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Resenha Creedence Clearwater Revival - Cosmo's Factory

Em julho de 1970 o Creedence lançava seu maior sucesso comercial, “Cosmo’s Factory”.

O álbum dava continuidade aos quatro impecáveis trabalhos anteriores e, ainda é, prévia do último com o líder John Fogerty, o espetacular Pendulum. O clima dentro do estúdio para as gravações não era das melhores e, a relação, Fogerty/resto da banda vinha se agravando, justamente, por John tomar cada vez mais, o papel de "dono" colocando seu irmão Tom, Stu Cook e Doug Clifford como banda de apoio. Apesar disso, o disco é excepcional, um dos melhores dos humildes de San Jose. Gravado com o material mais simples possível, sem muitos canais ou efeitos, sendo produzido pelo prórpio John Fogerty. Conta com quatro covers: “Before You Acused Me” de Bo Diddley; “Ooby Dooby” gravada, também, por Roy Orbison; “My Baby Left Me” e “I Heard It Through The Grapevine”, um dos maiores sucessos de Marvin Gaye. Além de conter excelentes faixas autorais como “Ramble Tamble”, “Travelin’ Band” e “Who’ll Stop The Rain”.

John Fogerty – guitarra, vocais, piano e sax.

Tom Fogerty – guitarra.

Stu Cook – baixo.

Doug Clifford – bateria.

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Resenha George Harrison – All Things Must Pass

O bealte mais introspectivo se libertava da sua limitação e lançava, após a dissolução do fab four, seu terceiro disco solo, o primeiro triplo da história.

Harrison convida para esse trabalho ambicioso um time absoluto de músicos: Eric Clapton, Gary Wright, Ringo Starr, John Lennon, Billy Preston, Jim Gordon, Peter Drake, Klaus Voorman e Ginger Baker; além do seu amigo de estúdio Phil Spector, o grande produtor que popularizou a técnica “Wall of Sound” que, através de vários takes do mesmo instrumento, criavam esta tal “parede de som” gerando grandeza nas músicas. Liricamente o disco evidencia o momento mais importante da vida de George Harrison, a paixão pelo hinduísmo se tornando devoto à religião, contendo letras que passeiam por assuntos como a vida de uma maneira mais geral, suas experiencias nos Beatles e ao seu novo amigo Bob Dylan na canção “Behind the Locked Door”. All Things... dá à Harrison a oportunidade de colocar em prática tudo o que fora barrado nos Beatles, a criatividade que antes ficava para si, tornava e viria, enfim, em forma de canções grandiosas e marcantes sendo considerado o melhor álbum solo dos ex-Beatles.

George Harrison – guitarra, viollão, vocais, moog, harmônica e baixo.

Eric Clapton – guitarra e violão.

Gary Wright – piano e órgão.

Klaus Voormann – baixo e guitarra.

Ringo Starr – bateria e percussão.

John Lennon – guitarra.

Billy Preston - órgão.

Jim Gordon – bateria.

Pete Drake – pedal steel.

Ginger Baker – bateria (“I Remember Jeep”).

Carl Radle – baixo.

Bobby Whitlock - órgão, piano e tubular bells.

Jim Price – trompete.

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Resenha Elton John - Madman Across the Water

O quarto álbum do rocketman era lançado em 5 de novembro de 1971, sendo o seu terceiro no mesmo ano.

O título do disco veio da canção que havia sido composta para o álbum anterior com a colaboração de Mick Ronson porém, deu a guia para o trabalho seguinte. O álbum contou com a participação de inúmeros instrumentistas, destacando o renomado tecladista progressivo Rick Wakeman. Madman Across the Water conta com a colaboração de Bernie Taupin na criação de todas as suas letras, criando várias historietas com algumas coexistindo entre si.  O disco abre com uma das mais conhecidas de Elton John: Tiny Dancer, sendo obrigatória no seu repertório até os dias de hoje. Infelizmente a música acabou abafando o resto do disco que é repleto de belíssimas canções, que colaram muito pro lado progressivo que estava no seu auge em 71. Uma das canções, "Levon", deu nome ao filho de Elton John, que assim como o personagem da música, nasceu em um dia de natal. O disco não foi tão bem sucedido comercialmente, mas é considerado por muitos um dos seus melhores trabalhos.

Elton John - teclados, vocais.

Rick Wakeman - teclados, órgão.

Grupo Magna Carta - guitarras.

Dee Murray - baixo.

Nigel Olsson - bateria.

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Resenha Marvin Gaye - What's Going On

Um dos mais prolíferos compositores da gravadora Motown, principal selo responsável pelos discos de soul dos anos 60 e 70, Marvin Gaye, lançava o disco mais importante, não só para sua carreira, como para a música negra.

O ano de 1970 foi decisivo para a si, após o falecimento da sua parceira musical Tammi Terrel, Gaye viu-se deprimido e sem esperanças na sua música. O mundo vivia o auge dos horrores da guerra do Vietnã, transformações sociais, principalmente nos EUA, fazendo com que Gaye repensasse o rumo que sua carreira e suas músicas estavam tomando. O músico também vivia insatisfeito com a Motown e, após discussões e sua reclusão, “What’s Going On” surgiria. Tomou a frente e, o mesmo, produziu o álbum, sendo composto por muitos elementos do jazz, funk e música clássica, ainda fazendo alto uso percussivo. Conta com letras fortes, sobre a guerra do Vietnã, crenças, pobreza, racismo e a corrupção policial. Três, das nove canções do álbum, atingiram o top 10 hits, chegando ao topo, fazendo um enorme sucesso comercial sendo aclamando pela crítica, considerado um dos álbuns mais importantes da história.

Marvin Gaye – vocais

Detroit Symphony Orchestra – instrumental

The Funk Brothers - instrumental

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Resenha King Crimson - Discipline

Após o fim do King Crimson em 1974 com o arrebatador “Red”, ficaram pouco mais de 7 anos afastados dos estúdios voltando em 81 com uma formação diferente em “Discipline”.

O projeto era inicialmente à parte de Robert Fripp, mas ao coincidir-se com o que era feito pelo Crimson, Fripp resolveu reabrir as portas e lançar um novo disco chamando de uma nova fase do King Crimson. Fripp convida o baixista Tony Levin ocupando o lugar de John Wetton e guitarrista e vocalista Andrew Belew, dividindo o instrumento pela primeira vez. Por Adrian e as influências da sua antiga banda (Talking Heads), o som mostrou-se relativo ao movimento “new wave” tornando o disco um dos mais diferenciados da banda. O álbum abre com “Elephant Talk” onde ocorre o jogo de palavras a cada estrofe começando com uma letra (a, b, c, d e etc.); a segunda faixa “Frame by Frame” é destacável como a melhor do disco pelos dedilhados excepcionais de Fripp e Belew; Matte Kudasai apresenta melodias calmas e a guitarra de Andrew Belew tentando imitar sons de cisnes; a letra de Indiscipline é constituída por uma carta do vocalista para sua esposa; Thela Hun Ginjeet é a mais diferenciada do álbum, o título é um anagrama à “heat in the jungle” de acordo com a sua letra: Belew andava pelas ruas de Nova York com seu gravador buscando inspirações quando foi surpreendido por bandidos e logo após, policiais. Ao voltar para o estúdio, relatou a todos e sua sessão fora registrada sendo colocado trechos desta conversa na faixa. É um álbum excelente do King Crimson recebendo uma mixagem mais limpa e se aproximando muito do new wave com a essência do progressivo, sendo recebido de mistas críticas, iniciando a trilogia de álbuns “Discipline”, “Beat” e “Three of a Perfect Pair”.

Robert Fripp - guitarras

Adrian Belew -vocais, guitarra

Tony Levin - baixo

Bill Bruford - bateria

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Resenha John Lennon – Imagine

Em setembro de 1971 o ex-beatle John Lennon lançava à público o segundo disco da sua carreira solo.

Após a separação oficial dos Beatles, Lennon se juntaria a Plastic Ono Band, com a sua esposa Yoko e daria início à sua carreira solo assim como, todos os ex-integrantes da banda mais famosa que Jesus. O grande sucesso de Lennon viria no seu próximo álbum: Imagine. A maioria das canções foram compostas no estúdio em sua casa, algumas sendo terminadas em Nova Iorque com a produção ficando a cargo de Lennon, Yoko e, como no anterior, Phil Spector. O álbum abre com a música mais famosa da sua carreira: Imagine; tornando-se um hino do movimento pacifista da época, por sua letra anti religião, o ódio que os cristãos, em especifico, Mark Chapman, seu assassino nove anos depois, aumentou significamente. O disco ainda contém músicas que eram, originalmente, composições dos Beatles como, “Jealous Guy”, ainda contém ataques diretos ao seu ex-companheiro, Paul McCartney. Na canção “How do You Sleep?”, que contou com a participação de George Harrison, Lennon compôs os versos para McCartney: “A única coisa que ele fez foi Yesterday” e “aqueles loucos estavam certos quando disseram que você estava morto”. Nas primeiras edições, o LP possuía um cartão com a foto de John Lennon segurando um porco, paródia à capa do álbum de McCartney ,”Ram”, em que ele segura um carneiro. O disco estreou em primeiro nas paradas do mundo inteiro sendo um cartão postal essencial para qualquer ouvinte.

O disco contou com a participação de inúmeros artistas portanto vou listar somente os principais:

John Lennon (vocais, guitarra, piano, harmônica)

George Harrison (guitarra)

Nicky Hopnkins (piano)

Klaus Voormann (baixo)

Alan White (bateria)

King Curtis (sax)

Yoko Ono

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Resenha Gojira - Magma

O Gojira vinha ganhando destaque na cena internacional, já há mais de 20 anos na estrada, hoje, é considerado uma das pioneiras do death metal progressivo.

Até o lançamento do homônimo “From Mars to Sirius” em 2005, não haviam chamado atenção fora da sua terra natal, a França. Mas com seu último álbum, até então, o reconhecimento deu as caras. “Magma” seria gravado nos novos estúdios dos irmãos Duplantier, fundadores do Gojira. O estúdio está localizado no Queens em Nova Iorque, foi construído em novembro de 2014 ficando pronto em abril de 2015, quando já deram início ao processo de composição. As gravações tiveram que ser interrompidas, após o falecimento da mãe de Mario e Joe Duplantier, que havia perdido a batalha contra o câncer. A banda demoraria para voltar ao estúdio, saindo em turnê e retornando somente em 2016. O álbum se mostra muito introspectivo e sentimental, diferindo-se dos trabalhos anteriores. Joe Duplantier afirmou que havia “cansado de gritar” constituindo as músicas de vocais limpos. Um disco realmente diferenciado na discografia da banda francesa, traz a troca de riffs e passagens melódicas, letras fortes e diretas, um belo exemplar do metal contemporâneo. Foi lançado em 17 de junho de 2016 sendo aclamado pela crítica e fãs do estilo.

Joe Duplantier (vocais, guitarra, flauta)

Christian Andreu (guitarras)

Jean-Michael Labadie (baixo)

Mario Duplantier (bateria)

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Resenha Led Zeppelin - In Through the Out Door

15 de agosto de 1979 era marcado pelo lançamento do último álbum de estúdio do Led Zeppelin.

Todos os membros da banda passavam por seus momentos difíceis: Page com o agravamento do seu vício em heroína, Plant se recuperando do acidente de carro durante o hiato de “Physical Graffiti” e Bonham passando noites sem dormir, o único a estar “bem” dentre todos era John Paul Jones, mas era claro, o momento de dificuldade na banda. Os últimos álbuns já não foram tão bem vistos e o Led passava por crises de criatividade, entrariam no estúdio sem sobras anteriores pela primeira vez. O mais empolgado era John Paul Jones, o baixista que sempre fora visto como secundário deixando o estrelato para Page e Plant, mas que desta vez, estavam impossibilitados, o cargo criativo caiu sobre suas costas. Jones comprou um sintetizador novo e cheio de ideias colaborou no disco mais do que nunca. Umas das coisas mais marcantes do disco foi a edição com 6 capas diferentes, o bar em cada perspectiva. O disco estreou em primeiro nas paradas, porém, recebeu críticas mistas, muito pelo uso, considerado excessivo, de sintetizadores. Um ótimo álbum dos britânicos, se afastando cada vez mais do peso dos antecessores sendo um dos mais ecléticos da banda. Pouco mais de um mês depois, John Bonham, aos 32 anos, seria encontrado morto dando fim a história da banda.

Robert Plant (vocais)

Jimmy Page (guitarras)

John Paul Jones (baixo, sintetizadores)

John Bonham (bateria)

as outras cinco capas da edição especial:

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Resenha Opeth - My Arms, Your Hearse

Após dois álbuns que passaram despercebidos e várias mudanças na formação os suecos do Opeth tentariam mais uma vez, vindo aí My Arms, Your Hearse em 18 de agosto de 1998.

Após o segundo disco, “Morningrise”, o baixista Johan DeFarfalla fora mandado embora por Mikael Akerfeldt e Anders Nordin porém, um tempo depois, Anders também deixaria a banda para passar um tempo no Brasil. Assim, a banda se resumiu apenas à Mikael e Peter Lindgren a poucos dias da gravação do próximo LP. Foi recrutado então, o batera Martin Lopez do Amon Amarth e pouco depois, por indicação do mesmo, o baixista Martín Mendez fechando a formação do disco. Por Mendez não conseguir aprender as linhas de baixo até as gravações, Mikael Akerfeldt tomou a frente e compôs tudo por conta. É o primeiro conceitual da banda, fazendo a narrativa de um homem que após a morte transforma-se em fantasma e segue os passos da esposa acompanhando o sofrimento dela. O que temos na sonoridade do disco é o esboço para as futuras composições do Opeth, um disco de transição do death metal melódico dos primeiros álbuns aproximando-se do progressivo com a complexidade e trocas de tempo bruscas encaixadas na medida certa.

Mikael Akerfeldt (vocais, guitarra, baixo, piano)

Peter Lindgren (baixo)

Martin Lopez (bateria)

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Resenha The Beatles - Revolver

Em agosto de 1966 os Beatles lançavam ao público seu sétimo álbum de estúdio, o aclamado e exponencial Revolver.

Os garotos de “A Hard Day’s NIght” e “Help” haviam crescido, amadurecido suas ideias, mudando o rumo de suas canções em “Rubber Soul”. Deixam as músicas pop com refrãos “chicletes” e experimentam cada vez mais. Mas em “Revolver” que os Beatles assumem de fato sua psicodelia e fantasia musical. O disco foi lançado no auge do uso do LSD, sendo McCartney o único não usuário da substância, deixando-o cada vez mais encarregado das composições da banda, o que acirrava a rixa discreta até então, entre ele e Lennon. O psicodelismo e experimentalismo é fortemente usado nas suas canções, desde os elementos orientais em “Love You To” à fantasia vibrante de “Yellow Submarine”. O disco estreou em primeiro nas paradas sendo aclamado pela crítica britânica e considerado um dos melhores ao lado de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”.

John Lennon (vocais, guitarra, violão, mellotron)

Paul McCartney (vocais, baixo, guitarra, piano)

George Harrison (guitarra, violão, sitar)

Ringo Starr (bateria, percussão, tambor)

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Resenha David Bowie - Hunky Dory

17 de dezembro de 1971 ficaria marcado pelo salto que a carreira de Bowie daria após três lançamentos desprezados pelo público.

Bowie sempre morreu de medo de ser “cantor de um hit só”, pelo seu enorme sucesso com a música “Space Oddity”. Lançaria então, o álbum “The Man Who Sold the World” porém, não agradou a ninguém na época tanto que, a maioria nem sabia da sua existência. No ano seguinte David Bowie, em seus passeios pelas rádios americanas ouvindo os grandes da cena: Bob Dylan, Lou Reed, Cat Stevens e etc; teve o grande “estalo” da sua carreira, amadurecendo e construindo sua personalidade mais conhecida, Ziggy Stardust. Mick Ronson que havia trabalhado no álbum anterior foi finalmente contratado como membro oficial participando da produção assim como, Ken Scott, que partia pro seu quarto trabalho com Bowie. Também dava as caras no álbum o futuro tecladista do Yes, Rick Wakeman. O álbum, para não perder a fórmula do sucesso que teve-se com “Space Oddity”, contém muitos traços e referências espaciais, explicitado ao máximo na faixa “Life on Mars”. Dentre o disco há muitas inspirações e homenagens de Bowie aos seus artistas favoritos como The Velvet Underground e Bob Dylan nas canções Queen Bitch e Song for Bob Dylan, respectivamente. O disco foi muito bem recebido pelo público, considerado um dos melhores trabalhos da sua discografia, sendo “fácil de ouvir” com narrativas, letras, arranjos e vocais inspirados e bem construiídos. Foi um ótimo início para a parceria do camaleão do rock com a gravadora RCA que comandaram os anos 70.

David Bowie (vocais, guitarra, piano, sax)

Mick Ronson (guitarras, mellotron)

Trevor Bolder (baixo, trompete)

Mick Woodmansey (bateria)

Rick Wakeman (piano)

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Resenha Yes - The Yes Album

Os progressivistas do Yes, chegavam ao seu terceiro álbum de estúdio em março de 1971 após o ótimo “Time and a Word”.

O disco seria marcado por chegadas e despedidas: o guitarrista Peter Banks deixaria a banda após o lançamento do segundo álbum, fazendo com que fosse recrutado o virtuosíssimo Steve Howe, agregando e modificando o som do Yes. Outro que deixaria a banda, seria o tecladista Tony Kaye, que retornaria 12 anos mais tarde para o “90125”. O famoso “balanço democrático” dá as caras pela primeira vez, onde cada instrumentista dava sua contribuição mais significativa em uma determinada faixa. Um dos principais destaques do álbum é o Steve Howe, que, não apenas se adaptou, como acrescentou à sonoridade da banda. Considerado por muitos um dos melhores de toda a sua discografia é notável a significância que ele possui no amadurecimento da banda.

Jon Anderson (vocais, percussão)

Steve Howe (guitarra, violão, vocais)

Chris Squire (baixo, vocais)

Tony Kaye (teclados)

Bill Bruford (bateria, percussão)

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Resenha Pink Floyd - Animals

Lançado em janeiro de 1977, Animals, foi uma das obras mais significativas da carreira dos britânicos de Cambridge.

Os seus antecessores "The Dark Side of the Moon" e "Wish You Were Here" deram estrutura para banda fixar-se no seu estilo. Após o fim do contrato com a EMI a banda construiria seu próprio estúdio ficando pronto em 1976, e dado o pontapé inicial com as gravações de “Animals”. Como os já ditos antes, "Animals" também é conceitual, baseado no livro "A Revolução dos Bichos" de George Orwell, livro que faz críticas político-sociais, onde os animais se rebelam em uma fazenda liderada por um porco, fazendo referência aos políticos. O livro gira em torno do comunismo, porém, o Pink Floyd, aproveita para fazer crítica direta ao capitalismo. O processo de gravação foi complicado pela autoridade de Waters dentro do estúdio, dando-se a maioria dos créditos e culminando na saída de RIchard Wright anos depois. O álbum soa único como cada trabalho da banda, mas apresentando a sonoridade clássica da banda, com a ótima síntese de guitarra e sintetizador de Gilmour e Wright que ficaria marcada eternamente na canção "Dogs".

Roger Waters (baixo, violão, vocais)

David Gilmour (guitarra, violão, vocais)

Richard Wright (teclados, sintetizadores)

Nick Mason (bateria, percussão)