accompagnamento degli sguardi di spettatrici e spettatori con l'obiettivo di comporre una comunità itinerante che parteciperà alle residenze di ERetici 2026 a Mondaino e Rubiera, di concerto con l'artista selezionata, i tutor e le due strutture.

Il percorso, composto da incontri online e in presenza presso il Teatro Dimora di Mondaino e La Corte Ospitale di Rubiera, inizierà a maggio e si concluderà a settembre. Il 19 settembre in occasione della finale di ERetici 2026 i Custodi parteciperanno alla giornata di restituzione pubblica.

Per candidarsi è necessario compilare il Google form entro il 30 aprile a questo indirizzo: https://forms.gle/5sTBiSYRars2Z3ow5

Consulta la call completa su https://www.centrodiresidenzaer.it/ Info: [email protected]

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Collettivo Cinetico in residenza con ESERCIZI DI MONDO #2

30 Marzo - 24 Aprile 2026

C’è un momento, ogni volta che CollettivO CineticO torna al Teatro Dimora, in cui il paesaggio collinare da una parte e marino dall'altra sembrano dilatarsi. Non è solo una questione di geografia, ma di intensità: ciò che accade qui si connette altrove, e viceversa. La seconda tappa del 2026 di Esercizi di Mondo nasce proprio dentro questo movimento: un attraversamento che lega Mondaino a una costellazione più ampia di pratiche, visioni e relazioni.

Questa traiettoria si iscrive ora nel contesto di EU RURAL-ART, progetto co-finanziato dal programma Creative Europe dell’Unione Europea, che esplora le residenze artistiche come spazi di sperimentazione di pratiche di ricerca e creazione in dialogo con le comunità dei territori - e di cui avremo modo di parlare nelle prossime settimane.

È proprio dentro questo orizzonte che le residenze si rivelano spazi di confine, che abitano i margini. Interstizi che non rappresentano una fuga dal reale, ma - per usare il titolo del progetto di CollettivO CineticO - un esercizio di mondo. Un modo per stare dentro le cose e aprire possibilità: abitare i territori, attraversare le relazioni, immaginare forme altre dello stare insieme.

Iniziare dal corpo, condividere pratiche

Si comincia domenica 12 aprile, con le Sudate Alchemiche. Dalle 10 alle 12, la compagnia apre il proprio allenamento mattutino: una pratica attraversata da diversi stili di yoga, sostenuta, dinamica, condivisa.

È un invito semplice e radicale: entrare nel processo a partire dal corpo. Respirare, muoversi, sudare insieme. Senza distinzione tra performer e partecipanti, tra chi guarda e chi agisce.

Si può essere presenti al Teatro Dimora oppure collegarsi online: una soglia porosa tra dentro e fuori, tra presenza e distanza, che già disegna una comunità in movimento.

Mondaino verso l'Europa. La fioritura dei paesaggi rurali

Dal 15 aprile, Mondaino diventa luogo di incontro per il primo meeting in presenza di EU RURAL-ART. Qui si intrecciano progettualità e immaginazione: si pianificano i prossimi mesi di lavoro, ma soprattutto si condividono pratiche, domande, visioni.

Accanto ai partner delle strutture di residenza, saranno presenti anche alcuni membri di ARRC, collettivo internazionale di ricerca che accompagnerà il progetto. Il loro lavoro si muove tra politica e poetica delle residenze: osservare, interrogare, restituire valore a questi spazi come dispositivi culturali e sociali.

In questo passaggio, Mondaino non è periferia ma centro temporaneo: un punto da cui guardare e ripensare le ecologie della creazione contemporanea.

WOW: formati per spettatrici fuori dall'ordinario

Venerdì 17 aprile, ore 19.30, torna un nuovo WOW. Un formato ormai familiare e ogni volta imprevedibile: non si sa chi salirà sul palco, né cosa accadrà. È un esercizio di fiducia. Un’apertura al possibile.

Il pubblico entra in uno spazio in cui la creazione è ancora in atto, non ancora definita, e proprio per questo viva. Il teatro si fa luogo di esposizione del processo, di condivisione dell’incertezza.

Giocare alla performance

Il percorso si chiude — o forse si rilancia — domenica 19 aprile con CINETICO 4.4. CollettivO CineticO apre la propria officina del gioco invitando il pubblico a entrare nel cuore del processo creativo. Durante il pomeriggio, i partecipanti potranno sperimentare Cinetico4.4, un gioco da tavolo ideato dalla compagnia che permette di negoziare, creare e mettere in scena insieme una piccola performance. L’incontro, aperto a tuttə a partire dai 12 anni, non richiede alcuna esperienza teatrale: basta la curiosità di esplorare, immaginare e agire in gruppo. Guidati dagli artisti del CollettivO, i partecipanti attraverseranno le diverse fasi del gioco, dalla definizione dei temi alla costruzione delle azioni, in un percorso che unisce divertimento, riflessione, creatività e relazione. Si negoziano contenuti, si prendono decisioni, si costruisce insieme una scena. Non serve esperienza: basta il desiderio di mettersi in gioco. Qui la partecipazione non è accessoria, ma generativa. La performance non è data, ma si crea insieme giocando.

In questo attraversamento di pratiche, dal corpo al confronto con pratiche europee, dalla visione alla scena, dal gioco alla creazione, Esercizi di Mondo continua ad aprire questioni sul significato della residenza oggi e dello stare in residenza.

Non solo uno spazio di lavoro, ma una condizione: un dispositivo di relazione, un laboratorio di possibilità, un luogo in cui il mondo si tesse insieme, a partire dalla condivisione di pratiche ed esperienze.

Mondaino, ancora una volta, diventa soglia. E ciò che accade qui, lentamente, si mette in ascolto e in dialogo.

[walkingfra]

Se la sofferenza vi ha resi cattivi, l'avete sprecata.

Ida Bauer

[sguardimora]

Un anno di Esercizi di Mondo: di corpi e tracce, di sguardi e magie

Esattamente nove mesi fa, era il 16 febbraio 2025, il CollettivO CineticO è arrivato a Mondaino presentando un progetto triennale dal nome Esercizi di Mondo. Non era la prima volta che risiedevano all’Arboreto: la loro storia, come hanno raccontato durante il recente Cineticoforum, qui si è accesa quasi vent’anni fa, in una residenza che oggi sembra una scintilla lontana e ancora viva.

«Nei nostri spettacoli nati qui c’è una sorta di patrimonio genetico del luogo», mi racconta Francesca Pennini durante questi ultimi giorni di residenza del 2025, «Senza questo spazio non sarebbero così. È un luogo di presenza amplificata: ti concentra, ti chiarisce, ti accompagna nella creazione».

Ma questa volta era diverso. Questa volta si trattava di un progetto particolare: attraversare gli spazi e la comunità allargata dell’Arboreto per tre anni, lasciandosi trasformare dall’incontro, dall’imprevisto, dal paesaggio umano che abita questo luogo.

Nessuno sapeva esattamente quale forma avrebbe preso questa nuova avventura di CollettivO CineticO. Si intuiva, però, che sarebbe stato un attraversamento: di luoghi, di corpi, di età, di abitudini. Un mettersi in ascolto del territorio, e lasciare che il territorio – con la sua biodiversità umana – entrasse nelle pieghe del processo artistico.

«Accogliere e interagire con una comunità estremamente trasversale è stata una delle esperienze più stimolanti: una diversificazione di sguardi che dà senso al lavoro, perché ogni azione entra in reazione chimica con chi hai davanti», racconta Francesca.

Il primo anno di Esercizi di Mondo ha preso forma così: come un’ecologia di incontri. Una biodiversità umana che raramente abita gli spazi dello spettacolo: bambini delle scuole, adolescenti incuriositi, genitori che entravano in punta di piedi, artiste e artisti di passaggio, persone venute da fuori per vedere “che cosa succede”, e gli abitanti di sempre, portatori di un’appartenenza che si sente nella voce, nei gesti, nella maniera in cui ci si siede in sala.

«È una biodiversità che nutre. Una diversificazione di sguardi che dà senso al lavoro.», dice ancora Francesca. E prosegue: «Nel nostro ecosistema teatrale l’assortimento degli sguardi è spesso povero di biodiversità. Qui, invece, ogni azione entrava in reazione chimica con chi avevamo davanti. Questo rende tutto più fertile, più imprevedibile, più vero. È un mondo che arriva davvero: guarda, respira, fa, e insieme a noi trova nuove sfaccettature del lavoro stesso».

Abituati a un sistema teatrale in cui gli sguardi sono spesso “specialistici”, Mondaino rappresenta un cambio di prospettiva. Qui infatti lo spettatore non appartiene a una nicchia: arriva a teatro con la scuola, dopo il lavoro, portando bambini, domande, curiosità. Arriva con il corpo intero, non solo con l’aspettativa estetica.

Uno dei momenti più sorprendenti, come mi hanno raccontato, di questo primo anno sono stati gli incontri con le scuole. Non erano pensati come laboratori ad hoc: si trattava di mostrare parti dei lavori già esistenti, ideati per un pubblico adulto. Eppure è successo qualcosa: «I bambini e le bambine ci entravano con un’attenzione lucidissima», dice Francesca. «Senza chiedere semplificazioni. Avevano entusiasmo, intelligenza, un modo di stare dentro le cose che ci restituiva la scena da diversi punti di vista».

E quei «WoWww!!!» sussurrati dai piccoli spettatori tornavano sul lavoro come ritorni di risonanza: sguardi veri, taglienti, meravigliati.

Se Mondaino ha lasciato negli anni tracce nella creazione di CollettivO CineticO, ora è CollettivO CineticO a lasciare tracce nella comunità. Le testimonianze arrivate durante l’anno lo raccontano bene come quelle di una spettatrice affezionata:

Caduta delle barriere Il teatro non è soggezione ma suggestione Uno e tutti… tutti e uno: mondo!

È una sintesi perfetta del clima che si è creato: una comunità che sperimenta il teatro come spazio comune, capace di tenere insieme, in intimità e apertura. Il primo anno di Esercizi di Mondo è stato proprio questo: un convivio, un continuare a entrare e uscire dai mondi degli altri. Giochi, pratiche meditative, visioni condivise, pasti attorno a un tavolo, bambini e adulti che si mescolano, linguaggi che si aprono, domande che restano sospese insieme a un gesto, a un respiro, a una piccola risonanza.

Difficile dire dove finisca la comunità e dove inizi il processo di ricerca. Forse l’esperimento sta proprio qui: non separare, ma lasciare che tutto si influenzi.

A Mondaino, il teatro si è fatto "esercizio di mondo", un mondo aperto, plurale, vivo: le passeggiate esplorative del territorio guidate da Alberto Giorgi, l’incontro con l’illusionista Magica Gilly e con il padre, il Mago Gabriel, di Saludecio; i dialoghi e i WoW con Pane Quotidiano, il gruppo di spettatori e spettatrici affezionate dell’Arboreto; e naturalmente gli incontri con le scuole, medie ed elementari. Non sempre una platea specializzata, ma un Mondo che fa domande, che ascolta, che si lascia attraversare: un teatro che non si rappresenta ma accade.

Ora che questo primo tratto di strada si chiude, resta l’impressione che Mondaino non sia solo il luogo in cui Esercizi di Mondo accade, ma il terreno che lo rende possibile. Una fioritura lenta, condivisa, che chiede semplicemente di esserci.

E mentre il cammino prosegue, qualcosa continua ad aprirsi: un dialogo sottile tra chi arriva e chi resta, tra la scena e il paese, tra un gesto e il suo ritorno. Non sappiamo quale forma prenderanno i prossimi passi, ma sappiamo che saranno abitati: dal mondo che Mondaino porta con sé, e da quello che ogni volta si crea insieme, qui.

[walkingfra]

Nadia Terranova, Mara Cerri, Il segreto

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Leonora Carrington, The map of Uman Animal 

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Sara Gamberini, Infinito Moonlit 

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Di mondi sottili, infanzia e antenati, natura e magia, amore e segreti: due splendidi romanzi che mi hanno accompagnato in una settimana. 

[walkingfra]

Fuori in realtà non c’era cambiamento, è il morbo stagionato che mi sottrae alle strade: dentro di me è cresciuto e mi ha corrotto gli occhi e tutti gli altri sensi: e il mondo arriva come una citazione. Tutto è accaduto ormai, ma io dov’ero? Quando è avvenuta la grande distrazione? Dove si è slegato il filo, dove si è aperto il crepaccio, qual è il lago che ha perso le sue acque e mutando il paesaggio mi scombina la strada?” Patrizia Cavalli

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Nel web ho trovato un bellissimo ricordo dei tempi universitari a Bologna: una gita teatrale a Firenze con i colleghi del corso, accompagnati dalla prof.ssa Valenti, che ci ha poi invitati a collaborare con lei per la pubblicazione su questa rivista 

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Francesca Giuliani Limpidi quadri di denuncia

Interno, notte. Silenzio. Luce soffusa. Una rete di filo spinato separa la platea dalla scena. Al centro, una gabbia racchiude cinque letti a castello. Inferriate, porte sbarrate, guardie in divisa. La striscia di ghiaia davanti alla rete segna il limite ultimo, lo spazio delimitato della prigione. Le luci in sala si spengono. Quattro carcerieri in scena: parlano a bassa voce sghignazzando, uno è seduto a una scrivania e scrive. Aspettano. Dieci detenuti, rinchiusi nella gabbia. Immobili, dormono. Quattro del mattino. Allarme assordante e manganellate contro le sbarre. La caserma si sveglia. Luci improvvise e accecanti. Grande confusione di ordini impartiti ed eseguiti. Le scene si susseguono come limpidi quadri di denuncia. I continui controlli personali, la sigaretta “obbligatoria” fumata in gruppo, le grandi pulizie, le continue punizioni e le violenze gratuite che fanno più volte crollare a terra i corpi stremati dei dieci prigionieri. Non ci sono più persone, ma figure, numeri gridati e continuamente umiliati. Gli occhi vuoti sono come assenti, come se non vedessero niente altro che quel terrore che, muti, esprimono. Attraverso la ripetizione perfetta dell’orrore, il Living continua a trasmettere il messaggio di accusa lanciato nel 1963 con la prima messa in scena di The Brig al Teatro della Quattordicesima Strada di New York: contro la malvagia bestialità degli uomini e contro i crudeli meccanismi architettati dal potere per annientare chi non si sottomette davanti alle sue leggi. Si spengono le luci. Buio. Fine.

[walkingfra]

Alla mia nazione

Non popolo arabo, non popolo balcanico, non popolo antico ma nazione vivente, ma nazione europea: e cosa sei? Terra di infanti, affamati, corrotti, governanti impiegati di agrari, prefetti codini, avvocatucci unti di brillantina e i piedi sporchi, funzionari liberali carogne come gli zii bigotti, una caserma, un seminario, una spiaggia libera, un casino! Milioni di piccoli borghesi come milioni di porci pascolano sospingendosi sotto gli illesi palazzotti, tra case coloniali scrostate ormai come chiese. Proprio perché tu sei esistita, ora non esisti, proprio perché fosti cosciente, sei incosciente. E solo perché sei cattolica, non puoi pensare che il tuo male è tutto male: colpa di ogni male. Sprofonda in questo tuo bel mare, libera il mondo.

Pier Paolo Pasolini

[residancexl]

Sul nuovo numero di Hystrio (gennaio-marzo 2022) un ampio dossier sulla nuova danza italiana con protagonisti alcuni degli autori sostenuti dall’azione ResiDanceXL.

Per una lettura completa del dossier: https://www.hystrio.it/numero/numero-1-di-gennaio-marzo-2022/

Numero 1 di gennaio-marzo 2022 - HYSTRIO

Il numero di gennaio-marzo 2022 è in distribuzione! Leggi il sommario e seguici sulla pagina Fb Hystrio Trimestrale per avere tutte le news!

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Se le parole potessero passare velocemente attraverso tutte le diversità dell’esterno come fa lo sguardo, non riconosceremmo più un ordine che organizza le cose attraverso le nostre parole, ma al contrario come sia casuale tutto ciò che vediamo e diciamo.

Gianni Celati

* da Verso la foce

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Ieri sera abbiamo assistito allo  spettacolo “La buona educazione”, l’ultima tappa della Trilogia della fine del mondo della Piccola Compagnia Dammacco. La serata è proseguita con una Festa di Paese con la comunità di Mondaino per festeggiare il Premio Ubu a Mariano Dammacco e il Premio internazionale Ivo Chiesa a Serena Balivo. Due riconoscimenti molto importanti per la Piccola Compagnia Dammacco che da due anni ha scelto di vivere a Mondaino. 

* I passages dalla residenza #La buona educazione

È una casa senza fondamenta, piena di mobili e oggetti grotteschi e antropomorfi suppellettili di legno, quella abitata da Serena Balivo nei panni della zia de “La buona educazione” e messa in forma dalle scene di Stella Montesi. È una casa che sa anche un po’ di cimitero: il palcoscenico è ricoperto da una terra scura e smossa che rende permeabili i confini tra la vita e la morte, e tra il sogno e la realtà. In questa scena semibuia l’attrice, novella Amleto, seduta nel suo divano stile retrò condivide lo spazio con il fantasma dei genitori, e del padre in particolare, che le annuncia lo sconquasso che di lì a poco avrà la sua vita solitaria. Giunge la comunicazione della morte della sorella e dell’arrivo nella sua vita del nipote adolescente. Ma come crescere un ragazzino con l’anima piena di quelle ombre che stanno a segnalare i traumi subiti e viverci insieme? Di questo tratta lo spettacolo che, mescolando la vena ironica e la dimensione poetica che è propria della scrittura di Mariano Dammacco, evidenzia le difficoltà dell’essere genitori e dell’essere figli. Tra chat di genitori assetati di vendetta nei suoi confronti, scelte del ragazzo poco condivisibili e un dialogo che sembra bloccato nel tempo indefinito dei verbi infiniti attraverso i quali il giovane articola i discorsi, la donna trova ulteriore sconforto dal mondo di fantasioso delirio che le sta attorno, abitato dai famigliari morti che la ossessionano per correggere le sue azioni. L’arrivo del nipote, il confrontarsi con quell’unica figura che sembra reale, segna per la donna un riattraversamento della sua vita passata e, nel tentativo di educarlo, sfida sé stessa e le sue paure. Fino alla prova di coraggio estrema quando nel tentativo di salvalo dalla tecnologia reciderà la spina di tutto ciò che resta acceso grazie all’elettricità: l’estrema unzione di smartphone e videogame, elettrodomestici e lampadine segna il count down finale della relazione tra il nipote e la zia, che, in quella notte dal sapore ottocentesco, tormentata dalle sue ansie, non resiste e riaccende tutto. In questa raffinata e progressiva caduta nel baratro, la bravura di Serena, sta nel non farci mai sprofondare, nel restare sempre in equilibrio su di un filo teso tra l’ironia e il dramma, il grottesco delle posture e l’armoniosità delle danze. “Chi fa un figlio da un ostaggio al destino” dice quasi all’inizio la zia non appena scopre di essere una possibile madre adottiva del ragazzo, ma quel destino non sarà lei che nonostante tutti gli sforzi, tra abbracci mancati e sentimenti via via più presenti, non riuscirà a superare le prove di questa fiaba amara.  Ma un varco si apre su di un lieto fine che lascia spazio all’adolescenza. Seppur non ci sia il ragazzo in scena, ma lo svelamento della sua presenza avviene solo attraverso il racconto della zia stessa, e solo per un breve momento appare sotto forma di esserino di legno che ha per torace uno sportello dal quale si può vedere dentro, mi sembra che sia l’adolescente l’unico ad essere alla fine dipinto come consapevole del futuro: lui stesso, il solo a salvarsi da un manipolo di adulti, che trasudano un amore soffocante, un desiderio di controllo senza fine, sceglierà la fuga da quella nuova matrice famigliare.