Detective Pulp

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Coup de Coeur : Ces Jours qui Disparaissent

Que feriez-vous si d’un coup vous vous aperceviez que vous ne vivez plus qu’un jour sur deux ? C’est ce qui arrive à Lubin Maréchal, un jeune homme d’une vingtaine d’années qui, sans qu’il n’en ait le moindre souvenir, se réveille chaque matin alors qu’un jour entier vient de s’écouler. Qu’est-ce qui provoque ces absences ?

Timothé LeBoucher fait parti de cette nouvelle génération de jeunes prodiges qui allie un talent certains à la fois pour le dessin et la narration. Je pourrais citer des noms, mais vous les découvrirez bien assez tôt dans ma sélection.

D’inspirations variables, de la science-fiction au thriller psychologie à la réalité crue, Timothé Le Boucher aime à tisser des spirales infernales, emportant ses personnages dans un crescendo magistral. Jusqu’au boutiste scénaristique, il a le don de pousser son récit dans ses retranchements et de presser jusqu’à la moelle ce qu’il y a à tirer du destin des personnages.

Durant ces trois dernières années Ces Jours qui Disparaissent s’est imposé comme un incontournable des BDphiles. Je n’ai de cesse de le conseiller, car j’aime me rappeler cette sensation intense à sa lecture, une sensation que j’aimerais partager à tous ceux qui veulent connaître une œuvre qui chamboule.

J’ai volontairement coupé le résumé, afin de préserver les lecteurs encore “vierges” de toute divulgachation.

Recommandation :

Le Patient  

Dans les Vestiaires

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Coup de Cœur : La Fuite du Cerveau

Scénariste et dessinateur : Pierre-Henry Gaumont

Éditeur : Dargaud

Publication : 18 Septembre 2020

En 1955 : Albert Einstein s’éteint à 76 ans. Lors de son autopsie, Thomas Stoltz Harvey s’empare de son cerveau, alors que ce dernier avait expressément indiqué « Je voudrais être incinéré, afin que personne ne puisse idolâtrer mes ossements. ». Car il voulait conserver le secret sur ses recherches, le médecin ne publiera les résultats de ses études que 30 ans plus tard, en 1982.

De ce postulat, Pierre-Henry Gomont fantasme un récit aux allures de road-movie scientifique. Et si ce fameux médecin avait du fuir le FBI ? Et si il avait eu la possibilité de découvrir ce que caché le cerveau d’Einstein ? Et si pendant tout ce temps, il était suivi par la version lobotomisé du mathématicien ? Tout aussi curieux d’en apprendre plus sur son organe.

La Fuite du Cerveau est une véritable bouffée d’air frais. Une BD déjanté où l’action, l’humour et la science s’entremêlent dans un feu d’artifice de couleurs et d’ingéniosité graphique.

Le personnage du médecin Thomas Stolz, looser sympathique et un poil antipathique, est attachant. Cette potentielle découverte scientifique, le mènera vers une aventure beaucoup plus enrichissante que ce qu’il attendait. Libéré de ses obligations intellectuelles par sa mort... on découvre un Albert Einstein cool (je ne pensais jamais écrire cette phrase).

Pierre-Henry Gomont prouve qu’il est capable de passer du récit historique (Pereira prétend) au drame familial (Malaterre) à une histoire plus légère, mais à chaque fois avec maestria.

Recommandations :

Malaterre

Pereira prétend

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Preview : BRZRKR #1

BOOM! Studios est une maison d‘édition indépendante. Elle occupe une place majeur dans l’industrie depuis maintenant 15 ans. Responsable de la publication de Giant Days, multi récompensé aux Eisner Awards, ils possèdent également de nombreuses licences comme les Power Rangers, Dark Crystal ou Robocop entre autres. La maison d’édition a annoncé, en juillet dernier, la sortie d’une série nommée BRZRKR (à prononcer "Berzerker"), limitée en douze épisodes .

Connu sous l’alias de Berzerker, il est un demi-Dieu maudit, assujetti à la violence au dépend de sa santé mentale. Après avoir parcouru la terre pendant des siècles, il a trouvé refuge aux États-Unis. Travaillant pour le gouvernement, il mène des batailles trop violentes et trop dangereuses pour le commun des mortels. En échange, Berzerker recevra la seule chose qu’il désire : la vérité sur son éternelle existence d’être sanguinaire… et comment y mettre fin.

La particularité de cette série, outre une direction artistique de qualité (mais on y revient), est que la série est co-scénarisée par l’acteur iconique Keanu Reeves. L’interprète de Néo dans Matrix a le vent en poupe ces derniers temps et enchaîne les collaborations artistiques en tout genre. Entre cinéma et la saga John Whick (prolongée à cinq films) et jeux vidéos où il prête sa voix et ses traits à Johnny Silverhand dans Cyber Punk, Baba Yaga ne s’interdit aucune expérience.

« J’aime les bandes dessinées depuis mon enfance et elles m’ont significativement influencé dans mes choix artistiques. Avoir la chance de créer BRZRKR et de collaborer avec des légendes de l’industrie comme le scénariste Matt Kindt, l’artiste Alessandro Vitti, le coloriste Bill Crabtree, l’artiste visuel Clem Robins et l’artiste concepteur Rafael Grampá - avec l’équipe formidable de BOOM ! Studios - est un rêve devenu réalité. »

L’acteur est accompagné dans l’écriture par Matt Kindt. Scénariste et dessinateur de talent, il est reconnu dans la profession pour son parti pris d’indépendant. Il évolue dans l’industrie depuis près de 20 ans en ayant très peu collaboré avec le Big Two : Justice League of America avec DC Comics et Spider-Man avec Marvel. Matt Kindt, c’est Dept. H, Mind MGMT et Revolver. L’artiste a déjà collaboré avec BOOM! sur l’excellent Grass King nommée aux Eisner Awards et récemment Folklords et Black Badge. Son travail a été traduit dans plusieurs langues, dont le français. Ses œuvres sont disponibles chez les éditeurs suivant : Monsieur Toussaint Louverture, Futuropolis et également chez Bliss Comics, si vous souhaitez vous plonger dans son travail.

Kindt a révélé sur ses réseaux sociaux être au travail sur ce projet depuis avril 2019. Il a déclaré que la série est un « cocktail puissant de tout ce que nous aimons: l’histoire de un guerrier immortel empreint d’Histoire, de conspirations, de spiritualité et d’une aide gigantesque d’action et de violence dingues – le tout avec un but intense et finalement une découverte déchirante. »

La série n’en est qu’à un stade promotionnel, mais BOOM! Studios annonce déjà un changement dans l’équipe artistique. Pas des moindre puisque l’artiste italien, Alessandro Vitti (Secret Warriors, Iceman, Suiciders) a été évincé du projet. Il a été remplacé par Ron Garney (Wolverine , Captain America) pour des raisons encore inconnues.

Le reste de l’équipe à savoir le coloriste Bill Crabtree (BRPD) et le lettreur Clem Robins (Hellboy) reste inchangée. La couverture principale de BRZRKR #1 est illustrée par Rafael Grampá (Dark Knight Returns: The Golden Child).  

L’éditeur BOOM! a décidé de lancer un Kickstarter. Une décision discutable quand on sait qu’avec un tel casting, les ventes seront assurée. Pourtant, l’éditeur en chef Ross Ritchie s’est justifié dans un long communiqué, de ne pas vouloir financer son projet, mais d’attirer de nouveaux lecteurs.

Si les contreparties seront livrées l’an prochain, vous êtes tous invités à suivre la série dont le premier épisode sera disponible début octobre.

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Review : Big Girls #1

Scénariste et Artiste : Jason Howard

Éditeur : Image Comics

Publication : 13 août 2020

Quand les hommes se transforment en monstres géants, dont le but est de détruire le monde, seules les femmes, les BIG GIRLS, peuvent les arrêter ! Ember adore lire et écrire des poèmes, elle fait 300 pieds (je vous aide, à peu près 90 mètres) et tue des « Jacks ». Ses consœurs et elle sont les seules obstacles face à l’annihilation totale.

Attack on Kaiju Rangers

Jason Howard est un artiste estimé de la profession. Il est connu pour son travail graphique sur les  séries Trees et Scatterland, écrites par Warren Ellis, et The Astounding Wolf-Man en collaboration avec Robert Kirkman (oui, encore lui).

Pour la première fois, Jason Howard occupe tous les postes dans le processus de création. A la fois dessinateur, coloriste et scénariste, il maîtrise chacun de ces aspects. Ce premier épisode est une parfaite mise en bouche à une série de grande ampleur.

"Big Girls is inspired by my childhood love of giant monster movies like King Kong and Godzilla, and big robot anime like Robotech and Evangelion," interview par Hollywood Reporter.

Big Girls est inspiré par se qui se fait de mieux dans la culture « otaku » japonaise. Jason Howard réunit les ingrédients idéales à un hit : du Super-Sentai/Mecha, des Kaijus et une grosse inspiration de Shingeki no Kyojin (l’Attaque des Titans).

Dans ce premier numéro, Jason Howard pose des bases solides à son histoire.

Le récit se passe dans un monde post-apocalyptique ravagé par un virus. Pour faire simple, ce virus transforme les garçons en des monstres incontrôlables et les filles en géantes.

Dès les premières pages le ton est donné. Nous sommes plongé dans un univers sans concession, où la menace est omniprésente. Les badauds inattentifs finissent écrabouiller, si ils se trouvent au mauvais endroit, au mauvais moment.

Malgré le chaos environnant, un nouvel ordre régit cet univers. L’Assemblée (?) règne sur la Réserve, un des derniers bastions de l’humanité, protégé par les Big Girls. La Science n’est plus exercée, depuis que le virus en est la conséquence et une organisation militaire se charge du problème à « la source ».

Jason Howard installe un scénario nuancé, où les apparences sont trompeuses. Pas de temps à perdre pour savoir qui est bon ou mauvais dans un monde ravagé. Il faut agir vite et sans remord, tout en sachant l’origine de ces créatures.

« Big Girls don’t cry », elles cassent des gueulent

Jason Howard est un pur produit de la maison d’édition Image Comics. Si vous êtes familier avec les comics indépendants, vous connaissez certainement la réputation de la maison d’édition. Depuis dix ans, Image Comics mène une politique éditoriale progressiste. La volonté de cet éditeur est de publier des titres mettant en avant des protagonistes féminins forts.

Selon moi, cela a commencé avec Saga et le personnage d’Alana. Pour rappel, ce comics et Hawkeye de Matt Fraction sont les marqueurs temporels du passage à l’Âge Moderne.

“[this is] the perfect comic for both the dynamic sci-fi I like to draw and for my writer side to examine questions of power, inequality and the complexity of growing up."

Le deuxième épisode sort le 16 septembre prochain.

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Portrait : Robert Kirkman

Attention :

Pour la rédaction de cet article, j’ai entrecoupé plusieurs sources. Ainsi, j’ai constaté de nombreuses incohérences dans les informations récoltées, jusque dans les propres dires de Robert Kirkman. Donc, ne soyez pas étonné si vous découvrez d’autres versions de son histoire.

De plus, la longue carrière de Robert Kirkman ne peut être résumé en quelques pages. J’ai dû faire des choix dans le traitement. Voyez cette courte biographie comme une chronologie exhaustive de sa carrière.

En 20 ans de carrière, Robert Kirkman, c’est une poignée de comics cultes. Il est le créateur de The Walking Dead, Invinsible, Outcast, Oblivion Song, Die Die Die et récemment Fire Power.

Robert Kirkman s’est forgé une place de choix dans le paysage du comic book en intégrant Image Comics. De là, il s’est attelé à produire à une allure frénétique des hits ayant marquée une génération de lecteur. Grâce au succès consécutif de ses créations, il s’est bâti un véritable empire, s’immisçant dans toutes les strates du divertissement américain.

Ne vous méprenez pas, Robert Kirkman est un véritable bourreau de travail. Sa réussite est due à une constance créative inégalable. Cela lui a valu le titre de 8epartenaire de la maison d’édition Image, tant il a participé à sa renaissance.

Il s’est imposé comme le maître incontesté du trope de genre. Robert Kirkman a su créer et appliquer une recette infaillible, s’approprier les codes d’un genre en y ajoutant sa patte. Choisissant des sujets en marge de ce que l’industrie mainsteam produit, il aborde des réflexions étonnement universelles.

Aujourd’hui, il est à la tête de Skybound, producteur exécutif de « la marque » télévisuelle The Walking Dead, scénariste d’au moins trois séries en cours et le bougre n’est pas près de s‘arrêter. L’aventure de Robert Kirkman n’en est encore qu’à ses prémices.

Robert Kirkman est né le 30 novembre 1978 à Lexington dans le Kentucky, il grandit à Cynthiana, dans le même État.

Robert Kirkman s’intéresse très tôt à la culture comics. Il commence à en lire au collège, cependant, ses lectures sont limitées. Il se fournit au Walmart le plus proche (à une heure de voiture), mais le magasin vend exclusivement des titres Marvel. Robert Kirkman lit les X-Men et Spider-Man (en 2006, il nomme son fils Peter Parker en référence au héros). Il découvre l’univers de DC Comics et les éditeurs indépendants seulement à l’obtention de son permis de conduire.

Les premiers pas en indé

Au lycée, il se spécialise en Art, mais ses études n’iront pas plus loin. Comme il le dit lui-même, le système scolaire n’était pas fait pour lui. Il enchaîne les petits boulots, notamment dans un comics shop (un peu cliché, n’est-ce pas ?), tout en produisant, en parallèle, son propre comics.

Between the Ropes est un comic book sur le milieu du catch. Les divers personnages, composant l’œuvre, seront réutilisés dans d’autres de ses projets. A la base, Robert Kirkman voulait être dessinateur, une idée qu’il abandonnera rapidement (et pour le mieux).

« Mon rêve était d'écrire et de dessiner mes propres comics, parce que mes livres préférés étaient écrits et dessinés par des artistes qui faisaient tout eux-mêmes. » s’est confié Robert Kirkman au magazine Rolling Stone.

Dans un élan d’orgueil, il a voulu présenter son projet à Diamond Comics (seul et unique distributeur). Il essuie son premier refus et se fait remettre à sa place par le distributeur au motif d’un manque de professionnalisme. Robert Kirkman est revenu sur ses premiers travaux avec beaucoup d’ironie, ce coup d'essai était une "horrible petite merde".

« En grandissant, j'ai réalisé que je n'étais pas assez bon pour dessiner, ce qui m'a d'abord un peu attristé. Puis j'ai compris que l'écriture était plus fun, et moins chronophage. »

A 22 ans, Robert Kirkman démarre sa carrière de scénariste professionnel. Ami d’enfance de Tony Moore, ils auto-éditent Battle Pope, une parodie de super-héros sous le label Funk-O-Tron.

La fin du monde a eu lieu, peu de gens sont montés au paradis, même le Pape a été jugé pour ses actions. Dieu a envoyé Saint-Michel pour guider son armée contre les forces du malin. Saint-Michel échoue et se retrouve captif par Lucifer. Dieu fait donc appel au Pape pour partir à sa rescousse. Il envoie Jésus Christ pour l’assister dans sa quête.

En bref, une œuvre loufoque à l’humour parfois douteux, mais au programme bien chargé. Kirkman admettra plus tard, qu’il voulait attirer l’attention sur lui, quitte à choquer l’opinion publique. La série sera publiée pendant deux ans avant d’être arrêtée. Les ventes du comics couvraient à peine les frais de publication et ne permettaient pas de marge. La situation devenait critique pour les deux artistes à découvert. La publication de ce comics outrancier a eu le mérite de déclencher une réaction en chaîne, permettant aux deux compères d’intégrer la maison d’édition indépendante, Image Comics.

Porte ouverte chez Image Comics

Robert Kirkman s’est exprimé sur la chaîne Comic Tropes sur ses débuts chez Image Comics. Il s’était fait repérer par Erik Larsen (fondateur de la maison d’édition et créateur de Savage Dragon, rien que ça). A la suite d’une interview de l’artiste, Kirkman avait gardé contact avec lui, jusqu’à ce qu’Erik Larsen finisse par lui proposer un projet.

L’année 2003 marque les débuts fracassants de Robert Kirkman dans le paysage indépendant du comic book. Malgré ce que la plupart des fans peuvent croire, le premier vrai succès de Robert Kirkman n’était pas The Walking Dead.

Alors qu’il pitchait une nouvelle série pour Image Comics, Erik Larsen lui proposa de collaborer avec Cory Walker sur un épisode de SuperPatriot, un personnage issu de l'univers de Savage Dragon. Ultra productif, il travaillait également avec E. J. Su pour créer la série Tech Jacket en 6 épisodes.

Mais c’est lors de la deuxième collaboration entre Robert Kirkman et Cory Walker que quelque chose se passa. Ils créèrent ensemble Invinsible en janvier 2003.

Mark Grayson est un lycéen moyen qui travaille dans un fast food pourri, seulement sa famille cache un secret important. Son père Nolan est en fait Omni-Man, une sorte de Superman. Le monde de Mark prend un nouveau tournant le jour où lui aussi développe des super-pouvoirs.

Né dans le premier épisode de Tech Jacket, la série explosa ses ventes lorsque Kirkman intégra un twist culte à l’histoire. Le ton de la série prit un tournant radical jusqu’à sa conclusion. Cory Walker n’arrivait pas à produire dans les deadlines attendues, il a été remplacé par Ryan Ottley au 7e épisode.

Invinsible est le second plus long run de Kirkman. La série s’est achevée en 2018 à son 144ème numéro. Récemment, une série animée a été annoncé pour sortir sur la plateforme Amazone Prime Video. Robert Kirkman s’est engagé à développer du contenu télévisuel pour le service Amazon Prime avec des programmes d’horreur et de science-fiction.

L’avènement de sa carrière

Tony Moore et Robert Kirkman lancèrent plusieurs projets pour Image Comics. Ils imaginèrent ensemble le personnage de Brit (en juillet 2003), mettant en scène un vieil agent spécial surpuissant, tenancier d’un strip-club ou se produit entre autres sa compagne. La série, au même ton décalé que Battle Pope, disparaît pour revenir en 2007. La série est dirigée par Robert Kirkman mais est écrite par Bruce Brown. Douze numéros sortiront et la série s'arrêtera faute de ventes convenables pour un titre estampillé Kirkman.

Tony Moore et lui finissent par rencontrer un succès critique et commercial en octobre de la même année avec The Walking Dead.

Kirkman a expliqué que petit, il se cachait derrière pour regarder les feuilletons d’horreur dont ses parents étaient friands. Un film l’a particulièrement marqué, La Nuit des Morts-Vivants de George Romero. Un groupe de survivants devant repousser les attaques d’une horde de zombies était une vraie inspiration dans l’écriture du comics.

Le film était tombé dans le domaine publique et offrait une introduction parfaite à Robert Kirkman, en écrivant la suite située dans les années ‘60. Mais Jim Valentino, son supérieur, lui suggéra de trouver son propre concept, hésitant à produire une autre histoire de zombie. Avoir son propre concept permettait également à l’auteur en herbe de récolter l’intégralité des royalties dû au droit d’auteur. Pour finir de convaincre son boss encore réticent, Kirkman inventa une histoire d’invasion extraterrestres via un virus transformant l’humanité en zombies. Idée qu’il n’utilisera jamais, avouant plus tard à son supérieur qu’il lui avait menti.

Comme Cory Walker, Tony Moore n’arrivait malheureusement pas à suivre le rythme éditorial de la série et a fini par quitter le navire après six numéros. Tony Moore continua à dessiner les couvertures jusqu’au numéro 24 et les 4 premières couvertures des albums reliés. Le dessinateur a été remplacé dans la foulée par Charlie Adlard qui resta jusqu’à la fin de la série.

Le reste appartient à l’histoire, traduit en 30 langues et disponible dans plus de 60 pays, la série rendit  Kirkman mondialement célèbre. La série s’acheva au numéro 193, à l’été 2019, provoquant un choque chez les fans en mettant brusquement fin à une épopée vieille de seize ans.

En 2008, Robert Kirkman devient partenaire de la maison d’édition Image Comics, sorte de récompense pour service rendu. Il est la seule personne à intégrer le sommet de la hiérarchie de la maison d’édition en venant de l’extérieur.

Le rouleau compresseur Marvel Comics

En plus de toutes les productions pour Image Comics, Robert Kirkman a travaillé chez Marvel de 2004 à 2008. D’abord, engagé pour écrire un revival des années 90’ de la série Sleepwalker. La série a été annulée avant même sa publication. Le contenu du premier épisode a été inclus dans l’Epic Anthology n°1 de 2004.

Robert Kirkman est rapidement devenu un pilier dans la production éditoriale de la Maison des Idées. Il est le créateur de la mini-série Marvel Zombies. Il a écrit pour la série Fantastic Four: Foes, en plus d’un run de deux ans sur Ultimate X-Men et une mini-série Ant-Man, entre autres.

Cependant, toujours lors de la longue interview accordé à Comics Trope, Robert Kirkman revient avec amertume sur son expérience, en considérant avoir été « traité comme une merde ».

Il estime ne pas s’être intégré à la politique éditoriale de Marvel. Il est allé jusqu’à se confronter à l’éditeur en chef Joe Quesada, à cause de différents artistiques. L’auteur n’acceptait pas qu’on apporte des modifications à son travail sans sa permission. Les abus ne s’arrêtaient pas là, puisque le département marketing ne promouvait pas ses créations, estimant qu’elles ne produiraient pas assez d’argent.

Ce manque d’intérêt flagrant pour ses créations a eu pour conséquence une coopération ratée avec Rob Liefeld (créateur de Deadpool, fondateur d’Image Comics et idole de Kirkman). Les deux artistes ont voulu relancer, en 2007, la série Killraven (créée en 1973 par Roy Thomas, Gerry Conway et Neal Adams). La série est morte dans l’œuf, alors que cinq épisodes avaient été dessinés et scénarisés. Rob Liefeld a quitté le projet, dénonçant ce manque de mise en avant et d’implication de la part de Marvel.

La pilule est dure à avaler pour les deux créateurs quand en parallèle, on sait qu’ils travaillaient pour Image Comics, spécialisé dans le creator-owned (les auteurs possèdent leurs créations). Ces événements ont poussé Kirkman à prendre la porte en 2008. Il laissa derrière lui un témoignage accablant dans une vidéo Youtube aujourd’hui indisponible. Il annonçait ne plus jamais vouloir travailler avec les grands studios, tout en ventant les mérites de l’indépendant.

Entrepreneurs de l’extrême

Comme 2003, l’année 2010 fut charnière pour le scénariste. En 2010, The Walking Dead remporte le très prestigieux Eisner Award de la meilleure série à suivre. Au début de l'année, la chaîne câblée AMC annoncait vouloir adapter la série à la télévision. Robert Kirkman fut nommé producteur exécutif et intègra la "writers' room" aux côtés du réalisateur Frank Darabont (The Mist, Les Évadés, La Ligne verte). Il dû quitter son Kentucky natal pour s'installer à Los Angeles. Le premier épisode est sorti le 31 octobre, avec une audience de 5 millions de téléspectateur. En 2015, la série « compagnon », Fear The Walking Dead, dévoilant ce qui s’est passé avant l’arrivée du virus, fut diffusée. L’épisode pilote rassembla plus de 10 million de téléspectateurs. Un autre spinoff est prévu pour le 4 octobre 2020, nommé World Beyond, la série sera en deux saisons.

Il a aussi été le producteur exécutif d’un « drame pre-apocalyptique » Coréen appelé Five Year et le documentaire Secret History of Comics pour la chaîne AMC.

Robert Kirkman créa, en 2010, son propre label Image Comics, nommé Skybound. La société n’est pas une simple maison d’édition, mais bien une entreprise à part entière. En tant que Président, Robert Kirkman prit son rôle très à cœur et développa toutes sortes de contenu du jeu vidéos, à la télévision en passant par le cinéma. Avec son associé, le producteur David Alpert, ils mirent un point d’honneur à défendre la propriété intellectuelle et le contrôle créatif de leurs employés.

Depuis, il a produit en collaboration avec le studio Cinemax deux saisons d’Outcast (entre 2016 et 2018), adaptation de son comics éponyme créé en 2014 et qui s’achève en octobre 2020. La série narre la vie de Kyle Barnes, possédé par une entité démoniaque depuis sa tendre enfance.

Le premier film produit par Skybound était Air, un thriller S-F, avec Norman Reedus (Daryl Dixon dans The Walking Dead) et Djimon Hounsou (Korath dans Les Gardiens de la Galaxie) au casting

En 2020, il remporte un Prix d'honneur au festival d'Angoulême. Une exposition lui a été consacrée en tant qu’invité. Avec une carrière menée tambour battant, Robert Kirkman n’a plus rien à prouver au monde.

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Review : Fire Power

Scénariste : Robert Kirkman

Artistes : Chris Samnee, Matt Wilson, Rus Wooton

Éditeur : Image Comics/Skybound

La genèse

Robert Kirkman a voulu créer l’événement autour de sa nouvelle série Fire Power .

Pour cela, il a eu l’idée de faire converger la sortie du prélude de la série avec le Free Comic Book Day, début mai. Ainsi, vous auriez pu découvrir, l’introduction (à 9.99$) et son premier numéro gratuitement en avant première chez vos libraires spécialisés. Le nouvel ordre mondial (post pandémie) n’a eu cure de ces projets. Finalement, le prélude a été publié début juillet et les deux premiers épisodes de la série début août, au lieu de juin.

En France, la maison d’édition Delcourt devait collaborer avec Image Comics pour sortir le prélude simultanément. L’origin story de 160 pages n’arrivera dans nos contrées qu’en octobre 2020 au prix de 16.5€.

Résumé

Owen Johnson, jeune sino-américain, entreprend une quête initiatique en Chine. Sur la trace de ses parents biologiques, ses pérégrinations le mènent à un mystérieux temple Shaolin. Les élèves y étudient l’art du Pouvoir de Feu, une discipline perdue permettant de maîtriser les boules de feu. Une prophétie raconte que le porteur d’un tel pouvoir est destiné à sauver le monde.

Owen Johnson sera-t-il la première personne en mille ans à maîtriser le Fire Power ?

Quinze ans après avoir quitté le temple, dans des conditions encore mystérieuses, Owen Johnson mène une vie de famille américaine paisible. Entouré par ses proches, il ne pouvait rêver meilleur avenir. Cependant, son passé refait surface. Une vieille connaissance tente de le convaincre de rejoindre la résistance. L’élu va-t-il rentrer dans les rangs pour combattre le clan de la Terre Brûlée ?

Mon avis

Oups...

Je me suis lancé dans la lecture de Fire Power sans avoir lu le prélude de l’histoire. Grave erreur… Bien que les deux premiers numéros soient une bonne lecture, ils perdaient en consistance sans un minimum de contexte. J’ai failli ne pas faire cette critique, j’avais l’impression de m’être fait rouler. Je voulais être certain de n’être pas passé à côté de quelque chose, alors je me suis aussi procuré le prélude. Et là, une épiphanie, les étoiles se sont alignées, le récit a pris tout son sens.

Karaté Kid +  Desperate Housewifes

Robert Kirkman est un scénariste connu pour s’approprier un genre et le façonner selon ses désirs. Prenez The Walking Dead par exemple, histoire post-apocalyptique aux premiers abords. L’auteur nous plonge dans les tréfonds de la nature humaine, faisant du zombie un prétexte.

Avec Fire Power, il s’attaque aux codes des arts martiaux. Durant le préambule, le héro est entraîné à la dur par un Maître (fan de Radiohead) intransigeant, à la Karaté Kid. Ses origines sont étrangement similaires à celle de Danny Rand aka Iron Fist ou de Dr Strange. L’apprenti surdoué, aux capacités extraordinaires, voué à une destiné incroyable, liée à des secrets familiaux embarrassants, ne prend plus. Ce constat soulève la suspicion d’un manque d’imagination de la part de Robert Kirkman. Cependant, le succès de la série réside ailleurs que dans le trope suranné de l’élu salvateur.  

C’est là que la magie Kirkman entre en jeu. Il instille un dosage parfait de mystère, de suspense et de coups de théâtre pour retenir l’attention du lecteur. On veut savoir ce qui est arrivé à ses parents, pourquoi il a quitté le temple, en savoir plus sur le clan de la Terre Brûlée et pourquoi leur chef ressemble tant à Shredder. Et soudain, ellipse de 15 ans, on atterrit au sein d’une famille moderne idéale. Owen Johnson vit désormais une vie bien rangée.

Kirkman prend le lecteur à contre pied et le déstabilise pour lui faire comprendre qu’il n’a pas juste imité les codes des arts martiaux. Il s’en est emparé pour en faire une œuvre aux thématiques contemporaines. Le premier épisode sert de scène d’exposition à la nouvelle vie du protagoniste, autour d’un barbecue familial. Kirkman sait « créer un moment », pour développer discrètement les motivations de la galerie de personnages nourrissant la narration.

The Secret Weapon

Le talent de Chris Samnee est une raison du succès critique et commercial de la série. Sa patte reconnaissable entre mille, lui a valu de remporter les deux prix les plus prestigieux de l’industrie : en 2011, le Prix Harvey du talent le plus prometteur pour Thor: The Mighty Avenger et en 2013 le  Prix Eisner du meilleur dessinateur/encreur pour son travail sur Daredevil et Rocketeer: Cargo of Doom.

Dans Fire Power, il dévoile son plein potentiel. Le récit est introduit par l’épopée d’Owen Johnson dans les montagnes himalayennes à la recherche du moindre indice sur son passé. Instantanément, le dessinateur tire la couette vers lui en exposant son savoir-faire, dans une séquence muette sublime. Chris Samnee est capable de retranscrire le faste d’un temple bouddhiste et de dépeindre le quotidien américain moyen avec le même enthousiasme. Dans un autre registre, Chris Samnee prouve sa maîtrise de l’art séquentiel en donnant vie à un combat long de 20 pages dans l’épisode #2. Une sorte de plan séquence digne du story board de John Whick 4 (fraîchement annoncé).

Couleur menthe à l’eau

Matt Wilson, coloriste de renom dans le milieu du comics, forme le vrai duo de la série avec Chris Samnee. Sa palette de couleurs traverse tout le spectre visible. Ce côté aplat pastelle souligne dans le prélude l’aspect zen de la tradition bouddhiste avec des couleurs chaudes. Il donne toute sa profondeur à l’expression « fleur-bleue » lors de la courte romance entre Owen et Ling Zan. Et jongle entre les couleurs ternes dans un épisode totalement nocturne.

Conclusion

Dans plusieurs interviews, Robert Kirkman explique avoir voulu donner une origine story en huit épisodes (une demie année de vie éditoriale) à un prix raisonnable. L’intérêt ? Faciliter l’attachement du lecteur à la série dans une courte période de temps. Les créateurs ont déjà une année de contenu (environ 2 tomes) supplémentaire, alors attendez-vous à en réentendre parler très bientôt!

Note : 8,5/10

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La route semée d’embûches des Eisner Awards 2020 vers un palmarès admirable

Les Eisner Awards (Will Eisner Comic Industry Awards de son nom complet) récompense depuis 1988 la crème de la crème de l’industrie du comics book. La cérémonie se tient chaque année conjointement à la San Diego Comic Con. Elle rend hommage au pionnier américain Will Eisner. Il est notamment le créateur de A Contract With God, considéré comme le premier roman graphique, ou encore du personnage de Spirit.

Tout comme la SDCC, les Eisner Awards ont connu une édition 2020 tumultueuse à cause de la pandémie. Les organisateurs de la cérémonie ont dû s’adapter à la tendance actuelle en se servant du numérique. Cependant, comme leur partenaire, cela n’a pas été sans son lot d’incidents.

Le processus de vote du jury officiel a été mis à mal par les restrictions sanitaires, le site de vote était défectueux et une polémique autour du manque de diversité a éclaboussé la présidence. Cependant, tout est bien qui a bien fini, la cérémonie et le palmarès de cette édition ont été un vrai succès.

Elire en période de pandémie

La liste des nommés aux prix a été publiée début juin, incluant les publications du 1er janvier au 31 décembre 2019.

Jackie Estrada, administratrice de la cérémonie depuis 1990, s’est exprimée sur le défis que représentait le processus de vote mis en place en raison du COVID 19 :

« Normalement, les juges se rencontrent à San Diego. Pendant quatre jours, ils échangent entre eux dans une pièce pleine des comics et livres soumis au vote. Avec le confinement, ils ont dû rester chez eux et communiquer via émail, réseaux sociaux et Zoom. Des colis de livres ont été transbahutés dans tout le pays ».

Elle poursuit en précisant :

« Heureusement, nous avons pu travailler avec les gens de comiXology et la plupart des éditeurs pour que tous les juges aient une version digitale des centaines de comics en lice».

Ajoutant :

« Le processus a prix deux mois de plus que d’habitude, la fenêtre de vote a été significativement raccourcie comparée aux années passées. »

A la base, les votes devait être clôturés le 18 juin, ça n’est arrivé que le 30. En cause, une vague de problèmes techniques concernant le site de vote.

Une brèche dans la matrice

Plusieurs professionnels de l’industrie du comics ont détecté des anomalies concernant le site de vote des Eisner Awards. Ils ont constaté la modification de leurs informations personnelles et potentiellement celle de leurs votes. Un problème délicat quand on sait que pour s’authentifier sur le site, il fallait entrer toutes sortes d’informations privées (nom, adresse postale, numéro de téléphone et rôle dans l’industrie).

David Glanzer, Chef de la Communication et de la Stratégie de la San Diego Comic Con, s’est exprimé chez Newsarama :

« Nous avons fermé les votes et lancé une investigation pour éclaircir la situation. Nous ferons une annonce dès que nous aurons des informations supplémentaires. Nous sommes désolés pour la gêne occasionnée aux votants. »

Jackie Estrada a envoyé un mail le 24 juin pour apporter les conclusions de l’enquête :

«En se fiant au résultat de notre investigation concernant les récents reports de problèmes avec le site de vote des Eisner Awards, il semble que ce n’était pas un acte malveillant, mais une erreur informatique de la plateforme. Notre examen du dossier nous mène à croire que le problème était minime et nous n’avons aucune preuve d’altération des votes. Pour plus de précautions, nous avons décidé de refaire les votes sur une plateforme sécurisée. »

Pour plus de précisions, les comptes des participants étaient interconnectés. En modifiant leur compte, ils modifiaient celui des autres et ainsi de suite.

Un imbroglio pas possible poussant à remettre les votes à zéro. Cependant, un bon nombre de votants n’ont pas accédé au second tour, car ils n’ont pas reçu le mail de relance.

En conséquence, des professionnels se sont dédouanés des résultats, voir ont remis en question la légitimité de leur prix, car il est difficile de savoir à quel point les votes ont été biaisés lors de cette édition.

Le vote blanc

Si le comité des Eisner Awards a évolué dans le bon sens pour inclure plus de diversité dans la sélection des nommés, ce n’est pas le cas au sein du jury qui préside.

Le site américain Comic Book Resources a dénoté un manque répété de créateurs de couleur au sein de la présidence. Chaque année, l’équipe de juges est majoritairement composé de « caucasiens ». Exception faite cette année, grâce à la présence du journaliste Simon Jimenez. Jamie Colville, Martha Cornog, Michael Dooley, Alex Grecian, et Laura O'Meara sont les autres membres du jury. On notera une tentative de parité ratée avec la participation de deux femmes sur six.

Pour en avoir le cœur net, j’ai vérifié par moi-même la composition du jury des Eisner Awards de ces cinq dernières années. Et le constat est indéniable. Un schéma évident de sous représentation est répété. Jamais complètement blanc, le jury est toujours composé d’un membre issu de minorité. Coïncidence ou préméditation ?

Une solution simple serait d’augmenter le nombre de juges, tout en faisant un effort sur la sélection des professionnels, en introduisant plus de travailleurs marginaux afin de croiser les expertises.

La cérémonie et le palmarès

La 32ème cérémonie des Eisner Awards s’est tenue le 24 juillet dernier sur Youtube. Elle a été présentée par Phil LaMarr, acteur (Marvin dans Pulp Fiction) et surtout doubleur spécialisé dans les séries animées (Futurama, Justice League, Star Wars Rebels…).

Cette édition a fait la part belle aux éditions indépendantes, tout en respectant une parité exemplaire. Le Big Two (DC et Marvel), sans être absent du palmarès, n’ont pas brillé en comparaison du nombre de publication en 2019. Le palmarès a une portée symbolique, comme une bouteille à la mer, invitant les lecteurs à se pencher sur des travaux moins mainstream.

Les grans gagnants de cette édition sont Mariko Tamaki et Rosemary Valero-O’Connell avec leur roman graphique Laura Dean Is Breaking Up with Me (Mes Ruptures avec Laura Dean en VF, disponible aux éditions Rue de Sèvres), raflant les prix de la Meilleure Publication pour Adolescents, Meilleure Scénariste, Meilleur Dessinatrice/Encreuse.

Retrouvez ci-dessous le palmarès complet des Eisner Awards 2020 (en gras les gagnants + l’éditeur qui le publie en France) :

Meilleure histoire courte

Hot Comb, Ebony Flowers (Drawn & Quarterly) 

How to Draw a Horse, Emma Hunsinger, The New Yorker 

The Menopause, Mira Jacob, The Believer 

Who Gets Called an 'Unfit' Mother?, Miriam Libicki, The Nib 

You're Not Going to Believe What I'm About to Tell You, Matthew Inman, The Oatmeal

Meilleur single/one-Shot

Coin-Op No. 8: Infatuation, Peter and Maria Hoey (Coin-Op Books) 

The Freak, Matt Lesniewski (AdHouse) 

Minotäar, Lissa Treiman (Shortbox) 

Our Favorite Thing Is My Favorite Thing Is Monsters, Emil Ferris (Fantagraphics) 

Sobek, James Stokoe (Shortbox)

Meilleure sérien en cours 

Bitter Root, David Walker, Chuck Brown, Sanford Greene (Image, HiComics en VF) 

Criminal, Ed Brubaker, Sean Phillips (Image) 

Crowded, Christopher Sebela, Ro Stein, Ted Brandt (Image) 

Daredevil, Chip Zdarsky, Marco Checchetto (Marvel) 

The Dreaming, Simon Spurrier, Bilquis Evely (DC) 

Immortal Hulk, Al Ewing, Joe Bennett, Ruy José (Marvel)

Meilleure série limitée 

Ascender, Jeff Lemire, Dustin Nguyen (Image) 

Ghost Tree, Bobby Curnow, Simon Gane (IDW) 

Little Bird, Darcy Van Poelgeest, Ian Bertram (Image, Glénat en VF) 

Naomi, Brian Michael Bendis, David Walker, Jamal Campbell (DC) 

Sentient, Jeff Lemire, Gabriel Walta (TKO)

Meilleure nouvelle série

Doctor Doom, Christopher Cantwell, Salvador Larocca (Marvel) 

Invisible Kingdom (HiComics en Octobre)  , G. Willow Wilson, Christian Ward (Berger Books/Dark Horse)

Once & Future, Kieron Gillen, Dan Mora (BOOM! Studios) 

Something Is Killing the Children, James Tynion IV, Werther Dell’Edera (BOOM! Studios) 

Undiscovered Country, Scott Snyder, Charles Soule, Giuseppe Camuncoli, Daniele Orlandini (Image)

Meilleure publication pour les plus jeunes (- de 8 ans) :

Comics: Easy as ABC, Ivan Brunetti (TOON) 

Kitten Construction Company: A Bridge Too Fur, John Patrick Green (First Second/Macmillan) 

The Pigeon HAS to Go to School!, Mo Willems (Hyperion Books) 

A Trip to the Top of the Volcano with Mouse, Frank Viva (TOON) 

¡Vamos! Let's Go to the Market, Raúl the Third (Versify/Houghton Mifflin Harcourt) 

Who Wet My Pants?, Bob Shea, Zachariah Ohora (Little, Brown)

Meilleure publication pour les enfants (de 9 à 12 ans) :

Akissi: More Tales of Mischief, Marguerite Abouet, Mathieu Sapin (Flying Eye/Nobrow) 

Dog Man: For Whom the Ball Rolls, Dav Pilkey (Scholastic Graphix) 

Guts (Courage,chez Akileos), Raina Telgemeier (Scholastic Graphix) 

New Kid, Jerry Craft (Quill Tree/HarperCollins) 

This Was Our Pact, Ryan Andrews (First Second/Macmillan) 

The Wolf in Underpants, Wilfrid Lupano, Mayana Itoïz, Paul Cauuet (Graphic Universe/Lerner Publishing Group)

Meilleure publication pour adolescents

Harley Quinn: Breaking Glass, Mariko Tamaki, Steve Pugh (DC) 

Hot Comb, Ebony Flowers (Drawn & Quarterly) 

Kiss Number 8, Colleen AF Venable, Ellen T. Crenshaw (First Second/Macmillan) 

Laura Dean Keeps Breaking Up with Me (Mes Ruptures avec Laura Dean chez Rue de Sèvres), Mariko Tamaki, Rosemary Valero-O'Connell (First Second/Macmillan) 

Penny Nichols, MK Reed, Greg Means, Matt Wiegle (Top Shelf)

Meilleure publication humoristique

Anatomy of Authors, Dave Kellett (SheldonComics.com) 

Death Wins a Goldfish, Brian Rea (Chronicle Books) 

Minotäar, Lissa Treiman (Shortbox) 

Sobek, James Stokoe (Shortbox) 

The Way of the Househusband, vol. 1 (La voie du Tablier chez Kana), Kousuke Oono, traduit par Sheldon Drzka (VIZ Media) 

Wondermark: Friends You Can Ride On, David Malki (Wondermark)

Meilleure Anthologie

ABC of Typography, David Rault (SelfMade Hero) 

Baltic Comics Anthology ! #34-37, édité par David Schilter, Sanita Muižniece (kuš!) 

Drawing Power: Women’s Stories of Sexual Violence, Harassment, and Survival, édité par Diane Noomin (Abrams) 

Kramer’s Ergot #10, édité par Sammy Harkham (Fantagraphics) 

The Nib #2–4, édité par Matt Bors (Nib)

Meilleur adaptation d’une histoire vraie

Good Talk: A Memoir in Conversations, Mira Jacob (One World/Random House) 

Grass, Keum Suk Gendry-Kim, traduit par Janet Hong (Drawn & Quarterly) 

Kid Gloves: Nine Months of Careful Chaos, par Lucy Knisley (First Second/Macmillan) 

Moonbound: Apollo 11 and the Dream of Spaceflight, par Jonathan Fetter-Vorm (Hill & Wang) 

My Solo Exchange Diary, vol. 2 (suite de My Lesbian Experience with Loneliness), par Nagata Kabi, traduit par Jocelyne Allen (Seven Seas) 

They Called Us Enemy (Nous étions les Ennemis chez Futuropolis), George Takei, Justin Eisinger, Steven Scott, Harmony Becker (Top Shelf)

Meilleur album original

Are You Listening? (Sur la Route de West chez Galliamrd) ( , Tillie Walden (First Second/Macmillan) 

Bezimena, Nina Bunjevac (Fantagraphics) 

BTTM FDRS, Ezra Claytan Daniels, Ben Passmore (Fantagraphics) 

Life on the Moon, Robert Grossman (Yoe Books/IDW) 

New World, David Jesus Vignolli (Archaia/BOOM!) 

Reincarnation Stories, Kim Deitch (Fantagraphics)

Meilleur album de réimpressions (TPB)

Bad Weekend, Ed Brubaker, Sean Phillips (Image) 

Clyde Fans, Seth (Drawn & Quarterly) 

Cover, vol. 1, Brian Michael Bendis, David Mack (DC/Jinxworld) 

Glenn Ganges: The River at Night, Kevin Huizenga (Drawn & Quarterly) 

LaGuardia, Nnedi Okorafor, Tana Ford (Berger Books/Dark Horse) 

Rusty Brown, Chris Ware (Pantheon)

Meilleure adaptation d'un autre médium

Giraffes on Horseback Salad: Salvador Dali, the Marx Brothers, and the Strangest Movie Never Made, Josh Frank, Tim Hedecker, Manuela Pertega (Quirk Books)

The Giver, Lois Lowry, P. Craig Russell (HMH Books for Young Readers) 

The Handmaid’s Tale: The Graphic Novel, Margaret Atwood, adapté par Renee Nault (Nan A. Talese) 

HP Lovecraft’s At the Mountains of Madness, vols. 1–2, adapté par Gou Tanabe et traduit par Zack Davisson (Dark Horse Manga) 

The Seventh Voyage, Stanislaw Lem, adapté par Jon Muth, traduit par Michael Kandel (Scholastic Graphix) 

Snow, Glass, Apples, Neil Gaiman, Colleen Doran (Dark Horse Books)

Meilleure édition américaine d'une oeuvre internationale

Diabolical Summer, Thierry Smolderen, Alexandre Clerisse, traduit par Edward Gauvin (IDW) 

Gramercy Park, Timothée de Fombelle, Christian Cailleaux, traduit par Edward Gauvin (EuroComics/IDW) 

The House (La Maison chez Delcourt), Paco Roca, traduit par Andrea Rosenberg (Fantagraphics) 

Maggy Garrisson, Lewis Trondheim, Stéphane Oiry, traduit par Emma Wilson (SelfMadeHero) 

Stay, Lewis Trondheim, Hubert Chevillard, traduit par Mike Kennedy (Magnetic Press) 

Wrath of Fantômas, Olivier Bouquet, Julie Rocheleau, traduit par Edward Gauvin (Titan)

Meilleure édition américaine d'une oeuvre asiatique

BEASTARS, Paru Itagaki, traduit par Tomo Kimura (VIZ Media) 

Cats of the Louvre (Les Chats du Louvre chez Futuropolis), Taiyo Matsumoto, traduit par Michael Arias (VIZ Media) 

Grass, Keum Suk Gendry-Kim, traduit par Janet Hong (Drawn & Quarterly) 

Magic Knight Rayearth 25th Anniversary Edition, CLAMP, traduit par Melissa Tanaka (Kodansha) 

The Poe Clan, Moto Hagio, traduit par Rachel Thorn (Fantagraphics) 

Witch Hat Atelier (L'Atelier des Sorciers chez Pika), Kamome Shirahama, traduit par Stephen Kohler (Kodansha)

Meilleur travail d'archive pour les comic strips

Cham: The Best Comic Strips and Graphic Novelettes, 1839–1862, David Kunzle (University Press of Mississippi) 

Ed Leffingwell’s Little Joe, Harold Gray, édité par Peter Maresca et Sammy Harkham (Sunday Press Books) 

The George Herriman Library: Krazy & Ignatz 1916–1918, édité par R.J. Casey (Fantagraphics) 

Krazy Kat: The Complete Color Sundays (chez Les  Rêveurs), par George Herriman, édité par Alexander Braun (TASCHEN) 

Madness in Crowds: The Teeming Mind of Harrison Cady, Violet et Denis Kitchen (Beehive Books) 

Pogo, Vol. 6: Clean as a Weasel, Walt Kelly, édité par Mark Evanier et Eric Reynolds (Fantagraphics)

Meilleur travail d'archive pour les comic books

Alay-Oop, William Gropper (New York Review Comics) 

The Complete Crepax, vol. 5: American Stories, édité par Kristy Valenti (Fantagraphics) 

Jack Kirby’s Dingbat Love, édité par John Morrow (TwoMorrows) 

Moonshadow: The Definitive Edition, J. M. DeMatteis, Jon J. Muth, George Pratt, Kent Williams (Dark Horse Books) 

Stan Sakai’s Usagi Yojimbo: The Complete Grasscutter Artist Select, Stan Sakai, édité par Scott Dunbier (IDW, chez Paquet en VF) 

That Miyoko Asagaya Feeling, by Shinichi Abe, traduit par Ryan Holmberg, édité par Mitsuhiro Asakawa (Black Hook Press)

Meilleur scénariste

Bobby Curnow, Ghost Tree (IDW) 

MK Reed et Greg Means, Penny Nichols (Top Shelf) 

Mariko Tamaki, Harley Quinn: Breaking Glass (DC, chez Urban en VF); Laura Dean Keeps Breaking Up with Me (First Second/Macmillan); Archie (Archie) 

Lewis Trondheim, Stay (Magnetic Press); Maggy Garrisson (SelfMadeHero) 

G. Willow Wilson, Invisible Kingdom (Berger Books/Dark Horse); Ms. Marvel (Marvel) 

Chip Zdarsky, White Trees (Image); Daredevil, Spider-Man: Life Story (Marvel); Afterlift (comiXology Originals)

Meilleur auteur/dessinateur

Nina Bunjevac, Bezimena (Fantagraphics) 

Mira Jacob, Good Talk (Random House); “The Menopause” dans The Believer (June 1, 2019) 

Keum Suk Gendry-Kim, Grass (Drawn & Quarterly) 

James Stokoe, Sobek (Shortbox) 

Raina Telgemeier, Guts (Scholastic Graphix) 

Tillie Walden, Are You Listening? (First Second/Macmillan)

Meilleur dessinateur/encreur

Ian Bertram, Little Bird (Image) 

Colleen Doran, Snow, Glass, Apples (Dark Horse) 

Bilquis Evely, The Dreaming (DC) 

Simon Gane, Ghost Tree (IDW) 

Steve Pugh, Harley Quinn: Breaking Glass (DC) 

Rosemary Valero-O'Connell, Laura Dean Keeps Breaking Up with Me (First Second/Macmillan

Meilleur peintre ou dessinateur en numérique

Didier Cassegrain, Black Water Lilies (Europe Comics) 

Alexandre Clarisse, Diabolical Summer (IDW) 

David Mack, Cover (DC) 

Léa Mazé, Elma, A Bear’s Life, vol. 1: The Great Journey (Europe Comics) 

Julie Rocheleau, Wrath of Fantômas (Titan) 

Christian Ward, Invisible Kingdom (Berger Books/Dark Horse)

Meilleur artiste de couverture

Jen Bartel, Blackbird (Image Comics) 

Francesco Francavilla, Archie, Archie 1955, Archie Vs. Predator II, Cosmo (Archie) 

David Mack, American Gods, Fight Club 3 (Dark Horse); Cover (DC) 

Emma Rios, Pretty Deadly (Image, chez Glénat en VF) 

Julian Totino Tedesco, Daredevil (Marvel) 

Christian Ward, Machine Gun Wizards (Dark Horse), 

Invisible Kingdom (Berger Books/Dark Horse)

Meilleur coloriste

Lorena Alvarez, Hicotea (Nobrow) 

Jean-Francois Beaulieu, Middlewest, Outpost Zero (Image) 

Matt Hollingsworth, Batman: Curse of the White Knight, Batman White Knight Presents Von Freeze (DC); Little Bird, November (Image) 

Molly Mendoza, Skip (Nobrow) 

Dave Stewart, Black Hammer, B.P.R.D.: The Devil You Know, Hellboy and the BPRD (Dark Horse, Delcourt en VF); Gideon Falls (Image, Urban Comics en VF); Silver Surfer Black, Spider-Man (Marvel, chez Panini Comics)

Meilleur lettrage

Deron Bennett, Batgirl, Green Arrow, Justice League, Martian Manhunter (DC); Canto (IDW); Assassin Nation, Excellence (Skybound/Image); To Drink and To Eat, vol. 1 (Lion Forge); Resonant (Vault) 

Jim Campbell, Black Badge, Coda (BOOM Studios); Giant Days, Lumberjanes: The Shape of Friendship (BOOM Box!); Rocko’s Modern Afterlife (KaBOOM!); At the End of Your Tether (Lion Forge); Blade Runner 2019 (Titan); Mall, The Plot, Wasted Space (Vault) 

Clayton Cowles, Aquaman, Batman, Batman and the Outsiders, Heroes in Crisis, Superman: Up in the Sky, Superman’s Pal Jimmy Olsen (DC); Bitter Root, Pretty Deadly, Moonstruck, Redlands, The Wicked + The Divine (Image); Reaver (Skybound/Image); Daredevil, Ghost-Spider, Silver Surfer Black, Superior Spider-Man, Venom (Marvel) 

Emilie Plateau, Colored: The Unsung Life of Claudette Colvin (Europe Comics) 

Stan Sakai, Usagi Yojimbo (IDW) 

Tillie Walden, Are You Listening? (First Second/Macmillan)

Meilleure antenne de presse sur les comics

Comic Riffs blog, Michael Cavna 

The Comics Journal, édité par Gary Groth, RJ Casey, et Kristy Valenti (Fantagraphics) 

Hogan’s Alley, édité par Tom Heintjes (Hogan’s Alley) 

Inks: The Journal of the Comics Studies Society, édité par Qiana Whitted (Ohio State University Press) 

LAAB Magazine, vol. 4: This Was Your Life, édité par Ronald Wimberly et Josh O’Neill (Beehive Books) 

Women Write About Comics, édité par Nola Pfau et Wendy Browne

Meilleur ouvrage lié au sujet des comics

The Art of Nothing: 25 Years of Mutts and the Art of Patrick McDonnell (Abrams) 

The Book of Weirdo, Jon B. Cooke (Last Gasp) 

Grunt: The Art and Unpublished Comics of James Stokoe (Dark Horse) 

Logo a Gogo: Branding Pop Culture, Rian Hughes (Korero Press) 

Making Comics, Lynda Barry (Drawn & Quarterly) 

Screwball! The Cartoonists Who Made the Funnies Funny, Paul Tumey (Library of American Comics/IDW)

Meilleur design pour un album

Grunt: The Art and Unpublished Comics of James Stokoe, Ethan Kimberling (Dark Horse) 

Krazy Kat: The Complete Color Sundays, Anna-Tina Kessler (TASCHEN) 

Logo a Gogo, Rian Hughes (Korero Press) 

Madness in Crowds: The Teeming Mind of Harrison Cady, Paul Kopple et Alex Bruce (Beehive Books) 

Making Comics, Lynda Barry (Drawn & Quarterly) 

Rusty Brown, Chris Ware (Pantheon)

Meilleure publication sur le design

Grunt: The Art and Unpublished Comics of James Stokoe, designed by Ethan Kimberling (Dark Horse)

Krazy Kat: The Complete Color Sundays, by George Herriman, designed by Anna-Tina Kessler (TASCHEN)

Logo a Gogo, designed by Rian Hughes (Korero Press)

Madness in Crowds: The Teeming Mind of Harrison Cady, designed by Paul Kopple and Alex Bruce (Beehive Books)

Making Comics, designed by Lynda Barry (Drawn & Quarterly)

Rusty Brown, designed by Chris Ware (Pantheon)

Meilleure série en digital

Afterlift, Chip Zdarsky, Jason Loo (comiXology Originals) 

Black Water Lilies, Michel Bussi, adapté par Frédéric Duval et Didier Cassegrain, traduit par Edward Gauvin (Europe Comics) 

Colored: The Unsung Life of Claudette Colvin, Tania de Montaigne, adapté par Emilie Plateau, traduit par Montana Kane (Europe Comics) 

Elma, A Bear’s Life, vol. 1: The Great Journey, Ingrid Chabbert et Léa Mazé, traduit par Jenny Aufiery (Europe Comics) 

Mare Internum, Der-shing Helmer (comiXology; gumroad.com/l/MIPDF) 

Tales from Behind the Window, Edanur Kuntman, traduit par Cem Ulgen (Europe Comics)

Meilleur webcomic

Cabramatta, Matt Huynh 

Chuckwagon at the End of the World, Erik Lundy 

The Eyes, Javi de Castro   

Fried Rice Comic, Erica Eng 

reMIND, Jason Brubaker 

Third Shift Society, Meredith Moriarty

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Retour sur l’édition en demi teinte de la ComicCon@Home

La San Diego Comic Con, rendez-vous annuel de la pop culture a connu une année compliquée. Entre organisation erratique, scandale et boycott, revenons sur les causes d’une édition nuancée.

Pandémie COVID oblige, le secteur de l’événementiel n’a pas été épargné par les restrictions sanitaires. Les organisateurs de la SDCC ont su s’adapter à la situation exceptionnelle en proposant une version numérique et gratuite de la convention. Sur le papier, c’est un exploit. La possibilité d’assister à tous les panels de chez-soi et au créneau annuel, aurait dû ravir les fans. Pourtant, La Comic Con qui s’est tenue du 22 au 26 juillet, a été boudée par le public et cela s’explique par plusieurs raisons.

Sous l’appellation Comic-Con@Home, l’événement s’est étalé sur environ 400 panels en ligne et a produit des centaines de vidéos de contenu.

Comme chaque année, les panels ont rassemblé des invités de marque, acteurs majeurs de l’industrie du cinéma, de la télévision et du comics (sans oublier celle du jouet). La SDCC est chaque année l’occasion rêvée de dévoiler des news croustillantes.

L’aveu d’échec

La plateforme a opté pour le préenregistrement des conférences/tables rondes. Cette décision a empêché le dialogue avec l’audience. L’impuissance du spectateur n’a eu d’égal que son soutient pour la Comic-Con@Home sur les réseaux sociaux. Les réseaux sociaux sont un vecteur de promotion puissant quand on sait comment s’en emparer. La tentative de mettre en place le #ComicConAtHome, démontre une volonté d’adaptation. Mais le Hashtag n’a pas suscité l’intérêt escompté. Le contenu préenregistré et les sections commentaire fermées sous les vidéos Youtube, n’ont pas permis d’échos sur les réseaux sociaux, comme le démontre l’analyse de ListenFirst (entreprise d’analyse de data). La côte de fréquentation a chuté de 95 % par rapport à l’édition précédente, cela correspond à 93,681 tweets en 2020 pour 1,719,000 en 2019.

L’avantage que l’on peut retirer de ce déboire est d’avoir encore accès au contenu publié sur Youtube. Avec quelques semaines de retard, les informations que je vous propose peuvent paraître dépassées. Mais, je vous invite, cependant, à jeter un œil au contenu produit par des artistes, comme le panel de Terry Moore.

Quelques panels se sont essayés aux questions d’internautes (posées au préalable), certains même au direct. Comme vous pouvez l’imaginer, ça ne s’est pas passé comme prévu. Le panel Star Trek, réunissant le casting de Star Trek : Discovery s’était réuni pour discuter de la saison 2. Au bout de 15 minutes, l’écran est passé au noir. Le live a été bloqué pendant vingt minutes. La raison impliqué par youtube était la diffusion de contenu soumis à droits d’auteur. Le message affiché, mettait en cause la chaîne CBS. Le panel de Cartoon Network a connu exactement le même problème lors d’un live.

Sur vos écrans

Le panel The New Mutants est considéré comme le grand vainqueur de cette édition dématérialisée. Le spinoff de la 20th Century Studios et de Marvel Entertainment est parvenu à s’approprier les codes du panel « IRL » en l’adaptant à une table ronde dynamique. La majeure partie du casting a été réunie pour dialoguer sur leurs expériences, en compagnie du réalisateur Josh Boon. La conférence était ponctuée d’images promotionnelles et de séquences exclusives. Elle a atteint son point culminant en diffusant la scène d’introduction du film. Le panel a atteint les 100 000 vues et plus de 200 000 en moins de cinq jours, résultat d’une conférence menée tambour battant.

En comparaison, le panel d’Amazon Prime n’a réuni que 30 000 spectateurs. Seth Rogen et Evan Goldberg, producteurs exécutifs de la série ont remercié les fans d’avoir répondu à l’appel lors de la sortie de la première saison. Ils ont annoncé que la série est d’ores et déjà renouvelée pour une saison 3. Seth Rogen a plaisanté sur sa production, elle sera tournée « quelque part dans la décennie » et Evan Goldberg précisant « nous ne savons pas encore quand et où, mais ça sera fait ». Un autre temps fort a été la diffusion d’une bande-annonce de la saison 2. Celle-ci est prévue pour le 4 septembre sur Amazon Prime Video.

Une autre raison de l’échec de la SDCC est le détachement volontaire du Big Three : DCEU, Marvel Studios et LucasArts. Entre les reports de tournages et les sorties en salle décalées (sept films juste pour Marvel), les studios ont été forcé de faire profil bas. Cela n’empêche pas chaque studio de préparer leurs propres conventions en ligne. Ces conventions autonomes vont concentrer l’attention des fans sur les annonces de chacun, sans craindre l’objectivité médiatique.

Le DC Fan Dome (en collaboration avec la Warner) est le premier à lancer les féstivités le 22 août prochain. La liste des invitées vient de tomber et réunira une ribambelle d’artistes et acteurs comme Dwayne Johnson, bientôt Black Adam au cinéma (teaser d’un teaser à l’appui).

THEY NEEDED A HERO. INSTEAD THEY GOT ME⚡️🖤 Excited for the first-ever global celebration of the DC Multiverse - #DCFanDome! This one’s just for you - THE FANS AROUND THE WORLD! Stay healthy, my friends, and I’ll see you all on August 22nd! 🥃 -The Man In Black#BlackAdam pic.twitter.com/m3S4tySYT8

DC a tout prévu et prépare également des plateaux internationaux, dont un français, avec la participation (improbable?) de Gael Monfils.

Du côté des comics

Outre les annonces chiches de la part des gros éditeurs (voir ci-dessus), une annonce a secoué la convention, pour des raisons politiques. Un jour avant le début des hostilités, l’éditeur Dynamite a retiré sa participation de la convention. En cause, ses liens avec le mouvement Comicsgate.

Le comicsgate est une campagne lancée par plusieurs artistes de l’industrie critiquant « la diversité forcée » des éditeurs, qui selon eux a participé au déclin de la qualité et des ventes des comics américains depuis 10 ans. Très critiqué, le mouvement est associé aux Alt-Right américain (mouvement nationaliste blanc).

L’artiste, Mark Russel (Red Sonja), rattaché à Dynamite a annoncé une semaine avant la convention, ne pas vouloir renouveler son contrat avec la maison d’édition, tant qu’ils n’auront pas démenti leur affiliation au Comicsgate. Gail Simone et Christian Ward ont également partagé leurs inquiétudes.

Update : Une semaine après la convention, l’éditeur annonce ne plus être associé avec le mouvement, même si ils assument une « brève association ». Ils se sont dits ouverts à la diversité dans leur locaux.

En conclusion

L’annonce que tout le monde retiendra de la SDCC est la mise en vente du buste Face Palm de Captain Picard.

Post Scriptum

Pied de nez à la culture américano-centrée, je me permets de suggérer ici une alternative à la Comic-Con@Home. Le Bordeaux Geek Festival s’est tenu un mois avant la SDCC (du 27 et 28 juin) et était techniquement,déjà, mieux préparé.

Sous l’appellation BGF Virtual Experience, c’était, carrément, un monde virtuel en 3D et interactif qui attendait le spectateur :

« Après avoir créé votre avatar, partez à la découverte de l’île virtuelle, avec plus de 30 espaces d’animations ! Retrouvez-vous tous ensemble pour déambuler, interagir, parler, écouter, courir, serrer une main (!), checker, just dancer… le tout sans masque et dans une totale liberté ! De nombreux autres espaces seront à votre disposition en non-stop : une plage, la possibilité de faire du bateau, de voir un feu d’artifice, jouer au foot ou encore écouter un concert ! »

C’était 300 heures de contenu, avec une centaine d'invités, tous reliés autour de la pop-culture.

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Le magazine digital Razorblades sans vous saigner

Le scénariste James Tynion IV (Batman, Detective Comics, Constantine : The Hellblazer) et l’auteur jeunesse/éditeur Steve Foxe se sont associés pour lancer Razorblades : The Horror Magazine, un magazine digital gratuit ou presque.

Le projet de James Tynion IV lui est venu à la suite de la lecture assidue de From Hell d’Alan Moore au cours d’une belle journée de confinement et l’achat d’une collection de Taboo. L’anthologie de comics horrifiques éditée par Steve Bissette de 1988 à 1995 a, d’ailleurs, publié les premières pages de From Hell.

Contrairement à la gestion du magazine Taboo, James Tynion IV souhaitait conserver son indépendance et « ne pas avoir besoin de la permission de qui que ce soit ». Cela l’a obligé à passer par des chemins moins conventionnels d’édition que le classique éditeur → diffuseur/distributeur →  librairie → lecteurs. James Tynion IV a, également, souhaité éviter les plateformes de financement participatif. Il a opté, avec son associé, pour un système de prix libre, a.k.a « name your price ».

Une initiative déjà adoptée par plusieurs artistes dont la volonté était de créer sans contraintes. On pense à Panel Syndicate de Marcos Martin et Brian K. Vaughan. La maison d’édition subsiste et produit depuis 2013, grâce à la générosité de ses lecteurs et a prouvé que le Pay-What-You-Want peut être une forme de management opérationnelle.

Dans ce premier numéro, vous aurez accès à 76 pages de contenus uniques : Plusieurs histoires courtes, sérielles (Killboy de James Tynion IV et Ricardo Lopez Ortiz et A Dream of Time de Ram V et John J. Pearson), un récit en prose, des illustrations et une interview de Scott Snyder par James Tynion IV lui-même.

Un casting quatre étoiles de jeunes créateurs a été réuni pour ce premier numéro de Razorblades. A tour de bras, vous retrouverez Ram V (Paradiso chez Image Comics), Marguerite Bennett (Animosity), DaNi (Coffin Bound toujours chez Image), Trevor Henderson (illustrateur et créateur de Siren Head, responsable de la couverture) et bien d’autres.

Selon les propres dires de James Tynion IV dans un long communiqué de presse : « Razorblades a pour vocation d’évoquer une collection de petites choses, aiguisées qui peuvent vous écorcher. Le but, ici, était de créer une anthologie horrifique moderne, mettant en avant des jeunes talents de la scène artistique horrifique et comics.[…] On leur a demandé de nous délivrer leurs travaux les plus effrayants, ancrés dans le monde moderne, sans évoquer le style des décennies passées. »

Toujours dans cette ligne éditorial de forte indépendance, les artistes participants au projet conservent les droits d'auteur pour leurs contributions. Une initiative assez rare pour être soulignée, cela laisse la porte ouverte à des suites ou des spin-offs.

Le magazine digital sera publié à une fréquence trimestrielle et il est prévu pour durer au moins une année. Victime de son succès, une version papier tirée à 500 exemplaires au prix de 20$, est déjà en rupture de stock. Le prochain numéro sortira à temps pour Halloween.

[detective-pulp]

Critique : Shangri-La

Par Mathieu Bablet, disponible depuis le mois de septembre 2016 chez Ankama

C’est en me baladant nonchalamment entre les rayons bondés du FIBD d’Angoulême de cette année que j’ai eu l’occasion de me pencher sur la sélection du jury. Quelle ne fut pas ma surprise de tomber sur Shangri-La. Cet album massif qui aurait pu en rebuter plus d’un, mais la mystérieuse et sublime couverture et le prix tout à fait abordable pour un objet de cette envergure ont eu raison de moi. Sans aucun regret.

Mathieu Bablet, auteur diplômé en art appliquée, débute sa carrière d'homme à tout faire auprès d’Ankama et plus précisément sous le Label 619, branche de la maison d’édition proposant des œuvres indépendantes et rarement tout public. Avec La Belle Mort qui sera produit par le dénicheur de talent Run, Mathieu Bablet se créé un univers et un style atypique. Tout cela pour ensuite déboucher sur plusieurs collaborations pour Doggybags, toujours sous le Label 619, mais c'est avec Adrastée que Mathieu Bablet va finalement se démarquer. L’œuvre lui apportera la notoriété qu’on lui doit aujourd’hui et qui ne sera bientôt plus à prouver (en témoigne ses prints Zelda de grande qualité que tout le monde s'arrache).

“Les hommes vivent dans une station spatiale en orbite autour d'une Terre devenue inaccessible. La station est régie non pas par un gouvernement, mais par une multinationale à qui est voué un véritable culte. En apparence, tout le monde semble se satisfaire de cette « société parfaite ». Dans ce contexte, les hommes veulent repousser leurs propres limites et devenir l’égal des dieux. Et c’est en mettant en place un programme visant à créer la vie à partir de rien, sur Shangri-la, une des régions les plus hospitalières de Titan, qu’ils comptent bien réécrire la « Génèse » à leur façon. Le héros quant à lui est chargé d’enquêter sur de mystérieuses explosions dans certaines stations-laboratoires qui étudient justement ce processus de création de la vie « à partir de rien ».  “

Plongez dans un univers dystopique qui n'a rien à envier à de grands auteurs tels que George Orwell, Philip K. Dick, Frank Herbert et j'en passe, vous découvrirez peut-être un échantillon de ce qui attend l’humanité. Shangri-La part d'un constat assez simple et flagrant, l'humanité est contrainte à s'auto-détruire, en cause sa vanité, son orgueil et son manque de discernement. La boucle est bouclée, dans un big bang introductif, l'histoire nous conte la chute d'une civilisation menée à sa perte contre sa volonté dans un récit parfaitement cadré.

Les thématiques abordés gravitent autour de problèmes qui parleront à tous citoyens de notre société moderne, le consumérisme aggravé, l'écologie et son déclin, le racisme, la dépression et autres maux plus personnels. Sur la station Tianzhu Entreprises, les habitants sont contrôlés à leur insu par une institution supérieure invisible, ayant créé un système économique viable et autonome, les aveuglant par la moindre promotion. Mathieu Bablet dirige avec maestria le parcours de personnages auxquels il est facile de s'identifier. Son travaille sur leur psychologie liée aux répercussions des événements dont ils sont les protagonistes inavoués font le synchronisme du récit, créant un thriller social crescendo comme on les aime.

Shangri-La est d'abord la confirmation que le Franco Belge a encore de beaux jours devant lui. Non sans mal, c'est aussi le produit d'une longue maturation puisque le projet semble avoir débuté en 2014 à en croire le peu d'interview que le discret Mathieu Bablet ait donné. Cette période de gestation conforte la maîtrise de l'auteur par une minutie qui se fait sentir dès les premières pages et sur tous les plans de création. 

Shangri-La est un récit de science-fiction complet et qui se suffit à lui même, prémices caractéristiques d'une œuvre réussie. S'ajoute à cela un style graphique travaillé et reconnaissable d'entre mille appuyé par un choix des couleurs et des teintes parfait. Mathieu Bablet gère tout aussi bien son scénario, intelligent et émotionnellement fort accentué par cette contemplation poétique qui lui est propre. Le scénario est porteur de sujets contemporains, dont les réponses apportées sont bien souvent amers mais rédemptrices, ainsi tous ces critères ajouté à un rythme exaltant font de Shangri-La un véritable chef d’œuvre.

Note : 10/10

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Retour sur les origines de Wonder Woman dans le dernier trailer de sa promotion.

Outre les différents problèmes de productions, de changements de réalisation et des premiers retours négatifs sur les premiers rush du film, cette bande annonce vous convainc t-elle un peu plus ? 

Le film de Patty Jenkins est prévu pour le 07 juin 2017.

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Critique : I hate Fairyland tome 1

Par Skottie Young, Jean-François Beaulieu & Nate Piekos, disponible depuis janvier 2017 chez Urban Comics.

I hate Fairyland est né de l'esprit (torturé, à en croire le propos de la série) de Skottie Young à la suite d'une relecture des aventures du Magicien d'Oz de L. Frank Baum. Après s'être magistralement illustré dans la caricature avec ses différentes « baby cover », Skottie lance en 2015 le projet I hate Fairyland, une comédie « slapstick » et irrévérencieuse  qui a pour thème principal les contes de fées classiques.

Depuis 10 ans, l'auteur entretien une collaboration étroite avec le très talentueux coloriste Jean-François Beaulieu dont l'osmose forgée par le temps n'est qu'évidence dans les pages de ce foutoir acidulé. Les artistes n'hésitent pas à tabler sur des dessins guimauves bien trash et des couleurs arc-en-ciel étourdissantes.

Pour la première fois, je tiens à citer le lettreur, Nate Piekos, qui est à l'origine de nombreuses polices utilisées par Marvel, Image ou DC. Il donne ici un véritable sens graphique aux dialogues et un fort impact aux censures langagières que Skottie Young déjoue avec une aisance déconcertante. D'ailleurs, la traduction est aussi de bonne qualité, malgré quelques répétitions gênantes (mais je chipote).

I hate Fairyland, c'est l'histoire de Gertrude, 6 ans d'apparence, 27 ans d'errance à la recherche d'une clé la permettant de rentrer chez elle. Toutes ces années ont fini par la faire vriller en une psychopathe assoiffée de sang et grâce aux lois du monde magique, elle est immortelle.

En mode Dora l'exploratrice, elle massacre, pille, pète tout sur son passage, ni une ni deux en tuant quiconque aurait le malheur de croiser son passage. Skottie déborde d'imagination quand il s’agit d’exterminer des êtres inoffensifs, mais la je m’égare. Dans sa fluidité, le récit introduit de l'humour noir, use du comique de répétition (petite pensée aux membres de la Guilde des Narrateurs). Il introduit aussi des personnages secondaires loufoques comme ce pastiche de Jiminy Cricket totalement désabusé et fait vivre à Gertrude des situations extrême comme exterminer une armée de champignons soldats en les dévorant pour finir par s’échapper à dos de cochon volant en plein trip de LSD (c’est la base). I hate Fairyland, c'est intelligemment sadique et bourré de cliffhangers savoureux, celui qui clôture ce premier tome est d’une efficacité indéniable. 

Il est important de préciser que cet OVNI n'est pas à placer entre toutes les mains, en effet sous ses airs cartoonesques, certaines images ont un caractère d'une rare violence (c'est pas un cadeaux à faire au petit cousin kevin).

Avec un prix de lancement de 10e, valable jusqu'au 30/06/2017 et les cinq premiers épisodes de la série, I hate Fairyland tome 1 est un indispensable de ce début d'année. Les inspirations et les influences de Skottie Young devrait toucher un large public, le récit permet un moment d’égarement dans un monde sans limite.

Note : 9/10

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Rendez-vous le 8 février prochain, pour assister aux débuts de la série faisant le pont entre les droits de la FOX et Marvel, j’ai nommé Legion.

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Un projet DC sur la Seconde Guerre mondiale par Frank Miller

Ce week-end même, à l’occasion de la Brazilian Comic Con Experience, Frank Miller a pu s’exprimer brièvement sur son avenir artistique. Alors que Dark Knight III : The Master Race approche de la fin, Frank Miller annonce travailler sur un projet se tenant durant la seconde guerre mondiale.

“Je fais une fixation sur la Seconde Guerre Mondiale, et je suis en discussion avec DC pour un projet avec leurs personnages de cette époque.”

Un peu chiche ? Pourtant, l’engouement est présent, tellement le futur du projet est mystérieux entre ses mains.

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Preview : Rocket Raccoon #1

Rocket Raccoon, membre emblématique des Gardiens de la Galaxie et mercenaire touffu, posera ses valises dans un des lieux les plus détestables pour un anthropomorphe, la terre.

Matthew Rosenberg (Kingpin) fera vivre un enfer au Rocket dans une série en solo fun et méta, dont le dessinateur Jorge Coelho fera ses premiers pas chez Marvel.

 Vous pourrez vous procurer ce premier numéro à 4$ le 28 décembre !

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Art promo pour le film Thor : Ragnarok de Taika Waititi !

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Alors que Doug Liman s’attelle à mettre en place le Dark Universe de DC au cinéma pour 2018, Warner Bros sort un animé consacré à la Justice League Dark.

Le film d’animation sortira en DVD et Blu-Ray en début d’année prochaine.