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Intemperie

Intemperie es una novela de Jesús Carrasco, publicada en 2013, que narra la huida de un niño a través de un país arrasado por la sequía y gobernado por la violencia. En un entorno cerrado, sin nombres ni fechas, pero basado en las tierras de Toledo en las que se cría el autor. En ese lugar, el joven habrá de aprender a valerse por sí mismo en contra de los obstáculos del mundo rural. Cuenta con la ayuda crucial de un anciano pastor de cabras que le iniciará en la supervivencia en un entorno salvaje

Jesús Carrasco construye un relato duro a la vez que poético, protagonizado por arquetipos: el niño, el cabrero y el alguacil. Con un estilo cuidado palabra a palabra, la estética resulta tan importante como la propia trama, que resulta fácil de seguir. Esto se debe a que el interés reside en la evolución del personaje principal, lo cual podría llevarnos a considerar la obra como una bidungsroman o novela de aprendizaje. Esta se inserta en la corriente del Neorruralismo, movimiento del cual Javier Carrasco es el máximo exponente. Se trata de una tendencia actual, del siglo XXI, en la que varios autores de diferentes géneros inciden en temática y forma. El ensayo La España vacía (2016) de Sergio del Molino es reseñable. A través de su lectura comprendemos mejor el fondo de obras como Intemperie u otras insertas en la corriente, como son Lobisón de Ginés Sánchez, El niño que robó el caballo de Atila de Iván Repila o Las efímeras de Pilar Ardón.

 Al tratarse de un tema tan circunstancial y habiendo despertado gran interés, tres años más tarde de la publicación de la novela, Javi Rey adapta al cómic la inquietante historia de Jesús Carrasco. Esta obra formidable plagada de ilustraciones y llena de matices cromáticos muestra una gran personalidad. El mismo Carrasco opina sobre la versión: “Soy aficionado al cómic y lo vivo como un regalo muy especial, porque siento mucha complicidad con Javi y el trabajo que está haciendo es buenísimo. Se ha ganado mi completa confianza y me siento un privilegiado porque alguien con tanto talento como él esté adaptando mi novela”.

El proceso de adaptación gráfica lo dirige el propio Javi Rey, que se ocupa de ordenar y estructurar el guión. Cuenta con Carrasco si lo necesita, pero tal y como este último expresa: “Hay que mantener el espíritu del libro, pero yo debo quedarme al margen. Javi es el autor de la novela gráfica.” Gracias a él, las sensaciones que nos transmite la novela nos llegan en forma de imagen, elemento de extrema importancia en la época tecnológica en la que nos encontramos. Se logra una lectura amena, rápida, pero no superficial, pues los detalles (aparentemente sencillos) de los dibujos son los que aportan los matices de la novela. En palabras de Rut de las Heras Bretín, en su artículo sobre la novela publicado en El País: “pequeños detalles como que todos los personajes tengan los dientes con defectos simboliza lo hostil del entorno en el que viven; siempre que en las viñetas hay primeros planos, las moscas están presentes en la escena como recurso para mostrar el calor y el mal olor; la gama cromática cálida, con textura, que ensucie, que represente la sofocante llanura infinita. Para los colores que ha usado se quedó con una descripción del libro en la que dice que el precipicio está donde acaba la sombra, ahí hay que luchar para sobrevivir.”

Al final del cómic, nos encontramos con una entrevista a los creadores. Gracias a ella, conocemos cómo llegan al mundo de la literatura y del dibujo. Jesús Carrasco (Badajoz, 1972) cuenta que comienza con 7 años como lector, con cómics Asterix sobre todo. Tras ello, empezó a acudir a la biblioteca pública y a devorar cualquier libro que tuviera a su alcance. Cuando se muda a Madrid para estudiar conoce a un grupo de personas que lo ayudan a integrarse en el panorama literario, con autores norteamericanos como principales influencias. Por otro lado, Javi Rey (Bruselas, 1982) expresa que su primera atracción fue hacia el dibujo, no hacia el cómic específicamente. De hecho, la carrera que estudió no tiene nada que ver con ello, pero terminó formándose en la Escola Joso de Barcelona, donde la mayoría de profesores eran dibujantes de cómic y crearon en él la misma afición. 

Recientemente, en 2019, esta historia se ha llevado a la pantalla grande de la mano de Benito Zambrano. Versión premiada con un Goya a mejor guión adaptado y nominada a otros tres. Protagonizada por el aclamado actor Luis Tosar, esta cinta ha sido un éxito de crítica. Como antecedentes de este tipo de obras llevadas al cine podríamos establecer La familia de Pascual Duarte, Los santos inocentes y Con el viento solano, tres películas de Ricardo Franco y Mario Camus. A pesar de las similitudes que permiten esta afirmación, según Javier Ocaña, crítico cinematográfico de El País: “la denuncia social era más meridiana en esos tres libros, y más simbólica en el de Carrasco; y los personajes y las tramas de Intemperie apenas se desarrollaban, no había nombres, fechas ni lugares concretos, con la consiguiente dificultad para una traslación cinematográfica”.

Finalizamos remarcando el carácter crítico de la novela y el estilo aportado por la interpretación artística de Javi Rey. Pese a tratarse de su novela debut, consigue capturar temas tan actuales como el abandono de la España rural. El autor venía de la novela infantil y el relato corto, gracias a un momento de “maduración o locura”, da el salto a la novela. Tanto en la obra original como en el cómic visualizamos un paisaje árido y hostil, reflejo de la sociedad que descuida estos entornos. Jesús Carrasco consigue crear una novela armónica en el tratamiento de sus temas, lo que Javi Rey refleja con gran soltura en su adaptación.

Los enlaces para acceder a los dos artículos mencionados en la reseña son los siguientes: 

https://elpais.com/cultura/2016/06/07/actualidad/1465335488_694189.html

https://elpais.com/cultura/2019/11/20/actualidad/1574277133_639748.html

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Persépolis

En esta novela gráfica, Marjane Satrapi traza y relata de una manera sensible y abierta su vida en el Irán de los años ochenta e inicio de los noventa. Se trata del primer tomo de una serie de cuatro, en el que la artista cuenta lo que pasó en su país durante su infancia y su juventud. Lo que motiva realmente a Satrapi no es contar su vida sino contar la situación de su país. De esta manera, Persépolis le da voz a todas aquellas historias de barrio, de familias, de amigos, en resumidas cuentas, de la cotidianidad iraní en tiempos de la revolución, de la guerra con Iraq y en tiempos donde soñar con la libertad se penalizaba.  

Este cómic en blanco y negro nos lleva por la vida de Marji desde 1980, cuando tenía 10 años, hasta 1994. En efecto su vida nunca se desprendió de la historia de su país. Con apenas 10 años de vida, Marji ya se cuestionaba sobre las decisiones de la revolución. Es así que este Cómic permite leer la historia de Irán desde el corazón y el trazo de una artista que crece en el seno de una familia acomodada de Teherán. Educada en un matiz moderado del Islam y en una visión más progresista sobre la mujer, su familia le ofrece el espacio para encontrarse y ser ella misma en medio de un país que está sufriendo los cambios de la revolución y los padecimientos de la guerra. La constante búsqueda de identidad y estabilidad de Marji es una analogía a la vida política de Irán.

Sin embargo, al igual que la historia de Irán, Persépolis no tiene solamente un protagonista. El libro es la voz de las muchas historias que se tejen alrededor de los sufrimientos de una guerra. Gracias a la curiosidad y a la crítica de Marji podemos conocer un Irán más real y por tanto más penetrante. Persépolis es la memoria de las pérdidas de los hijos en la guerra, las historias de los hijos que escapan de la guerra, las celebraciones que se esconden de la represión, los amores que se ocultan de los guardias, la corrupción, los noticieros, la añoranza de un país en paz, la alegría de macharse de allí y la tristeza de no estar allí, las formas de soportar lo insoportable, el miedo, la solidaridad, la angustia y las pequeñas luchas. Es el día a día que sólo se puede dilucidar cuando una artista con la sensibilidad y la firmeza de Marjane Satrapi decide narrarlo.

La preocupación de Satrapi sobre lo que se muestra de Irán en los medios de comunicación se ve en cada línea, entrelínea y dibujo. Esto queda claro en el libro cuarto en donde la artista narra la llegada de la parabólica a su barrio y a su casa. Igualmente, en las últimas páginas, las únicas a color del cómic, la artista hace explícita esta  preocupación con las siguientes palabras, “no quiero daros una lección sobre la historia de Irán. No os diré tampoco que existe desde hace 4.000 años. Que su cultura esto o su civilización lo otro… Os quiero hablar del irán que creéis conocer, del posterior a 1979.” 

Es así que Satrapi nos abre las puertas a su vida y a una historia más humana de Irán.

 Marjane Satrapi

Nace el 22 de noviembre de 1969 en Rasht (Irán), en el seno de una familia acomodada y de ideología progresista. Tras la difícil situación política imperante en su país en los años posteriores a la revolución de 1980, es enviada a Viena a proseguir sus estudios secundarios. De regreso a Irán, se matricula en Bellas Artes en la Universidad de Teherán, obteniendo un máster en Comunicación Visual. En 1994 se traslada a Francia, país en el que aún reside en la actualidad, recalando en Estrasburgo, donde estudia Artes Decorativas, y posteriormente en París. Pese a que su vocación inicial era ser grafista, a partir de 1997 se dedicará a la ilustración de libros de cuentos para niños como Adjar o Los monstruos tienen miedo de la luna, en editoriales como Nathan y Albin Michel.

En París conoce a Christophe Blain, lo que le permite entrar en contacto con los miembros del colectivo L´Association, que le sugieren convertir sus recuerdos de infancia y adolescencia en un cómic. El resultado será Persépolis, cuyo primer tomo, publicado en el 2000 por L´Association, obtiene el premio “Coup de coeur” al mejor autor revelación del Festival de Angoulême. Un año después, el segundo tomo recibe, también en Angoulême, el Premio al Mejor Guión. Los tomos tercero y cuarto alcanzan una aclamación aún mayor, que consagra a su autora a nivel internacional: en España, Persépolis es galardonada en 2003 con el 1º Premio de la Paz Fernando Buesa Blanco.

Concluida la saga de Persépolis, Satrapi ha publicado nuevas obras: Bordados (2003) presenta una serie de reflexiones sobre la condición femenina, mientras que Pollo con ciruelas (2004; Premio al Mejor Álbum del Salón de Angoulême 2005) es una historia ambientada en su Irán natal y protagonizada por un hombre que ha perdido la ilusión de vivir.

Después del éxito cosechado con Persépolis, vino la adaptación a la gran pantalla, de mano de la propia autora y el también dibujante de cómics Vincent Paronnaud. Dicha adaptación también obtuvo un gran éxito de público y crítica, al ganar el Premio de la Crítica en Cannes 2007 y el Premio César 2008 al mejor guión adaptado, además de estar nominada a Mejor Película de Animación en los Oscar 2008.

En un mundo con tan pocas mujeres dibujantes como es el del cómic, y un país dominado por el machismo como Irán, la aparición de una autora de espíritu rebelde hace de Marjane Satrapi un personaje singular. Pero la verdadera razón por la que ha llenado portadas en todo el mundo y ha llegado a lo más alto ha sido conseguir que una obra como Persépolis trascienda a la misma sociedad, rompa todas las fronteras y se convierta en un símbolo de tolerancia y libertad.

Biografía tomada de https://www.normaeditorial.com/autor/341/1/marjane_satrapi/  

Deseamos finalizar esta reseña con una de las frases más valientes y memorables de esta historia, las palabras de la abuela de Marji antes de que su nieta partiera a Viena. 

“En la vida encontrarás a muchos imbéciles. Si te hieren, piensa que es su estupidez la que les empuja a hacerte daño. Así evitarás responder a su maldad. Porque no hay nada peor en el mundo que el rencor y la venganza... Mantén siempre tu dignidad, tu integridad y la fidelidad a ti misma.”

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La Catedral del Mar: Una novela gráfica para todos

¿Amas la lectura pero no tienes mucho tiempo? pues en menos de dos horas pueden acompañar a Arnau a lo largo de su vida viviendo junto con él sus venturas y desventuras y el desenlace de las mismas retratadas en las páginas de La Catedral del Mar. esta novela, del escritor español Ildefonso Falcones, fue traducida a más de 15 idiomas y publicada en 47 países vendiendo alrededor de seis millones de copias, vamos,  un best seller indiscutible.  Y si se pensaba que esta historia no podría ser mejor, pues  fue adaptada recientemente a novela gráfica con una habilidad impecable. 

Dicha adaptación,  logró condensar en poco menos de 200 páginas una novela histórica de casi 700. Esta divida en 4 breves capítulos que nos transportan a la Cataluña del siglo XIV haciéndonos vivir la realidad política, religiosa y social de este tiempo de una manera atrapante pero real pues gira en torno a la construcción de un importante monumento catalán: La Iglesia de Santa María del Mar.

En palabras del mismo Falcones, es un “espléndido trabajo” cargado de vida y emociones y les podemos garantizar que una vez hojeadas las primeras páginas no podrán parar. Nos muestra a través de los personajes el significado de fe, integridad, familia, honor, lealtad y por supuesto amor así como las consecuencias de los celos, la envidia, y la venganza. Sin ser la típica historia predecible de héroes y villanos, nos muestra como al final “El tiempo pondrá a cada uno en su sitio”.

Si quieres sacarle el máximo provecho a la lectura o eres docente y te gustaría trabajarla en clases, cuenta con una completísima guía didáctica en línea totalmente gratuita. 

Y por si fuera poco,  Antena 3 la adaptó en una miniserie homónima de 8 capítulos con un reparto de la talla de Aitor Luna y Michelle Jenner. 

¿Se puede pedir más? ¡Acércate pronto a la biblioteca y solicita esta novela ya! solo tenemos un ejemplar y alguien se te puede adelantar.

PREMIOS

Algunos de los premios que ha recibido el best seller La Catedral del Mar son los siguientes:

·         Euskadi de Plata 2006 a la mejor novela en lengua castellana

·         Premio Qué Leer al mejor libro en español del año 2006

·         Premio Fundación José Manuel Lara a la novela más vendida en 2006

·         Premio italiano Giovanni Boccacio 2007 al mejor autor extranjero

·         Premio Fulbert de Chartres 2009.

OTRAS OBRAS DEL AUTOR

Tras La Catedral del Mar, Ildefonso Falcones publicó La mano de Fátima (Grijalbo, 2009), obra que fue galardonada con el premio Roma 2010.

En 2013, Falcones publica La Reina Descalza, otra obra de narrativa histórica, esta vez ambientada en la España del siglo XVIII.

Su última novela, Los Herederos de la Tierra (Grijalbo, 2016) es la esperada continuación del fenómeno editorial La Catedral del Mar, la novela más emblemática del autor, Ildefonso Falcones.

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Frida Kahlo. Una biografía

María Hesse (1982), ilustradora onubense de vocación, muestra su trabajo en diferentes campos. No solo ha participado en múltiples exhibiciones artísticas, sino que es la creadora de numerosos murales y posters. Sin embargo, su obra que más nos resulta de interés es aquella directamente relacionada con el mundo editorial: cuenta con dos publicaciones bibliográficas dedicadas a los iconos David Bowie y Frida Kahlo. Y es precisamente Frida Kahlo. Una biografía la biografía a la cual dedicamos esta reseña.

En este trabajo, Hesse realiza un trabajo orientado a un objetivo muy concreto: busca ir más allá de las obras de la pintora mexicana. En otras palabras, la vida de Kahlo que se encuentra reflejada en aquellos cuadros creados por la propia coyoacanense –un reflejo del mundo interior de Frida- no es lo que trata de plasmarse en las ilustraciones de la biografía, sino una mezcla entre realidad y mundo interior: todo ello desde la perspectiva de la ilustradora. De hecho, la propia María Hesse, en una revista para El Cultural, confesó lo siguiente: “El mayor reto ha sido intentar hablar a través de su lenguaje pero intentando incluir el mío propio y que se complementaran”. Se nos muestra a los lectores de hoy a una Frida vista a través de sus ojos. En definitiva, es el fruto de "la necesidad de intentar plasmar lo que ella pudiera estar sintiendo en cada momento". 

Para la elaboración del libro, María ha realizado un intenso trabajo de documentación dedicado a conocer en profundidad al personaje; comprender su esencia, tanto vital como artística, es considerado un requisito fundamental. Para ello, ha contado con la posterior corrección de la especialista Martha Zamora, autora de dos libros sobre la Kahlo y gracias a la cual Hesse descubrió a la auténtica Frida. Podría decirse que, a través de Zamora, la ilustradora consiguió ir más allá de la imagen icónica y estereotipada que se ha ido construyendo de la mexicana a lo largo de los años.

El rasgo principal y diferenciador de esta biografía es el protagonismo de la ilustración. La autora considera que el formato que se le ha dado a la biografía es hoy en día una opción editorial que se encuentra de moda, en gran parte  gracias a las redes sociales –sin ellas, el alcance logrado por parte de este tipo de diseño no hubiera podido ser el mismo. Pero, yendo más allá de corrientes y de tendencias, los dibujos que ponen cuerpo a la vida de Frida se mantienen fieles al estilo de Hesse. Transmiten un aire naif que trata de representar la sensibilidad de la mujer. Su trazo es perfectamente identificable en sus tres libros –incluyendo Mujercitas, libro hasta ahora no mencionado. Sus dibujos, realizados con gouache y tinta, a pesar de crear escenas vistosas, coloridas, e incluso fantasiosas, no dejan de contener pequeñas dosis de realizad, encapsuladas en metáforas y alegorías: en cada dibujo hay un hecho, una situación o un sentimiento humano.

El compromiso con la causa feminista es una constante a lo largo de toda su obra. Porque, si bien se trata de representar la sensibilidad de la mujer, es la mujer en sí la que cobra protagonismo. Dice Hesse… “Lo que hace feminista a una ilustración es lo que se pretende transmitir con ella. Vivimos.” Y en esta línea se crea Frida Kahlo: Una biografía. Porque, si bien no es per se un alegato feminista, la obra destaca que Kahlo fue “una luchadora que decidió ponerse el mundo por montera, una mujer apasionada que no se conformó con estar a la sombra de su gran amor, Diego Rivera, y peleó por alcanzar cada uno de sus sueños”.

En definitiva, el resultado final es un recorrido por los momentos clave de la vida de Frida, narrados desde una primera persona que ayuda a acercar al lector al carácter más intenso de la pintora. Las voces de María y de Frida quedan fusionadas. En boca de Hesse: "No sé si más allá de la vestimenta y las cejas juntas mi Frida se parece a la real, pero es la Frida que sale de mí".

En nuestra reseña, hemos querido hacer una breve reflexión sobre la obra, sin perder de vista que nos encontramos ante una fusión: la mirada actual de Hesse y la visión de la realidad que tenía Kahlo de sí misma. Hoy en día, la causa feminista busca casos reales en los que ver reflejado qué es lo que se pretende conseguir: así es cómo nacen los iconos. ¿Y qué consideración se hace en la obra de Frida Kahlo como icono? Como bien ya hemos dicho, Hesse pretende ir más allá de la Frida estereotipada, de la Frida con corona de flores. Y, en nuestra opinión, la ilustradora onubense ha hecho una buena labor.

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Cuando la verdad parece invisible

El Guardián Invisible es la primera parte de la reconocida Trilogía del Baztán. Esta obra, escrita por la donostiarra Dolores Redondo y adaptada al cómic por Ernest Sala, se ha convertido en una de las publicaciones más reconocidas en los últimos años en el panorama nacional. Una novela negra, cuyo éxito vino acompañado de una adaptación a la gran pantalla, dirigida por el pamplonés Fernando González Molina.

Ernest Sala logró plasmar en un cómic de 88 páginas, toda la tensión y el drama que mostró la autora en la versión original. Su dibujo, en el que abundan los colores fríos y un marcado sombreado de los caracteres de los personajes, añade un cierto aroma a misterio, que atrapa y cautiva al lector, combinándose de forma magistral con la trama. Los gestos de los personajes reflejan a la perfección todas las emociones del momento, por lo que es imposible dejar de leer.

La obra nos traslada a Elizondo, un pequeño pueblo de Navarra, muy influenciado por el folclore regional. Un paisaje embelesador, atravesado por el Bidasoa y rodeado de frondosos bosques, que se verá corrompido por una ola de crímenes. Varias niñas han sido asesinadas, y junto a ellas aparecen unos zapatos de tacón. Todas aparecen desnudas, con un txantxigorri, un dulce típico de la zona, cubriendo los genitales. Sin embargo, las víctimas no han sido violentadas, todo parece una macabra representación de dulzura y pureza. Para descubrir al asesino, la inspectora Amaia Salazar volverá a su pueblo natal, recordando así varios episodios de su infancia, a los que se tendrá que enfrentar a la vez que resuelve el misterio.

Las únicas pruebas son los dulces que rodean a la víctima y un cordel al cuello. Hay alguno que incluso culpa al Basajaun, un ser mitológico que se encarga de cuidar los bosques. Pero la realidad es mucho más enrevesada. Una serie de acontecimientos revela una verdad aterradora, la relación de estos crímenes con otra serie de asesinatos hace 20 años, como si unos fantasmas del pasado hubiesen vuelto al apacible pueblo de Elizondo. El desenlace final, sorprendente, tal vez un poco apresurado, muestra cómo influyen las tradiciones en los personajes. Pero sobre todo, que las apariencias engañan.

Los continuos giros argumentales de la trama permiten que el lector forme parte de la historia, pues también ejerce de detective. Es una lectura amena, cautivadora y sobre todo no muy extensa, ideal para los lectores no habituales, que quedarán cautivados por la incertidumbre y el deseo de desvelar el misterio. Pero también atrapará en sus redes a aquellos aficionados a la novela negra, deseosos de resolver unos crímenes que parecen imposibles, llenos de acertijos. Y es que a veces la verdad parece invisible, al igual que el guardián que da nombre a la novela.

Dolores Redondo (Donostia-San Sebastián, 1969) escribe desde los catorce años y es la autora de la Trilogía del Baztán, el fenómeno literario en castellano más importante de los últimos años. Las tres entregas de esta trilogía, El guardián invisible, Legado en los huesos y Ofrenda a la tormenta, han llegado a cientos de miles de lectores fieles. Además, hoy ya son más de 30 editoriales de todo el mundo que han publicado su obra. Tras la aparición de El guardián invisible, la crítica la saludó como una de las propuestas más originales y contundentes del noir en nuestro país, y ha seguido elogiándola por cada nueva obra. En 2016, Dolores Redondo gana el Premio Planeta con Todo esto te daré.

Ernest Sala nació en Olot (Girona) y vivió allí hasta que terminó sus estudios de bachillerato artístico. A los 18 años, se trasladó a Barcelona para cursar los estudios de Arte Gráfico en la Escola Joso.

Especializado en cómic e ilustración, ha trabajado en diferentes álbumes colectivos, en revistas temáticas de terror, cómics por encargo y libros juveniles. También trabaja como ilustrador freelance y compagina esos encargos con sus clases como profesor de dibujo en la Escola Joso.

La adaptación gráfica de La Trilogía del Baztán (Dolores Redondo, Destino)  es su primera obra larga como autor de cómic. Edita Planeta Cómic.

Título original: El guardián invisible

Año: 2017

Duración: 129 min.

País: España

Dirección: Fernando González Molina

Guion: Luiso Berdejo

Música: Fernando Velazquez

Fotografía: Flavio Martínez Labiano

Reparto: Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella, Itziar Aizpuru, Carlos Librado, Miquel Fernández, Pedro Casablanc, Colin McFarlane, Benn Northover, Paco Tous, Manolo Solo, Ramón Barea, Patricia López, Quique Gago, Mikel Losada, Susi Sánchez, Miguel Herrán, Richard Sahagún, Miren Gaztañaga, Javier Botet.

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Nela, una amarga bofetada de realidad.

Nela es una adaptación de la obra Marianela de Benito Pérez Galdós, escrita en 1878 y que pertenece a las Novelas de la Primera época. El autor del cómic, Rayco Pulido, hizo una excelente labor plasmando las principales ideas de la historia original en una novela gráfica de 168 páginas. Las ilustraciones, al igual que los diálogos y las reflexiones de los personajes, nos permiten trasladarnos a la España del siglo XIX, donde se desarrolla la acción.

Así, Rayco Pulido utiliza un trazo muy simple en esta historia y huye del detallismo, pues pretende otorgar una libertad de imaginación al lector, como si estuviese leyendo la propia novela del autor decimonónico. En su lugar, opta por acompañar las viñetas con onomatopeyas adecuadas, cuadros de diálogo que ayudan a discernir mejor las connotaciones de lo que dicen los personajes y juega con las caras y expresiones de los más relevantes. También hay que destacar el maravilloso trabajo de luces y sombras que consigue, ya que ha hecho esta novela en blanco y negro (quizá para aludir, junto con algunos otros detalles, al período histórico que se presenta y exaltar su base en la corriente realista; una realidad dura y oscura).

Benito Pérez Galdós intenta hacer una crítica social al profundizar en las desigualdades que existían entre las clases sociales. Así, el escritor canario crea un contraste entre la vida de los dos personajes principales: Nela, una niña huérfana y pobre, y Pablo, un ciego adinerado. Además, Galdós también trata otros temas como el amor que se tienen los dos protagonistas: un amor que se verá truncado por unos (des)afortunados incidentes. Por último, la descripción de la naturaleza que la lazarillo le hace al ciego, transmitiendo parte de su ignorancia y con lo que el autor resalta la precariedad intelectual de la época.

Nela es poco agraciada y de imagen mezquina. Ella describe a Pablo cómo percibe el mundo y poco a poco acaba enamorándose; mientras este le promete, a su vez, corresponder a su amor. No obstante, todo cambia con la llegada de la prima de Pablo, quien está destinada a casarse con él; y del médico Golfín quien asegura que puede curarle la vista. Nela, temerosa de que Pablo la despreciara y rechazara por su aspecto físico, intenta huir, pero Golfín la detiene y la convence para que acuda donde el chico, ya que lo único que quería era ver a su lazarillo. Sin embargo, los peores temores de la muchacha se hacen realidad cuando este no la reconoce y la confunde con un pobre; por lo que, finalmente, muere de pena.

En cuanto a los personajes, cabe destacar al médico Teodoro Golfín, uno de los personajes más complejos de la obra debido a un pasado desafortunado; esto le hará simpatizar con la protagonista, a quien tratará de salvar. Por otro lado, la prima de Pablo, Florentina, una mujer de clase alta que tratará a Nela como a una igual y que ve la belleza en el interior de las personas; y el joven Celipín, un niño soñador que quería ir a la ciudad en busca de una vida mejor, con grandes expectativas de la vida y al que Nela solía dar el dinero que ganaba para  que pudiera cumplir su sueño.

De la obra de Galdós se han llevado a cabo numerosas adaptaciones (series televisivas, películas, cómics…). En el caso de la historia de Marianela, hay varias adaptaciones:

- La novela fue adaptada para su representación en teatro por los Hermanos Álvarez Quintero y estrenada en el Teatro de la Princesa de Madrid el 18 de octubre de 1916.

-          Se ha llevado al cine en varias ocasiones:

En 1940, por Benito Perojo, con Mary Carrillo y Julio Peña.

- En 1955, por Julio Porter, con Olga Zubarry y José María Gutiérrez.

- En 1972 por Angelino Fons, con Rocío Dúrcal y Pierre Orcel.

- En 1961, la novela también fue adaptada para televisión en México en forma de telenovela con su título original; y en 1988, bajo el título Flor y Canela. Por último, en 1993, se emitió en formato de miniserie y con el título original.

- En 2013 Rayco Pulido la adaptó al cómic bajo el título de Nela.

 BENITO PÉREZ GALDÓS

Benito Pérez Galdós nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1843, hijo de Sebastián Pérez, teniente coronel del Ejército y de Dolores Galdós. Desde niño (Infancia en las Palmas) fue aficionado a la música, al dibujo y a la literatura. Es en opinión general, el mayor novelista español después de Cervantes.

A los diecinueve años se trasladó a Madrid, donde conoció a don Francisco Giner de los Ríos, fundador de la Institución Libre de Enseñanza, quien le alentó a escribir.

La Fontana de Oro (1870), La sombra (1871) y El audaz (1871) fueron los títulos de sus primeras novelas, todavía con influencia del Romanticismo. Publicó artículos políticos en la Revista de España y algo de ellos, así como el ataque al régimen anterior a la Revolución de 1868 y el inmovilismo de la tradición, se plasma en sus obras de tesis de la misma época: Doña Perfecta (1876), Gloria (1877), La familia de León Roch (1878) y Marianela (1878).

A partir de entonces, escribió obras naturalistas como: La Desheredada (1881), la primera de sus novelas contemporáneas a la que le siguieron El Doctor Centeno (1883), Tormento (1884) y La de Bringas (1884). Fortunata y Jacinta se convertirá en una de las más famosas de este autor.

Al final de la década de los 80 y a comienzos de la siguiente publicó Miau (1888), La incógnita, Torquemada en la hoguera y Realidad (1889) y Ángel Guerra (1891). Los problemas éticos se ven en: Tristana (1892), Nazarín (1895), Halma (1895) y Misericordia (1897).

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Watchmen, el infierno de los superhéroes

El último cómic del club de lectura de la biblioteca del CIESE-Comillas es “la mejor obra de ficción popular jamás realizada”. Al menos ésta es la opinión de Damon Lindelof, guionista de la afamada serie de televisión Perdidos. En él se narran las tragedias de unos superhéroes terriblemente humanos en sus miserias, amores y conflictos.

Watchmen es una de las obras esenciales en la carrera de Alan Moore, en cuyo currículum se pueden encontrar otros títulos emblemáticos como V de Vendetta, From Hell o The league of extraordinary gentlemen (La liga de los hombres extraordinarios). Esta novela gráfica nos sumerge en las vidas de un conjunto de superhéroes que recuerdan los tiempos gloriosos de antaño anteriores a la Ley Keene de 1977 por la que se prohibía la acción justiciera de estos fantasiosos adalides de la justicia.

La historia nos trata de presentar un universo paralelo durante la muy real década de los ochenta. Es está característica la que más destaca en el comic, la continua mezcla de dos planos: uno realista, que toma datos de la sociología de la década en que se escribió esta historia; y unos personajes situados en el orbe de la ciencia ficción pero que son perfilados con psicologías demasiado humanas. Incluso, estos diferentes planos de narración llevan al guionista a intercalar otro cómic dentro del cómic: los Relatos del navío negro.

La historia arranca con el asesinato de Edward Blake, El Comediante. Octubre de 1985, aún queda algún irreductible enmascarado en acción que se resiste a respeta La ley Keene. La policía de New York no es lo suficientemente diligente en su investigación del brutal crimen cometido contra El comediante, antiguo compañero de fatigas enmascaradas. Rorschach, uno de esos rebeldes con causa que se niegan a acatar la desaparición de superhéroes, inicia una investigación paralela. Todo ello visto con el paisaje de fondo de la guerra fría, pero con el elemento añadido del Doctor Manhattan (Dr. Jonathan Osterman). El verdadero superhéroe del cómic, el único con superpoderes. Una máquina de aniquilar enemigos con su transformación en arma nuclear andante.

El Doctor Manhattan contrasta con otros personajes como son Rorschach o El comediante, terriblemente humanos a pesar sus disfraces de superhéroes. Sin superpoderes, solo aventureros y justicieros enmascarados que formarían un sistema parapolicial hasta la ficticia Acta Keene. Gentes con turbios pasados e infancias terribles que les convierten en amargos observadores del mundo y de la condición humana.  

Moore es considerado como uno de los grandes maestros de la historieta o novela gráfica y uno de los principales responsables de su ascensión a la categoría de arte con mayúsculas, al mismo nivel que el cine o la literatura. Sus títulos han superado los rincones del entretenimiento donde los críticos situaban a este género para alcanzar el estatus de gran o alta cultura.  

A este guionista de cómics, nacido en 1953 en la ciudad de Northampton en el centro de Inglaterra, se le comienza a considerar como un escritor y a sus obras como auténticas obras literarias. Al menos,  así ocurre en determinados sectores de la crítica y de la prensa cultural. En este sentido, el prestigioso semanario americano Time Magazine incluyó a Watchmen en la lista de las 100 mejores novelas en lengua inglesa desde 1923, año de la fundación de este medio que marca tendencia en el mainstream cultural anglosajón. Según Time Magazine “este trabajo de realismo psicológico implacable es un hito en el mundo de las novelas gráficas”. Otra muestra de la elevación a los altares literarios de Moore la proporciona el influyente New York Times Book Review al declarar que “los héroes de Watchmen cuentan con unos perfiles psicológicos asombrosamente complejos”.

El autor británico alcanzó gran popularidad con V de Vendetta, un cómic que tuvo una exitosa versión cinematográfica dirigida por James McTeigue. En él se introduce al lector en una distopía sobre un futuro en el que se ha producido una destrucción nuclear para mostrarnos las consecuencias políticas que de ello se derivarían en forma de lucha entre la anarquía y el totalitarismo. Se considera una reflexión acerca del concepto de libertad y una mirada antropológica sobre los límites del libre albedrío. Moore busca explorar con sus creaciones nuevas formas y recursos de narración que otorguen mayor fuerza expresiva y profundidad a la novela gráfica. Además, sus obras mezclan los temas clásicos del cómic con puntos de vista más profundos de tipo filosófico o político y con subgéneros literarios como la distopía.

Pero Moore también cuenta con críticos. Algunos de ellos consideran que sus creaciones tienen más puntos débiles de lo que aparentan.

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Memorias de un hombre en pijama

Este mes hemos tenido el placer de acercarnos a la obra de Paco Roca (Valencia, 1969) a través de Memorias de un hombre en pijama (Astiberri, 2010). Se trata de una recopilación de viñetas humorísticas acerca de la vida cotidiana aparecidas en el diario local valenciano “Las Provincias”, presentadas en una excelente edición en la que cada pequeña anécdota queda enmarcada en el espacio de dos páginas, resultando su lectura una experiencia agradable y en ningún momento pesada. A través de este trabajo de Roca, con un tono un tanto diferente de otras obras suyas como la premiada Arrugas (2007), se nos presentan situaciones fácilmente reconocibles acerca de las relaciones de pareja, la amistad, los compromisos sociales y los avatares de la vida diaria, manteniéndonos en todo momento con la sonrisa en la cara. Los guiños al lector son frecuentes, y el tono desenfadado y cómplice de la obra nos permite comprender enseguida al personaje, algo verdaderamente admirable si tenemos en cuenta el reducido espacio con el que cuenta el autor para desarrollar cada situación.

Dado que esta obra se divide en historias independientes, una por cada tira, se puede leer secuencialmente o eligiendo tiras aleatoriamente. El director de “Las Provincias” pidió a Paco una tira en la que se reflejara “la vida de los jóvenes urbanitas de treinta y muchos o cuarenta y pocos”; él lo entendió a su manera y se introdujo en el centro de la obra. Las historias son semiautobiográficas: el propio Paco Roca es el protagonista y varios de sus amigos y conocidos aparecen como personajes o, al menos, se inspiran fuertemente en ellos. Muchas de las tiras se refieren a anécdotas de la vida del propio autor, sucesos propios o de sus amigos y otras muchas desarrollan ideas y pensamientos que le preocupan. En general desarrolla un humor que no eclipsa todo lo demás (sus reflexiones, el costumbrismo, la autobiografía). No busca la carcajada, pero sí la sonrisa; por lo general la consigue.

Paco Roca, que ha alcanzado reconocimiento internacional con su novela gráfica acerca de la vejez y el Alzheimer, Arrugas, editada primero en Francia y luego por Astiberri en España en 2007, se inició en el mundo del cómic hace ya más de veinte años, dedicándose también a la ilustración para diversos medios y editoriales. El autor valenciano declara pretender llegar con su obra a aquellos “que no suelen leer cómics” a través de su estilo para narrar sencillo y directo y de su trazo limpio. Su compromiso social y político le llevó –entre otros motivos- a realizar en 2013 la novela gráfica Los surcos del azar, que trata la cuestión de los exiliados republicanos españoles que combatieron junto a los Aliados durante la Segunda Guerra Mundial y cuyo título se inspira en un verso de Antonio Machado. El gran reconocimiento del público y la crítica hacia su obra ha provocado que se lleven a cabo adaptaciones cinematográficas de Arrugas (dirigida por Ignacio Ferreras en 2011) y de la obra que nos ocupa, Memorias de un hombre en pijama, que será estrenada este año con guión del propio autor y bajo la dirección de Carlos Fernández de Vigo. 

Página web del autor: http://www.pacoroca.com/

Vídeo sobre el rodaje de la película: http://www.rtve.es/rtve/20170306/raul-arevalo-siento-muy-comodo-pijama-paco-roca/1499042.shtml

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Barrio Lejano

Este mes, en nuestro club de lectura, Barrio Lejano de Taniguchi Jiro, una obra perfecta para adentrarse en el manga o cómic japonés. La historia nos cuenta cómo Nakahara Hiroshi, hombre de negocios de unos cincuenta años, emprende sin saber muy bien cómo un viaje a Kurayoshi, su ciudad natal.  Allí decide visitar la tumba de su madre y, entre la añoranza y algunos dolorosos recuerdos de su infancia, pierde la consciencia y se embarca misteriosamente en un viaje al pasado, a aquellos años de la secundaria y a los días previos al hecho que marcaría su vida: la desaparición de su padre. ¿Estaba vivo? ¿Qué pudo llevarle a abandonar a su familia si todos eran felices? Y lo más importante, ¿acaso no era esta la ocasión perfecta para evitar que dejara el hogar? Muchos interrogantes que Hiroshi intentará resolver para reconciliarse tanto con su pasado como con su presente.

Taniguchi Jiro (谷口ジロー) es un mangaka o dibujante de cómic japonés nacido en 1947 en un pueblo de la prefectura de Tottori –curiosamente, el lugar donde ocupan los hechos de nuestra historia-. Su reciente fallecimiento en febrero de este 2017 ha supuesto un duro golpe para el mundo del manga en particular y del cómic en general, pues gozaba de gran reconocimiento internacional, y así se ha reflejado en los premios de diversa índole que ha recibido a lo largo de su carrera.

Este éxito se debe en gran parte a que su estilo de dibujo se aleja bastante de los cánones del cómic japonés actual, resultando más atractivo a un público occidental más acostumbrado al cómic europeo y americano. El trazo limpio y bien definido, está en consonancia con sus historias. Argumentos sencillos pero muy atractivos que consiguen en todo momento atrapar al lector, protagonizados generalmente por personajes cercanos y amables con los que es fácil conectar, a pesar de que sus rasgos puedan parecer bastante heterogéneos. Es precisamente su narrativa la responsable de que muchos lo hayan llegado a comparar con Murakami Haruki, pues ambos son capaces de dejar al lector sumido en un trance, en un sueño agridulce que acaba enamorando al público.

Con una trayectoria profesional extensísima, Taniguchi ha creado más de una treintena de obras que se han traducido a más de 20 idiomas, habiéndose publicado en España nada más y nada menos que diecisiete de ellas desde 1992 hasta la actualidad. En este caso es la editorial Ponent Mon quien se encargó de publicar esta obra en el 2009. Taniguchi también ha recibido numerosos galardones como el Premio Tezuka y fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras.

Varias de las obras de Taniguchi han tenido una adaptación cinematográfica, y Barrio Lejano ha sido una de ellas. Quartier Lointain es una adaptación francesa de esta obra, dirigida por Sam Garbarski y protagonizada por Pascal Greggory, Jonathan Zaccai y Alexandra Maria Lara, fruto del grandísimo éxito que cosechó esta novela gráfica entre el público francés.

En definitiva, Barrio Lejano es la excusa perfecta para ese público amateur que quiere introducirse poco a poco en el maravilloso mundo del manga, a través de una lectura sencilla y amable que no dejará indiferente a nadie.

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Una historia de violencia

Este es el título de la tercera lectura recomendada por nuestro club y, como podréis imaginar, se trata de una novela gráfica donde la violencia es la principal protagonista. Tom McKenna es el propietario de un café en Raven’s Bend, Michigan, donde vive apaciblemente junto a su esposa y sus dos hijos.

Estaba siendo un día normal como cualquier otro, cuando Tom se ve envuelto en un desafortunado incidente: dos individuos deciden atracar su local y termina asesinándolos en defensa propia. La difusión de estos hechos en los medios, hacen que ciertos miembros de la mafia neoyorkina reconozcan en Tom a un tal Joey, un joven que hace 20 años asesinó a varios de sus miembros.

Para llevar a cabo su plan de venganza, Johny Torrino y dos de sus secuaces van en busca de Tom, que en todo momento niega ser el hombre al que están buscando. Sin embargo, un esperado giro en los acontecimientos hace que la verdad salga a la luz y que Tom tenga que afrontar su oscuro pasado con la mafia para protegerse a sí mismo y a su familia.

Con guión de John Wagner y dibujo de Vince Locke, Una historia de violencia fue editada por DC Comics en 1997, y llegó a España de manos de la editorial Panini.

John Wagner (Pensilvania 1949) es un escritor conocido por haber participado activamente en la creación de historias para el mundo del cómic. Escribió varias historias de Batman y Juez Dredd, trabajando en numerosas ocasiones para DC Cómics, y también participó en la historia de Dr. Who para la BBC.

Vince Locke es un ilustrador de cómic norteamericano cuya carrera comenzó con Deadworld de temática zombie, y también formó parte del grupo de ilustradores de The Sandman, The Spectre y Batman. Su estilo está muy asociado al Death Metal y sus ilustraciones ofrecen con frecuencia un alto grado de violencia que le ha costado la censura en más de una ocasión.

  Una historia de violencia es una obra perteneciente al género de la novela negra de gánsters con una trama sencilla y bastante cliché que, sin embargo, consigue captar el interés del lector. El dibujo está realizado en trazas monócromas y está muy en sintonía con este tipo de género, aportando esa sensación de ambiente mezcla de intriga y hostilidad por parte de los personajes. Sin embargo, los personajes muestran en todo momento expresiones hieráticas que no están en consonancia con los continuos momentos de tensión vividos, algo que, en mi opinión, le resta atractivo a la obra.

En definitiva, una historia recomendable solo para amantes del género o lectores que quieran arriesgarse a experimentar una lectura diferente. Y si no, siempre podéis recurrir a la adaptación cinematográfica protagonizada por Viggo Mortensen, que resulta mucho más atractivo ^^

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Fun Home: una familia tragicómica

El segundo libro del Club de Lectura se titula Fun Home: una familia tragicómica, creado por Alison Bechdel y publicado en España por el sello editorial Reservoir Books en 2016.

La autora narra a modo autobiográfico una serie de episodios no lineales con los que trata diversos temas como la orientación sexual, los roles de género, el suicidio y el abuso emocional. Para ello describe cómo fue su infancia y adolescencia dentro de una familia poco ordinaria y caracterizada por el conflicto. De hecho, Alison Bechdel dirige la dedicatoria del libro a su hermano y su madre diciendo: “lo pasamos muy bien, a pesar de todo”.

La historia se centra en la relación con su padre, un homosexual reprimido con el que mantiene una relación fría cuya distancia intenta acortar creando un vínculo a través de la literatura. A medida que avanza la obra se desarrolla un análisis personal relacionado con esta figura paterna, pues la propia autora reconoce su homosexualidad.

Alison Bechdel nació en Lock Haven, Pensilvania el 10 de septiembre de 1960. Su padre, profesor y restaurador, dirigía una funeraria; su madre era profesora de Literatura inglesa en un  instituto local. A los 3 años comienza a mostrar capacidades como dibujante y hoy en día es una afamada y reconocida novelista gráfica, uno de los iconos de la literatura feminista y homosexual.  De hecho, tanto su ideología como su orientación sexual han marcado su trayectoria como artista.

Gracias a esta obra, ha sido galardonada en varias ocasiones y ha permanecido durante dos semanas en la lista de Best Sellers del New York Times. Además, se ha producido una adaptación musical de Broadway, estrenado en 2013. Considerado el primer musical de tema lésbico y basado en una novela gráfica. También ha sido premiado en 5 ocasiones, incluyendo la categoría de Mejor musical.

En cuanto a su estilo, habría que destacar el trazo firme y sencillo combinado con el uso de distintas tonalidades de azul. Se caracteriza por el detallismo y la soltura en la utilización del diálogo y los fragmentos narrativos que acompañan a cada viñeta. Si bien los personajes no muestran gestos demasiado expresivos y son bastante estáticos, consigue que la historia, por poco previsible, cause impresión.

  En definitiva, se trata de una obra fácil de disfrutar, que merece ser leída y que no dejará indiferente a ningún lector.

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Ardalén

El primer libro del club de lectura se titula Ardalén y su autor es Miguelanxo Prado.  Premio Nacional de Cómic 2012, se trata de un cómic caracterizado por ser más pintura que dibujo.Tal y como observamos en la portada, el protagonista es un señor solitario de avanzada edad y está contextualizado en un ambiente anclado en la naturaleza, concretamente en el mar y sus criaturas fantásticas. 

Esta es la historia de Sabela, una mujer que intenta reconstruir parte de su historia a través de los recuerdos de Fidel, el segundo protagonista. En el camino, aparecen más personajes, otros recuerdos de otras memorias. 

El autor, Miguelanxo Prado, cuenta con una larga carrera en el mundo del cómic. En la realización de este libro, empleó más de tres años y medio, trabajo que no hubiese podido realizar tan breve sin su magnífica experiencia. 

Estamos antes un cómic,sorprendente; cargado de sentimientos, sensaciones y situaciones hiperrealistas que transmiten mucho contenido emotivo. Las ilustraciones son muy aclaratorias de los paisajes que viven los personajes y permiten adquirir un grado mayor de entendimiento y de traslado al escenario de la historia. 

Otras obras del autor: una película, De profundis, un filme de animación silente protagonizado por un pintor que sueña con ser marino y una intérprete de chelo que viven en mitad del mar.  

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