JeanClaudeCliché

[jeanclaudecliche]

En compagnie de soi-même

1. HONEYMOON

On commence avec le titre éponyme de l’album qui est également le premier extrait de celui-ci. Sur ce morceau on retrouve tout l’univers de Lana del Rey. Mais cette fois (et souvent sur cet album) se trouve ajouté quelque chose de nouveau. Dès la première ligne Lana nous chante : “We both know that it’s not fashionable to love me”. Si la référence aux haters est évidente, cette phrase traduit également un certain état d’esprit à l’oeuvre dans l’album. Dans le refrain le contraste typique de l’univers de del Rey est présent. Ici “Honeymoon” s’oppose à “Dark Blue” pour montrer la face sombre de la lune de miel, les questionnements à venir au lendemain de ce jour. Dans la suite de la chanson il est question, comme souvent, de violence et d’amour entremêlés. Lana del Rey nous chante sa vision de la lune de miel d’une manière si douce et mélancolique qu’on ne peut qu’être happé d’emblée dans cet album.

https://www.youtube.com/watch?v=oPU8XJcA__k

2. MUSIC TO WATCH BOYS TO

Lana del Rey aime s’exprimer en images, utiliser les couleurs et créer des atmosphères spéciales dans ses chansons. Ici la production et le chant s’accordent parfaitement pour la création de cette atmosphère si particulière. On retrouve de l’amour, des garçons, des bières bon marché, des guitares, des flamants roses. On entame alors une montée en puissance de l’album qui ne s’arrêtera dès lors plus. De plus, il est encore question de mélancolie, de voir les choses s’éloigner voire disparaître :

“Nothing gold can stay

Like love or lemonade

Or sun or summer days

It's all a game to me anyway”

https://www.youtube.com/watch?v=Ddg_K1izcUE

3. TERRENCE LOVES YOU

La facette rétro de l’univers de la chanteuse se déploie ici totalement en même temps qu’un certain mystère. Comme souvent dans ses chansons, on ne sait pas de qui la chanteuse nous parle et ici on ne saura donc pas qui est ce Terrence. Dans cet album il semblerait que la miavrerie que certains pouvaient voir dans le premier opus (Born to Die) est disparue pour de bon. Il est ici encore question d’une histoire d’amour mais sur fond d’alcoolsime, de musique et dépression. Si la voix est toujours aussi sublime et douce, elle contraste à nouveau avec la puissance de l’histoire contée. Ainsi, dans le refrain on entend :    

“But I lost myself when I lost you

But I still got jazz when I've got those blues

I lost myself and I lost you too

And I still get trashed, baby, when I hear your tunes”

https://www.youtube.com/watch?v=emDU4QvdwVk

4. GOD KNOWS I TRIED

Ce morceau va introduire un thème de l’album, la religion (même si peut-être Honeymoon également). Néanmoins la religion n’est pas ici synoynme de receuillement pour Lana. Au contraire la chanson semble être un cri de rage adressé aux médias et au monde de l’entertainment en général. Ainsi Lana se réveille plus au lever du soleil mais “To red, blue and yellow lights”. Le refrain et le pont semblent être chantés comme des prières ou du moins comme quelque chose qui doit absolument se faire entendre. Tout cela étend parfaitement enrobé par la voix cristaline de la chanteuse californienne.

5. HIGH BY THE BEACH

S’il s’agit du single principal de l’album cela n’a rien d’un hasard tant la perfection pop du morceau est impressionnante. Le personnage de la chanteuse évolue : “You could be a bad motherfucker

But that don't make you a man”.                                                                                  Un refrain catchy parfait, l’univers californien, la plage, la drogue et destruction d’hélicoptère au lance-roquettes dans le clip sont au programme dans ce son qui a rythmé la fin de l’été.

https://www.youtube.com/watch?v=QnxpHIl5Ynw

6. FREAK

Il est ici question de la relation entre la célébrité et l’amour ainsi que la violence de l’amour en question dans la chanson. Si le morceau débute calmement il s’emballe sur le refrain, comme un feu qui grandit (”flame/full of fire”). Il s’agit également d’oublier le monde extérieur, d’être un freak, danser en slow motion et s’embrasser. À la fin du morceau et comme sur beaucoup d’autres de cet album, Lana fredonne, comme dans des chansons jazz ce qui peut être vu comme une sorte de conclusion au reste. Si nous ne pouvons être des freak et danser, au moins fredonnons.

7. ART DECO

Dans ce morceau il est question de femmes, de fêtes et de libertés. En effet, Lana nous conte l’histoire de cette “Club queen on the downtown scene” qui deviendra “Young thing on the downtown scene”. qui sort faire la fête. Le terme “Art Deco” du titre vient du style vestimentaire et de l’attitude du personnage, provocant et glamour à la fois. Il est question des agissement de ce personnage dans ces fêtes mais cela n’est jamais explicité (”You want more ?”). L’outro vient en outre réveler là-encore un changement dans l’univers de Lana del Rey : “A little party never hurt no one

Not you and me

A little party never hurt no one

We were born to be free”

8. BURNT NORTON (INTERLUDE)

Il s’agit ici d’un poème de T.S. Eliot récité par Lana del Rey.

9. RELIGION

Dans cette chanson il s’agit une nouvelle de religion mais ici Dieu n’est pas présent. La personne que prie Lana dans la chanson c’est ce “you” dont elle est amoureuse. On retrouve en outre les autres éléments de l’univers du disque. Même si elle l’avait annoncé elle-même on peut être étonné de la qualité des productions de l’albums qui sont toutes à un rare niveau d’excellence.

“Hallelujah, I need your love”

10. SALVATORE

Nous sommes ici en présence de la meilleure chanson de l’album et sans doute de l’une des meilleurs de l’artiste. Lana del Rey possède simplement dans sa manière de chanter une capacité de storytelling époustouflante. Ici elle nous emmène dans une vieille Italie fantasmée faites de “cacciatore, limousines, soft ice creams”. La drogue est encore évoquée de manière implicite. La relation à la religion est quand à elle explicitée. En effet, l’amour se situe une nouvelle fois comme le sauveur. Mais comme toujours, la relation amoureuse est teintée d’une violence et d’une noirceurs sous-jacente. On à l’impression d’être plongé dans un vieux film dans ce morceau constituerait la bande-originale.

“Catch me if you can, working on my tan, salvatore

Dying by the hand of a foreign man happily

Calling out my name in the summer rain, ciao amore

Salvatore can wait

Now it's time to eat soft ice cream”

11. THE BLACKEST DAY

Après le sauveur vient le jour le plus noir, celui de la rupture amoureuse ici. En effet, comme son titre l’indique il s’agit de l’une des chansons les plus sombres de l’album qui vient confirmer définitivement le changement de la chanteuse. Le morceau se déploie en plusieurs temps. De la tristesse au moment ou la quête de l’amour va trop loin jusqu’à la rédemption finale dans l’outro.

“I'm on my own again”

12. 24

Musicalement, peut-être le son le plus faible du disque mais cela reste quand même au-dessus du lot. Il est une nouvelle fois question d’amour et d’ultraviolence ainsi que de mensonges et de passion. On serait presque déçu tant le reste de l’album évolue à un degré d’excellence si élevé.

13. SWAN SONG

Cette chanson, une des plus belles de l’album, prend une résonance particulière quand on sait que Lana del Rey voulait arrêter, il y a peu, la musique. Lana ne veut plus chanter, son amour ne travaillera plus. Là-encore l’envie de continuer la musique est envisagée par ce morceau.

“I will never sing again

With just one wave it goes away

It will be our swan song”

14. DON’T LET ME BE MISUNDERSTOOD

Cette reprise de la chanson de Nina Simone apporte encore de l’épaisseur au mystère de la chanteuse et du caractère versatile de sa musique. Ce morceau choisir pour clôturer l’album semble parfaitement tenir sa place tant il apparaît comme une conclusion logique et cohérente au travail de l’artiste.

“But I'm just a soul whose intentions are good

Oh Lord, please don't let me be misunderstood”

En définitive, avec Honeymoon Lana del Rey prouve qu’elle a su mûrir musicalement et amorcer un nouveau cap pour la suite (?) de sa carrière. Une sorte de retour aux sources, en comparaison avec l’échappée Ultraviolence, mais en même temps une liberté nouvelle alliée à une parfaite maîtrise de sa musique. Avec cet album, le meilleur de l’année à ce jour, elle porte la musique pop à un niveau absolument parfait. La voix enchanteresse de la californienne se mêle à merveille au travail de production remarquable de l’album. Les variations apportées à l’univers déjà existant apportent un vent nouveau sur le travail de l’artiste qui emporte tout dans un élan d’amour mélancolique. Néanmoins la force du disque est de savoir diffuser toutes les émotions possibles à l’auditeur, avec des mélodies et une voix. Le meilleur album de la chanteuse à ce jour, le meilleur de l’année pour l’instant, un chef-d’oeuvre.

Lana del Rey

HONEYMOON

Sortie le 18 Septembre 2015

Axel Destouches.

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VALD : Selfie

À l'aube de la sortie de NQNT2, l'équipe du JCC a décidé de vous montrer à quel point VALD est chaud. Vous n'avez pas pu passer à côté de son titre phare Selfie, si vous ne l'avez pas vu, allez vite checker ça, c'est utile pour le reste de l'article. Bon maintenant je m'adresse aux puristes, sur ce titre nous avons décidé d'y apporter une analyse «littéraire» montrant ainsi que son morceau est loin d'être si léger.

Nous verrons donc, L'iconoclasme par Elle, prônant paradoxalement une ode à la pudeur, avec un glissement de la sphère publique vers celle du privé.

L'iconoclasme par Elle

VALD tout au long utilise la troisième personne du singulier, la féminine. Ce «Elle» peut être vu comme une individualité, mais il est intéressant de l'envisager comme l’incarnation de toutes les femmes.

En effet c'est la femme qui parle, l'homme n'est que le «doux» serviteur exécutant les ordres de celle-ci, on peut le voir avec l’enchaînement de demandes «Elle veut que», «Elle m'dit», «Faut que». On suppose donc que la gente masculine exécute les demandes de celle-ci, cependant il la prévient qu'il reste le plus fort physiquement et que s'il exécute ses désirs il finira surement par la blesser, comme le prouve cet extrait : 

Elle m’dit toujours : "plus fort", j’lui dis : "moi, plus fort, j’veux bien Mais si, là, plus fort, je vais, tu pourras plus twerk demain"

VALD ose révéler que la femme n'est pas différente de l'homme, il casse l'image de l'homme brutal et de la femme soumise ; les rôles s'inversent. L'image de la femme religieuse, sage est à notre époque révolue et ce n’est pas plus mal.

L'ode à la pudeur

Bien que la femme soit libérée sexuellement, l'artiste invite à la pudeur, et montre qu'elle arrive parfaitement à gérer ça en public. En effet quand elle est dans «le bourg», ils se «tiennent la main», se font des «câlins» et des «selfies en bisous sur la joue». Ce comportement est normal : on ne peut agir en public comme on agit en privé, et heureusement.  

De plus la mélodie légère permet d'insister sur le fait que le comportement de la femme est banal, il n'y a rien de choquant là dedans et c'est pour cela que les paroles dites «trashs» sont au final relativisées. Mêlé à cette mélodie, l’humour : ce morceau est à prendre malgré tout au second degré, les onomatopées en arrière-plan prononcées par VALD, ainsi que le rappeur lui même, apparaissant sans cesse dans l’intimité de ce couple, montre bien que le rire est l’effet recherché. 

VALD parle d’ailleurs dans une interview sur Booska P, qu’il faut préserver la pudeur et qu’on ne peut être au lit comme on est en public.

Passage du public au privé

Dans ce texte on oscille entre la sphère publique et celle du privé. Comme évoqué précédemment en public la femme sait sauver les apparences, cependant dès qu'elle arrive dans la sphère privée, elle peut être elle-même et se laisser guider par ses envies et pulsions. C'est pour cela que VALD dit :

 Dès qu'on rentre (passage dans le privé) faut que je l'attache elle a des cordes et des chaines

Comment maintenant illustrer tout cela dans un clip ? C'était impossible et VALD l'a compris, c'est pour cela qu'il nous en offre trois. Pour cela deux acteurs pornographiques ont été choisis Nikita Bellucci et Ian Scott, un premier qui serait une version «familiale», un deuxième clip qui lui est érotique et un dernier qui est clairement pornographique. Cependant quand on analyse les trois clips, on peut y voir comme une forme de glissement de la sphère publique pour arriver à celle du privé. 

Dans le premier clip, les acteurs se baladent exclusivement dans la rue, les deux sont “mignons” dans cette sphère. Le deuxième clip serait comme une forme de transition entre ces deux sphères, le passage érotique où la frontière entre le public et le privé se brouille. Et dans le dernier nous retrouvons toujours ces deux acteurs, mais cette fois dans l’unique sphère privée où les deux acteurs laissent librement exprimer leurs pulsions. VALD nous offre l'opportunité d'accéder à cette sphère et cela permet de mieux comprendre ses intentions.

Nous attendons donc tous impatiemment l'arrivée de NQNT2, car on vous l'avait dit VALD est chaud, même s’il a qualifié son morceau de “stupide” il a réussi à vous faire croire que son titre était dénué de sens.

Florian Boisramé

[jeanclaudecliche]

Pas comme eux

Le rap français vit ces dernières années de grands bouleversements. La trap importée des USA a fait son chemin et domine en grande partie le paysage musical du game. Néanmoins 2015 semble être une année à part. On assiste (jusqu’ici) à la l’émergence de nouvelles tendances. En effet avec la confirmation du nouveau statut de Jul ;  l’explosion aux oreilles du grand public de Nekfeu ; le phénomène Gradur qui prend toujours plus d’ampleur ou encore l’arrivée incessante de nouvelles têtes dans le milieu font véritablement de cette année 2015 une année particulière. Cependant, certaines choses ne changent pas. Booba est toujours le patron, chiffres de ventes ne riment pas (toujours) avec qualité et il faut chercher pour trouver un peu de singularité. C’est au carrefour de ces évènements qu’apparaît ce qui s’annonce comme la nouvelle merveille du rap français : PNL.

PNL (Peace & Lovés) est un groupe originaire de Corbeil-Essonnes (91) composé de deux frères, Ademo et N.O.S. et qui s’apprête à redéfinir les contours du game français. Le duo sort un premier effort intitulé QLF (Que La Famille) dans lequel on retrouve parfaitement le monde du groupe. En effet, dans ce skeud proche de la perfection (feat un cran dessous) on prend une gifle dès la première écoute. Le premier titre du projet “Je vis je visser”, en étant un des meilleurs du disque, et également une porte d’accès au monde PNL. On retrouve les blocs, la famille, la drogue, les femmes et l’argent. Mais PNL c’est plus que cela, PNL va au-delà de l’enrobage basique de ces thèmes par des rappeurs “normaux”. L’atout du groupe est au-dessus du lot à la fois sur le plan du fond que sur celui de la forme. 

Formellement, l’emprunte musicale de PNL est immédiatement identifiable. Du vocodeur, des instrus un peu chill et un bon flow. Dans un titre solo intitulé “Mowgli”, Ademo dit : « Je suis pas un rappeur, sans vocodeur je suis claqué ». En plus de l’autodérision de cette phase on peut voir qu’elle est en quelque sorte emblématique du projet du groupe. Le chante et le vocodeur sont au coeur du projet. Il y a quelques années cela n’aurait pas été possible mais aujourd’hui, si le vocodeur est souvent (et à tord) décrié on le trouve chez PNL dans sa forme la plus parfaite. En effet, hormis Booba, personne ne semble savoir autant manier l’instrument. 

La facilité avec laquelle le duo écrit est déconcertante et de cette facilité découle des refrains parfaitement calibrés pour nous rester dans le crâne toute une journée (”J’suis PNL”, “Le monde ou rien” etc). À cela s’ajoute des gimmicks imparables comme le désormais fameux “Ounga ounga”. Oui mais PNL ne peut pas se concevoir uniquement dans sa forme, le fond est tout aussi capital. 

Seuls les grands sont capables d’allier le fond et la forme dans le rap et sur QLF, PNL semble y être parfaitement arrivé. Dès le premier titre on retrouve une phrase comme : « J'accorde une danse à la rue bien accompagné j'galette ma solitude après deux teilles ». Comme souvent avec PNL on retrouve deux versants : un côté chantant mais qui est toujours contrebalancer par un certain désenchantement. Dans cette même chanson, “Je vis je visser” on retrouve d’autres merveilles d’écriture : « J'me suis fatigué à rêver / J'me repose sur les faits » ; Le cœur délogé ils ont cassé ma tour / Encore en retard j'arriverai pas à l'heure / J'marche pas avec les putes / Nique, j'attends l'prochain tour”. 

Le deuxième titre du projet assoie encore un peu plus la nouvelle domination de PNL sur le reste du game. Une instru absolument parfaite, une ballade dans le monde à la fois chaud et froid de PNL avec toujours comme thème principal, la famille. Dans le premier couplet N.O.S. pose : “Pas comme un frère un pote ça se remplace amigo”. On retrouve également tout le lexique de PNL à l’oeuvre : la famille, (le livre de) la jungle, D&G alliés à un refrain encore imparable. Le troisième morceau, “Différents” apporte lui un souffle quasi épique à l’entreprise des deux frères. En effet, le titre long de plus de 6mn est lui aussi d’un niveau largement au-dessus de tout ce qui se fait actuellement.

Récemment, PNL vient de sortir le clip du 3ème extrait de leur prochain album (Le monde chico) intitulé “J’suis PNL”. Le son est calibré pour l’été, le refrain et l’instru sont une nouvelle fois d’une qualité exceptionnelle. Pour le clip, le groupe quitte la cité pour une villa espagnole mais n’oublie pas de rappeler : « Ouais tout pour la F c'est ma quête ». “J’suis PNL” succède donc aux deux autres extraits : “Le monde ou rien” et “Plus Tony que Sosa”. En évoquant ces deux extraits on peut noter le soin tout particulier apportés aux clips du groupe qui sont souvent eux-aussi de très bonne qualité. Toujours la même recette mais sans jamais se répéter pour ces deux morceaux géniaux. On peut d’ailleurs entendre sur “PTQS” N.O.S. poser une des punchlines de l’année : “J'm'endors cagoulé, je rêve dans l'anonymat”.

Quand dans “Le monde ou rien” on entend : « Igo on est voué à l'enfer, l'ascenseur est en panne au paradis / C'est bloqué ? Ah bon ? Bah j'vais bicrave dans l'escalier »  ou “Faut pas t'en faire chico relève la tête la misère m'emmène en balade / Remballe ton échelle au fond du trou j'empile mes péchés j'escalade”on est frappé par une sorte de ressemblance lointaine avec le plus grand groupe de rap français, Lunatic. PNL semble se rapprocher d’un Lunatic contemporain, d’une version ultra-moderne de ce que représentait le duo mythique. À la fois proche et loin de cette légende il s’agit pour eux, désormais, d’écrire la leur. Sous vocodeur.

 À l’heure où le rap-jeu avait tendance à s’uniformiser, PNL arrive avec les bravas gonflés et met une grande gifle à tout le monde. On attend désormais avec impatience la sortie de leur projet Le monde chico, leur deuxième cette année pour voir à quel point le duo est loin, très loin dans le turfu.

Chaîne YouTube :  https://www.youtube.com/channel/UCtBjt766LG9EDVKZx4Q4IHw

Page Facebook :                                                                                                     https://www.facebook.com/Pnlmusic?fref=ts

Je vis je visser :

 https://www.youtube.com/watch?v=wgPyDTT0e7w

Le monde ou rien : 

https://www.youtube.com/watch?v=umF1kfVujhM

Axel Destouches.

[jeanclaudecliche]

A l’ombre de l’ascension Lunatiks.

Nous avons rencontré les Lunatiks, jeune groupe en pleine émergence dans la région Centre. Par l’intermédiaire du chanteur et fondateur du groupe, Clem Chouteau, nous vous présentons leur démarche et leur musique qui gagnent l’une et l’autre à être connues. Les autres membres du rockband  se nomment Alban Coignard, Gauthier Daniels, Aymeric Da Rocha, Geoffrey Sorel et ils sont chauds. On vous invite à lire l’entretien et à faire un tour sur leurs réseaux sociaux. Leur projet est ambitieux et prometteur ; gardez une oreille attentive à leur égard.

1 - On sait grâce à votre page facebook  que l'histoire du groupe est née à Orléans. Mais comment est venue l'idée des Lunatiks ? Qui en-est à l'origine ? Et à partir de quand cinq  jeunes sicos, peut-être amis de longue date, commencent-ils à s'appeler communément les Lunatiks ?

The Lunatiks c'est une longue histoire. Le groupe a pris forme et a vu le jour au collège la Maîtrise Notre-Dame à Beaugency. Nous nous sommes rencontrés en septembre 2012 avec Corentin et Geoffrey à la rentrée scolaire. Nous nous sommes formés tous les trois en mars 2013 sous le nom des "Whites Shadows", puis au fur à mesure que le temps passait nous changions de noms, car la plupart étaient déjà pris. Nous sommes passés par des noms qui n'étaient pas très originaux comme "Headphones" ou encore "Darkys"... Puis une nuit d'avril 2014, nous cherchions un nom avec Geoffrey (notre batteur depuis deux ans) et vers quatre heures du matin le mot "lunatique" m'est venu en tête. Nous nous sommes dit que ça collait bien car nos chansons peuvent devenir rocks et se transformer en quelque chose de très doux, très planant. Comme un changement d'humeur, d'où le retentissement avec le mot "lunatique". Puis nous nous sommes mis d'accord pour The Lunatiks avec l’accord des membres du groupe de l'époque. Nous l'avons gardé jusqu’à ce jour. Puis certains membres sont partis, d'autres sont venus, puis partis à nouveau.. Geoffrey et moi avons toujours été ensemble, jusqu’à notre rencontre en avril-mai 2015 avec Gauthier, Aymeric et Alban qui constituent le groupe actuellement.

2 - Toujours selon les réseaux sociaux, vous situez votre musique autour de plusieurs genres parmi lesquels la Britpop, le Rock alternatif, progressif mais aussi électronique en mentionnant votre usage du piano, effectivement omniprésent. Aussi vos influences correspondent à des artistes frissons, aussi bien les Dylan, Pink Floyd, U2 plus catégorisés Rock que Hans Zimmer, Sigur Ros ou M83. Qu'est-ce-qui réunit ces genres musicaux et ces artistes que vous affectionnez et en lesquels vous puisez votre inspiration ?

C'est vrai que ces artistes cités font partie de nos influences. Surtout Sigur Ros, U2, Coldplay, Muse, Pink Floyd ou Hans Zimmer - nous aimons beaucoup de musiques de films. Nous avons tous les cinq des styles musicaux différents en ayant tout de même à la fois beaucoup de points communs. Nous essayons de réunir tous nos horizons musicaux dans nos chansons, comme le rock symphonique, le folk, le classique, la pop et bien d'autres... ! Nous voulons trouver des chansons qui fassent rêver ceux qui les écoutent, nous voulons à tout prix transmettre de l'émotion. Mais beaucoup de personnes nous disent que le groupe qui se rapprocherait le plus de nous est Muse, pour l'empreinte classique et romantique de notre musique.

3 - Notamment à l'écoute de Ghost of the whisper,  les émotions sont fortes. L'intensité est graduelle, le transport est soyeux car les initiateurs du voyage, instruments en mains, prennent le temps d'accompagner les auditeurs. Cette idée de progression est marquante dans le morceau Barking up the wrong tree . Peut-on à certains égards comparer votre musique à des histoires racontées dans le fait même qu'elle amène à ressentir diverses émotions jusqu'à un climax, un point culminant dont l'on ressent l'approche ?

Ghost of the whisper est une chanson dont la mélodie nous est venue il y a un peu plus d'un an lors d'une nuit. Concernant les progressions, nous aimons beaucoup en mettre dans nos morceaux, pour que celui qui écoute puisse s'immerger dans l'ambiance que nous voulons donner. Nous nous inspirons d'ailleurs de Sigur Ros pour ça. Pour certaines de nos chansons, comme effectivement Barking up the wrong tree, nous racontons quelque chose, une histoire à travers la chanson. Celle-ci parle notamment de l'aveuglement des personnes si dévotes qu'elles déclenchent des guerres ou bien des soldats aveuglés par leur supérieurs ; le début est donc très rock pour exprimer de la colère et de la peur, une sorte de paranoïa - d’où le riff assez psychédélique - puis le morceau se brise et se transforme en montée très planante, très symphonique pour exprimer la détresse résultant de la guerre et de ses conséquences. C'est une sorte d'histoire, c'est aussi un peu pour cela que la chanson dure neuf minutes, c'est plus une chanson d'ambiance, de film plutôt qu'un éventuel futur "tube", nous en sommes conscients.

4 – On trouve parmi vos morceaux postés sur internet des chansons davantage pop, ce qui favorise de vous prémunir contre toute catégorisation, c'est le cas de  New Soul qui nous a fait pensé à Archive ou encore au groupe français Aaron dont les textes sont également écrits en anglais. Pouvez vous nous expliquer votre choix de l'anglais ? Est-il inexorable ou pouvons nous espérer entendre la langue de Corneille à l'avenir (cf “Molière pouvait-il seul être aussi grand” ?) ?

Oui nous essayons de toucher un public assez large, et nous aimons la pop sans trop toucher au commercial ! Nous ne jouons plus New Soul et l'avons presque abandonnée (elle est seulement jouée lors de concerts solos) car elle était trop longue et trop personnelle. Pour l'anglais nous en parlons justement depuis plusieurs jours et nous pensons à l'avenir mélanger les deux langues dans nos chansons - pas toutes - pour que le public français et anglais puissent comprendre. Nous aimons notre langue et commençons à prendre le goût d'écrire avec, pour nos chansons ! Les prochaines  seront donc sûrement en deux langues !

5 – On a vu que vous aviez des concerts de prévus, dites nous tout. Pouvez vous nous parler de vos projets prochains ?

Nous avons effectivement plusieurs concerts de prévus. Le prochain est le samedi 15 août à la plage de Beaugency pour le "Val de son" à 20h. Puis un autre au 5eme avenue à Orléans le 26 août prochain. Et nous sommes déjà contactés pour un festival en août 2016 ! Et bien nos projets sont tout d'abord de trouver des concerts, de se faire programmer dans des festivals, des salles, des fêtes... Nous cherchons pour la fin de l'année et pour l'année prochaine. Nous cherchons aussi des tremplins, de quoi jouer. Et notre projet principal serait de pouvoir enregistrer un EP en studio ! Mais ce ne sera pas pour tout de suite.

On leur souhaite une fructueuse continuation. Merci à vous les gars et particulièrement à Clem Chouteau pour les réponses ; à Aymeric Da Rocha pour la prise de contact... et pour avoir rendu les bouquins du JCC à leurs rédacteurs.

Ces derniers signent cet article, et déclarent ouverte la deuxième saison du crew ; un deuxième temps au projet.

[jeanclaudecliche]

On est sur les nerfs (3/3)

Mercredi 29 Avril

15h15, arrivée à Bourges et tout juste le temps d'avaler une bière sur une place du centre ville où joue un duo de folk. Pas vraiment le genre d'ambiance pour la soirée qui arrive. Direction le Palais d'Auron pour une longue attente que sauront récompenser Gradur, Alonzo, Joke & Kaaris pour cette soirée rap. Aux abords de la salle, un public hétéroclite et cosmopolite patiente avant de pénétrer dans l'arène. Parmi la foule, se distinguent les sosies de Kaaris et Joke ainsi que les t-shirts des fans de Gradur.

17h30 : Je réussis enfin à pénétrer dans la salle et me dirige aux avants de la fosse, assez dépeuplée malgré l'heure. En effet, à ma grande surprise les gradins se remplissent plus vite que la fosse. 18H15 : Le phénomène Gradur débarque sur scène et met le feu au public qui est venu majoritairement pour lui. Personnellement, je n'ai pas aimé l'album de Gradur (L'homme au bob), je connais vaguement 3 ou 4 morceaux, les plus connus. Honte à moi, je me sens un peu largué dans la fosse toute acquise à la cause du Nordiste. Je pensais que Gradur serait meilleur sur scène tant il déborde d'énergie, or, c'est comme sur CD, il hurle et gesticule continuellement, et son concert ne présente donc aucun réel intérêt par rapport à l'écoute du disque. Heureusement le concert passe plutôt vite et le Nord laisse place au Sud.

19H25 : Place au rap du Marseillais Alonzo. J'avoue que je ne connais pas bien le travail du rappeur que j'ai principalement entendu via le groupe Psy4 de la Rime. Mon acolyte du soir me rassure, le mec est chaud. En effet, Alonzo met encore plus d'ambiance dans la salle. Le public connaît chaque son par cœur et Alonzo prend plaisir à jouer avec le public. Le rappeur venu défendre son album Règlement de comptes donne de sa personne sur scène. Après avoir écouté une partie de l'album en live puis sa version CD, le résultat est vraiment différent. Sur scène Alonzo parvient à donner une véritable valeur ajoutée aux sons de l'album et diffuse une énergie bien particulière au rap. Au final j'ai beaucoup aimé le concert du Marseillais qui se révèle être pour moi une très bonne surprise.

20H35 : Pour moi, le premier des deux gros moments de la soirée arrive. Les lumières s'éteignent, la silhouette du rappeur de Montpellier s'avance et se positionne au milieu de la scène dans la pénombre. La mélodie de Pharaon, le premier morceau de l'excellent album Ateyaba, résonne dans la salle. Après cette mise en bouche plutôt musclée, Joke entame les choses sérieuses avec le morceau Majeur en l'air reprit par toute la salle. On enchaîne avec des morceaux comme Harajuku, Menace, Jen Selter, New Jack City tous interprétés dans une version raccourcie d'au moins un couplet. Qu'importe, Joke fait le show, veut « tout baiser », met la salle en feu. Il enchaîne sur un son plus pop et chill, dans la même veine que New Jack City, le génial Casino, interprété dans son intégralité. Joke met le public sur les nerfs avec Amidala, extrait de son EP gratuit Delorean Music , et ce n'est pas fini. Après un petit jeu avec la salle les premiers échos de Miley retentissent. Alors que personne ne s'y attendait le rappeur Orléanais Dosseh débarque sur le refrain et pour son couplet pour embraser littéralement le Palais d'Auron. À la fin du morceau Dosseh reste sur scène pour interpréter le hit Le coup du patron avec Joke & Gradur mais ce dernier est déjà parti, laissant le morceau inachevé. Le concert touche à sa fin et tout le monde connaît la chanson qui va venir clôturer le set magistral du rappeur, On est sur les nerfs. Joke se stoppera trois fois après le premier couplet afin de faire monter la pression avant de faire exploser la salle la quatrième. Au final le live du Montpelliérain apporte une nouvelle dimension à son flow nonchalant tout en confirmant que ce gars est le futur du rap français. Même si les jambes sont lourdes, la chaleur étourdissante et l'oxygène rare, on est bien sur les nerfs et fin près pour LA tête d'affiche de la soirée.

21H40 : « 2.7, Sevran poto, ohhh click », il arrive. Kaaris débarque sur scène et toute la salle exulte. Bien qu'il n'ait personne pour le backer, le type en impose, gros bras, grosse barbe, grosse voix, gros doigt de pied. Avec Kaaris tout le monde attend du sale et personne ne sera déçu. Le rappeur de Sevran attaque avec le premier morceau de son deuxième album Le bruit de mon âme, Kadirov. Pas le temps de souffler que les premières notes du très bon Je bibi font vibrer l'assistance. Puis il enchaîne avec le classique Bouchon de liège, et c'est le feu dans la salle. Kaaris arpente la scène avec son immense carcasse, le sourire aux lèvres, en dansant, en parlant au public, conseillant à un type torse nu de « manger du poisson frit pour les pecs ». Une très bonne ambiance s'installe, on a attendu toute la soirée pour voir Kaaris et ce dernier nous le rend bien. « On va voir si vous connaissez vos classiques », a cappella et contre toute attente il nous offre le couplet qui l'a rendu célèbre, celui du morceau Kalash, toute la salle reprend. Ensuite s'enchaînent des morceaux d'Or noir et de sa réédition ainsi que du deuxième album : Dès le départ, Sombre, Crystal, Or noir, 80 zetrei, Magnum, Le bruit de mon âme ou Comme Gucci Mane. Le public n'est pas rassasié et le rappeur de Sevran n'a pas fini de donner. Malgré la fin qui approche, les morceaux se font de plus en plus percutants et les très puissants S.E.V.R.A.N., Chargé et Se-vrak achèvent de faire exploser la foule. Enfin, pour finir comme il se doit, le morceau qui a fait de Kaaris ce qu'il est aujourd'hui, le classique Zoo. La salle entière connaît les punchlines sur le bout des doigts dans une ambiance entre grande fête et joyeux chaos afin de célébrer le rappeur comme il ce doit.

22H45 : Fin des festivités, le corps endolori et dans une chaleur ardente, la soirée rap aura été forte en émotion. Ce soir, l'ambiance a été crescendo pour finir en apothéose avec Joke puis Kaaris. En prenant à contrepied la plupart des grands festivals avec cette programmation audacieuse, le Printemps de Bourges prouve que le rap, même hardcore, a sa place dans la paysage musical français et sur la scène de festivals plus importants. On sort de la salle de la salle avec le sourire aux lèvres et l'intime conviction que contrairement à ce que certains prétendent, le rap n'est pas mort.

Gradur, Jamais  : https://www.youtube.com/watch?v=jW7J-belbVk&spfreload=10

Alonzo, Y’a rien à faire  : https://www.youtube.com/watch?v=z1EmbOJD5Y4&spfreload=10

Joke, Diamants & Cigarios : https://www.youtube.com/watch?v=TMbIynKfgHA&spfreload=10

Kaaris, Bouchon de liège  : https://www.youtube.com/watch?v=hh9Uk6rpQa4&spfreload=10

Axel Destouches

[jeanclaudecliche]

Rock’N’Beat (2/3)

Jeudi 25 avril 

Arrivé dans la ville de Bourges, j'ai eu la chance d'avoir un endroit où dormir, j'ai donc déposé mes affaires et je suis directement parti au festival. Je suis tombé sur un grand panneau indiquant les heures et les endroits de passages de chaque artiste, la durée totale du festival était, si mes calculs sont bons, de 9h en commençant à 20h et en finissant à 5h du matin, les personnes pouvant librement osciller entre le W et le Palais d'Auron.

Dans le W se produisaient Hyphen Hyphen, Fakear, SBTRKT, Rone, Joris Delacroix, Fritz Kalkbrenner et Jeff Mills, dans le Palais d'Auron : RadioKvm, Cashmere Cat, Odesza, The Subs, N'To et Boris Brejcha. Certains artistes passaient au même moment, face au panneau j'ai donc dû faire des choix, j'ai décidé de ne pas aller voir Radiokvm, Odesza, The Subs et malheureusement N’To celui-ci étant face à Fritz ma décision a vite été prise.

20h, la soirée commence avec Hyphen Hyphen, avant le festival j'avais pris la peine d'écouter les productions de chaque artiste, et, dans mes souvenirs je n'avais pas été transporté par les musiques de ce groupe. Cependant Hyphen Hyphen a sûrement été une de mes plus belles surprises, j'ai été marqué par la voix de la chanteuse, Santa, ainsi que par l'énergie dégagée par le groupe. Lors des premières chansons peu de monde était présent, la moitié du festival n'étant probablement pas encore arrivé, mais à la fin, ils ont réussi à chauffer le public du W le laissant bouillant pour accueillir Fakear. 

Après une courte pause Fakear entre en scène, le public présent pour le voir était largement plus nombreux que pour celui d'Hyphen Hyphen, sa prestation était superbe, tout le public était envoûté et ravi de découvrir un Fakear nous livrant des morceaux inédits. Le moment qui m'a le plus marqué était surement celui pendant La Lune Rousse, bercé par la mélodie de notre artiste le public chantant à l'unisson les paroles qu'il pense être les bonnes, les célèbres :" Mimi Mathy".

Après l'énergie donnée par Fakear changement de décor, je quitte le W pour le Palais d'Auron direction Cashmere Cat, quand j'entre dans la salle, elle est déjà noire de monde, j'essaie de me frayer une place au milieu de la foule, pour être au plus près de la scène. Emporté par la foule et la confiance j'allume de quoi me ravitailler, à peine allumé une pression se fait ressentir au niveau de mon bras, un vigile me fait sortir. Mon séjour devant Cashmere Cat fut donc de courte durée, je décide de retourner au W me souvenant que SBTRKT se produisait à ce moment, légèrement déçu de ne pas avoir plus profité de Cashmere Cat je me laisse transporter par l'homme au masque, l'ambiance est énorme, le public en extase, juste le temps pour moi d'entrer dans la foule, je profite du peu de temps de passage restant.

À la fin de sa représentation je décide d'aller me ravitailler en bière, la grande classique des festivals. Suite à ce besoin j'ai dû louper environ les 3/4 de la représentation de Rone, j'ai rarement attendu aussi longtemps pour une simple pinte. Mais pour mon plus grand plaisir lors de mon retour dans le W, Rone commence à interpréter Bye bye macadam, mon morceau préféré de cet artiste, toute la frustration due à l'attente se dissipe, ce morceau souvent remixé mais jamais égalé (Cf Pavane) m'a littéralement exalté.

Place à Joris Delacroix, je me laisse séduire par sa musique, et bercé par les nombreux jeux de lumières, le chapiteau pouvant accueillir 6500 places est presque rempli, malgré une ambiance folle, je décide en milieu de représentation d'aller me reposer à l'extérieur pour être en forme pendant la prestation de Fritz Kalkbrenner, l'artiste que j'attendais le plus.

On déménage le matériel de Joris et on installe celui de de Fritz, je me souviens de nombreux néons tout autour de ses platines. 2h20 Fritz commence, et là c'est la folie dans le W, la fosse est déchaînée, la plupart des gens, comme moi attendait ce moment avec impatience, j'ai été rempli d'une sorte d'adrénaline à l'écoute des morceaux Back home et Sky and Sand morceaux que j'affectionnais grandement à la base, c'est fou comme entendre en live un morceau qu'on apprécie, procure dans le corps humain une traversée de joie inexplicable.

Je puise dans mes dernières forces pour danser et faire honneur à Fritz, je reste jusqu'à la fin de sa prestation. Puis place au génie Jeff Mills, ses pulsations se propagent dans tout le chapiteau, touchant chacun d'entre nous, après cette impressionnante entrée en matière, la fatigue prend le pas sur ma folie, je n'ai malheureusement pas pu assister à toute sa représentation.

Je suis donc sorti du festival, déambulant dans la ville de Bourges plongée dans l’obscurité, avec dans la tête toutes ces mélodies qui m'accompagnent jusqu'à mon arrivée dans l'appartement. C'était ma première année au Printemps de Bourges, et vu le soirée que j’ai passé, ce festival me comptera à coup sûr parmi ses prochains participants.

Hyphen Hypen : https://www.youtube.com/watch?v=rxZu3OZBn4U

Fakear: http://culturebox.francetvinfo.fr/festivals/le-printemps-de-bourges/fakear-au-printemps-de-bourges-2015-216797

Cashemere Cat: https://soundcloud.com/cashmerecat/mirrormaru 

SBTRKT: https://www.youtube.com/watch?v=ZdUINbi4wSY

Rone: https://www.youtube.com/watch?v=kfoJUeyMsOE

Joris Delacroix: https://soundcloud.com/pleinvrees/joris-delacroix-pleinvrees-010-13122014

Fritz Kalkbrenner: https://www.youtube.com/watch?v=5g7j0TrYKMk

Jeff Mills: https://www.youtube.com/watch?v=FzxP4Do7X_k

Florian Boisramé

[jeanclaudecliche]

Printemps de Bourges - Récit (1/3)

24 Avril 2015

Accompagné d'amis musiciens, je me suis rendu au concert où se produisaient, dans l'ordre : Vianney, Brigitte, Angus & Julia Stone, et enfin Selah Sue. Je misais personnellement sur les deux derniers noms, ne connaissant que très peu l’œuvre des deux autres. Et si j'étais également emprunt de préjugés plutôt négatifs à leur égard, je ne mentirais pas en disant que je voulais malgré tout établir mon jugement avec objectivité.

Before de festival oblige, nous arrivons un peu en retard. Tout va bien, ce n'est que Vianney (j'avais dit objectivité ?). Le gars est seul sur scène, sa folk et son corps confondus, il joue et chante avec passion ; + 1 pour lui. Ses chansons d'amour cependant , loin de le rehausser, le confine aux clameurs féminines. Si la majeure partie de ce public est certes conquise, il demeure un tas d'autres auditeurs qui n'écoutent plus.

Brigitte ensuite, poupées blondes, dorées et alignées ont elles commencé on ne peut plus mal. Un problème technique que ne perçoit pas le public dérange le duo au point de claquer des doigts en direction des coulisses, et ce avec une énergie graduelle. Alors, le gus Jean-Claude arrive et tente de traficoter les appareils qui sont posés au bas du dos des chanteuses. Le public ne comprend toujours pas. L'ingénieur-son cavale entre les deux artistes, à genoux. Pour ses mains a priori baladeuses, il se fait repousser par les deux femmes qui continuent à chanter et par le public se fait railler. Jean Claude, l'ingé-son, est passé pour un sacré couillon.

Alors Brigitte reprend la maîtrise. C’est une fois à l’aise et débarrassées du gus qu’elles me font taper du pied. La saveur des morceaux joués diffère complètement des originales de l'album. Les chants sont apposés, une intensité commence à monter ; dommage : « On aimerait faire un morceau pour les filles(...), vous rappelez que nous sommes toutes libres, indépendantes, ... ».

Les féministes à soutenir sont pour moi celles qui s'incarnent artistiquement, celles dont les textes touchent marquent inspirent et surtout, rassemblent. Je me trouve embarrassé quand deux chansons après ce discours intermédiaire, elles crient « Fais moi mal » et chantent avec allant : « Je passe le plus clair de mes nuits à prier/ Qu'un jour tu fasses de moi ta poupée » et allons-y : « Maladroite pour me tenir droite je m'accroche au flipper » ; nous sommes aller prendre l'air.

La troisième affiche de la soirée est la première que j'attendais véritablement : Angus and Julia Stone. Des morceaux ballades en majeure partie, un peu trop peut-être. Julia la sœur déambule sur scène ; parée comme une bohémienne elle ravi les cœurs et à sa voix s'ensuit des frissons.

Jouée en milieu de concert, la version live du morceau phare du groupe, Big Jet Plane, représente l'atmosphère dégagée dans l'ensemble. C'est à dire trop mélancolique, du moins assez lassant pour ne pas marquer l'esprit. Angus le frère est d'ailleurs loin de la prestation attendue. Je me retrouverai cependant, plus tard au sortir du chapiteau, à ne pas savoir comment leur en vouloir.

Enfin, d'une confiance aveugle en l'artiste qui allait suivre, je m'éloigne de la scène, gêné au plus haut point par les grands qui dans la fosse me devancent. Selah Sue arrive colorée et armée d'un tout autre enthousiasme. Nous vivons un changement de climat flagrant ; la merveille flamande fait trembler la salle ; ça claque nettement plus fort. Les adaptations live des deux albums procurent des émotions différentes, tout aussi agréables mais résolument plus fortes chez le spectateur un tant soit peu initié. Elle pousse la voix, lève les bras ; de mon lointain point de vue je la hisse au pavois : Selah Sue depuis lors m'est une reine.

Vianney : https://www.youtube.com/watch?v=GA1dBJhLxfQ

Brigitte : https://www.youtube.com/watch?v=iYAz_xv628s

Angus & Julia Stone : https://www.youtube.com/watch?v=VEmqd8-sJco

Selah Sue : https://www.youtube.com/watch?v=J-1GYLY9p9U

Elliot Serin

[jeanclaudecliche]

Naviguer

     Lost River est le premier film en tant que réalisateur de l'acteur-totem Ryan Gosling. Dans une ville à l'agonie, Billy, mère célibataire de deux enfants, ne peut plus payer son loyer et se voit proposer un étrange travail dans un cabaret macabre. On suit également la parcours du fils aîné, Bones, durant lequel la découverte d'une cité sous-marine, son histoire d’amour naissante avec sa voisine Rat et sa rivalité avec Bully s'entremêlent.

  Commençons d'emblée par le principal défaut du film, le trop plein de références qui le jalonnent  ne permettent pas de distinguer, même s'il s'agit d'un premier film, une signature Gosling. Néanmoins, le réalisateur, ayant été à bonne école, s'inspire des plus grands auteurs contemporains comme Nicolas Winding-Refn ou Terrence Malick (crédités au générique). Si ces inspirations sont à la fois un défaut et une qualité du film c'est qu'elles ne permettent pas à Ryan Gosling de lâcher prise et de se livrer totalement tout en invoquant une certaine puissance esthétique.

  Les références évoquées ne rendent pas, contrairement à ce que l'on pourrait penser, le film moins personnel car Gosling les utilise pour mettre en forme une histoire originale qui prend racine dans la sienne. En effet, le réalisateur signe également le scénario du film et y injecte de fait des souvenirs de son enfance.

 D'un point de vue visuel, le film est splendide. Ryan Gosling choisit de filmer Détroit pour donner corps à sa cité imaginaire. Le choix de cette ville n'est d'ailleurs pas anodin puisque Détroit est l'ancien bastion de l'automobile aux USA et vient tout juste de sortir de la faillite, il y a quelques mois. Gosling filme Détroit comme ce qu'elle est : une ville fantôme. Comme dans le dernier film de Jim Jarmusch, Only Lovers Left Alive, l'atmosphère de la ville vient à la fois peser sur l’intrigue et en même temps dire quelque chose de la société américaine.

 Le rêve (américain) semble brisé et subsistent alors des (villes) fantômes ou des vampires. Cette beauté macabre et glauque de la ville est parfaitement mise en lumière par le chef opérateur Benoît Debie, qui a travaillé sur Enter the Void de Gaspar Noé ou plus récemment sur le chef-d’œuvre de Harmony Korine, Spring Breakers. On retrouve clairement sa patte dans le choix des couleurs fluo omniprésentes dans le film. On peut également noter la présence d'une très belle B.O. signée par Johnny Jewel de Chromatics et la superbe chanson Yes.

  Dans son film, Ryan Gosling dessine des personnages très forts, du niveau de ses acteurs. Le casting est parfait, de Christina Hendricks à Eva Mendes en passant par Saoirse Ronan ou Matt Smith, tous apportent de la vie au long-métrage. Néanmoins, les personnages joués semblent tous habités d'une force étrange et macabre. Et c'est là que le cœur du film de Gosling se révèle, dans les émotions qu'il procure. Si on ne comprend pas toujours les tableaux symbolistes mis en place par le réalisateur, peu importe tant le film nous fait naviguer sur une rivière d'émotions : l'angoisse, l'incompréhension, l'émerveillement, la compassion ou l'euphorie. 

   Dans un film où chaque plan semble être un tableau, il s'agit de construire une galerie cohérente de ces tableaux et Ryan Gosling y parvient avec une maîtrise impressionnante pour une première réalisation. Dès la sortie de la salle, et même des jours après, des images/tableaux du film hantent la mémoire comme celle de la porte du cabaret où se rend Billy et son intérieur, comme un bébé jouant dans le sang, une femme se découpant le visage, une maison brûlée. 

  Tout cela pour dire quoi ? Que l'espoir est permis mais qu'il passe par le rêve, par l'imagination, par la beauté, par les merveilles, par la création, par l’écriture et pour Ryan Gosling, par le cinéma.

LOST RIVER

États-Unis, 2014

Réalisation : Ryan Gosling

Scénario : Ryan Gosling

Interprétation : Christina Hendricks, Saoirse Ronan, Ian De Caestecker, Matt Smith, Eva Mendes, Ben Mendelsohn, Reda Kateb

Durée : 1h35

Sortie : 8 Avril 2015

Bande-Annonce : https://www.youtube.com/watch?v=bII8wH6a6FE&spfreload=10

Axel Destouches

[jeanclaudecliche]

There Will Be Fun

Inherent Vice, le 7° long-métrage du réalisateur américain Paul Thomas Anderson (PTA pour les intimes)semble marquer un tournant inespéré et salvateur dans l’œuvre de son auteur.

En effet, PTA nous avait habitué, notamment avec ses deux derniers films, There Will Be Blood (2007) et The Master (2012) à une pesanteur à la limite de l'insoutenable. Dans Inherent Vice se déploie une certaine légèreté et la fumée épaisse et lourde se transforme en une fumée légère et envoûtante. Let’s get high. 

Le film nous conte les aventures de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), détective privé et de son ex-petite amie Shasta Fay Hepworth (Katherine Waterston) qui vient à sa rencontre car elle soupçonne que la femme et l'amant du magnat de l’immobilier dont elle s'est entichée ne complotent pour empocher son argent. Si ce synopsis ne semble pas très clair, il est à l'image du film : fumeux.  

Même si l'on se réjouit de l'évolution du cinéma de PTA on retrouve toutefois des éléments de ses films précédents. Parmi ces éléments on trouve surement l'une des caractéristiques principales du cinéma de PTA : la maîtrise. Alors oui, d'un point de vue formel, comme tous ses autres films, c'est superbe. Cette maîtrise était jusqu'alors au service d'un cinéma fermé sur lui-même, dont le but est le « grand film ». Paradoxalement et heureusement, le meilleur film de PTA à ce jour est le plus léger.

Lorsque l'on regarde Inherent Vice on est d'abord frappé par la puissance de l'imagerie du film. Chaque scène, chaque plan, chaque musique (parfaite B-O), chaque couleur, chaque regard nous marque. On est frappé par la justesse des acteurs et notamment Joaquin Phoenix qui se sublime derrière la caméra de PTA. On est également frappé par des dialogues et des situations absolument improbables (la scène du Chick Planet Massage). On hallucine. Comment rentrer dans ce joyeux bordel en tant que spectateur ? Il ne faut pas essayer de comprendre le film mais se laisser porter, comme si Doc Sportello nous tendait son joint pour nous emmener avec lui.

Si le film est une parfaite comédie tant on prend du plaisir à rire, on peut également trouver un versant plus sombre. En effet, il s'agit pour PTA de dépeindre la fin de l'euphorie des sixties et le début des années 70. Ainsi les personnages semblent évoluer dans un temps totalement indéfini même si on nous informe de la chronologie du récit. Au-delà de la drôlerie manifeste du film pointe donc une certaine mélancolie qui vient répondre au propos de The Master qui laissait entrevoir un espoir tandis qu'ici c'est l'inverse qui se produit.

De plus, la présence d'une voix off, le personnage de Sortilège, achève de donner ce ton mélancolique au film car celui-ci est raconté au passé. Outre la mélancolie, un autre thème travaille le film : la paranoïa. Elle est omniprésente, de la première à la dernière scène du film. De la demande d'enquête de Shasta à la réaction de Doc. Dans la plupart des plans où Doc enquête il est quasi systématiquement fait référence à cette paranoïa, notamment lorsque Doc reçoit un client et griffonne le mot sur son carnet.

À ces deux thèmes se mêlent celui de la drogue et du psychédélisme qui permettent de donner un véritable élan au film car il s'agit bien d'un film sur un certain élan. En effet, on a l'impression d'une fuite en avant, de quelque chose qui semble échapper au contrôle et à la raison, il s'agit de s'évader, de s'évaporer, de partir en fumée.

INHERENT VICE 

États-Unis, 2015

Réalisation : Paul Thomas Anderson

Scénario : Paul Thomas Anderson, adapté du roman Vice Caché de Thomas Pynchon

Interprétation  : Joaquin Phoenix, Katherine Waterston, Josh Brolin, Owen Wilson, Benicio Del Toro, Reese Witherspoon, Sasha Pieterse

Durée : 2h29

Sortie : 04 Mars 2015

Bande-Annonce : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19548415&cfilm=188590.html

Axel Destouches.

[jeanclaudecliche]

Extension du domaine de la lutte

     Foxcatcher, prix de la mise en scène à Cannes, est le troisième long-métrage du cinéaste américain Bennett Miller. Après le magistral Truman Capote (2006) et le moins réussi Le Stratège (2011), le réalisateur poursuit son œuvre en procédant une nouvelle fois à partir de faits réels. Si on aurait pu craindre, au vu des nombreuses et abjectes histoires labellisées «Histoire Vraie », que le film ne soit qu'un simple récit calibré pour les larmes et les Oscars. Il n'en est rien, Foxcatcher est un chef-d’œuvre.

     La base du travail de Bennett Miller est donc une histoire vraie, un fait divers sordide survenu au milieu des années 90 aux États-Unis mais dont le début date de la fin des années 80. Il est question des frères Schultz, Dave et Mark, lutteurs hors pairs tous deux champions olympiques et de John du Pont, « auteur, ornithologue, explorateur, philatéliste » et surtout riche héritier. Du Pont propose à Mark d’emménager sur sa propriété afin de mettre en place un camp d'entraînement en vue des Jeux Olympiques de Séoul en 1988. Dès lors il s'agit pour Miller de s'intéresser aux relations nouées entre les deux hommes puis d'observer leurs évolutions lorsque le milliardaire fait valoir son envie d'inviter Dave à Foxcatcher.

     Pour voir et pour apprécier Foxcatcher il n'est pas nécessaire de connaître le fait divers dont est tirée l'histoire car dès les premières images, ou dès la bande-annonce, on sent que cela ne peut se terminer bien et ce à tout point de vue. En effet, on nous montre successivement la solitude de Mark qui contraste avec l'entourage présent autour de son frère Dave puis l'immense demeure sans vie de John du Pont. D'emblée, Bennett Miller pose donc le propos principal de son film, à savoir l'exploration de la relation qui lie les trois personnages principaux.

     Dans un entretien accordé à Libération Bennett Miller déclare avoir voulu « contrôler le chaos » pour réaliser son film et on ne saurait trouver de meilleure formule pour caractériser ce chef-d’œuvre. En effet, la mise en scène de Miller est impressionnante de maîtrise, tout à sa place, chaque détail est important. À la mise en scène époustouflante s'ajoute une photographie magnifique, Miller filme merveilleusement bien les paysages dans des plans très rapides ainsi que la propriété de du Pont, tant l'extérieur donc que l'intérieur et ses innombrables pièces inutiles et ses couloirs interminables. Mais là où le film devient le plus intéressant c'est quand il prend à revers la maîtrise de la mise en scène au profit et tend vers la psychologie des personnages. Le chaos dans le contrôle et inversement.

     Foxcatcher ne nous montre (presque) jamais les vrais sentiments de ses personnages mais laisse le spectateur seul juge et quoi de plus jouissif pour un spectateur que de voir le film qu'il désire voir et non assister à une séance guidée par un réalisateur qui aurait peur que son public puisse réfléchir. Ainsi Miller donne à voir le déroulement du fait divers évidemment romancé mais en prenant le soin de ne créer aucun réseau explicatif. On ne connaît pas les motivations des personnages, on a comme seules indices les paroles des personnages. Oui mais voilà, le film est surtout efficace dans ses non-dits, on en apprend plus dans les regards et les gestes que dans les dialogues. Et c'est à ce moment précis que ce déploie toute l'ampleur et la puissance du film de Bennett Miller qui nous montre nos failles. Car si la possibilité d’empathie et d'identification est relativement réduite, celle de nous mettre mal à l'aise est bien réelle. Pendant tout le film on est tiraillé entre rire et malaise car il nous est donné à voir ce que nous vivons chaque jour et cela nous amène à nous interroger sur nos propres relations.

     Si le film est aussi splendide et prenant c'est également dû à la qualité de la distribution. On a beaucoup parlé du trio d'acteurs et ce à juste titre tant ces derniers sont absolument excellents. Si tous géniaux, ils ont un autre point commun dans le film, la transformation. Steve Carell et son immense prothèse nasale qui lui donne l'air , littéralement, d'un rapace ; Mark Ruffalo méconnaissable avec cette barbe et ces cheveux en grand-frère protecteur (?) puis Channing Tatum qui est celui qui, finalement, a subi le moins de transformations physiques mais on remarque bien évidemment son corps de buffle et son regard bovin. De ce maquillage et de ces costumes, Bennett Miller tire le meilleur pour captiver le spectateur et le tenir en haleine durant les 2h14 du film.

     Foxcatcher est un grand film sur l’Homme et sur les relations humaines mais il s'agit avant tout d'un film de sport. Miller récidive après Le Stratège (baseball) et s'attache donc une nouvelle fois au milieu sportif. Ici, la lutte exerce une sorte de fascination sur le spectateur, on nous parle d'un sport qui nous est pratiquement inconnu et on nous raconte l'histoire d'un champion de ce sport. Si la lutte est évidemment un prétexte pour Miller, il s'attache toutefois à filmer parfaitement les scènes de combats dans les championnats ou les entrainements. Ce ballet des corps vient apporter une contrepoids à l'aspect psychologique du film tout en éclairant certains aspects. Dès lors, le jeu physique de Channing Tatum apporte une nouvelle épaisseur à son personnage et permet d'entrevoir encore plus sa fragilité. La lutte est donc au cœur de l'intrigue du film et la salle d'entraînement donne lieu à des situations significatives. Bien entendu, tous ces corps masculins à demi-nus ne sont pas sans intérêts pour le réalisateur qui laisse des sous-entendus faire germer des idées dans la tête du spectateur sans jamais confirmer ou infirmer.

     Oui, le film ne tranche jamais, si cela peut en rebuter certains, cela participe également de son charme. Dans un entretien accordé aux Cahiers du cinéma (n°707), Bennett Miller déclare ne pas avoir voulu donner d'aspect politique à son film. Or, force est de constater que le garçon est loin d'être ignorant et que, même s'il s'agit d'esquisses, il traite de la société américaine dans Foxcatcher. Nous reviennent en mémoire les scènes où Mark prend de la cocaïne, ou encore la célébration de du Pont par ses athlètes, les relations étroites avec l'armée et l'entraînement au tir. Plus encore que cela, la dernière du film est frappante, Mark pénètre sur un ring de MMA pendant que les spectateurs hurlent « USA USA USA ! ». De plus, l'histoire même racontée dans le film, le rêve américain ici transposé dans le domaine de la lutte viennent nous dire que si il y a une dimension politique dans le film, là-encore Miller la laisse en suspend, il ne tranche jamais mais il suggère toujours.

     Bennett Miller nous donne à voir un miroir, un reflet fantasmé et fictionnel de nous-même. Plus encore : de nos sentiments et de nos pensées. Ainsi le film, outre sa beauté formelle, va davantage du côté de la psychologie des personnages sans jamais être explicite. On se retrouve alors face à un gouffre émotionnel tant ce film nous met en face avec la complexité des émotions dans les relations humaines. Bennett Miller, toujours dans Libération : « Je veux être un explorateur, naviguer sur un océan inconnu sans jamais être sûr que le monde est bien sphérique ou s’il existe, quelque part, un précipice sans fond. ». Avec Foxcatcher et à la manière d'un grand écrivain, Miller regarde l'abîme d'en haut et le scrute. Il nous livre le meilleur film de ce début d'année 2015 et sans doute une de ces merveilles du cinéma américain de ces dernières années. 

FOXCATCHER

États-Unis, 2014

Réalisation : Bennett Miller

Interprétation : Channing Tatum, Mark Ruffalo, Steve Carell, Sienna Miller

Durée : 2h14

Sortie : 21 Janvier 2015

Bande-Annonce : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19549802&cfilm=197897.html

Axel Destouches.

[jeanclaudecliche]

Molière pouvait-il seul être aussi grand ?

Je ne vous présente pas Molière, on connaît tous au moins une de ses pièces qui sont considérées comme de grands classiques. Cependant le doute est légitime : et si Molière n'avait pas écrit de sa main les fameux Tartuffe, Dom Juan, Misanthrope ?

Pour commencer, je vais retracer très brièvement le parcours de Molière en m'appuyant sur quelques éléments biographiques. Son père étant tapissier du roi, il est issu d'une bonne famille. Il commence sa carrière en 1643 au sein d'une troupe de comédiens nommée L'Illustre Théâtre. A cette époque les pièces jouées par Molière sont assez grossières, il n'est pas encore le fameux chef de troupe que l'on connaît tous, puisqu'il est sous la direction de Madeleine Béjart en tant que trousseur de farce ou homme d'affaire. 

Les débuts sont difficiles avec la compagnie, il enchaîne les tournées en province, puis en 1658 il séjourne pendant six mois à Rouen pour soi-disant « se rapprocher de Paris ». Il est admis aujourd'hui que Pierre Corneille en personne résidait à cette période à Rouen. Le metteur en scène habite rue du Vieux Palais soit à quelques pas de la rue de la Pie où vit notre cher auteur tragique.

Ces six mois à Rouen vont être déterminants dans la vie de Molière, en effet, à son retour à Paris, Molière apparaît sous un nouveau jour  : celui qui produisait des pièces grossières se met à offrir des comédies raffinées, changeant le répertoire comique en y intégrant du Corneille.

Et qu'en est-il justement du supposé acolyte ?

Il faut savoir que Pierre Corneille a d'abord commencé par écrire des comédies, il est devenu cet auteur tragique que l'on connaît tous malgré lui, et ce grâce ou à cause du Cid. C'est en 1636 qu'est représentée cette pièce, qui met en scène l'histoire de Rodrigue déchiré entre son amour pour Chimène et le devoir qui l'amène à tuer le père de celle-ci. Cette œuvre est un tel succès pour son auteur que cela l'enfermera pour toujours dans le genre tragique. Après son succès, il est anobli, et rentre à l'Académie française : il devient le grand Corneille.

Le doute se tisse à partir du moment où l'on s'intéresse aux thèmes abordés par Molière. En 1659, il présente la comédie Les Précieuses Ridicules, à propos de ces femmes snobes qui donnaient alors le ton de la bonne société. Le problème que pose cette représentation réside dans le fait que Molière, venant de sa province, n'a jamais côtoyé ces femmes dont il se moque avec exactitude. De plus, lors de la sortie de la pièce, les précieuses n'avaient plus ou peu d'influence, on peut donc se demander pourquoi il a choisi ce sujet. Au contraire, Pierre Corneille a lui connu ces précieuses, aussi a-t-il a dû souffrir leurs critiques, qui ont largement contribué à son retrait du théâtre en 1657. La pièce n'est-elle pas la meilleure riposte qu'aurait pu asséner Corneille à ses anciennes détractrices ?

L'année où Molière passe ses six mois à Rouen, cela fait autant d'années que Corneille s'est retiré du théâtre. Ce dernier est alors père de six enfants : comment faisait-il pour gagner sa vie en sachant que les droits d'auteurs étaient mal payés ? Des rentrées d'argent évidentes ont fait vivre la grande famille. Si l'on étudie par ailleurs les comptes et recettes propres à la troupe, on remarque que Molière touchait non pas un salaire, mais deux. Cela dit, attribuer cette seconde part à l'auteur certifié du Cid peut apparaître comme une affabulation. Ce sont des hypothèses que nous exposons devant vos yeux, libre à vous, et à jamais, d'en interpréter une pensée non académique.

Pourquoi Corneille aurait écrit pour Molière ?

Le peuple de cette époque est très friand de comédies légères, c'est malheureusement un genre condamné par l’Église et par une partie de la Cour. C'est pour cela que certains écrivains préféraient écrire dans l'ombre, aussi faut-il savoir qu'à cette époque l'écriture comique était dans nombre de milieux considérée comme un acte littéraire obscène.

Quand on analyse la biographie de Corneille, on remarque qu'en 1662, alors qu'il a toujours vécu à Rouen, il décide de déménager pour Paris où il s'installera à deux pas du théâtre du Marais, où joue la compagnie de Molière. Le fait est que les coïncidences se succèdent  : Molière est à ce moment là de plus en plus demandé, la production de pièces doit décupler. Peut être que la distance Rouen-Paris était devenue par sa longueur trop inconvenante pour la correspondance des pièces entre les deux génies. C'est une supposition, une fois encore. Courte anecdote à ce sujet : au moment de gagner Paris, Corneille aurait dit à sa famille « Je suis dégoûté de la gloire et affamé d'argent ».

Et si je devais retenir un seul fait marquant de toute cette histoire, je choisirai l'exemple de Psyché, une pièce commandée par le roi Louis XIV pour le carnaval de 1671, et dont la préface apporte un argument de taille en faveur de l'idée selon laquelle les deux hommes auraient collaboré. En effet, on peut y lire : « Monsieur Molière étant fort occupé par la mise en scène n'a pas eu le temps de la faire toute entière et Monsieur Corneille a mis une quinzaine au reste ».

Après Psyché et ce demi aveu figurant dans la préface, le roi Louis XVI n'a plus fait de Molière un invité régulier et privilégié de la Cour. Il n'a même pas pu jouer devant le roi sa dernière pièce Le malade imaginaire. On peut supposer que le monarque à réagit de cette manière en raison de soupçons ou en ayant eu la preuve que Corneille avait plus d'une fois prêté main forte à Molière.

Cet article, nous avons jugé nécessaire de le préciser, n'a pas été écrit et publié pour remettre en cause la haute place de Molière dans les lettres françaises. Quand bien même les soupçons évoqués s’avéreraient justes, cela n'enlève rien au génie du metteur en scène et novateur critique que fut Jean-Baptiste Poquelin, de son véritable nom. Nous ne sommes pas dupes, si nous nous penchons sur la biographie de Corneille, on a du mal à l'imaginer écrire Dom Juan et blasphémer comme le personnage éponyme le fait devant des infortunés. Pour suivre la logique des faits mentionnés, on pourrait plutôt imaginer une association équitable des deux génies : Molière pour son sens de la scène, de la représentation et des situations, Corneille pour la perfection de ses vers. 

Page Babelio Molière : http://www.babelio.com/auteur/-Moliere/2162

Page Babelio Corneille : http://www.babelio.com/auteur/Pierre-Corneille/2187

Image : « Molière dans le rôle de César dans La Mort de Pompée » , peint par Nicolas Mignard (1658)

L'équipe du JCC tenait à vous informer de ces quelques incohérences et doutes, histoire que vous ayez les armes pour faire les guiguis comme il convient à l'école, ou aux repas de famille.

Florian Boisramé, avec la participation d'Elliot Serin.

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Les Tops 2014 du JCC #2

Suite du palmarès 2014 du JCC avec cette fois la musique à l'honneur.

1. Frànçois & the Atlas Mountains - Piano Ombre

Cet album incarne la perfection. De A à Z. Il épouse toutes les émotions que l'on peut ressentir grâce à la musique. Pop, psyché, joyeux, mélancolique, génial, subtil, entraînant...

Génial, tout simplement.

Extrait de l'album : La Fille aux cheveux de soie  : https://www.youtube.com/watch?v=BeRt9Zsq8No&spfreload=10

2. Lana Del Rey - Ultraviolence 

Le deuxième album de Lana Del Rey gagne à être écouté plusieurs fois avant de rencontrer le sublime poison qui vous fera l'écouter en boucle. L'univers musical de l'envoutante chanteuse  se couple avec un goût prononcé pour le cinéma. La Ballade Sauvage. 

Extrait : Shades of Cool  : https://www.youtube.com/watch?v=rJABBmAMXnY&spfreload=10

3. Mac DeMarco - Salad Days

Parfait pour s'allonger dans l'herbe, les yeux vers le ciel et la tête ailleurs. Mac DeMarco, aussi barré que sa musique, nous invite à  voyager dans son monde à l'esthétique si particulière. Un album solaire. Virtuose.

Extrait : Chamber of Reflection : https://www.youtube.com/watch?v=NY8IS0ssnXQ&spfreload=10

4. Joke - Ateyaba

Si le bonhomme peut nous lâcher un morceau aussi débile que "Majeur en l'air" il peut aussi se montrer plus profond comme dans "Ateyaba". On trouve dans l’ego-trip du montpelliérain un exutoire certain et peut-être une alternative crédible au rap ultra-commercial de Gims et consorts. 

Extrait : Jen Selter : https://www.youtube.com/watch?v=f5JYhDFMxJg&spfreload=10

5. Aphex Twin - Syro

Le retour du roi. Simplement, il suffit de l'écouter pour se rendre compte que la maîtrise de l'artiste anglais n'a pas faibli. Pour faire la fête, pour le plaisir. Mais avec Aphex Twin, c'est toujours pour le plaisir.  

Extrait : minipops 67 [120.2][source field mix] : https://www.youtube.com/watch?v=RUAJ8KLGqis&spfreload=10

6. Todd Terje - It's Album Time

Le producteur norvégien nous livre un album de très haute volée. Dansant, disco, techno, joyeux, inventif, sans oublier une touche subtile de mélancolie. Todd Terje va piocher dans une multitude de styles différents pour en créer un bien à part, qui lui est propre. Un voyage auditif magnifique.

Extrait :Johnny And Mary : https://www.youtube.com/watch?v=ibuSxgL83dE&spfreload=10

7. L'entourage - Jeunes Entrepreneurs 

Comme Joke, mais dans un style différent, le collectif parisien constitue le futur du rap français. Un rap plus à l'ancienne mais tout de même ancré dans son temps. Un très bon album qui annonce plein de promesses pour l'avenir. À l'image de Nekfeu, on attend avec impatience les albums solos des meilleurs éléments du crew.

Extrait : Soixante-Quinze  : https://www.youtube.com/watch?v=ygOxSSdVUQ0&spfreload=10

8. Lykke Li - I Never Learn

Album après album, la suédoise prend de l'ampleur. On plonge avec elle dans l'abîme qu'elle ouvre avec sa voix puissante et splendide qui laisse parfois entrevoir un chant de joie, d'espoir, plein de vie. La beauté froide de Lykke Li est sans doute un cliché, mais elle définit si parfaitement sa musique.

Extrait : Gunshot : https://www.youtube.com/watch?v=AIruwzhozTc&spfreload=10

9. Christine and the Queens - Chaleur Humaine

Un album extrêmement audacieux qui vient mélanger différents genres à la perfection (électro, R'n'B' etc) pour créer une œuvre singulière. Un plaisir pour les oreilles et pour les yeux tant la chanteuse soigne ses chorégraphies. Des textes ardemment travaillés et des productions parfaites permettent à la chanteuse de se tailler une place de choix dans le répertoire français.

Extrait : Nuit 17 à 52  : https://www.youtube.com/watch?v=FONX8V7qZlw&spfreload=10

10. Schoolboy Q - Oxymoron

Lieutenant du génial Kendrick Lamar au sein du crew Black Hippy, Schoolboy Q délivre avec Oxymoron une réactualisation du rap west-coast. L'album est parsemé de véritables tubes (Collard Greens, Man Of the Year...). Q semble investi, comme tout le Black Hippy, d'une mission qui consiste à produire un rap jouissif sans être totalement dénué de sens. De plus, en concert, l'homme est une bête.

Extrait : Man Of the Year  : https://www.youtube.com/watch?v=rEMsjeq43_U&spfreload=10

Axel Destouches.

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Les Tops 2014 du JCC #1

Une fois de plus l’année culturelle a été bien chargée, le JCC vous propose donc un récapitulatif des œuvres qui ont marqué la rédaction au travers d’un palmarès présenté ci-dessous :

Films :

1. Mommy, Xavier Dolan :

Le meilleur film de l'année, de très loin. Un tourbillon émotionnel enrobé dans une parfaite mise en scène pop. Dolan au sommet.

Critique du JCC à cette adresse :http://jeanclaudecliche.tumblr.com/post/99814597830/les-sceptiques-seront-confondus

2. Saint Laurent, Bertrand Bonello :

Opium. On se laisse gagner peu à peu, comme empoisonné, par le dandysme noir, par la mélancolie du film qui est sublimée par une science de la mise en scène parfaitement maîtrisée. Gaspard Ulliel est fantastique, Bonello est immense. Assurément le meilleur film français de l'année. 

Bande-Annonce : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19546959&cfilm=207652.

 Extrait: https://www.youtube.com/watch?v=cZeQS0grjq0&spfreload=10

3. Nymphomaniac, Lars von Trier :

Le génie frappe une fois de plus. Il provoque, il montre ce que les autres trouvent tabou. LVT va au bout de ses idées pour notre plus grand plaisir. L'esthétique est bien entendu au rendez-vous et le vulgaire annoncé laisse place à une grâce fantastique.

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19540262&cfilm=196465.html  

Extrait : https://www.youtube.com/watch?v=eAORH-f-VFA&spfreload=10

4. Adieu au langage, Jean-Luc Godard :

Pour apprécier ce film il faut se laisser prendre au jeu de l'incompréhension. et du second degré. Ici, il s'agit d'un jeu pour Godard et si le spectateur accepte de jouer avec lui il pénètre alors dans un monde ludique au sein duquel il éprouve une certaine jouissance. Un film expérimental de très haute facture. Merci et Ah Dieux God Art. 

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19545281&cfilm=207387.html

5. The Grand Budapest Hotel, Wes Anderson :

Voir un film de Wes Anderson procure un plaisir instantané, celui de l'image. Les couleurs, les plans, les costumes et les décors participent de cette euphorie qui caractérise le style d'Anderson. De plus, on peut se réjouir qu'il s'agisse de son film le plus intelligent. Bref, le meilleur Anderson avec Fantastic Mr. Fox.

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19539015&cfilm=207825.

Extrait : html, https://www.youtube.com/watch?v=JN5sqSEXxm4&spfreload=10

6. Under the Skin, Jonathan Glazer :

Under the Skin apparaît plus comme un poème abstrait que comme un film en bonne et due forme. En effet, il s'agit pour Glazer de montrer, comme indiqué dans le titre, ce qui ce trouve sous la peau, c'est à dire l'essence même de l'être et des émotions. Et sous la peau de Jonathan Glazer et sous celle de Scarlett, on trouve du génie.

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19542660&cfilm=187462.

Extrait : html, https://www.youtube.com/watch?v=fCE79hBVMI8

7. Maps to the Stars, David Cronenberg : 

Tout dans le film est habilement habillé d'un voile d'humour noir, d'un rire acide. Dans cette critique acerbe du cinéma et du microcosme Hollywoodien les acteurs ne sont plus des acteurs mais peut-être simplement une représentation allégorique de leur statut. Après le chef d’œuvre Cosmopolis, Cronenberg livre encore un excellent film.

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19544700&cfilm=215447.

Extrait : html, https://www.youtube.com/watch?v=RdJoBw4QfrQ&list=UUAwwZRQ3NEOMyt8sot2A9Rw

8. Le Vent se lève, Hayao Miyazaki : 

Rien ne prédestinait ce film à être présent  au sein de ce palmarès tant le cinéma de Miyazaki me laisse indifférent. Oui mais voilà ce film est magnifique, autant que le vers de Valéry emprunté pour le titre. C'est un film purement sensoriel et c'est époustouflant. Le vent se lève, je suis soufflé. Coup de maître.

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19539872&cfilm=197176.

Extrait :  https://www.youtube.com/watch?v=LqqIhDBSKlQ&spfreload=10

9. Winter Sleep, Nuri Bilge Ceylan : 

Dans son style, le film de Ceylan est un modèle du genre. C'est un grand film classique, comme les jurés de Cannes peuvent les aimer. À la croisée des genres, entre littérature et cinéma, le film prend toute son ampleur dans les longs dialogues qu'il propose. Ceylan demande à son spectateur de participer au film sous peine de tomber dans un ennui profond mais s'il en fait l'effort, le film prend une toute nouvelle dimension. 

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19545055&cfilm=220032.html

 "Je reconnais que tu es un homme cultivé, honnête, juste, intègre. Mais tu utilises ces qualités pour étouffer les autres, les rabaisser, les humilier, les écraser. Ta grande morale te sert à haïr le monde entier. Tu détestes les croyants parce que croire, pour toi, est un signe d'archaïsme et d'ignorance. Tu détestes les non-croyants, parce qu'ils n'ont ni foi, ni idéal. Les vieux te paraissent réactionnaires, les jeunes, iconoclastes. Qui trouve grâce à tes yeux ?... Si, pour une fois, tu pouvais défendre une position qui te soit inconfortable ou éprouver un sentiment qui ne te flatte pas... Mais ce n'est pas possible. »

10. Léviathan, Andreï Zviaguintsev : 

Comme le film de Ceylan, Léviathan se veut être un film sérieux sur les problèmes de la Russie moderne. Si le réalisateur réussit parfaitement dans cet exercice, il nous prend par surprise dans sa maîtrise d'un humour marqué, et dans le traitement des sentiments et des relations entre les personnages particulièrement émouvantes. 

B-A : http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19547488&cfilm=228247.

Extrait : html, https://www.youtube.com/watch?v=QASq3Io0NVs&spfreload=10

En définitive, l'année 2014 rend compte d'un véritable élan de folie. Des œuvres semblent se dégager par leur singularité et c'est bien pour cela qu'on se déplace dans les salles : assister à un spectacle différent, à quelque chose de novateur. L'année 2014 sera donc marquée du sceau de l'extraordinaire, au sens propre du terme, et les auteurs nous prouvent une fois de plus que parmi toutes les propositions de cinéma différentes perdurent certaines qui nous font bel et bien (re)découvrir le 7ème Art.

Axel Destouches.

[jeanclaudecliche]

Échapp[ez]- vous

Derrière l'intitulé Pavane se cache Damien Tronchot, originaire de Rennes. Il nous certifie avec son premier EP intitulé L’ Échappée que les musiques classiques et synthétiques peuvent s'épouser de manière admirable.

A travers cinq titres bien distincts les uns des autres, l’artiste nous invite à user de curiosité, celle qui d'abord nous survient lorsque, sur sa page facebook*, nous remarquons l'éclectisme de ses inspirations : les classiques Debussy, Satie, Ravel figurent à côté des électroniques Rone, Boards of Canada et Bonobo. Pour en savoir plus sur ce projet, et après l'écoute attentive de chacun des morceaux, nous avons interrogé l'audacieux concerné.

Avec dix années d'électro en bagage, après les esquisses les premiers aboutissements, puis les reconnaissances : Pavane remporte un concours grâce au savoureux remix de Bye bye macadam, du lyonnais Rone. Sans oublier les participations au cinéma - car il compose - notamment pour le film "Novembre", un court-métrage de son frère Ronan Tronchot.

Il est aisé de se représenter à quel point ce parcours a pu importer dans le choix des sonorités, des couleurs et des sentiments qui font de Pavane et son Échappée un projet artistique remarquable de singularité. La Danse de Daphnis, titre phare, est le parangon de cette surprenante saveur.

L'élaboration de l'album s'est étalée sur quelques mois, mais la sortie a pris du temps. Choisissant de travailler chez lui pour s'épargner le prix d'un studio, aussi car les logiciels et le matériel sont aujourd'hui suffisamment accessibles, Pavane prépare actuellement un album plus fourni.

Grâce à la machine, l'artiste de notre temps dispose d'un large panel d'instruments parmi lesquels ceux dont il a pu se prendre d'affection dans la perspective d'un projet tel L’échappée, aux inspirations hispanisantes notamment. Il peut ainsi travailler seul, totalement libre, réunissant les dispositions nécessaires pour transmettre à travers une savante alchimie l'héritage de la musique classique d'une part, les prodigieuses possibilités de l'électro d'autre part.

Concernant la pochette de l'album sur laquelle nous pouvons nous pencher, les flamants roses correspondaient selon le musicien par leur élégance, leur sérénité, et leur singularité parmi la faune, tout comme se singularise sa musique parmi les autres. Exposés à une lumière artistiquement choisie, à la manière des œuvres impressionnistes, les oiseaux églantines inspirent à celui qui les observe, de même que la musique contenue dans l'album inspire à celui qui l'écoute, un flegme imperturbable.

Si une danse, la pavane ou une autre, peut accompagner cette échappée transitoire, c'est très bien selon le compositeur. Mais le but est plus général : il s'agit de provoquer des émotions, pourquoi pas d'illuminer le versant clément de notre personnalité, trop souvent ombragé. Pour cela, les morceaux Berceuse, Prélude et Habanera sont merveilleux.

Le morceau éponyme fait penser quant à lui à une course haletante, dont la finalité semble être une réjouissance. Les morceaux génèrent des formes, des impressions, comme une toile qui ne fait que se garnir de couleurs, notes pour pinceaux.

Page Facebook : https://www.facebook.com/pavane.music

SoundClound : https://soundcloud.com/pavane-music

Acheter l'EP (vinyle) : http://eumolpe.bandcamp.com

Acheter l'EP sur iTunes : https://itunes.apple.com/fr/album/lechappee-ep/id918194145

Nous remercions l'artiste pour le temps que nous lui avons pris, pour les éclaircies qu'il nous a donné sur son parcours, et pour sa musique.

Elliot Serin, à l'initiative et avec la participation d'Axel Destouches, et celle de Florian Boisramé

[jeanclaudecliche]

Rave-On

Eden, quatrième long de Mia Hansen-Løve, nous conte l'histoire quasi mythologique de la French Touch et de l'euphorie des années 90 en suivant le parcours de Paul, avatar de son frère Sven, et de ses pérégrinations entre coke, sexe, dépression et musique. 

Il est évident de dire que la musique est omniprésente dans Eden, néanmoins il s'agit non pas seulement d'une musique purement récréative mais aussi de quelque chose de plus profond. Le film vient chercher certains morceaux à leur genèse, dans le processus de création. Ainsi on assiste à une soirée chez les Daft Punk au cours de laquelle ses derniers jouent Da Funk pour la première fois. 

Les Daft Punk justement ; on aurait pu craindre que leurs personnages parasitent le film du fait de leur statut, à eux-aussi, mythologique. Si on est ravi de voir le duo casqué dans le film, surtout Vincent Lacoste en Thomas Bangalter , on l'est encore plus lorsque l'on entend leurs morceaux. Il y en a quatre : Da Funk, One More Time, Veridis Quo, Within. Si le choix des morceaux épouse parfaitement les variations musicales du groupe, il épouse également les thèmes du film. Ainsi on commence avec le légendaire Da Funk pour finir avec le mélancolique Within.

Car si la musique est bien au cœur du film, il semble qu'autre chose se joue en amont, quelque chose de plus profond. En effet, les scènes de fêtes font la part belle, dans la seconde partie du film, à une essence plus sentimentale. Plus le film avance, plus le personnage de Paul plonge et plus on plonge avec lui. L'interprétation toute en sobriété de Félix de Givry y est pour beaucoup, au même titre que tous les autres acteurs dont certains véritablement géniaux (Greta Gerwig, Vincent Macaigne etc). 

Dans Eden, la musique, les formes, les couleurs et les sons revêtent une importance capitale. Dès la première scène on en prend plein les yeux et les oreilles. Si on pourrait se sentir agressé par une telle entrée en matière, on est au contraire émerveillé par cette luminosité qui s'échappe de cette rave souterraine (sous-marine ?).

Les formes elles aussi ont une place importante dans le film et notamment celle du cercle. Sur l'affiche du film tout d'abord puis on la retrouve avec tous les vinyles que l'on va croiser. Néanmoins l'importance de cette forme prend plus d'épaisseur dans le "fond" du film. Ainsi, la vie de Paul est un éternel retour - beaucoup vu ces derniers temps notamment avec Sils Maria  et Inside Llewyn Davis - qui le met en face de son irresponsabilité,  personnifiée par le personnage de la mère qui veut se convaincre, naïvement, que son fils ne se drogue pas.

La dimension cyclique du film va donc de paire avec la vie de Paul durant la quinzaine d'années racontée. Le traitement des scènes sentimentales apparaît toutefois nettement moins fort que dans les précédents films de Mia Hansen-Løve, mais cela suffit à émouvoir le spectateur. Comme la musique garage des soirées Cheers, Eden semble trouver le juste milieu "entre euphorie et mélancolie". Une autre "surprise" du long-métrage, celle du temps : alors qu'on aurait pu s'attendre à être alangui par les 2h11 de projection, le temps passe aussi vite que les 15 années dépeintes. Résolument, la synthèse est efficace.

Au final on sort de la salle pas tout à fait dans le même état qu'au moment d'y pénétrer. Le film agit comme un poison, on a envie de faire la fête, de danser, mais on est aussi pris d'une certaine mélancolie en repensant à la pléiade de personnages que l'on vient de rencontrer. Et là, la magie du cinéma et de la musique opère, on a la boucle hypnotique de Veridis Quo qui nous revient en tête. Bref, Rollin' & Scratchin', on rave.

  EDEN

France, 2014

Réalisation : Mia Hansen-Løve

Scénario : Mia & Sven Hansen-Løve

Interprétation : Félix de Givry, Pauline Étienne, Hugo Conzelmann, Roman Kolinka, Vincent Macaigne, Vincent Lacoste

Durée : 2h11

Sortie : 19 novembre

Bande-Annonce :  http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19548687&cfilm=222008.html

Axel Destouches.

[jeanclaudecliche]

"On est des produits de nos environnements"

Deen Burbigo, rappeur du collectif L'Entourage, est au centre d'une querelle sur le style entre anciens et modernes à l'image de celles, majeures, qui ont longuement divisé les écrivains français sur le genre. Mis à part ses deux EP* que notre très humble rédaction apprécie, ce qui nous intéresse chez lui est une conscience sereine sur l'évolution du goût, à l'image du constat gagnant fait au XIXème par le mastodonte Hugo qui aura pour corollaire l'indiscutable règne du romantisme. Deen Burbigo n'est pas Victor Hugo, mais l'Âge d'Or du premier est un manifeste générationnel tout comme les fameuses préfaces du deuxième, seulement adapté à notre époque.

Finissons en avec les références littéraires. Connu par l'intermédiaire des Rap Contenders, où sa fougue et sa faculté d'écriture se manifestaient déjà, celui qui a obtenu de justesse son bac et qui par la suite est sorti de la Sorbonne avec une licence d'histoire*, donnait le dernier concert de sa tournée ce 18 octobre à Laval.

« On est peut-être pas les plus forts, on a peut-être rien inventé Mais on a remis l'Rap à la mode quand tu préparais l'plan B Vrai ! J'vois des anciens revenir, j'dis qu'c'est pas choquant J'leur donne le respect qu'ils méritent... Qu'ils en fassent autant »

Une représentation solennelle, un personnage imperturbable

Après s'être subtilement fait attendre, le son arrive, avec pour débuter un prélude orchestré par DJ Capten alias Capi dont la playlist au « vibe » graduel fait monter la température, décuple notre attente, si bien qu'on finit par ne se préoccuper que de la rentrée sur scène de Burbigo.

L'attendu, à la fois comédien et metteur en scène, pour commencer son récital feinte un problème technique, sinon réajuste en conséquence son scénario de manière spontanée et sans le moindre embarras : un type camouflé derrière un apparat désapproprié et d'une allure hagarde se pointe au micro. Ça sonne faux et, rien du playback, de l'entrée trop conventionnelle ni de la frêle silhouette du pseudochanteur ne suscite l'émoi dans la fosse. Une fois celui-ci viré, le climax est atteint.

Alors, avec un tout autre panache, le véritable "Bigo" se fraye un chemin par derrière la foule, la traverse et monte énergiquement sur la scène. Sans crier gare, bien qu'on pouvait s'y attendre, son collègue entrepreneur Eff Gee rentre à ses côtés. In medias res. Ce dernier, laissant à Deen toute l'exposition nécessaire, remplit parfaitement son rôle : il "back" et parfois même vient en aide à la tête d'affiche. Ses propres morceaux sont balancés. Il fait résolument partie intégrante du show.

Il s'imbrique sans peine dans l'atmosphère, s'adresse à nous de la même sorte : les deux gars donnent l'impression d'avoir créé une communauté d'esprit, au sens premier du terme, et mieux, c'est comme si on en faisait tous naturellement partie. De même, il ne faut renier aucun mérite à l'établissement 6PAR4, d'une intime superficie.

Deen Burbigo, peut être plus que les autres, « tutoie » son public. Il le sait : la jeunesse attend cette paradoxale marque de respect de la part des personnes qui la représente. Au public enthousiaste de Mayenne, il répond "Tu me fais rêver, Laval". Il évoque une "maison", "un jacuzzi" dans lesquels il nous convie. Il relativise un oubli, sans hésiter de questionner les plus érudits d'entre nous sur la suite de son texte. Tire, enfin, sur l'illicite qu'on lui tend d'un peu plus bas.

Il invite sur scène qui veut bien avouer connaître ses textes sur le bout des doigts, puis offre au volontaire l'occasion de lâcher son texte avec la complicité opportune du DJ : c'est sur 64 mesures de spleen du bien portant Jazzy Bazz que l'inconnu est permis de s'exposer, quitte à gagner des âmes. L'inconnu s'appelle Sacha et vient du crew Columbine, tout juste auteur du son Bluray*. Il s'intègre très bien à la cérémonie, les textes sont là, l'audience est en liesse et les professionnels approuvent humblement.

A un pas de l'artiste, comprendre et mesurer l'essentielle distance existante entre celui qu'il représente ici et l'homme qu'il est, par ailleurs. Ainsi, à l'orée de son culte Suis-je, car question existentielle oblige, c'est esseulé au micro, la casquette à l'endroit et sous des lumières tamisées qu'il aborde l'introspection.

Deen Burbigo sait alterner, sait s'adapter. Tant sous les punchlines vantardes que les textes plus sérieux, c'est de la même manière que les caboches remuent sous les five panels, que les lèvres imitent non sans failles celles des MC, et que perdure la certitude selon laquelle ces mecs sont trop polygraphes pour ne pas être un peu poètes.

Portrait : http://marcbettinelli.blog.lemonde.fr/2012/10/14/portrait-drappeur-deen-burbigo-bac-tafs-fac-rap-13/

Album Fin d'après-minuit : https://www.youtube.com/watch?v=C3ZSadL0LQ4

Album Inception : http://www.youtube.com/watch?v=VNah-TgbW-U&list=PL63F3AB3B81E733BC

Columbine - Bluray : http://www.youtube.com/watch?v=S4IdDZAzn7A

  Elliot Serin, à l'initiative de Florian Boisramé

[jeanclaudecliche]

"Les sceptiques seront confondus"

  Depuis quelques années maintenant Cannes a droit à son chef d'œuvre, un film qui emporte tout sur son passage, qui balaye toutes les certitudes. En 2012 ce fût Holy Motors puis l'année passée c'était au tour de La vie d'Adèle  de sortir la Croisette de sa grisaille. Si sur ces deux films un seul remporta la Palme du jury, l'autre remporta la Palme du cœur.

Xavier Dolan réalise ici son 5ème long-métrage et livre le meilleur film de 2014 qui est paradoxalement son film le plus simple, mais aussi le plus réussi. Dans Mommy, le pitch est très simple : un ado dangereux du fait de son hyperactivité que sa mère, à peine plus stable que lui, doit prendre en charge. On aurait pu redouter le mélo qui prend de haut ses personnages de la classe moyenne pour en faire des victimes mais c'est sans compter sur le regard de Dolan qui ne les juge jamais.

Le film commence tambours battants si bien que l'on se demande comment on pourrait tenir 2h15 à ce rythme. Ici, vient frapper pour la première fois la magie du film, et plus généralement du cinéma de Dolan tout entier, l'étourdissement. Mommy n'est pas un film que l'on regarde, c'est un film que l'on vit. Dès lors, le spectateur doit s'engager totalement dans ce qu'il voit et là frappe l'étourdissement. Il s'agit de passer par tous les états émotionnels possible afin d'avoir accès à une expérience totale du cinéma.

Cette expérience est rendue possible par le trio d'acteurs géniaux qui compose le film. Anne Dorval & Antoine Olivier Pilon forment un duo mère-fils excellent que Suzanne Clément vient compléter. Ici, l'idée de "compléter" semble essentielle surtout lorsqu'il s'agit de parler de Dolan, lui qui depuis J'ai tué ma mère creuse les affects à la recherche de ce vide à combler.

Dans le film, cela peut se traduire au niveau du langage, auquel Dolan attache une importance particulière comme dans toutes ses oeuvre précédentes. La mère et le fils s'expriment d'une façon très fleurie et rapide tandis que Kyla, la voisine d'en face, bégaie. Les situations des personnages dans les films de Dolan semble toujours pouvoir verser dans le ridicule, cela n'est jamais le cas, et surtout pas dans Mommy.

Formellement, le film est très beau. Le format carré opère un resserrement sur le visage des acteurs qui conduit à une empathie plus forte de la part du spectateur. Ce format qui s'ouvre deux fois dans le film pour laisser place à deux moments de pur bonheur, de liberté totale et, du point de vue du spectateur, d'émotion intense. Cette intensité, voire parfois hystérie, est la caractéristique du film, on passe du rire aux larmes et on adore ça.

Comment un film peut-il nous laisser à ce point vidé de toutes nos émotions ? Il s'agit là de la magie du film de Dolan qui captive du début à la fin sans jamais lâcher le spectateur mais sans le tenir par la main non plus, en cela qu'il n'est jamais question de jugement. C'est un film qu'on ne voudrait jamais cesser de regarder tant il nous fait prendre conscience que les relations et les émotions qu'il dépeint sont éphémères et précieuses et dont l'apogée se situe au moment de l’inexorable séparation.

En deux films, Laurence Anyways et Mommy, Xavier Dolan a prouvé au monde qu'il ne méritait plus son étiquette de petit génie mais bien celle de grand cinéaste. Et à l'heure où il est récompensé par le Prix du Jury à Cannes et qu'il prononce un discours poignant sur la jeunesse, il s'agit simplement d'être conscient d'assister à la consécration d'un cinéaste d'une génération, de notre génération.

MOMMY

Canada, 2014

Réalisation, scénario, montage, costumes : Xavier Dolan

Interprétation : Anne Dorval, Suzanne Clément, Antoine Olivier Pilon

Durée : 2h18

Sortie  : 8 octobre

Bande-Annonce :  http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19548159&cfilm=223002.html

Axel Destouches