𝗖𝗿𝗲𝗮𝘁𝗲𝘀 𝗜𝘀 𝗛𝗶𝗴𝗵

Ritmos, rimas y vida

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The King of Rapshit '26: La Supervivencia Del Más Apto

México, CDMX | Agencia de Noticias Polo Rags. En los tugurios de los 90, un refugio obligado para la juventud de la época eran las maquinitas: antros donde se respiraba un humo viciado y el honor se apostaba al valor de una ficha. Era ir para probar tus skills contra los pesos pesados de la zona. Una vibra similar, heredera de ese espíritu de combate, se respiró en The King of Rapshit on Show, un cartel que reunió a los más reales del hip-hop sobre un mismo escenario. La cita fue en el Foro Mictlán de la colonia Obrera —plaza de dura reputación—, un entorno que encajaba a la perfección con la narrativa del evento.

​Los actos invitados, al igual que los avatares de las arcadias, poseen un estilo propio y ejecutan sus técnicas especiales, por lo tanto estas no eran retas cualquiera; era una lucha de estilos entre los MCs que actualmente la rompen en el underground mexicano. Los nombres de mayor tonelaje figuraban en la lista: Dracks Meckanickz de Errantes Rec, Elebrown de la Polo Gang, Ace Hitter de El Monsón, Brez de Sonidolíquido y MOF de Jedi Mind Revolver.

​Sunset Waves inició la partida con un set exprés —apenas un par de tracks— donde su pulcritud escénica calzaba con la densidad de sus poemas. Después, Ojosnexxus se tomó literal el Bushido y saltó con una katana al escenario, su lengua era el doble de filosa. Quizás sea de nicho para muchos en la CDMX, pero Ace Hitter tiene su legado en el rap nacional con los Doom Providers, trajo un sonido muy distinto a todos. Lo áspero de las barras de Mike Krugger, Killer The Kid y Elebrown fueron ese momento de crudeza drumless. Soltaron algunos tracks nuevos para sorpresa de sus fans. El turno siguiente fue para Brez, flanqueado por Carlo Brown y DJ Reick en la cosmo nave, un paseo por los breaks. El único acto femenino corrió a cargo de Mariana Rumba, quien con todo y muletas cumplió con su aparición en una intervención breve pero digna. Finalmente, como si estuviera cantado en el libreto, MOF con DJ Cee clausuraron la noche disparando el repertorio de Hood P junto a uno que otro proyecto personal.

Se reconoce y celebra el esfuerzo por abrirle espacio a artistas —incluidos los que no son de la capital— que son lo opuesto a la etiqueta de "género urbano". Este tipo de iniciativas son necesarias porque fortalecen al rap e incentivan la competencia entre crews. Eso es muy hip hop. Aún faltan detalles por pulir —timing, sonido, flujo del evento— que con el tiempo, la experiencia y la exigencia sacarán mayor puntuaje. Lo importante es no perder la esencia: el combate, la autenticidad y la actitud de quién trae con queso las quesadillas.

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De Londres al Bronx: El ojo de Janette Beckman

Janette Beckman es una fotógrafa británica conocida principalmente por sus imágenes "estilo documental".

En el 82 vio su primer show de hip-hop en Londres, con artistas como Dondi White y Grandmixer DST. Beckman consideró este espectáculo como un nuevo renacimiento de la música, el arte, la moda y la danza. «Esa Navidad fui a visitar a un amigo a Nueva York y nunca me fui».

Beckman continuaría fotografiando actos como LL Cool J, MC lyte, Salt-N-Pepa, Slick Rick, y muchos más. En ese momento, algunos artistas se encontraban todavía en las etapas iniciales de sus carreras, pero llegarían a ser más grandes de lo que cualquiera pudiera anticipar. En una entrevista dijo:

«30 años después, la gente me decía: "fotografiaste a leyendas ". Supongo, pero no lo eran cuando les estaba tomando fotos».

Beckman hasta la fecha sigue activa y sigue tomando fotos de actos como Bktherula.

www.janettebeckman.com

Instagram @janettephoto

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El Poder del (Neo) Soul: 10 Discos que te Harán Enamorarte del Género

Tevin Campbell (1991, Qwest Records) — «T. E. V. I. N.»

Keith Sweat (1991, Elektra Records) — «Keep it Comin'»

D' Angelo (1995, EMI) — «Brown Sugar»

R. Kelly (1995, Jive Records) — «R»

Maxwell (1996, Columbia Records) — Urban Hang Suite

Erykah Badu (1997, Universal Music) — «Baduzim»

Mary J. Blige (1997, MCA Records) — «Share My World»

Rahsaam Patterson (1999, MCA Records) — Rahsamm Patterson

Eric Benét (1999, Warner Bros. Records) — «A Day in the Life»

Jill Scott (2000, Hidden Beach Recordings) — «Words And Sounds Vol. 1»

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Mántenlo Simple: El Logo De La Bahía

Txt × @cuatro.11

El diseño gráfico es uno de los legados más potentes y respetados del hip-hop. No es un simple adorno: es un linaje visual donde cada crew deja su huella única, defiende un sonido, y territorio concreto. Un ejemplo imbatible es la cara de los tres ojos, conocida también como «The Mad Circle»: el sello inconfundible de Hieroglyphics, uno de los logos más icónicos de todo el rap que sigue tan vivo hoy como el primer día.

El responsable del diseño original no es otro que Del the Funky Homosapien:

«Quería algo como una carita amarilla sonriente, pero la forma en que la dibujé, con el tercer ojo en el medio, y una línea en vez de sonrisa, transmitía concentración total. Me gusta el diseño gráfico, buscaba algo simple y potente. Lo dibujé en una servilleta».

El Hiero Imperium lo forman Del the Funky Homosapien, Casual, Domino, DJ Toure, Pep Love, A-Plus, Opio, Phesto, Tajai, y los Souls of Mischief. En cada portada de sus discos —colectivos o en solitario— aparece ese tercer ojo grabado como bandera. Aquello solo era el comienzo del imperio que estaban construyendo.

Desde el underground de principios de los 90 empezaron a moverse con los videos clásicos de skate en VHS y DVD. Plan B usó sus temas en «Questionable» y «Virtual Reality», ese sonido terminó siendo la semilla directa de los soundtracks de Tony Hawk’s Pro Skater. Pocos patinaban de verdad, pero cualquiera con una consola se sintió parte del movimiento. Para mucha gente, esos juegos fueron la puerta de entrada al hip-hop real, a la búsqueda de identidad y cultura.

El logo dejó de estar solo en stickers, relojes, playeras, gorras, tazas, ropa de bebé, para convertirse en una de las marcas independientes más longevas y consistentes del género.

Mucho antes de que internet fuera el mercado global de hoy, los Hiero ya tenían página web propia (hieroglyphics.com, 1995) y vendían directamente al mundo. Fueron de los pioneros absolutos, aunque la historia no siempre les haya dado todo el crédito.

Hoy, después del show que se marcaron en KEXP, queda claro que están listos para volver a dar guerra —quizá con disco nuevo encima—. Cuentan cómo han roto escenarios en Japón, Brasil y Europa, y cómo haber arrancado tan jóvenes los tiene ahora en el punto exacto de energía y madurez para seguir rompiéndola.

Tajai recuerda que el número 8 maya simboliza la resonancia infinita y armónica; ese tipo de capas extras le dan aún más cariño al logo. Después de tres décadas, esa cara de tres ojos sigue significando nostalgia, exclusividad, pertenencia.

Prueba de ello es Hiero Day, el festival que arrancaron en 2012 en Oakland y que año tras año trae a los OG más pesados.Para seguir fortaleciendo el legado, se han aliado con marcas locales de diseño y streetwear. Oakland en la casa. Wu-Tang es para los niños, pero Hiero es para todos.

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Entre le ciel et la terre

Mach-Hommy, el rapero errante de New Jersey, regresa con #RICHAXXHAITIAN una propuesta mayor en la que intenta equilibrar el arte de producir álbumes más grandes al mismo tiempo que hace música para que inviertan los fans, demostrando al máximo sus skills para crear raps serpenteantes y meticulosos que cautivan.

La serpiente y el arcoiris

Escuchar a Mach-hommy es hacerlo siempre bajo sus propios términos. Se le ha llegado a ver en entrevistas, pero siempre cubriéndose la cara con la pañoleta y usando sombrero. Cuida recelosamente de su identidad como de su propiedad intelectual mandando a quitar de Internet toda las letras de sus canciones. No es ese tipo de artistas que se sientan a explicarte su obra o sus motivaciones, simplemente pasa de largo confiando en su propia elocuencia.

Su naturaleza es impredecible, y tratar de entenderlo es incomprensible. Nunca sabes a dónde va o de dónde viene. La opacidad es su sustancia y lucha. Nadie sabe su nombre real, ni su edad; todos sus datos personales se los reserva. A veces, tampoco podemos entenderlo cuando deliberadamente cambia del inglés al kreyole como si quisiera ocultarse a la vista de todos. Todo lo que podemos hacer con Mach-hommy es asumir; la verdad que nos desvela es sólo la que él nos quiere mostrar.

Dicta los precios de su arte y a sus devotos no les importa pagar. De la elusividad y el anonimato ha hecho su hustle llegando a cotizar caro. Templado en los crisoles del underground con los años, sin embargo, cada vez parece jugar con la idea de salir de las sombras.

A pesar de su figura sobria y misteriosa, de poco a poco se ha acercado más al público. Ahora hace lo que parecía impensable: dar explicaciones. Después de todo, su último álbum tiene como objetivo, dicho por él mismo, "la máxima compatibilidad".

El nombre es #RICHAXXHAITIAN, un oxímoron que esconde mensajes profundos, es la última pieza de un monumento dedicado a su natal isla. August Fanon pusó la primera piedra con un rock psicodélico del crudo «HBO» en el prolífico 2017, pero fueron en los surcos del Conductor Williams donde tomaría su forma. 

Este es el primer disco en solitario que ha sacado en un rato. La producción está a cargo de un equipo cercano a Mach siendo Sadhugold el que se lleva la mayor parte de los créditos.

Uno podría esperar que el hecho de que sea un círculo de colaboradores recurrentes sea más de lo mismo. Sin embargo, #RICHAXXHAITIAN es una obra mucho más refinada, minuciosa, y emocionante que exhibe en plenitud los talentos del Dump Gawd.

La tesitura es un don que pocos emecees dominan. Mach-hommy es un contorsionista profesional con la habilidad para rapear o entonar sobre ritmos granulados. El paisaje sonoro de #RICHAXXHAITIAN es vasto, compuesto por samples que parecen sacados de vinilos de segunda mano. Es diverso, y evoca diferentes estilos y emociones. En 'Politickle', las cuerdas lloran armonías en medio de vocales que se levantan; los bucles de 'Copy Cold' son brisas refrescantes; su canto acompaña la melancolía del acordeón de 'The Serpent and the Rainbow', mientras que en 'Sonje' las escalas del piano de Georgia Anne Murdrow contrastan con los versos sombrios del Machovian.

Como siempre, los raps son un ejercicio de lectura atenta; son mucho más que frases pegadizas, incluso las que no parecen ir a ningún lado como cuando dice que "te va a dar la vuelta en la pista como Tyshawn Jones" tienen más trasfondo de lo que aparentan. Toma por ejemplo 'Antonomasia' con sus teclas zumbantes, tambores polvorosos, y comparaciones con Howard Thurman y Darth Vader, que desde el mero título ya juega con las ideas.

Cada verso es un tapiz intricado tejido de referencias y autoreferencias. Desde el “Sur le pont d’avignon… " de su infancia hasta cada insinuación literaria o de la cultura popular, son escenas que entrelazan lo tangible con fantasías tanto liricales como instrumentales.

Fuck a Forbes list / I’ll get my mother out the gutter, on sis

#RICHAXXHAITIAN se alza como el cénit de su travesía hasta el día de hoy. Mach se mide con titanes Roc Marciano, Tha God Fahim y Black Thought, maestros de ceremonia que incendian los loops en cada oportunidad. Pero su ambición se vuelve un vasto océano donde la extensión dispersa su genialidad. No toda instrumental rompe con fuerza, ni cada coro deja huella.

Con todo, el álbum guarda joyas de un brillo intenso, en especial al caer el telón. El epílogo se viste de gala con 'Holy', un final que se eleva hacia lo sagrado, envuelto en cuerdas y voces celestiales en la cumbre del disco.

Pese a su rotunda negación de explicarse a sí mismo, Mach-Hommy trata de balancear proyectos cada vez más grandes. Toma riesgos que no había intentado antes. #RICHAXXHAITIAN cierra la pentologia de Haití con una gran conclusión. Es un eco de su historia, casi biográfica. Por instantes, su niebla se torna impenetrable a falta de un cimiento sólido con pistas que vagan de mixtapes al azar. Mas él, cuyo recordatorio en el rostro es la libertad, con ironía proclama en su título un botín que el mundo, antes, le negó.

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La ida, la vuelta y el regreso de los Crooklyn Dodgers

We did it like that, now We do it like this

Pocas cosas son tan fascinantes como ver instituciones del rap unirse para formar una entidad totalmente nueva. El caso de los Crooklyn Dodgers es especial: un grupo con apenas un puñado de canciones y tres alineaciones diferentes a lo largo de los años.

Nacidos de la visión de Spike Lee en el 94, los Crooklyn Dodgers fueron un proyecto lógico. El director de Haz lo correcto ya había incluido la cultura hip hop en sus películas así que era el paso siguiente. Crooklyn, era su largometraje más personal donde cambiaba la polémica por la añoranza. Con el objetivo de crear una canción original, reunió a unos cuantos "raperos consciencia". Consiguió a Q-Tip como productor y este se puso en contacto con Masta Ace, Special Ed, y Buckshot, tres mc's directos de Brooklyn.

El tema se grabó en un pequeño estudio en Flatbush, The Dolla Cab Studio, que era propiedad de Special Ed. Al asumir, se dejaron llevar por el nombre de la película e hicieron el típico rap de alarde. Todo bien, excepto que Spike Lee quería algo más apegado a su perspectiva cinemática; los llevó a una proyección privada en la que también estuvo ODB a quien querían incluir desde el principio, pero este salió molesto de la sala a los pocos minutos quejándose de que "no le disparaban a nadie".

Masta Ace, Special Ed, y Buckshot re-escribieron sus versos. Cada uno abordó sus experiencias como brooklynitas desde lugares, personajes, hasta reflexiones. Ed hablaba sobre los traumas de vivir en la ciudad, Ace invocaba estrellas de cine y la tele, mientras que Buckshot era el puente entre el pasado y el presente.

Q-Tip produjo el beat con ayuda de Ali Muhammad y DJ Evil Dee quien trabajó estrechamente con Tip asistiéndolo en el tablero, añadiendo texturas a la pista o arañando los coros con las barras de Guru («Never taking shorts 'cause Brooklyn's the borough») rematadas con las de «Straight from Crooklyn, better known as Brooklyn» de "Who Got The Props". Lee finalmente añadiría después un par de samples de juegos de baseball.

El grupo tuvo tan buena química que se habló de un hacer un disco completo, pero como Buckshot andaba más comprometido con Duck Down se bajó del barco y ya nunca se llegó a nada, pero la cosa no quedaría ahí.

Un año después surgió una nueva formación con Chubb Rock, O.C., y Jeru tha Damaja con DJ Premier a cargo de la producción para una "secuela" llamada «Clockers».

Preemo llevaría a los Crooklyn del 95 a un nuevo nivel. Este nuevo grupo era más completo que nunca, con el barítono de Chubb Rock, las pinturas en primera persona de O.C., y la poesía callejera de Jeru tha Damaja, mcees supremos cada uno con estilo y voz propia; lo mejor del BK del momento sobre tremendo beat melacónlico. Sin embargo, con ellos también sería el fin de una era con Spike Lee.

Años más tarde, los Crooklyn Dodgers reaparecieron... o más o menos. En 2007, el productor 9th Wonder revivió no oficialmente al grupo con su "12 'Brooklyn on my Mind'/'Try Me'. Mos Def, Jean Grae, y Memphis Bleek, estos tres talentosos emecees dosmileros serían la última encarnación no oficial del grupo.

Hoy ya no existen super combos como los Crooklyn Dodgers; significaba ser parte de una élite pues no hubo otro igual que representara así a uno de los boroughs más notorios de New York. Sin embargo, el espíritu del hip-hop aún prospera en sus calles, quizás chance en el futuro una nueva generación emerga para continuar el legado de los crooklyns.

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Los 5 furiosos: Los breaks que la rompieron para siempre

📌 No hice la tarea para esta sección, y esta de moda Chatgpt

"Amen, Brother" de The Winstons (1969)

"Funky Drummer" de James Brown (1969)

"La Di Da Di" de Doug E. Fresh & Slick Rick (1985)

"Change the Beat (Female)" de Beside (1982)

"Think (About It)" de Lyn Collins (1972)

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50's Hip Hop Festival: Una Cultura Que No Para

Txt × @nothinbutacurlythang | Fotos × {ᴊ}

México, CDMX | Agencia de Noticias Jipjop Fillers. El pasado viernes comprobamos que aunque han pasado «50 AÑOS» desde que todo comenzó, la cultura y la hermandad que sustenta al hip hop no muere; solo muta, pues en la carpa del velódromo olímpico se dieron cita desde mujeres que coreaban las de antaño y las de ahora, pasando por vatos entrados en sus treintas saltando como si su vida dependiera de ello hasta la generación de relevo, niños con puño al aire en los hombros de sus papás generando una escena que recordarán posiblemente en los años venideros.

Teeam Revolver dió inicio a la jornada con paso firme, dejando caer todo el poder del norte, conectado en cuestión de minutos con el público; no solo por la energía tan avasallante con la que entró sino también por su habilidad con las rimas. El regiomontano dejó a todos - al fiel seguidor de su trayectoria y al que apenas lo estaba topando- con ganas de más. Acto seguido; desde Perú, Gonzalo Genek, que pese a una serie de fallas técnicas mantuvo a los asistentes expectantes gracias a sus beats, su cadencia y la emoción de presentarse de nueva cuenta en México. Por otro lado, la ausencia de Gabylonia permitió que tanto AL2 "El Aldeano" como Rapsusklei extendieran sus presentaciones y dieran un amplísimo paseo por varios de los temas que hace años atraparon a cada uno de los que estaban ahí. El cubano haciendo presente la realidad de su isla y de su gente cada que pudo y el español, por su parte, inyectando su característica irreverencia y dinamismo en el público.

Las pausas entre los artistas se vieron marcadas por largos silencios debido a la ausencia de un DJ o MC, que las presentaciones fueran detenidas por fallas en el audio o en la consola y que las luces no apoyaran en forma el performance de los artistas (ni la chamba de los creadores de contenido), no impidió que el evento se mantuviera arriba pues los asistentes kickearon las seis largas horas de show, ratificando que el público mexicano es fiel al rap que en algún momento los hizo voltear a ver a la escena hispana y se encuentra abierto a brindarle oído a nuevas propuestas.

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Torre Pentel: Héroes o Villanos

Ka-boom! Pow!

Torres Pentel es un ilustrador madrileño creador de tramas fantásticas donde los raperos son superhéroes con aventuras asombrosas combinando el dramatismo heroico con el hip hop; Too $hort escapa a toda velocidad de la policía, 2Pac lo acorrolan en lo alto de un edificio, y Public Enemy se abalanza sobre ti como un escuadrón. Toma frases de ellos y pinta antologías.

«Creo que todos los raperos de los 90 y 2000 han crecido con los cómics, toda esa generación del rap ha crecido leyendo Spiderman, Batman, X-men… es algo generacional. Aparte, algunos han llevado ese anonimato del héroe (o villano) a su propio personaje como artista, por ejemplo, MF DOOM, Ghostface Killah, Czarface».

Su estilo se basa en la composición, muchas líneas, sombras, tonos, y personajes contando historias en una sola intención. Sus influencias se basan en autores underground como Robert Crumbs o Moebius, pero su obra principal se basa en las portadas del Marvel y DC clásico.

Ha hecho trabajos importantes para Metro Boomin, Doechii, Cráneo y Lasser de España, hasta Inspectah Deck del Wu-Tang Clan.

No tiene algún sitio web oficial, pero puedes seguirle a través de su cuenta de Instagram.

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16 discos que tu amigo el que sólo ve batallas de rap nunca va a escuchar (y está bien)

Nedman Guerrero - Hip-Hop el vicio (2005)

De lo Simple - Sueños inalcanzables (2005)

Bocafloja - El manual de la otredad (2006)

Zake - El día y la noche en el infierno (2006)

Eric el niño - Bienvenido al incendio (2007)

Twisted Minded - Cuando la realidad te alcanza (2009)

Dabeat Ramírez - Mi disco se llama como yo (2009)

Eptos Uno - La venganza de los traumas (2009)

La Banda Bastón - Envuelto en humo EP (2011)

Tino el Pingüino - Aquí Somos lo que hacemos (2011)

Sick Morrison - Acid Trip Lo-fi (2011)

Menuda Coincidencia - El Nefelibata (2011)

Mike Diaz - El Phontenak vol.1 & vol.2 (2012)

Doom Providers - TDP (2013)

Randee Marsh - Crónicas Jazzianas (2014)

Brez - Impresiones del Cosmos (2021)

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Arde Roma, Nerón: Afterclass La Prende

Mexico, CDMX | Agencia de Noticias Guayacán leAks. Dicen que la paciencia es una virtud que además recompensa, así han deber sentido los fans mexas del colectivo colombiano Afterclass que puso a prueba su resistencia con un evento que se hizo tedioso al principio, pero que valió esperar. Fue en el Indie Rocks, y desde temprano ya había una fila larga que entró una hora más tarde de lo citado. Para darle inicio hubo primero una sesión de micro abierto asistida por Slider Beats quien puso las pistas de los MC's que vinieron de todas partes (incluso del Estado de México) a probarse en un espacio de tres canciones por inscripción. Uno de ellos salió con una máscara puesta creyendo que así rifaba más.

Después vino un line up local de artistas muy apagados tanto por los shows como por el audio. Para representar al underground nacional, Doped Mind se presentó sin la Primero Company bajo el alias de MC Sick Man. Manoteó, plaqueó, y tiró unos CDs para despertar a la gente que cabezeaba, pero del aburrimiento. Le precedió Iván Rahzul quien subió con total confianza sin hypeman, aunque eso no le bastó para despabilarlos. Más tarde, DJ Bad Panda dio un set bien soso, que no hizo mover el pie a nadie. Finalmente, una desganada Montbel que tampoco conectó con el público quienes, aparte de pausas largas, encima tuvieron que soportar un puñado de shows soporíferos. ¿Distintos? Sí, pero con mala suerte ese día.

Los actos previos dejaron un ambiente tibio y sin chispa. Pero cuando salió DJ Kairo, el pinchaplatos que acompaña al Afterclass de gira, a prender los motores, el ambiente se transformó, y para fortuna de todos el audio también mejoró. Kairo supo dirigir la energía dispersa metiendo en calor a la gente con 'NRS in Da Area' dejando en claro que Colombia estaba en la casa. Luis7Lunes, Maco Matt, y Vic Deal salieron al ruedo sin perder el tiempo con 'Voladores del Cerro', de allí en adelante poco o nada se detuvieron. Entre su repertorio se incluyó "Roger Fender", "Lavanda", "5 millones", entre otras más recientes como "El emblema", un adelanto de «Rap Cumlade», su primer álbum como grupo; en fin una selección sólida de canciones sin ninguna ligereza. El hip hop que despliegan es un rap crudo y contagioso, con un performance muy coordinado —prueba del tiempo que llevan conociéndose—, pero apenas hubo interacción.

Afterclass se montó un directo con ritmos contundentes, juegos de coros, interludios a capella, y una rotación continua de turnos por una hora que fue intensa por el ánimo caluroso de su público que se espero hasta el final para entregarse. Para cerrar con broche de oro, soltaron la bomba antes de irse que el No Rules Clan viene a México.

Pese algunos inconvenientes, el concierto resultó mejor de lo que empezó, con una base de fans muy leal que aguantó un arranque a medio gas. Quizá sean un fenómeno de importación, pero al final, la noche demostró que la conexión no fue solo un mero accidente de cartelera, sino un encuentro hip-hop de esos que ya casi no se ven.

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Reyes sin coronas

Cuando hablamos de quién personifica la escena moderna de rap indie, tanto en raps como en beats, es posible que un par de nombres resuenen por allí: Roc Marciano y The Alchemist, pioneros introvertidos del hip hop responsables de regresar la cultura a sus raíces, revitalizar el diggin' y la rima compacta. Después de esperar casi una década, por fin las ansias de sus fans han sido calmadas con su primer álbum a dueto.

Compartiendo una experiencia humana

En 1987 se corrió el chisme de que Michael Jackson intentó comprar el esqueleto del inglés Joseph Merrick mejor conocido como “El Hombre Elefante” debido a una deformación severa que le llevó a vivir como un fenómeno de carnaval, pero que murió en relativa paz en el hospital de Londres en 1890. Conmovido por la trágica historia de Merrick, el rey del pop quiso sus huesos por un millón de dólares luego de ver la película de David Lynch.

La verdad es que no se sabe si este excéntrico relato fue lo qué motivó a Roc Marciano y The Alchemist a llamarle así a su primer LP juntos, pero tal vez la estrambótica idea de la exclusividad fue lo que les llevó a esa conclusión: darle valor al arte.

Roc y Al son mcees y productores con pasados similares, aunque con caminos diferentes. Uno es de los bloques de Long Island, y el otro los suburbios de Beverly Hills. En sus inicios ambos tuvieron el apoyo de realezas del hip hop. Roc Marciano construyó su estatus desde el escuadrón Flipmode; es un letrista con estructuras complejas a la par de Ka o MF DOOM, y es uno de los artistas independientes más exitosos del género en la última década. The Alchemist, por su parte, se volvió una figura de renombre que ha producido para todos: desde estrellas mainstream como 50 Cent y Kendrick Lamar, hasta figuras del underground como Evidence o Freddie Gibbs. Los dos son creadores de su propia música y jefes de sus propios sellos.

Esta no es la primera vez que trabajan lado a lado. 'Deja Vu' como adelanto de «The Elephant Man's Bones» (2022) estuvo lejos de ser el sencillo de garito sucio que se esperaba, pero demostró que todavía pueden incursionar en otros terrenos en los que sus pares no. A Marciano se le conoce por ser un cuentista inexpresivo, así que escucharlo pasar de un capo chulo a uno más sensible tiene su encanto. Aun así, el hombre que afirma haber "creado a Dios a su semejanza" jamás baja la guardia. «Mi Uzi y yo parecemos una pareja acurrucándose», advierte entre campanadas y tambores palpitantes en 'Rubber Hand Grip', el tema de apertura.

Usa nombres, marcas, y otras referencias para crear una saga de historias oscuras sobre mitologías personales: unas de victorias, y otras de derrotas. En 'Quantum Leap' afirma tener un Bentley con Fonzworth incluido de chófer, mientras que en la homónima se asoman malestares: «Tengo heridas que el doctor no puede sanar/ estoy avergonzado, mamá/ no me puedo mirar en el espejo como un vampiro» confiesa flotando de puntillas entre samples de Billie Holiday.

Mientras tanto, detrás de los tableros, el viejo Alan monta un viejo salón polvoso de jazz. Los proyectos de Marci de su entera autoria rara vez sobresalen sus loops sin punch, cajas que van desde pequeñas hasta inexistentes. Alchemist, en cambio, maneja aquí cada canción con una elegancia siniestra. La mayor parte del álbum está dominada por teclas (pianos, órganos, sintetizadores, clavecín) y baterías que provocan una vibra lúgubre que rara vez se disfruta en un disco del padrino del under. Si bien no es tan versátil como lo fue en «Haram», la producción no deja de tener sus puntos altos.

En el mejor de los casos, el tío Al en «The Elephant Man's Bones» defiende su sublime química con un colaborador de toda la vida. En el peor: una adición sólida a su catálogo.

Sin embargo, no todo son emojis de fuego para dar. Si hay algo que se debe señalar es la falta de variedad. 'Rubber Hand Grip' , 'Quantum Leap', 'Bubble Bath', o 'JJ Flash' son composiciones muy similares entre sí, sumado que hay momentos en que la voz de Marciano no brilla. Es como si «The Elephant Man's Bones» se cayera por ratos cuando no entra en síntonia con los ritmos. Además, el concepto del álbum parece inesperado por su repentina vulnerabilidad, pero no es tan cohesivo. Aún así, este es el proyecto más relajado y seguro que hayan hecho juntos. Es cálido, de barrio y, en general, satisfactorio.

Leanin' On The 'Caine like a Cane in The Rap Game

A lo largo de los años, Roc y Al han madurado como artistas, pero no se necesitan uno al otro, al menos no creativamente. Roc Marciano es el último en necesitar de The Alchemist. A Roc no le faltan recursos cada vez que emprende un proyecto (DJ Muggs, Animoss, Don Cee, Element, Q-Tip, entre otros), pero «The Elephant Man's Bones» no tiene la intención de ser igual. En todo caso, para los fans es su vuelta de la victoria: una celebración por estos dos prolíficos músicos que en el rap han sido caballos de batalla durante años con pocos signos o ninguno de oxidación.

Ni Roc Marciano ni The Alchemist han alcanzado el nivel de influencia necesaria como para comprarse los huesos del Hombre Elefante, pero indiscutiblemente son los reyes de su propio sonido, como debe ser.

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Penyair: Rap Con Espíritu

Por @nothinbutacurlythang y @Colt_Medina*

México, CDMX. Penyair desde niño despertó un interés por la música a partir de los mariachis y las canciones de la radio. Poco después conocería el rap al que le tomó gusto por su espontaneidad lírica y de las rancheras de Vicente Fernández pasó al hardcore de La Etnnia y Nano Nandez.

Se abrió pasó por el freestyle ganando y defendiendo su título de campeón local, después estudió producción musical para y sacó un par de epés que solía vender por celular.

Cuando estuvo a punto de rendirse de la música, 'Nada', una canción inedita hasta ese momento, se volvió viral en Youtube. En 2020 la incluye en su octavo material, «La Ley del todo» con el que toma un rumbo más consciente y espiritual.

El mes pasado salió 'Tu tienes el son', su más reciente sencillo junto a Charles Anns de su más reciente placa, "El despertar del alba", una propuesta más grande y variada en la que también participan Alka Produce, Beat Chipi, Yoky Barrios, Santa RM, y Zxmyr. Hace unas semanas Penyair estuvo en México donde dio un par de shows primero en Querétaro con El Nido y Error 999, luego en la CDMX como invitado de Achepe para su vigésimo segundo aniversario Aprovechamos su estancia para hablar un poco sobre el rap del espíritu, el equilibrio en la música, el rap de Colombia específicamente de Bogotá y Medellín, y qué canción le tomó tiempo escribir.

GN: Tu historia es inspiradora. Pasaste por una serie de altas y bajas. Toda la travesía que implicó tu canción "Nada" para después de tanto luchar en el momento menos inesperado tu música llegará a más público. Todo esto conllevó esfuerzos y sacrificios. De vivir livianamente de la música a formar una carrera más formal con las responsabilidades que eso implica, a este punto de tu carrera ¿Qué es para Penyair vivir para la música y vivir de la música?

Penyair: Lo que genera la música es muy importante, sin embargo, el dinero no lo puede llegar a ser todo, he tenido propuestas muy grandes de las cuales no me ha movido el corazón, vivir de la música en este momento es el equilibrio entre el amor de la gente y vivir de lo monetario. Como cualquier otro trabajo tienes que tener mesura.

Vivir de la música es tener un ingreso sentimental y económico.

GN: Me llama particularmente la atención que cuando se menciona al rap colombiano, las miradas se dirigen a Medellín. Entiendo la relevancia que tiene a nivel histórico y cultural, dentro y fuera de la música o del propio género, pero Bogotá, la capital ¿Dónde queda? Para José David, como fan y para Penya como artista, ¿Qué define al rap bogotano?

Penyair: Cuándo llego el rap a Colombia primero llegó a Bogotá y también a Medellín. Lo que pasa es que en Medellín hablan mejor y tienen más flow, es más escuchable, es más calurosa la ciudad, es como un paraíso y eso lo reflejan sus artistas. Qué pasa con el rap de Bogotá, bueno, lo que pasa es que es el underground verdadero, ¿sabes? Más hardcore. El rap de Medellín es más relax, más parchadito, entonces a nivel global lo escuchan más.

— ¿Algo así como la west coast y la east coast?

Penyair: Exacto, tú lo acabas de decir.

GN: ¿Qué es el rap del espíritu, cómo podrías definir el rap del espíritu?

Penyair: El rap del espíritu es mi logo, voy a sacar un álbum así, "Rap del espíritu", y es encontrar las palabras que te ericen la piel, cuando estás escuchando una canción y te emociona es porque te está tocando el alma. Siempre intento hacer canciones que alcancen al espíritu, no siempre lo logro, pero trato de mantenerlo.

—¿Es algo traído de «La Ley del todo»?

Penyair: ¡Ah, sí! Tú y yo tenemos eso en común, o sea un espíritu. Y la Ley de Todo es Dios, tiene relación es un tema muy... ¿teológico?. Siempre va enfocado hacía eso, fue algo que cuando saqué esta canción de "Nada" fueron conceptos que consolideé y llegaron como cimientos en mi forma de pensar.

GN: Has recorrido parte de LATAM, no es la primera vez que has estado en México ¿Cuántas veces has estado aquí?

Penyair: Esta es la como la quinta vez.

—¿Y que más te gustó?

Penyair: ¡Los Chilaquiles! (risas), me gustan más que los tacos. ¡Qué pena! Los comería todo el tiempo.

— ¿Y cómo te han recibido?

Penyair: Me gusta mucho el amor, el amor que le da la gente al artista, son muy entregados. Me han dado mucho amor, la gente no paraba de abrazarme, siento que ese es el rap del espíritu.

GN: Por cierto, en «El despertar del alba», tu última publicación, me llama la atención tu colaboración con Charles Anns. ¿Hubo alguna conexión espiritual con él?

Penyair: Con Charles hay una buena amistad. Siento que hemos conectado, pero después de grabar la canción, no he estado mucho tiempo con él aunque cuando nos vemos es como fraternal. Me propusó a hacer un EP en Sonora, entonces creo que el otro año iremos para allá.

GN: Pregunta complicada, pero ¿Cuál es la mejor frase que hasta el momento hayas escrito?

Penyair: (Piensa unos momentos) Mmm... Tengo varias, pero yo creo que hay un tema que tiene las mejores frases de Penyair, se llama 'El día que el mundo cambie', tiene frases como: «Ahora enseñarle a un niño no es meterle información, sino que es ver para que es bueno para que crezca con un don», ¿si me entiendes?. «Recuerdo perfectamente el día que cambió el mundo, enormes sacrificios para un rumbo más rotundo, veía como empresarios incluso a los vagabundos, ya nadie sería ni el tercero, ni el segundo». Me tomé como nueve meses escribiendo esa canción.

*Entrevista publicada originalmente para Border Mag

[girosnegros]

11 documentales imperdibles de hip-hop que puedes ver gratis en Youtube

Wreckin shop: Live from Brooklyn  (1992)

Breakin ’ N Enterin’ (1983)

Freestyle: The Art Of Rhyme (2000)

Big fun in The Big Town (1986)

Stolen Moments: Red Hot & Cool (1994)

Scratch (2001)

Copyright Criminals (2009)

Wave: A True Story in Hip Hop (2016)

Cry Of The City Part 1: The Legend Of Cornbread (2007)

808: The Heart Of The Beat That Changed Music (2015)

Bad Meaning Good (1987)

*Bonus: J Dilla: Still Shining (2011)

[girosnegros]

Carlo Brown: Hip-Hop Simplemente

Por @Colt_Medina | Foto × {J}

México, CDMX. Carlo Brown nació en la caótica Ciudad de Neza, sede por excelencia del movimiento underground mexicano. "Crecí escuchando rock, pero no fue algo que me impactara. Mi mamá escuchaba Disco y por mi papá hederé el gusto por la salsa".

Intrigado por los ritmos, Carlo Brown conoció el rap a través de Control Machete, pero su iniciación en el hip hop sería en la escuela del graffiti mientras descubría a Jay-Z, Redman y Sólo los Solo.

Mientras Carlo Brown hacía sus pintas en la calle también aprendió el fino arte del hustlin', a cómo moverse por la ciudad y a escribir rimas. Sus primeros raps los hizo en el patio de la escuela con un amigo, así eran los días de Carlo Brown entre rolar por el barrio y escuchar música.

Sin embargo, la secundaria se terminó y durante la preparatoria y la universidad, Carlo Brown dejó los versos a un lado pero no abandonó el hip hop. Entre 2009 y 2012 empezó a escribir reseñas y artículos para Doble H, Cabezas Underground, Ritmos Gordos, y Border Mag en donde actualmente colabora. "A pesar de que dejé de rapear, quería estar involucrado de una u otra forma. Decidí compartir lo que sabía, lo que yo escuchaba".

Cuando se a une a Brez (SonidoLíquido/Summer Maddness) y DJ Q Masta Q (SonidoLíquido/Summer Maddness) como backup en vivo, la chispa de la creatividad volvió a él junto con una emoción renovada para rapear. En 2022 es invitado por Aukan (Phatdiggaz) beatmaker argentino radicado en España, a participar junto con otros mc's en una serie de sencillos publicados mensualmente llamada Veinte Veintidós MIXTAPE.

Hoy Carlo Brown se encuentra promocionando su maxi 'Simple-Mente' producido, editado y masterizado por Brez, y remezclado por el saltillense OHD∆GEE con cortes de DJ Zack Vader. También está trabajando en su primer álbum el cuál no tiene fecha de salida todavía.

Giros Negros: ¿Por qué Hip hop y no otro género?

CB: Primero me identifiqué en los ritmos, pero cuando empecé a conocer el hip hop, me encontré en las cosas que decían, en lo representaban, en sentir orgullo de uno mismo.

GN: ¿Por qué raps y no beats?

CB: Intenté hacer beats, bajé Fruty Loops, pero no soportaba estar tanto tiempo sentado, me gusta más escuchar música que hacerla, en cambio escribir no me pide estar todo el día encerrado y ningún otro tipo de herramientas, sólo necesitaba una pluma y unas hojas. O ya ni siquiera eso, con el mismo celular.

GN: ¿Tienes algún método para escribir?

CB: Tengo varios procesos, pero no necesariamente concentrándome en una canción. A veces voy por la calle, estoy leyendo o veo algo y se me ocurre una frase. Entonces hago una pequeña nota, una rima sencilla con las palabras que estoy pensando. Después voy bajando las ideas y les doy algún sentido, entonces las acomodo en algún proyecto como hice con Aukan. Pero cuando se trata de algo en concreto me enfoco en ello, a veces saco ideas de lo que anoto.

GN: Tu voz suena natural, no hay forcejeo y tirones en el flow ¿Cómo trabajas las cadencias?

CB: Me gusta escribir sobre el beat, me permite conocer la pista, moldear los flows antes de grabarlos. Cuando no tengo beat lo imagino, hago una acapella con las frases que tengo agregando lo que se me ocurra al flow.

Si después tengo el beat empiezo a cambiar cosas porque hay partes del ritmo que se necesitan acomodar. Así es como le hago.

GN: ¿Cuál es tu próximo proyecto?

CB: Me encuentro trabajando en un álbum que llevará por nombre "Soundtrack de un Siddhi" el cuál aún no tiene una fecha, pero he avanzado la mayoría de los tracks. Estaré soltando un par de sencillos en formato de maxi, el primero sale el próximo viernes 14 de julio en todas las plataformas y se llama "Simple-Mente (Co-beat 19)" producido por Brez, la neta es una joya de beat, tienen que escucharlo.

[girosnegros]

No Más Por Debajo: Las Aventuras Subterráneas De Dondi White

En los 70, en la ciudad de Nueva York, jóvenes talentosos, pero sin dinero, convirtieron los vagones del metro en lienzos rodantes. En una época al borde de la bancarrota, sus pintas le dieron un poco de humor, toques de color, y comentarios sociales mientras estos entraban o salían de las estaciones y se desplazaban a través de calles sucias, edificios abandonados, incinerados, reducidos a escombros en una ciudad en decadencia. Políticos, críticos y prensa lo llamaron vandalismo, pero Dondi White lo llamó arte.

Donald White mejor conocido como DONDI, fue un chico elegante y tímido que desde lo remoto mandaba sus piezas de graffiti como postales urbanas. De día trabajaba sus diseños que por las noches pintaba sobre túneles y trenes del metro.

En las calles se volvió una leyenda e implantó estándares altos para el graffiti. Fue uno de los primeros artistas que literalmente emergieron del underground alcanzando el éxito pintando. Al día de hoy sus bocetos y lienzos alcanzan los $100,000 dólares o más. Sin embargo, pese a la fama siguió pintando trenes por la madrugada.

Falleció un 2 de octubre del 1998 a los 37 años por complicaciones de SIDA aunque su reputación como "Maestro del estilo" continúa vigente.

Donald Josph White nació el 7 abril de 1961 en Manhattan, hijo de una familia de clase obrera, era el menor cinco hermanos, solía pasar sus días de juventud asistiendo a una escuela parroquial, montando su bicicleta, criando palomas en la azotea de su casa y dibujando.

DONDI (apodado así por una historieta popular) conoció el graffiti por los tags mientras exploraba más allá de su cuadra, en su escuela, en los territorios neutrales para las pandillas. «No podías ir a Miller Park por los Tomahawks, que eran una pandilla negra, luego estaban los Crazy Homicides, una pandilla puertorriqueña que estaba en Pitkin Avenue cerca de la 302. Tenían esa área. Y al otro lado de Atlantic Avenue estaban los Headers, que eran irlandeses», contó una vez en una vieja entrevista.

A mediados de los 70 se afilió a los TOP (The Odd Partners), una de las primeras crews que se metieron a pintar el metro. Al poco tiempo sus piezas empezaron a viajar desde el sureste de Brooklyn hasta el extremo norte del Bronx. Su estilo pronto comenzó a ganar admiradores incluso fuera de los cinco distritos. Se le reconocía por su paleta suave de colores y tonos, su agilidad y habilidad para representar su visión.

Entre 1978 y 1980 sus pintas más memorables fueron su serie Children of the grave (como la canción de Black Sabbath). Se tratababa de vagones completos (whole-cars) con su nombre estampado y flanqueado por dibujos, salpicados de florituras estilísticas. John Matos, un ex graffitero antes conocido como Crash, reconoció a Dondi como conciso y claro, simple, pero calculador. "Sus pintas parecían sencillas, pero no lo eran. Trazaba, retrocedía, luego miraba fijamente como si estuviera haciendo cálculos".

Sin embargo, no importaba qué tanto entusiasmo generaran sus piezas—como todo graffiti— sus obras fueron efímeras. Otra cosa más que bocetos y fotografías sólo quedan como testamento.

La imagen más iconica de Dondi (en medio de dos vagones, a horcajadas) la tomó Martha Copper. "Captura la intensidad de pintar ilegalmente, una aventura urbana" dijo la fotoperiodista del New York Times quien junto a Henry Chalfant documentó las pintas clandestinas en el 84. Esta se usó en la tapa de la reedición conmemorativa de "Subway Art", libro fundamental en la historia del graffiti.

Eric Felisbert, autor de The Graffiti New York, recuerda a Dondi como un maestro paciente que se tomaba el tiempo para aconsejar a los más jóvenes. "No sólo era alguien que dominaba las letras, sino que se volvió conocido por enseñarle a otros".

Además de guía también fue un líder, se vestía y actuaba como uno. "Era elegante, bien parecido, sabía a dónde ir y qué hacer para llegar" dijo Patti Astor, la multipremiada estilista que le dio su primera galería junto a Keith Haring y Jean Michael Basquiat en un venue del East Village.

Dondi tomó la escena de las galerías con espectáculos fuera de Nueva York y presentaciones en el extranjero. Contribuyó al arte del hip hop durante su época más prominente, se convirtió en una estrella internacional en el mundo del arte saliendo de gira a pintar en vivo con el crew de Wild Style a Japón, Europa y Hong Kong mientras el Rock Steady hacía lo suyo.

Tras su muerte el arte callejero se volvió un lugar común y manso, atractivo para muralistas cohibidos que no salen a pintar a las calles, mucho menos un patio de trenes por las noches. Con los años las políticas anti vandalismo se han endurecido y hoy en día ya no se ve más graffiti en el metro, la publicidad irónicamente lo ha sustituido.

Dondi alcanzó cierta inmortalidad como maestro de un arte fugaz. Tenía la capacidad de ver espacios donde otros no podían, secciones, líneas, trazos, constancia y fluidez como un Leonardo DaVinci, pero con latas de aerosol. Ascendió de la nada y llegó a las galerías a tiempo antes de que el graffiti se desvaneciera de ese circuito. Después se retiró a pintar cuadros y a hacer exhibiciones por el mundo.

En 2001 su hermano Michel White, Andrew Witten, y su amigo incondicional Zephyr, publicaron el art book "Dondi White Master General" en su honor, una ventana a la vida y obra del artista.

“Siempre fui yo, haciendo lo que me fuera cómodo, transmitiendo el mensaje de que no era necesario que me enseñaran a ser creativo para hacer algo bueno. Lo que digo es que estoy aquí y quiero que me escuchen, vengo de la calle y siento que mi trabajo es importante, quiero que la gente lo vea, quiero influir en los demás”. Dondi White

Sandra Fabara, Lady Pink, protagonista del clásico de culto Wild Style, lo comparó con Jimmy Hendrix, "desearías tener el estilo de Dondi, pero es como desear tocar la guitarra como Hendrix, nadie más puede".

[girosnegros]

Canciones que perdieron el alma: Samples que se esfumaron el día de su lanzamiento

Geto Boys - 'Gangster Of Love': Sample de "I Want You" de Marvin Gaye.

Biggie Smalls - 'Machine Gun Funk': Sample de "La Di Da Di" de Doug E. Fresh y Slick Rick.

Ghostface Killah - 'Wise': Sample de "I'm Afraid the Masquerade Is Over" de David Porter.

    - 'The Sun': Sample de "Synthetic Substitution" de Melvin Bliss.

    - 'The Champ': Sample de "Synthetic Substitution" de Melvin Bliss.

    - 'The Drummer': Sample de "Different Strokes" de Syl Johnson.

    - 'Flowers': Sample de "Cola Bottle Baby" de Edwin Birdsong.

Kanye West - 'Never Let Me Down (All Falls Down)': Sample de "Mystery of Iniquity" de Lauryn Hill.

Snoop Dogg - 'Gz Up': Sample de "I Get Lifted" de KC and the Sunshine Band.

    - 'Hoes Down': Sample de "I Get Lifted" de KC and the Sunshine Band.

Gang Starr - 'Doe In Advance': Sample de "You're Getting a Little Too Smart" de The Detroit Emeralds.

Devin The Dude - 'Doobie Ashtray': Sample de "I'm Gonna Love You Just a Little More Baby" de Barry White.

The Biz Markie - 'Alone Again': Sample de "Different Strokes" de Syl Johnson.

Kendrick Lamar & Gunplay - 'Cartoons & Cereal': Sample de "Synthetic Substitution" de Melvin Bliss.

RJD2 - 'Here’s What’s Left': Sample de "Different Strokes" de Syl Johnson.

Ransom & Nicholas Craven - 'Good Time': Sample de "I Get Lifted" de KC and the Sunshine Band.

Jaylib - 'The Red': Sample de "I'm Gonna Love You Just a Little More Baby" de Barry White.

ScHoolboy Q - 'Blessed': Sample de "You're Getting a Little Too Smart" de The Detroit Emeralds.