Laura Perrone

Art curator, cultural producer, project coordinator

[lauraperrone]

RAMDOM in collaborazione con takecare presenta Landing experiment di The Boys and Kifer.

6 Settembre 2018 The Boys and Kifer nasce come progetto artistico e musicale di Roberto Casti (Iglesias, 1992), ma si sviluppa come una band nel termine più generale possibile e, per questo, non può permettersi una sola identità. The Boys and Kifer pone una riflessione tra individuo e collettività ed è un’apertura verso l’altro. Negando un unico punto di vista, esso si modifica nel tempo, si mimetizza tra i suoni e le apparenze dell’uomo, sperimenta poetiche e attitudini differenti attraverso la collaborazione con altri artisti. Per l’occasione The Boys and Kifer presenta Landing experiment installazione sonora che abiterà gli spazi di Lastation, restituendo attraverso il field recording un’indagine sonora su alcuni dei luoghi visitati nel Capo di Leuca. La collaborazione - punto nodale del progetto The Boys and Kifer - caratterizzerà la live performance di Roberto Casti e si intreccerà con il sound di artisti invitati a improvvisare. h.19:00 apertura h.19:30-20:00 presentazione del progetto takecare + zines h.21:00 live performance The Boys and Kifer + Mauro Durante ** Roberto Casti (Iglesias, Sardegna, 1992) vive e lavora tra Milano e Iglesias. Tra il 2013 e il 2018 ha fatto parte del collettivo di artisti sardi “Giuseppefraugallery”. Dal 2014 porta avanti il progetto sonoro e visivo “The Boys and Kifer”, le cui performance sono state ospitate in diversi spazi e istituzioni, tra i quali Viafarini durante “Academy Awards 16” e la Triennale di Milano durante la mostra “The Great Learning”, curata da Marco Scotini. Tra le ultime mostre: “INTROITUS (Parte del Tutto)”, mostra personale curata da Bite The Saurus (Enzo Di Marino e Dalia Maini), chiesa di San Giuseppe delle Scalze, Napoli (IT), “Arcipelago Ovest”, mostra collettiva curata da Lorenzo Giusti, Anne Alessandri, Nakane Aramburu, FRAC Corse, Corte (FR). **takecare è un collettivo di ricerca multidisciplinare, un progetto curatoriale, una zine periodica. takecare indaga il concetto di cura del sé, l’ermeneutica del soggetto e tutte le pratiche che ne costituiscono il suo esercizio. Nasce nel 2017 con un progetto di self-publishing, una fanzine periodica che indaga l’attività di scrittura di artisti e curatori internazionali. A partire da giugno 2018 takecare propone una serie di eventi dal titolo -Writing experiments- dedicati alla sperimentazione di linguaggi differenti. Fondatrice del progetto è Roberta Mansueto, curatrice indipendente lavora tra Bari e Milano; co-fondatrice di Tile Project Space – Milano.

Co-curator

September 2018

[lauraperrone]

Superflora, monospecifico mediterraneo

Luca Coclite

Nagla contemporary arts farm - six solo shows 

15 luglio - 10 settembre 2018

La ricerca artistica di Luca Coclite indaga gli elementi di carattere socio-antropologico capaci di influenzare la trasformazione del paesaggio contemporaneo. Con Monospecifico mediterraneo (2018), l’artista fa riferimento alla riflessione distopica dell'incombente processo di desertificazione, restituendo la visione di una natura rivisitata, ibrida e standardizzata. Attraverso l’utilizzo di una trama sintetica ricavata dall'artificiosità di elementi inorganici e dall’ausilio di una delle piante mediterranee per eccellenza, il fico d'india, Luca Coclite ci racconta di un’unica famiglia botanica, monospecifica e resiliente. La narrazione parte sin dall'accostamento dei due termini in forte antitesi tra loro. Nella classificazione vegetale, infatti, con il termine “monospecifico” si fa riferimento ad un gruppo botanico di una sola specie che, associato all’aggettivo mediterraneo, crea un ossimoro in netta controtendenza all’immagine di una cultura da sempre considerata culla della diversità. Monospecifico mediterraneo si inserisce all’interno di una ricerca più ampia, che si sintetizza sotto il nome di Superflora (Nowhere Gallery, Milano, 2016), in cui l’artista classifica una nuova botanica capace di realizzare il progetto dell’hyper-connessione e che, con neutralità assoluta, riduce la terra a un paesaggio unitario e infrastrutturale.

Luca Coclite (1981, Gagliano del Capo, LE, IT) è artista visivo, ha partecipato a diversi programmi di residenza nazionali e internazionali. Nel 2017 vince il premio NCTM e L'arte con il quale realizza un progetto di residenza presso l'Experimental Intermedia di New York. È vincitore del premio Video Art Award del Centro Luigi Di Sarro in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura di Pretoria (Cape Town, Sud Africa, 2018). La sua ricerca consiste nell'analisi dell'immagine contemporanea legata al paesaggio e all'architettura, come terreno sul quale indagare i diversi fattori e contesti sociologici che ne scaturiscono. È impegnato in diversi progetti artistici e caratteriali come Ramdom e il progetto Casa a Mare. Collabora come docente di video presso Spazio Labò a Bologna.

PRESS

ART-VIBES - Pittura, fotografia, performance, video: a Specchia uno sguardo ad ampio raggio sulla giovane arte italiana. 10 Luglio 2018.

ArtsLife - Contemporary arts farm in Salento. Nagla 2018: sei personali negli spazi magici di Palazzo Coluccia. 10 Luglio 2018.

Artribune -  Valentina Poli, Una nuova sinergia per l’arte in Salento. La seconda edizione di “nagla”. 14 Luglio 2018.

MEMECULT - Sandra Branca, Nagla | Six Solo Show. 3 Agosto 2018. 

Nuovo Quotidiano di Puglia - Carmelo Cipriani, Nagla, L’arte narrata da un chiodo all’altro. Agosto, 2018.

Curator

July 2018

[lauraperrone]

Phill Niblock & Katherine Liberovskaya

Lunedì 23 Luglio 2018 ingresso libero [posti limitati : 40] * Set 1. Live Video di Katherine Liberovskaya, con Live mixing di Phill Niblock. In questo live set, Niblock mixa delle tracce audio composte con field recordings, andando a generare un risultato molto diverso dalle sue composizioni. Liberovskaya mixa video con Jitter/Max/MSP partendo da un vasto database personale di filmati girati negli ultimi quindici anni. * Set 2. Musica e Video di Phill Niblock Phill Niblock (Anderson, Indiana, USA, 1933) è un compositore, fotografo e cineasta americano. Dal 1985 dirige Experimental Intermedia (EI), fondazione per la musica d'avanguardia con sede a New York, e con una filiale parallela a Ghent, in Belgio. Niblock non ha una formazione musicale formale. Il suo approccio minimalista nella composizione è stato ispirato dalle attività musicali e artistiche della New York degli anni '60 (dall'arte di Mark Rothko, Carl Andre, Sol LeWitt, Donald Judd, Robert Morris alla musica di John Cage e alle composizioni Durations di Morton Feldman). La sua musica è un'esplorazione delle trame sonore create da più toni in accordature molto dense, spesso atonali (generalmente microtonali nella concezione) eseguite in lunghe durate. La stratificazione di toni lunghi solo leggermente distinti nel tono crea una moltitudine di ritmi e genera affascinanti effetti psicoacustici. La combinazione di trame apparentemente statiche e di un movimento armonico estremamente attivo, genera una musica molto originale che, pur avendo cose in comune con il minimalismo dei primi tempi basato sui droni, è completamente distinta nel suono e nella tecnica. Generalmente accompagna le live performance presentando i suoi film e video. I film sono in 16mm a colori, spesso tratti della serie Movement of People Working, oppure accompagna con immagini astratte in bianco e nero pilotate da computer. Il lavoro di Niblock è stato riconosciuto dal prestigioso premio della Fondazione per le arti contemporanee John Cage (2014) e continua ad influenzare una generazione di musicisti, specialmente i più giovani di una varietà di generi musicali. Dal 1973 ha prodotto oltre 1000 performance di musica e di progetti intermediali, presentati presso l'EI. È il curatore dell'etichetta XI Records di EI. La sua musica è disponibile sulle etichette XI, Moikai, Mode Records e Touch. i DVD di film e di musica sono disponibili sulle etichette Extreme, Mode, Die Schachtel e VonArchives. www.phillniblock.com www.experimentalintermedia.org Katherine Liberovskaya (Montreal, Quebec, Canada, 1961) è un'artista intermediale, vive e lavora tra New York e Montreal. Dagli anni'80 la sua ricerca è incentrata sul video sperimentale. I suoi lavori video, le installazioni e le sue performance video+suono, sono stati presentati in un'ampia varietà di eventi e luoghi in tutto il mondo. Dal 2001 il suo lavoro si concentra prevalentemente sulla collaborazione con compositori e artisti del suono. Dal 2003 esplora l'improvvisazione video in performance live in cui le immagini cercano di creare una "musica" improvvisata per gli occhi. Dal 2005 cura e organizza le serate di Screen Compositions presso Experimental Intermedia, NYC e, dal 2006, gli appuntamenti dell'OptoSonic Tea con Ursula Scherrer in varie località nomadi a New York, in Nord America e in Europa. Nel 2014 ha completato un dottorato di ricerca in pratiche artistiche dal titolo "Improvisatory Live Visuals: Playing Images Like a Musical Instrument" presso l'Università del Quebec a Montreal (UQAM). www.liberovskaya.net

en Phill Niblock (Anderson, Indiana, USA, 1933) is an American composer, filmmaker, photographer, and director of Experimental Intermedia, a foundation for avant-garde music based in New York with a parallel branch in Ghent, Belgium. Phill Niblock has no formal musical training. His minimalistic drone approach to composition and music was inspired by the musical and artistic activities of New York in the 1960s (from the art of Mark Rothko, Carl Andre, Sol LeWitt, Donald Judd, Robert Morris to the music of John Cage and Morton Feldman’s Durations pieces). His music is an exploration of sound textures created by multiple tones in very dense, often atonal tunings (generally microtonal in conception) performed in long durations. The layering of long tones only very slightly distinct in pitch creates a multitude of beats and generates fascinating psychoacoustic effects. The combination of apparently static surface textures and extremely active harmonic movement generates a highly original music that, while having things in common with early drone-based Minimalism, is utterly distinct in sound and technique. He generally accompanies performances by presenting his films and videos. The films are 16mm and color, often those from the Movement of People Working series, or computer-driven, black-and-white abstract images floating through time. Niblock's work was recognized by the prestigious Foundation for Contemporary Arts John Cage award (2014) and continues to influence a generation of musicians, especially younger players from a variety of musical genres. He is the producer of Music and Intermedia presentations at EI since 1973 (about 1000 performances) and the curator of EI’s XI Records label. His music is available on the XI, Moikai, Mode Records, and Touch labels. DVDs of films and music are available on the Extreme, Mode, Die Schachtel and VonArchives labels. www.phillniblock.com www.experimentalintermedia.org Katherine Liberovskaya (Montreal, Quebec, Canada, 1961) is an intermedia artist based in New York City and Montreal, Canada. Involved in experimental video since the 80s, she has produced many single-channel videos, video installation works and video and music performances which have been presented at a wide variety of events and venues around the world. Since 2001 her work predominantly focuses on collaborations with composers and sound artists. Since 2003 she has been exploring improvised video in live video+sound performance situations where her live visuals seek to create improvisatory “music” for the eyes. Since 2005 she curates and organizes the Screen Compositions evenings at Experimental Intermedia, NYC and, since 2006, the OptoSonic Tea salons with Ursula Scherrer at Diapason, NYC, and in various nomadic locations, in New York, North America and Europe. In 2014 she completed a PhD in art practice entitled “Improvisatory Live Visuals: Playing Images Like a Musical Instrument” at the Universite du Quebec in Montreal (UQAM). www.liberovskaya.net

Co-curator

July 2018

[lauraperrone]

LUOGO, ANTI-LUOGO E RELAX

Luca Coclite

Ramdom ShowCase

Fondazione Pino PascaliOpening 23.06.18 ore 19:00

ShowCase, il format della Fondazione Pino Pascali dà spazio, all'interno di una sede istituzionale, alle gallerie e ai soggetti attivi in Puglia, ma che operano all'interno del sistema dell'arte su scala nazionale e non solo, offrendo allo stesso tempo agli spettatori un saggio importante della ricchezza artistica presente sul territorio.

La Fondazione ospita dal 23 Giugno al 22 Luglio 2018, lo spazio di ricerca e produzione artistica RAMDOM con la mostra "Luogo, anti-luogo e relax" di Luca Coclite. Al centro del progetto espositivo vi è l'analisi di una parte del territorio salentino, della sua trasformazione paesaggistica e dei suoi cambiamenti politici e sociali. Partendo dall'architettura delle colonie estive come dispositivo politico, l'artista intende indagare alcuni dei fenomeni che hanno interessato la Puglia dagli anni 50 ad oggi. Per l'occasione, nella project room del museo, verranno presentati Imaginary Holidays (2014) e Hall (2017), progetti-matrice di questa ricerca.

Imaginary Holidays (2014), si presenta come la rivincita della fragilità del paesaggio sulla volontà dominatrice dell'uomo, ridimensiona gli interessi sulla gestione regolamentata per i luoghi che sfuggono al controllo ed emancipa le proprie rovine che si fanno identità. Hall (2017), invece, ripercorre le funzioni assunte nel tempo dall'ex colonia Regina Pacis di San Foca: dalla disciplina educativa della colonia, alla detenzione dei migranti, per giungere alla più attuale speculazione turistica e al consumo standardizzato nei resort di lusso. Senza soluzione di continuità le tre prospettive attraversano il grande fraintendimento sul significato di accoglienza e di ospitalità, mettendo in gioco una molteplicità di dicotomie e ponendo innumerevoli interrogativi sugli attuali sistemi di controllo che gravitano sul nostro corpo individuale, sul linguaggio collettivo, sulla sospensione del tempo ordinario, sulla speculazione del paesaggio e sulla sua trasformazione. Elementi che caratterizzano la ricerca dell'artista, che indaga con interesse estetico le relazioni tra architettura, paesaggio e cambiamenti sociali.

Luca Coclite (1981, Gagliano del Capo, LE, IT) è artista visivo, ha partecipato a diversi programmi di residenza nazionali e internazionali. Nel 2017 vince il premio NCTM e L'arte con il quale realizza un progetto di residenza presso l'Experimental Intermedia di New York. È vincitore del premio Video Art Award del Centro Luigi Di Sarro in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura di Pretoria (Cape Town, Sud Africa, 2018). La sua ricerca consiste nell'analisi dell'immagine contemporanea legata al paesaggio e all'architettura, come terreno sul quale indagare i diversi fattori e contesti sociologici che ne scaturiscono. È impegnato in diversi progetti artistici e caratteriali come Ramdom e il progetto Casa a Mare. Collabora come docente di video presso Spazio Labò a Bologna.

Project Coordinator

June 2018

[lauraperrone]

Simposio di Pittura

1 - 15 giugno 2018

Fondazione Lac o Le Mon

a cura di Luigi Presicce, con il coordinamento di Laura Perrone e la partecipazione di Paola Angelini, Angelo Bellobono, Maurizio Bongiovanni, Thomas Braida, Michele Bubacco, Pierpaolo Campanini, Giovanni Copelli, Rudy Cremonini, Valentina D'Amaro, Francesco De Grandi, Dalila Doro, Pesce Khete, Francesco Lauretta, Marta Mancini, Valerio Nicolai, Marcello Nitti, Aryan Ozmaie, Vera Portatadino, Pierluigi Pusole, Andrea Salvino, Davide Serpetti, Michele Tocca.

Dal 1 al 15 di giugno, la Fondazione Lac o le Mon ospiterà Simposio di Pittura, progetto diretto da Luigi Presicce (fondatore di Lac o Le Mon insieme a Emilio Fantin, Giancarlo Norese, Luigi Negro e a Cesare Pietroiusti) che intende creare una piattaforma di confronto con chi, da diverse generazioni o da giovani promesse, si dedica con fierezza alla pittura. Le generazioni invitate al dibattito sono quelle successive all’avvento della Transavanguardia, movimento artistico italiano promosso da Achille Bonito Oliva a cavallo tra gli anni settanta e ottanta del secolo scorso. Il ritorno alla pittura in quegli anni è stato un fatto consolidato, anche in altri paesi del vecchio e del nuovo continente; in ambito italiano però la situazione storico-artistica di conflitto con l’Arte Povera, non ha favorito la pittura e non le ha concesso un armistizio degno di nota. L’Italia è oggi uno dei pochi paesi al mondo che, nonostante la sua storia, non riesce ad imporsi nel campo delle arti con il mezzo pittorico; latitante quasi totalmente dalle grandi manifestazioni istituzionali (Biennali, etc.), vive da decenni un senso di inferiorità nei confronti degli altri paesi - Germania, Gran Bretagna, Belgio, Stati Uniti - in cui la pittura vive un momento florido a dir poco invidiabile, come dimostra la Withney Biennal 2017. Questo simposio, come dice la parola stessa, mira a una convivenza tra quelli che sono i pittori più rappresentativi del nostro paese; una tavola rotonda formata da tre generazioni disposte al confronto. “Non solo di pane vive l’uomo” dicono le scritture, e questo è anche il senso vero di questo simposio: la Fondazione Lac o le Mon, in due anni di attività, ha ospitato circa trecento studenti e non, provenienti da tutto il mondo; i suoi spazi fuori misura, con una superficie di seicento metri quadrati abitabili e quasi due ettari di giardino, si prestano alle più svariate possibilità di soggiorno e lavoro. Il gruppo così individuato sarà invogliato non solo a discutere sulla pittura, condividendo gli stessi spazi abitativi, ma anche cimentandosi con la realizzazione di opere pittoriche, disegni e quant’altro il luogo possa ispirare. Tutti i partecipanti al simposio saranno anche protagonisti di un’esposizione, in luogo istituzionale diverso dalla Fondazione stessa (da definire), e con le opere prodotte in loco che gli artisti vorranno generosamente donare, si intende finanziare il sostegno e l’ultimazione dei lavori di restauro della Fondazione Lac O Le Mon, attualmente unica nel suo genere nel campo della auto-sostenibilità.

en

Painting Symposium

1 - 15 June 2018

Lac O Le Mon Foundation

edited by Luigi Presicce, with the coordination of Laura Perrone and the participation of Paola Angelini,Angelo Bellobono, Maurizio Bongiovanni, Thomas Braida, Michele Bubacco, Pierpaolo Campanini,Giovanni Copelli, Rudy Cremonini, Valentina D'Amaro, Francesco De Grandi, Dalila Doro, Pesce Khete, Francesco Lauretta, Marta Mancini, Valerio Nicolai, Marcello Nitti, Aryan Ozmaei, Vera Portatadino, Pierluigi Pusole, Andrea Salvino, Davide Serpetti, Michele Tocca.

From 1 to 15 June, the Lac O le Mon Foundation will host: A Painting Symposium, a project directed byLuigi Presicce (founder of Lac O Le Mon together with Emilio Fantin, Giancarlo Norese, Luigi Negro and Cesare Pietroiusti) who intends to create a platform of confrontation with those who, from different generations to young promises, are proudly dedicated to the art of painting. The generations invited to the debate are those following the advent of Transavanguardia, an Italian artistic movement promoted by art critic Achille Bonito Oliva at the turn of the seventies and eighties of the last century. The return to painting in those years was a matter of fact, even in other countries of the old and new continent; in the Italian context, however, the historical-artistic situation of conflict with the so-called “Arte Povera” has not favored painting and has not granted it the deserved justice. Italy is today one of the few countries in the world that, despite its huge heritage, cannot impose itself in the field of the arts trough the medium of painting; being almost totally abscond from the big circuits and main institutional events (Biennials, etc.) Moreover, it has been experiencing for decades a sense of inferiority towards other countries such as Germany, Great Britain, Belgium or United States, in which painting lives a flourishing moment, to say the least enviable, as shown by the Whitney Biennal 2017. This symposium, as the word itself says, aims at a coexistence among those who are the most representative painters of our country; a round table formed by three generations arranged for comparison. "Man does not live by bread", say the Holy Scriptures, and this is also the true meaning of this symposium: the Lac O Le Mon Foundation, in two years of activity, has hosted about three hundred students and non, coming from all over the world; its oversized spaces, with an area of six hundred square meters, all habitable, and almost two hectares of garden, are available to the most varied possibilities of stay and work. The group so identified will be encouraged not only to discuss painting, sharing the same living spaces, but also by venturing with the making of brand new works of art, drawings and anything else the place can inspire. All the participants in the event will also be protagonists of an exhibition, at an institutional location different from the Foundation itself (to be defined), and with the works produced on site that the artists will generously donate, we will intend to finance the support and completion of the restoration worksinvolving the Lac O Le Mon Foundation, currently one of a kind in the field of self-sustainability.

PRESS

CERCHIO magazine

Repubblica.it

Coordinator

June 2018

[lauraperrone]

Focalizzato sulla contemplazione, le forme di cura, la creazione di opere d'arte e di eventi artistici, "Omaggio ai caduti" è dedicato ai più di venti grandi alberi eradicati da una tempesta che ha colpito la terra intorno alla Casa Cafausica nell'ottobre 2016. Nonostante la caduta, gli alberi vivono una continua trasformazione, come a suggerire possibilità imprevedibili e promesse utopiche. Nel loro atto di resistenza orizzontale evidenziano il potenziale radicale della caduta, forza creatrice che nella sua natura frammentaria e incompiuta, ci invita a soddisfare la temporalità ancora inesplorata che contiene.

Nella caduta dell’albero, si esprime la forza della natura che crea, distrugge e ricrea; così come nel clinamen lucreziano, una deviazione casuale nel tempo e nello spazio che permette agli atomi di incontrarsi, genera un ritmo che propone ai corpi un movimento spontaneo, ma anche l'esatto suo contrario. La caduta è infatti il negativo del volo, la sua antitesi. Cade il sistema che rende poderosa una città, che decade e si fa rovina. Scompare la visione romantica o nostalgica per lasciare spazio a vuoti e cavità generative e diventare così risorsa. La caduta è trasformazione, è creazione di un nuovo stato dell'essere al mondo.

Come in un immaginario tributo ai caduti, gli artisti hanno vissuto lo spazio e realizzato performance, installazioni temporanee e altre azioni sul tema proposto, attraverso molteplici esperienze con la materia e un’intensa relazione con la casa, dispositivo comunitario di generazioni di forme di sensibilità.

Alla riflessione e alla condivisione di questo sensibilecomune hanno contribuito gli artisti Calori&Maillard, Canedicoda, Luca Coclite, Lieve D'hondt, Sylvie Franquet, Valentina Furian, Eva Macali, Gianluca Marinelli, Marcello Nitti, Daniele Pezzi, Cesare Pietroiusti, Luigi Presicce, Sergio Solombrino, Damianos Zisimou; le storiche dell’arte Francesca Giulia Tavanti e Valentina Lacinio; i musicisti Maria Chavez, Daniel Neumann, Sandy Ewen, Luca Tarantino; Riccardo Guglielmino, professore del Dipartimento di Beni Culturali dell’Università del Salento; Mario Del Fiume, Giovanni Giancane, nonché Leone.

Omaggio ai caduti a cura di Laura Perrone

Fondazione Lac O Le Mon San Cesario di Lecce 10 - 23 Luglio 2017

video by Luca Coclite e Laura Perrone sound by Ottaven - Lave B, 2010

Curator

July 2017

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[lauraperrone]

OMAGGIO AI CADUTI

10 - 23.07.17

A cura di Laura Perrone con Luigi Presicce, Calori&Maillard, Canedicoda, Luca Coclite, Valentina Furian, Gianluca Marinelli, Marcello Nitti, Cesare Pietroiusti, Sergio Solombrino, Francesca Giulia Tavanti.   Focalizzato sulla contemplazione, le forme di cura, la creazione di opere d'arte e di eventi artistici, "Omaggio ai caduti" è dedicato ai più di venti grandi alberi eradicati da una tempesta che ha colpito la terra intorno alla Casa Cafausica nell'ottobre 2016. Nonostante la caduta, gli alberi vivono una continua trasformazione come a suggerire possibilità e promesse utopiche. Nel loro atto di resistenza orizzontale, evidenziano il potenziale radicale della caduta, forza creatrice che nella sua natura frammentaria e incompiuta, ci invita a soddisfare la temporalità ancora inesplorata che contiene.  Come in un immaginario tributo ai caduti, gli artisti vivranno lo spazio e realizzeranno performance, installazioni temporanee e altre azioni sul tema attraverso rigorose esperienze con la materia. Alla riflessione contribuiranno i musicisti Maria Chavez, Daniel Neumann, Sandy Ewen, Luca Tarantino; la curatrice Lieve D'hondt e altri ospiti.   PUBLIC PROGRAMME 12 Luglio Sound Performances Maria Chavez + Daniel Neumann + Sandy Ewen 21h00 – 24h00 [Limited places]   Maria Chavez, nata a Lima, Perù, e di base a New York, è meglio conosciuta come "abstract turntablist", sound artist e DJ. Coincidenze, casualità e fallimenti sono i temi che intrecciano le sue sculture sonore, le sue installazioni multicanali, e altri lavori caratterizzati dalla pratica di performance improvvisata per giradischi. Maria è stata invitata come DJ in musei, club, festival di tutto il mondo e recentemente per Dich Bar, a Mosca e per NADA Art fair durante Art Basel, Miami Beach. Nel 2017 è artista selezionata per la Fondazione Robert Rauschenberg, ha collaborato con la JUDD Foundation (Marfa, Texas) e presenterà un nuovo pezzo di arte sonica radiofonica per Every Time a Ear di Soun progetto di DOCUMENTA 14 a Kassel, Germany.  Daniel Neumann, nato in Germania e di base a Brooklyn, è artista sonoro, produttore e ingegnere del suono. Ha conseguito la sua laurea in media art presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia e ha studiato composizione per musica elettronica con Emanuele Casale a Catania, Italia. Nella sua pratica artistica utilizza strategie concettuali e spesso collaborative per esplorare il suono, i materiali sonori e le loro modulazioni attraverso spazio, situazioni e media. Come curatore gestisce una serie di eventi tra New York e Berlino (CT::SWaM) focalizzati su opere sonore spaziali e incentrate sull'ascolto. Sandy Ewen, Nata a Toronto, Canada, consegue una laurea triennale in architettura presso l'Università del Texas, Austin nel 2008. Risiede a Houston, Texas, dove segue progetti musicali e visivi e continua gli studi in architettura per conseguire la laurea magistrale. Ha pubblicato diversi album tra cui un duo con il chitarrista Tom Carter, un trio con il bassista Damon Smith & il batterista Weasel Walter, e un album rock con Austin’s Weird Weeds. I suoi lavori visivi sono strettamente legati alla sua ricerca sonora, utilizza infatti entrambi i medium per esplorare texture, composizioni e materiali. Info & prenotazione: [email protected]     15 - 16 Luglio Workshop 10h00 – 18h00 [Limited places] Canedicoda è un artista visivo e musicista veneto (Treviso, 1979), di base a Milano. Una figura che spazia tra grafica, design, musica, moda e in qualche modo arte. I due giorni di workshop insieme a Canedicoda vogliono proporsi come un momento di riflessione attiva sugli spazi della Fondazione Lac O Le Mon, in relazione con gli alberi caduti. Insieme si cercherà di valutare, progettare e realizzare qualche possibile oggetto utile alla vita presente e futura della Fondazione e dei suoi ospiti. L'approccio di Canedicoda vuole essere semplice e legato al pratico. Tramite dialogo, confronto e attività di falegnameria acrobatica, verranno sviluppati elementi d'arredo, come sedie, panche, tavoli, mensole, appendiabiti o comodini. Il numero di partecipanti al workshop è limitato a 5 persone per preservare l'aspetto intimo ed intensivo dell'incontro. Il workshop prevede una quota di iscrizione. Info & iscrizioni: [email protected]     18 Luglio Le Hollandais un invito a cena 21h00 – 23h00 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected]   Tombeau Luca Tarantino - Tiorba 23h45 – 24h15 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected]  19 Luglio Clinamen, la caduta che crea performance di Cesare Pietroiusti 21h00 – 23h00 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected] 21 Luglio OMAGGIO AI CADUTI exhibition Calori&Maillard, Canedicoda, Luca Coclite, Valentina Furian, Gianluca Marinelli, Marcello Nitti, Cesare Pietroiusti, Luigi Presicce. 19h00 – 24h00 Info: [email protected]

en

A TRIBUTE TO THE FALLEN  From 10 to 23 July Casa Cafausica

A project curated by Laura Perrone with Luigi Presicce, Calori&Maillard, Canedicoda, Luca Coclite, Valentina Furian, Gianluca Marinelli, Marcello Nitti, Cesare Pietroiusti, Sergio Solombrino, Francesca Giulia Tavanti.

Focused on contemplation, forms of care, creation of artworks and art events, “Omaggio ai caduti” is dedicated to the more than twenty big trees that were eradicated by a storm that hit the land around the Casa Cafausica in October 2016. Like an imaginary "tribute to the fallen", in this period, artists will live the space and will realize performances, installations and other actions related to that theme.

PUBLIC PROGRAMME 12 Luglio Sound Performances Maria Chavez + Daniel Neumann + Sandy Ewen 21h00 – 24h00 [Limited places]

Maria Chavez, Born in Lima, Peru and based in NYC, is best known as an abstract turntablist, sound artist and DJ. Accidents, coincidence, and failures are themes that unite her sound sculptures, multi-channel speaker installations, and other works with her improvised solo turntable performance practice. She was chosen to be a composer fellow with the Civitella Ranieri Foundation in Umbertide, Italy and is currently a research fellow with the Sound Practice Research Department of Goldsmith’s University of London. She will be an arts fellow with the Robert Rauschenberg Foundation in 2017. She was an artist in residence with CEC Artslink in St. Petersburg, Russia, has presented sound installation and performance works for the JUDD Foundation (Marfa, Texas), and will present a new radio sonic art piece for Every Time a Ear di Soun as part of DOCUMENTA 14 in Kassel, Germany this year. She has DJ’d in art museums, clubs, and festivals all over the world, most recently for Dich Bar, Moscow and for the NADA Art fair during Art Basel in Miami Beach. Daniel Neumann, born in Germany in 1979, is a Brooklyn-based sound artist, organizer and audio engineer, originally from Germany. He holds a master's degree in media art from the Academy of Visual Art Leipzig and also studied electronic music composition under Emanuele Casale in Catania, Italy. In his artistic practice he is using conceptual and often collaborative strategies to explore sound, sound material and its modulation through space, situation and media. Curatorially he runs an event series in NYC and Berlin (CT::SWaM) that engages in spatial sound works and focussed listening. Sandy Ewen, born in Toronto, Canada in 1985, received a Bachelor of Architecture from the University of Texas at Austin in 2008. Since then she has resided in Houston, TX where she pursues musical and visual projects and her architecture license. Ewen has released several albums, including a duo with guitarist Tom Carter, a trio with bassist Damon Smith & drummer Weasel Walter, and a rock album with Austin’s Weird Weeds. Ewen’s visual work is closely tied to her work in sound; she uses both mediums to explore texture, composition and materials.

15 - 16 Luglio Workshop 10h00 – 18h00 [Limited places]

Canedicoda is an artist, based in Milan. His practice ranges different disciplines as graphics, design, music, fashion and somehow art. The two days workshop want to offer an active reflection about the Casa Cafausica in relation to the fallen trees. The aim will be to evaluate, design and realize some useful objects for present and future life of the Lac O Le Mon Foundation and its guests. Canedicoda's approach is simple and practical. Through dialogue, comparison and acrobatic joinery activities, furniture, such as chairs, benches, tables, shelves, coat racks or bedside tables will be developed. The number of participants is limited to 5 people to preserve the intimate spirit of all “Tibute to the fallen” events. Subscription fee required. Info: [email protected]

18 Luglio Le Hollandais un invito a cena 21h00 – 23h00 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected] Tombeau Luca Tarantino - Tiorba 23h45 – 24h15 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected] 19 Luglio Clinamen, la caduta che crea performance di Cesare Pietroiusti 21h00 – 23h00 [Limited places] Info & prenotazione: [email protected] 21 Luglio OMAGGIO AI CADUTI exhibition Calori&Maillard, Canedicoda, Luca Coclite, Valentina Furian, Gianluca Marinelli, Marcello Nitti, Cesare Pietroiusti, Luigi Presicce. 19h00 – 24h00 Info: [email protected]

Curator

July 2017

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[lauraperrone]

FASCICOLO TIRANA

4-9 May 2017 Mediterranea, Tirana

Performance Δ Pyramid   4th May 2017, 9 pm

Fascicolo Tirana is an artistic and curatorial project by Francesco Cavaliere, Luca Coclite, Leila Hassan and Laura Perrone, a one-year investigation about those spaces of everyday life, where the resistance movement against the countless and innovative forms of social control happen. The modern world codifies the time of dwelling – the everyday – into an alienated category, a plain repetition of linear time, space for capitalistic reproduction, accumulation and planned consumption. In this dimension, time – just as money – become measurable, quantifiable, divisible, separable (H. Lefebvre). No distinction exists anymore. Thus, the everyday life gets loaded with anxieties, conflicts, and becomes, together with dwelling, a research path (G. Lukács). That was the case of two artists-intellectuals, Norman Mommens and Patience Gray that, during the Seventies, chose to poetically inhabit the wastelands of Southern Italy and, by putting life and art at the same level, envisioning the opportunity for a radical life. Inspired to their gesture is the whole project that finds its sources in sharing the act of dwelling space and time. As an organic system, this experience of proximity and commonality gives the opportunity to develop the project further more. Through visual, textual and sound contributions, the project is questioning our own existence, and implicitly, our actions to create no-project, unplanned and intimate spaces. 

In this frame, the Pyramid in Tirana hosts also Volta di Lame di Luna “Dintorni e Cavità Terrestri”, a performance by Francesco Cavaliere and Leila Hassan. Showing the project in its most performative variations, the monument becomes an essential element to develop those aesthetic experiences and poetical investigations. Being exemplarily timeless and built for eternal, the Pyramid with its essential geometries reflects the primary aspects of the corporeal absence and spiritual presence in the world, a hint to cultural archetypes of living and un-aliveness. The positive/negative and presence/absence dichotomies in the work of Francesco Cavaliere are revealed in the piece by the choice to amplify one voice and to not amplify the other one, determining the two presences as temporally visible and invisible. Here the everyday life returns to be a cyclical time, where repetition is tightly connected to creation and centers the creative powers of individuals, the unleashing of wish, the bursting of creative subjectivity of everyday life, the re-appropriation of experience, right at the core.

BIOGRAPHIES

Francesco Cavaliere (Piombino, Italy, 1980) is visual artist, musician and performer from Tuscany. After studying theatre and music at DAMS University in Bologna, he moved to Berlin. Among his numerous collaborative projects, he presented a work with Elisabeth Kirche at the Draftsmen’s Congress for the 7th Berlin Biennale. Francesco Cavaliere is known for the sensitivity with which he combines sounds, materials and space, showing a highly particular taste for the most diverse forms of exoticism. His works are capable of enlivening his listeners' inner states in an imaginative journey populated by ephemeral presences, phenomena generated by glass, minerals and voices recorded using analogue technologies. Francesco Cavaliere lives and works in Berlin.

Luca Coclite (Gagliano del Capo, Italy, 1981) is visual artist. He lives and works in Gagliano del Capo. His research applies above all on the study about contemporary image, especially linked to the landscape and the architecture, as a language model from which investigate the different sociological contexts emerging. He has been involved since many years in many artistic projects, national and international, both as an artist and as a curator, such as Ramdom, Lastation and Casa a Mare.

Leila Hassan (Linz, Austria, 1983) is visual artist. She use her voice as main gesture, Leila has indeed a very unique bifocal touch. When she talks about supernatural events here, on the other hand she investigates in a kind of every day news, found in science, journalism and geopolitical strategies. Her visual work can be seen live mainly in textile forms, light sculptures, ceramics and dubbing audio plays. Founder member with Francesco Cavaliere of the music project Sea Urchin, Leila Hassan lives and works in Berlin.

Laura Perrone (Lecce, Italia, 1984) is independent curator, lives and works in Lecce (Italy). She earned an M2 in socio-anthropology (Paris1 - Sorbonne, 2008). In 2009, she focused on research in cultural studies in Argentina (Buenos Aires, Centro'feca). Co-founder of the South East Signal Box Network project (Lecce, 2010). For Musagetes Foundation she was project coordinator of Campagna Urbana project (Lecce, 2012) and Free Home University (Lecce, 2013). She was assistant curator for Sensibile Comune - le opere vive exhibition that take place at the Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea (Rome, 2017). At present she is collaborating with Lac O’ Le Mon Foundation.

Curator

January 2017 - May 2017

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Flash Art, contibutor

News

Flash Art Italia no. 334 luglio 2017 – settembre 2017, Roberto Lacarbonara su CRAC di Taranto

Recensioni

Flash Art Italia online 24 gennaio 2018, Hans Op de Beeck, Fondazione Pino Pascali / Polignano a Mare (BA)

Flash Art Italia online 9 gennaio 2018, Luca Coclite, Ramdom / Gagliano del Capo (LE)

Flash Art Italia no. 336 dicembre 2017 – gennaio 2018, Mythologies , Palazzo Palmieri/ Monopoli (BA)

Flash Art Italia no. 334 luglio 2017 – settembre 2017, And if I left off dreaming about you?, Foothold/ Polignano a Mare (BA) 

Flash Art Italia no. 332 aprile 2017, Bari /// Pino Pipoli, Doppelgaenger

Flash Art Italia no. 330 dicembre 2016 – gennaio 2017, Polignano a Mare (BA) /// Driton Selmani, Ex Chiesetta

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For the second year the Fondazione Lac o Le Mon, a not-for-profit center for artistic research initiated by Emilio Fantin, Luigi Negro, Giancarlo Norese, Cesare Pietroiusti e Luigi Presicce, will host a series of initiatives – workshops, seminars, events, residencies – open for those who want to share knowledges and experiences, times and desires, food and practices, thoughts and places.

Conditions of Participation for a residency at the Fondazione Lac o Le Mon, summer 2017.

The Fondazione will be able to offer to all the guests a basic form of hospitality and the use of fundamental facilities (shared kitchen, common bathrooms, electricity, water etc.). No travel grants provided. We will provide a certain number of mats and camp beds but, apart from tables and chairs, the house is not furnished. For those who have a tent, it is possible to camp in the park around the house. Better to bring one’s own towels, sheets and sleeping bag. One of the most important aim of the Fondazione is the complete self-sustainability and the “zero waste” option. Therefore the use of water and electricity will be necessarily limited. All the meals will be commonly prepared in the house. Each participant, aside from collaborating in preparing the meals and putting in order the common spaces, is requested to give a small sum of money for purchasing food and contribute to basic expenses for the house (cleaning, laundry etc.). During the period June-September 2017 there will be a program of seminars, workshops, investigation communities, and Cafausic courses. Below follows a calendar. Unless otherwise specified, the participation to seminars and workshops is free. Activities scheduled thus far are being held primarily in Italian. However, as the network of international participants grows, we expect that different programmes will be taking place both in Italian and in English and possibly other languages. It is recommended to participate to the whole duration of the chosen workshop. Apart from being part of one or more of the activities mentioned above, all the guests are invited to offer their ideas, proposals, suggestions, and vision regarding future initiatives of the Fondazione, and the possibilities offered both from the building and the park around it. Everyone is invited to bring some material documenting their own research, to be shared with the other participants in different ways, also independently from the scheduled activities.

Workshops 2017

2–6 June On weaving, textures and hyper-text. Craftsmenship and contemporary art Curated by Arianna Fantin and Giacomo della Maria Creation of a research group that will explore, either theoretically and practically, the relation between a typical manual practical skill such as weaving, and contemporary art.

21–29 June Forms, ideas and movement of the body between anthropology, psychology and dance Curated by Andrea Carlino with Alexandre Roccoli Memory, weaving and “tarantismo” – the peculiar kind of dancing and socializing mental conditions that was typical of Puglia region – will constitute a field of research and discussion between historians, anthropologists, ethnomusicologists and choreographers.

1–8 July On perimeter Curated by Gian Paolo Renzi Artistic experiments with the aim of creating an art collection physically located on, and conceptually related to, the almost 500 mt long walls surrounding the Casa Cafausica.

10–23 July A tribute to the fallen (Omaggio ai caduti) Curated by Laura Perrone Contemplation, forms of care, creation of art events dedicated to the more than twenty big trees that were eradicated by a storm that hit the land around the Casa Cafausica in October 2016.

24–30 July Living. A seminar of observation and reflection on organic co-presence of individuals, plants and other non-human animals Curated by Corrado Chiatti and Annalisa Zegna Practices, games, reflections and discussions will try to create a collective process of relating different forms of life. It is about plunging oneself in the environment in order to redesign a map of otherness.

4-6 August Aesthetics of the not perceivable. Meditation and dream practices for an artistic elaboration of unconscious images Curated by Emilio Fantin The workshop will try to conjugate rational way of thinking, typical of state of being awake, with the irrational, typical of dreaming and sleeping. The attempt is that of going beyond the duality between material and immaterial so to make one the expression of the other; and going beyond the separation between subject and object, towards the condition well expressed by Jean Luc Nancy with the phrase “being singular plural”.

7–13 August Unusual stories of forgotten objects. Digging the ground and the imagination Curated by Giuseppe De Mattia e Chiara Argentino A digging workshop that looks for abandoned, discarded and forgotten objects in the land surrounding the Casa. Found objects will then become the protagonists of evening discussions, and participants will try to invent new forms of life and a new meaning for them.

16–22 August Star matters Curated by Osservatorio ARTURO (Sara Alberani, Samuel Mello) Three nights awakening on the terrace and gardens of the Casa, looking for a mythopoetic, emotional, philosophical and scientific observation of the night sky. During the day we’ll also look at vaults of ancient churches. Is it possible to invent a new constellation on which we can design our contemporary mythologies?

23–31 agosto For a minor language, a schizophrenic concoction Curated by Carolina Rossi Casanovas e Mattia Solari, with Cesare Pietroiusti Experiments on, with, and at the research of, a minor language. Linguistic expressions, ways of saying, specific words, etymologies and phonetic characteristics will be the field of research of this workshop. A real, physical book might be fabricated in the end.

2–9 settembre Dyonisus, a liquid and multiple divinity (part II) – How to perform “The Bacchae” by Euripides Curated by Cesare Pietroiusti e Andrea Lanini, with Iacopo Seri and in collaboration with Clelia Viecelli Giannotti. A research group on dionysian rituals and on artistic creation in wine-altered state of mind. An exploration of performative possibilities for a classical theatre text, such as “The Bacchae”. A travel through the characteristic of natural wine.

Curator

January 2017 - September 2017

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SENSIBILE COMUNE

Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea - 14/22 gennaio 2017

a cura di Ilaria Bussoni, Nicolas Martino, Cesare Pietroiusti

con l’assistenza curatoriale di Laura Perrone

Ingresso gratuito alla mostra: Via Gramsci n.69-71

www.sensibilecomune.org

Mostra, convegno, festival, evento, laboratorio, "Sensibile comune. Le opere vive" volutamente sfugge al senso consolidato di ciascuno di questi termini e cerca di collocarsi in un terreno intermedio, fatto di sovrapposizioni e di interstizi poco frequentati, dove probabilmente ci stanno portando le forme del sapere e dell’esperienza contemporanea. Numerose opere appartenenti alla collezione della Galleria Nazionale saranno usate non per essere esposte in maniera abituale al pubblico, ma per diventare agenti attivi dello sguardo, pre-testo per un confronto con altri artisti, nonché con teorici, coreografi, filosofi, poeti, amatori.

Sensibile comune è articolata in sei sezioni: Opere all’ennesima è concepita come campo in cui all’opera della collezione si risponde con un’altra opera, o con pratiche della parola, della performance e del gesto, fino a comporre un paesaggio di oggetti e di segni dentro il quale possa darsi l’avventura singolare e comune dell’intelligenza. Le Opere incurabili, in virtù del loro status di opere danneggiate, diventano strumenti di un’interrogazione che va letteralmente dentro l’opera e che riguarda la sua materialità e precarietà, il nostro rapporto con la trasformazione e il concetto stesso di valore. Opere in lotta è lo spazio dedicato alla presentazione di diversi archivi cartacei e non che raccolgono materiali legati all’impegno e alla lotta politica nelle sue diverse accezioni; è anche il luogo in cui dare forma a un archivio digitale basato sulla messa in comune di materiali attraverso un software open source. Opere in contemplazione, alla ricerca di forme diverse del sensibile. Opere in fuga, in cui si alternano interventi di parola a film d'artista. Opere in costruzione dove l’opera si fa nel momento stesso dell’incontro con il pubblico, e anche grazie a esso, secondo le non-regole dell’improvvisazione e di una ricerca, flagrante quanto incerta, dell’accordo.

SCARICA PROGRAMMA

OPERE ALL’ENNESIMA Artisti invitati: Anemoi, Elisabetta Benassi, Simone Bertugno e Watson (Loal – League of Art Legends), Rossella Biscotti, Lu Cafausu, John Cascone, Corrado Chiatti, Luca Coclite, Danilo Correale, Davide D’Elia, Antonio Della Guardia, Claire Fontaine, Giulia Gabrielli, Dora Garcia, Francesca Grilli, Emily Jacir, Kinkaleri, Alessandro Laita e Chiaralice Rizzi, Olivier Kosta Théphaine, Sandra Lang, Andrea Lanini, Giuliano Lombardo, Eva Macali, Domenico Antonio Mancini, Fiamma Montezemolo, Luca Musacchio, Matteo Nasini, Mattia Pellegrini e Jesal Kapadia, Cesare Pietroiusti, Luigi Presicce, Cristina Kristal Rizzo, Carola Spadoni, Gian Maria Tosatti. Artisti della collezione: André Breton, Alberto Burri, Marcel Duchamp, Lucio Fontana, Juan Genoves, Emilio Isgrò, Ketty la Rocca, Piero Manzoni, Roberto Melli, Napoleone Nani, Filippo Palizzi, Pino Pascali, Giulio Paolini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Medardo Rosso, Toti Scialoja, Mario Tozzi, Giulio Turcato. 

Partecipano: Carlo Bordini, Pietro Gaglianò, Jacopo Galimberti, Dario Gentili, Lancelot Hamelin, Giacomo Marramao, Muriel Mayette-Holtz, Arianna Ninchi, Elisa Ottaviani, Laura Piccioni, Lidia Riviello, Alexei Penzin, Elettra Stimilli, Carla Subrizi, Giacomo Trinci, Paolo Virno.

OPERE INCURABILI Artisti della collezione: Carlo Alfano, Lucio Fontana, Eliseo Mattiacci, Pino Pascali, Paul Van Hoeydonck. 

Partecipano: Marco Baravalle, Annarosa Buttarelli, Paola Carnazza, Carolyn Christov-Bakargiev, Karmen Corak, Rodolfo Corrias, Tarek Elhaik, Maria Profiri, Luciana Tozzi.

OPERE IN COSTRUZIONE Artisti invitati: Ayreen Anastas e René Gabri, Casamatta e Il Genio Collettivo (Nadia Arancio, Maria Hélène Bertino, Buio Blu, Luca Cechet Sansoé, Alessandra Cianelli, Andrea Coppola, Chiara De Dominicis, Maddalena Fragnito, Donatello Fumarola, Luciano Gagliardo, Manlio Garavaglia, Angelo Mancuso, Francesca Maciocia, Claudia Marelli, Fiorenza Orto, Stefania Palermo, Giorgio Palumbo, Mala Queen, Stefano Roveda, Marco Salvatico, Martin Volejnik), Daniele di Buenaventura, Fabrizio Ferraro, Non tanto precisi, Ludovico Takeshi Minasi, Michele Rabbia.

 Partecipano: Elisa Davoglio, Marco Giovenale, Giulio Marzaioli, Simona Menicocci, Vincenzo Ostuni, Fabio Teti, Silvia Tripodi, Luca Venitucci, Michele Zaffarano.

OPERE IN LOTTA Artisti e archivi: Archivi Fondazione Baruchello, Archivio Giuseppe Garrera, Archivio Macao, Archivio Marincola, Archivio Sale Docks, Archivio Teatro Valle, Artpool Art Research Center in Budapest, Pablo Echaurren, Museo conviviale dell'arte ir-ritata, Centro di documentazione palestinese in Italia, Fondazione Echaurren Salaris, Radio Onda d’Urto, Fondazione Echaurren Salaris, Forniture Critiche, Carmelo Romeo, Luciano Trina. 

Partecipano: Salvatore Gagliardo, Marco Baravalle, Gianfranco Baruchello, Franco Berardi Bifo, Manuel Borja-Villel, Emanuele Braga, Ilenia Caleo, Emiliano Campagnola, Giovanni Campolo, Nhandan Chirico, Roberto Comini, Carlo Costa, Wasim Dahmash, Maddalena Fragnito, Jacopo Galimberti, Gianni e Giuseppe Garrera, Emily Jacir, Pedro Lagoa, Nicolas Martino, Antar Mohamed Marincola, Despina Panagiotopoulou, Camilla Pin, Claudia Salaris, Marco Scotini, Carla Subrizi, Anna Szirmai, Lorenzo Teodonio, Mario Tronti, Nicola Valentino, Wu Ming 2, Elia Zaru.

OPERE IN FUGA Film di: Gianfranco Baruchello, Chiara Bettazzi e Gaetano Cunsolo, Maria Bertino, Simon Brodbeck e Lucie de Barbuat, Guy Debord, Malastrada Film, Jurij Meden, Marilena Moretti, Antonella Sgambati, Tariq Teguia. 

Partecipano: Maria Hélène Bertino, Ilaria Bussoni, Donatello Fumarola, Alessandro Gagliardo, Enrico Ghezzi.

OPERE IN CONTEMPLAZIONE 

Partecipano: Alessandro Biagioli, Danilo Bitetti, Silvia Bordini, Ilaria Bussoni, Armando Castagno, Vanda de Valli, Salvatore Dell’Aquila, Marcello di Paola, Andrea di Salvo, Emanuele Dotti, Alberto Fanfani, Emilio Fantin, Giampaolo Gravina, Ana Horhat, Cristiana Mancinelli Scotti, Paola Massardi, Marco Mazzeo, Eugenia Natalino, Cesare Pietroiusti, Franco Piperno, Valerio Vigliar, Monica Sgandurra, Clelia Viecelli Giannotti, Lucilla Zanazzi, Rolando Zandri, Lucia Zanello.

LA NUIT DES IDEES / PAROLE COMUNI 

Partecipano: Kader Attia, Etienne Balibar, Franco Berardi Bifo, Benoist Bouvot, Andrea Carlino, Alex Cecchetti, Nhandan Chirco, Pierre Dardot, Malika Djardi, Claire Fontaine, Muta Imago, Simon Krhal, Christian Laval, Igor Lečić, Malastrada Film, Morgane Merteuil, Adrian Paci, Giorgio Passerone, Branko Popović, Jacques Rancière, Alexandre Roccoli, Marco Sanchirico, Jean-Marie Straub.

SENSIBILE COMUNE – LE OPERE VIVE Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea – 14/22 gennaio 2017 a cura di Ilaria Bussoni, Nicolas Martino, Cesare Pietroiusti con l'assistenza curatoriale di Laura Perrone, la consulenza per teatro e danza di Serena Soccio, il coordinamento di Sara Milano Ingresso gratuito alla mostra: via Gramsci n. 69-71 www.sensibilecomune.org

SENSIBILE COMUNE – LE OPERE VIVE Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea – 14/22 gennaio 2017 a cura di Ilaria Bussoni, Nicolas Martino, Cesare Pietroiusti con l'assistenza curatoriale di Laura Perrone, la consulenza per teatro e danza di Serena Soccio, il coordinamento di Sara Milano Ingresso gratuito alla mostra: via Gramsci n. 69-71 www.sensibilecomune.org

PRESS

Assistant Curator

November 2016 - January 2017

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Il libro è nato a supporto della mostra Superflora di Luca Coclite, a cura di Laura Perrone inaugurata nel settembre 2016 negli spazi di Nowhere Gallery a Milano. Realizzato in una tiratura limitata di 50 esemplari, il libro include un testo del gallerista Orio Vergani, un testo del Curatore Laura Perrone sull’estetica e le ricerche che hanno ispirato il progetto Superflora. È supportato da studi preparatori dell’artista, da testi di riferimento nell’ambito della storia dell’arte e dell’ingegneria delle telecomunicazioni. Infine contiene alcuni lavori inediti di Luca Coclite, e nello specifico due collages, non esposti in mostra.

limited edition: 50 copies 

Pages: 32 / natural paper

Colour: 8 pages

Black and white: 24 pages

Publisher: independent publishing (September 28, 2016)

Language: Italian

Dimensions: 148 x 210 mm

Price: €10

to buy write on perronelaura(at)gmail.com

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SUPERFLORA

Principi di botanica senza radici

(è così che bosco e non-bosco in quieta pazzia tu coltivi)

Andrea Zanzotto, Gnessulógo, Il Galateo in Bosco

Superflora cataloga le anomalie paesaggistiche nate con l’avvento dell’Antropocene, durante la quale l’impatto dell’azione umana ha fortemente condizionato l’insieme delle caratteristiche fisiche, chimiche e biologiche dell’ambiente terrestre, creando uno scarto che ingloba la natura nell’artificio e viceversa, alterandone sostanzialmente gli equilibri naturali. La ricerca si concentra su questi elementi di distorsione del paesaggio, analizza i tratti essenziali e i principi fondamentali di una botanica senza radici composta da elementi inorganici che possiedono le caratteristiche per sopravvivere al tempo, alle intemperie, alla desertificazione, all’umanità. Superflora non produce linfa, clorofilla o frutto ma rumore, visivo, sonoro e dei materiali; non produce ossigeno e non rilascia anidride carbonica, ma onde elettromagnetiche e celle di copertura del segnale telefonico.

In costante evoluzione, le stazioni di trasmissione e di ricezione dei segnali di radiotelefonia mobile (BTS), si mimetizzano sotto forma di albero nella natura circostante, mettendo in gioco gli aspetti plastici legati al discernimento e quindi alla capacità di distinguere il vero dal falso, di stabilire un’opposizione critica tra realtà e illusione, tra visibile e invisibile. Invisibile come le celle esagonali che si estendono e si sovrappongono in tutto il mondo, arrivando a ricoprire città, foreste, isole, deserti, continenti. Prendono la forma di un non-bosco che non protegge, non nasconde, non separa e, con neutralità assoluta, riduce la terra a un paesaggio unitario e infrastrutturale. Un’immagine senza inizio né fine che permette di realizzare il progetto della supercomunicazione, della superimmagine, della superinformazione, delle reti super che incidono in forme diverse nello spazio dei nostri corpi. Destrutturando il paesaggio e decostruendo l’oggetto, la ricerca si interroga sul reale, sul simbolico e sull’immaginario. «Mi riferisco all’importanza che ha caratterizzato il simbolico dell’Albero nel corso della storia dell’umanità, che messo in relazione con l’artificio dell’albero-antenna, oggi indispensabile per creare una rete performante capace di stabilire una comunicazione mobile nel mondo intero, mette in luce un cambiamento di paradigma e di conseguenza crea una nuova natura del contemporaneo».

SUPERFLORA è vincitrice del premio NCTM per l’arte 2016

EXHIBITION

NOWHERE GALLERY, Superflora - principi di botanica senza radice, a cura di Laura Perrone

, Milano, 28 Settembre – 18 Novembre 2016.

GALLERIA NAZIONALE D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA, Sensibile Comune - le opere vive,  a cura di Ilaria Bussoni, Nicolas Martino, Cesare Pietroiusti, Roma, 14 - 22 Gennaio 2017.

PRESS

Artribune

Artwort

Corriere della Sera - ViviMilano

Zero Milano

That’s Contemporary

Juliet

il fotografo

Curator

January 2016 - 

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The Fondazione Lac o Le Mon has been initiated in late 2015 by artists Emilio Fantin, Luigi Negro, Giancarlo Norese, Cesare Pietroiusti and Luigi Presicce. Since 2006, under the collective name Lu Cafausu, they have been active in different contexts, in Italy and abroad, through performances, exhibitions, unusual actions. Starting from 2010, Lu Cafausu has invented and celebrated the “Festa dei Vivi (che riflettono sulla morte)” / “The Celebration of the Living (who reflect upon death)”.

Right after its creation, the Fondazione Lac o Le Mon has acquired a wonderful old building with a large piece of land located on the border between San Cesario di Lecce and Cavallino (South-East Italy), the Casa Cafausica (The Cafausic House). This site is the headquarter of an experimental center for the arts, based on self-education and the following principles.

1. The workshop model

The activities in the Fondazione are mainly framed within the workshop model based on readings, theoretical and project-oriented discussions, where knowledge and new ideas are exchanged according to a circular modality, in order to get to a collective use and elaboration of the participants’ attitudes and proposals. The group’s aim is that of formulating and working on projects where the aspect of sharing ideas and practices is more relevant than the individual authorship.

2. The community-oriented experience

The Fondazione offers to the participants the option of residing and living on site and collectively deciding how to share spaces, time, resources, practices, dreams and visions. We are convinced that there is the possibility of conceiving and making actual experience of forms of living and independent communities that are based on sharing rather than on individualistic competitiveness; on giving value of what is already there rather than on consumerist need for the “new”; on knowledge to be built together and on the spiritual richness that each one can offer to the others, rather than on personal success measured by one’s economic power or on media coverage.  

3. Practical and experiential knowledge related to the Casa

The architectural, aesthetic and landscape-related characteristics of the Casa Cafausica are such that, independently from the activity that each participant is involved in (seminars, workshops, events, meetings, etc.), the residency is inevitably characterized by forms of attention, of collaborative practices, of awareness towards the qualities and the needs of the Casa. In other words we will always try to integrate the language of knowledge and of artistic research that one is exploring, with the places where one is actually living. A place that is oriented towards total self-sustainability from the point of view of energy consuming, a radical choice for the “zero waste” option, as well as biodynamic principles in taking care of the land.    

4. Multiplicity and trans-disciplinarity

In such context the figure of the “artist” is that of a social actor who, instead of accepting a pre-determined role and a specific disciplinary belonging, constantly puts into question roles and disciplines, and such question becomes one of the main aspects of the artistic research itself. The Fondazione, therefore, promotes every form of relation and collaboration among artists who come from different fields such as visual art, dance, theatre, music etc., as well as between artists and professionals from different fields who will be challenged to explore the margins of their own usual activity, in order to reach unexpected possibilities.

We think the Casa Cafausica can become a place where both different passions and passionate differences are welcome, and actually lived together; the structure itself of the house, its dimensions and forms, the relation between the inside and the outside spaces will allow, almost magically, unexpected forms of cohabitation, of collaborative projects, of osmotic movements between disciplines, forms of knowledge, competences.

Workshops 2016

Modalità dell’ozio, august 2016

La lingua come punto d’incontro, july 2016

Arte e Biodinamica, july 2016

Presentations and friends, july 2016

How to make a windharp, june 2016

Comunismo del Sensibile, june 2016

Live Performance

Phill Niblock and Katherune Liberovskaya, 13 july 2016

Exhibition

Fondazione Lac O Le Mon, through the workshop “Comunismo del Sensibile”, has promoted and has then supported the event “Sensibile Comune - Le opere vive”. Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea Roma, 14/22 gennaio 2017

PRESS

Flash Art - Giulia Gregnanin, Cesare Pietroiusti e Giancarlo Norese sulla Fondazione Lac o Le Mon / San Cesario di Lecce. Ottobre 31, 2016.

Exibart - Serena Carbone, Tra stelle e desiderio, arte e biodinamica. Agosto 2016.

Artribune - ALAGroup, Arte e attivismo pedagogico. Dal centro al sud Italia, 17 gennaio 2017.

Project Coordinator

January 2016 - November 2017

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cinefaro è un dispositivo nato dalla necessità di creare, in un ambiente intimo e informale, dei momenti di riflessione sul contemporaneo attraverso un approccio interdisciplinare capace di affondare nel suo interno una determinata tematica, ricerca o pratica artistica.

Il cinefaro, non è una rassegna dedicata alla cinematografia, ma è un dialogo che si costruisce in modo spontaneo, partendo dalle suggestioni di determinati linguaggi quali il cinema, la musica, la letteratura. Una palestra del pensiero e dell'opinione che dalla radice kyne, prende il significato di movimento (in tutte le sue sfaccettature di gesto, passaggio, moto, ritmo, circolazione, azione, gruppo, tumulto) e dalla radice phà il rilucere, il palesare, quindi anche il narrare, il manifestare l'approdo o il pericolo.

Il cinefaro è quindi un momento di condivisione ospitato all'interno di un ambiente domestico. Questa sua caratteristica permette la fruizione di un ristretto numero di partecipanti (8/10 su invito), ma è altresì il vincolo che permette di far nascere un'atmosfera di intimità, di praticare l'ascolto e l'attenzione, di sentire la libertà di esprimere, non un opinione, ma il proprio pensiero.  Proprio a queste peculiarità è dovuta l'unicità di ogni incontro, che si nutre anche delle visioni delle persone che lo abitano e delle loro specifiche competenze e esperienze. Questo ambiente protetto ha permesso, inoltre, di ospitare delle anteprime grazie alla disponibilità di artisti che hanno trovato interesse nel presentare il loro lavoro e il loro processo creativo in fieri.

L'informalità che caratterizza il cinefaro, più che dal prendere le distanze dagli ambiti istituzionali, è data dalla necessità di sopperirne i vuoti; non si forma per criticare, ma per mettere in questione. Uno dei principali fattori che ne hanno motivato la nascita, è il dibattito sul linguaggio istituzionale che da anni si diffonde in modo capillare nei discorsi socioculturali tanto da acquisire sempre maggior autorevolezza e oggettività, fino a entrare, senza alcun peso specifico, nel vocabolario comune.

Così, il luogo che abitiamo diventa territorio, parola associata alle politiche di sviluppo in una determinata area geografica e culturale. In esso si colonizzano le pratiche sociali e culturali in funzione del turismo guidati da una visione economica che vede in esso una chiave di volta. Alla parola cultura vengono associate con disinvoltura parole come sviluppo o capitale, mascherate dietro lo scudo della partecipazione e si sbandierano con orgoglio obiettivi strategici definiti da programmi, che portano alla costruzione di cattedrali nel deserto.

Questo linguaggio che ha attecchito nel nostro modo di esprimerci e quindi di pensare, non può che tradurre nel tempo gli effetti visibili del fallimento capitalista del quale possiamo già decifrare alcuni sintomi: precarietà che induce assistenzialismo che genera dipendenza.

Il sito web, infine, raccoglie note, appunti visivi e citazioni che sintetizzano attraverso l'ausilio di parole chiave le tematiche emerse in ogni incontro.

Curator

October 2014 -

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Dialoghi sui Monocromi tra Laura Perrone e Saverio Bonato. Monocromi Tarantini, Saverio Bonato, January 2015. pag.  10 - 18.

The publication Monocromi Tarantini is the result of the collection of some written contributions of curators, researchers and workers who describe the city of Taranto from the Monochromes of Taranto themselves.

[lauraperrone]

host is a project of seven exhibitions that took place from January to July 2014 in several Italian cities. The project was created when we, eight students, met at CAMPO13, a course for curators organized by the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in collaboration with CRT Foundation for Modern and Contemporary Art which supports the project as part of RESÒ. host was born from the shared desire to combine theory and curatorial experience, as to move together the first steps in the contemporary art system. We wanted to take this opportunity without wasting time, we networked with artists of our generation, also at the early stage of their careers. host was born spontaneously and has been our lab, a sort of "course in the course" through which extend our preparation as an ongoing education. CAMPO13 had  an in / out, structure, i.e. along with the theoretical lessons at the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, we alternated week long field trips in the main cities of the Italian contemporary art system. host is strongly related to the structure of CAMPO13 because the mobility that we had to deal with during the course has been exploited as an opportunity and constraint for our creative process. The institutional framework in which the project was born acted as a driving force. We chose to put host on a parallel track, as independent and self-sufficient as possible as far as economic and decision-making aspects were concerned. CAMPO13 foresaw one week long stops in Turin, Bologna, Rome, Venice and Milan, which became  the cities in which we held the seven exhibitions of host. The exhibitions were hosted in the apartment we rented through the site airbnb.it, an internet platform which also inspired the title of the project as the slogan of the site is "Welcome home: Rent unique accommodations from local hosts in 190 countries”

We immediately thought the word  "Hospitality" perfectly described our common vision of the project. The term should entail a meeting in which the symbolic operator is the gift, understood in its main features of gratuity and pleasure. We can distinguish different levels of hospitality in our project: us paying "guests" of the airbnb homes; the artists “guests” of the project; the public "guest" of the event. The confusion that is generated between being both airbnb customer and guests of the hosting owners is given by the visible traces left by the owner, and seems to feed the idea that "if there were a bed and breakfast sign on the front door, the guest would be a bit 'confused' (Falconi, 2006, p. 155). The artist and the audience have been included, however, in a purely human and relational dynamic. Resuming the thought of Marcel Mauss, hospitality opens to a mutual relationship within the sharing of a limited space for a limited time that generates sympathy or simply a  relation (Mauss, 2002). The artists we invited and hosted are all active in the cities visited with CAMPO13. This has allowed us to have a less fleeting passage than that of others who are using, for the most diverse purposes, the platform airbnb. We asked the artists to work on and within the given space, discussing together about its possible transformations, its use and functions in relation to the works, in a coexistence involving us, the artists and their work. Modeled on a recent text by Lucy Lippard, concerning the way a place is experienced taking into account the illusionary look of tourism, we can say that the heart of the whole experience of experiencing a place should reside more in the journey, in the elapsed time, more in the process rather than in the product. What counts is the attitude, not merely the destination. We believe that - in the case of host - the dialogue between  people familiar and unfamiliar to a place helped bringing closer to the process that Lippard calls "social extension of collage" (Lippard, 2010): i.e. collaborating with those who belong to the place makes the experience of the exhibition a reality far more complex and layered.

Through host, the training aspect of this trip around Italy with CAMPO13, was then overturned into the opportunity to weave relationships with artists of our same age. Theory became immediately a curatorial practice based on personal confrontation and dialogue between people in a common space. Curators host artists for an exhibition and artists symbolically host curators in their city allowing curators to discover new aspects. The concept of equal exchange, proper of the language of giving, becomes thus the center of a curatorial setting open to the unpredictability of people and places. The exhibitions with which we "settled" in different cities, have therefore allowed both us and the artists to be, for one evening, in the heart of the system. We have devised a format that can be defined as "flash-show", both for the initial tight deadlines of conception and preparation, and for the actual duration of the event. Prior to our arrival in the host cities we established  which artists would have been  involved in the project, we contacted them and discussed via e-mail about their interventions, without ever meeting them. We managed the communication of the events through our Facebook page and other social networks, we responded to e-mails requesting more information and then we communicate only to those interested the address of the apartments which we have never publicly disclosed in accordance with the privacy of the owners. We would arrive in the selected city on Sunday, one day before the date scheduled on CAMPO13's calendar, and had no more than  three days to meet with the artists, investigate their proposals and set up the exhibition. The exhibition opened on Wednesday at 9:00 pm and closed at 11:00 pm. Each show has been documented by video from our arrival at the apartment to the final farewell with the artist (the videos are available on the website progettohost.tumblr.com). To make this mechanism work, we had to take advantage of every minute of free time available to us during the days of the field trip with CAMPO13, working at night and on the go. A few months after the end of hosts, the result was seven extremely different exhibits, each conceived through the logic of a chain process, in which each exhibit was a reaction to the previous one. After each stage we would take time to think back to what our curatorial choices had produced and on how to refine our methodology.

In an article published in The Guardian in September 2014, Tim Lott defines the 'phenomenon' airbnb as an antidote to the society of social network which leads to isolation: "this is some sort of antidote to the counter-tendency of society, that of isolation through computers and mobile phones "(Lott, 2014). airbnb policy, generated by the sharing economy, has structurally changed the basis on which is founded the concept of private property, acting on that exclusive site that acts as a stronghold to the sphere of the individual or of the family: the home. airbnb, in fact, is not just a platform used to rent an apartment that is not inhabited, but a tool that allows to share a home, four domestic walls containing personal belongings and identities as landlords and tenants, with strangers and for brief periods. The sharing economy represent an alternative to the crisis and airbnb shifts the concepts of domesticity and hospitality to levels that have never been contemplated before. Opening the front door to strangers means to host them and at the same time, paradoxically, who is housed pays a rent. In support of these considerations, in June 2014, during the XIV Biennale of Architecture in Venice, the airbnb Pavilion was presented for the first time, "a paradigm to explore contemporary forms of domesticity" (airbnbpavilion.com). The project includes architecture and art and questions what it really is, today, a domestic space, noting that the latter is no longer a non-negotiable good, but it dynamically acts on the economy of our time. The pavilion was housed in a Venetian apartment and hosted several works of art about the concepts presented in the project. On this occasion, the link between airbnb and other artistic languages has proved useful to explore concepts such as mobility - a present human prerogative - and domesticity. We used airbnb for our exhibitions, because it was the dimension that best suited our need to move from one place to another and to build, as far as possible, our domestic space and our daily routine. To act within a domestic space means facing the unexpected. Renting a house seen only through a few pictures on a website often entails the risk of ending in homes completely different from what expected. This meant that we had to continuously change our initial ideas towards new solutions. The apartments we stayed in became experimentation and research areas for both us curators and for the artists who had to deal with spaces strongly influenced by the taste of their owners, by the architectural style and by our very presence. To the various identities of the apartments where we settled we added  ours of curatorial collective. As in a game of mirrors, we replaced the real hosts, hosting in turn the artists and the visitors. Only a tool like airbnb could have allowed the working  of such a complex mechanism that acts on multiple levels. The apparent paradox existing  within the relationship between the internet, a dimension with no precise location, and the specificity of the places where the shows were held, confirms the importance that the apartments had for the development of the project. Their differentiation and geographical specificity has been an element that we used in a conscious way, without categorizing beforehand our actions. The apartment as a place of exhibition demands to be distinctively considered  and not treated just like a white cube. On this basis, host deals with the  current debate concerning practices influenced by the site-specific inheritance. Today trying to be local in a global world challenges the contemporary arts as well as other fields of research.

host is part of a traditional way of exhibiting, that of exhibiting in an  apartment, by now historicized yet still extremely fertile. During the making of host, we tried to analyze previous exhibitions in order to identify similarities and differences to be used as as critical instruments to better understand our project. What generates the need to make exhibitions in an apartment? One key of interpretation that could link host to these exhibit is the need for a positive reaction to a context or external cause. The apartment is the quickest and handiest display able to achieve this goal. 

Conscious, therefore, of the fact that we are inserting ourselves in a well-established exhibiting tradition , we are also aware that we have conquered a little space between pre-existing Italian realities, such as Space Morris (Milan), Private Flat (Florence), Interno4 (Bologna) and GAFF (Milan), which, in turn, have taken from this same tradition. In these projects, the apartment is designed as a pure exhibition space. host, however, was obliged to maintain the functionality of the apartment, by coming to terms with it.

The publication arises from the desire to present the artists with whom we have worked and to document the project. For this reason we have chosen to adopt a chronicle style narrative when describing the various stages, to reconstruct as closely as possible what has happened. The structure of the catalogue highlights the fact that we are eight curators, proposing texts written by many hands. Each stage has been told by four of us. Each has written their own text, in a limited amount of time and according to their stylistic approach, vision of the stage and personal interpretation of the interventions. In the course of the composition, we wanted to maintain for each text a certain degree of autonomy and recognition, even in terms of graphics. The reader will therefore be faced with a writing characterized by time-jumps, repetitions and emphases. The final result is a polyphony given by a performative method naturally born through the use of computer tools we use today to produce, share and edit texts on the internet. The process of the project operational phase is thus well reflected in this publication, being the result of a fruitful collaboration and integration between our skills, experience and sensitivity. 

Artists:

Hosting Enrico Boccioletti, Parasite 2.0, Elena Radice TAPPA OFF Milano#7 su vimeo

Hosting Lia Cecchin Torino#6 su vimeo

Hosting Marco Gobbi Venezia#5 su vimeo

Hosting Alessandro Vizzini Roma#4 su vimeo

Hosting Roberto Fassone Torino#3 su vimeo

Hosting Interno4 Bologna#2 su vimeo

Hosting Michela Depetris Torino#1 su vimeo

Curators:

Dario Giovanni Alì, Carolina Gestri, Marina Loshchakova, Giorgio Micco, Caterina Molteni, Laura Perrone, Francesca Vason, Stefano Vittorini.

Curator

January 2014 - November 2014

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