“Juan García Esquivel, 100 Años” por la Orquesta Nacional de Jazz de México
Por: Roy Cortés
**La noche llegó. Juan García Esquivel, 100 años ha sido una de las experiencias sonoras más interesantes del año. **
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, que también cumple cien años, estaba repleto como en sus mejores días, todos murmuraban respecto a Esquivel, su trayectoria y música, nadie quería quedar fuera de la charla y por supuesto, tampoco de la gala. Entramos minutos antes de las seis, una tarde de domingo que sabía a otra época desde que estás en las butacas del Esperanza Iris. Las luces se apagan y en un palco aparecen Madame Chiang y El Muñecón, siendo ellos los presentadores de la noche, dan inicio a lo que sería el homenaje del año a _Juan García Esquive_l; Andalucía abre el concierto de esta noche y nos deja a todos asombrados con la ejecución, tanto a los conocedores como a los nuevos fans.
La Orquesta Nacional de Jazz de México en esta ocasión dirigida por Tim Meyer hicieron su tarea más que bien para poder transcribir la música del maestro Esquivel de tal manera que la orquesta completa tuviera participación pues hay piezas que estaban hechas para cuatro o cinco músicos.
Continúan Let´s Dance y Sentimental Journey, Tim explica que la selección se hizo en función no sólo de dar a conocer la obra de Esquivel sino de tocar national favourites, canciones reconocibles para todos; suenan Frenesí, La Paloma y posteriormente comienza una ronda de canciones donde los cantantes se lucen en el escenario; Mil Besos que en su momento fue interpretada por María Victoria es interpretada por** Laura Itandehui** de manera sublime.
Persi Vignola nos regala una interpretación de Acapulco, que nos hizo viajar a esa playa tan icónica en las películas de Mauricio Garcés, otro muñecón que también bailaba Cha cha cha como el de la reinterpretación_ Esquiveliana_ del de Pedro Vargas que siguió con el ritmo tropical y dio paso a Sincerízate interpretada también por Vignola y a Iraida Noriega con un canto de cuna cubano para el que Toña la Negra prestó su voz y al que le dio su estilo particular dejándonos con ganas de más, esa primera parte había sido impresionante.
Durante el intermedio,** Madame Chiang y El Muñecón nos fueron contando más de la vida de este genio musical que tuvo seis nominaciones a los Grammy, para irnos preparando para la segunda parte. **
Se abre el telón de nuevo y comienza un arreglo de un tema del filme Cabaret Trágico seguido de Latin- esque, track que le da nombre a uno de sus álbumes. Cuando comienzan a tocar la clásica Yeyo ya todos estamos en ese mundo de evocaciones visuales que Esquivel, más que componer, pintaba con sonidos.
Guanacoa nos hace sentir en el lounge de Las Vegas a donde, se dice, Sinatra llevaba gente él mismo para escucharlo; Jungle Drum es otra de esas piezas llenas de nostalgia de los 50. Estamos en el momento más alto del concierto justo cuando llega Odisea Burbujas a empaparnos de nostalgia y a hacernos cantar a los que recordamos a Patas Verdes y compañía y como pilón nos regalan una exquisita reinterpretación del tema de Mafafa Musguito cantado fenomenalmente por Iraida Noriega. ¡Los corazones y los aplausos se vuelven un estruendo en el teatro!
Surfboard llena nuestros corazones con lo que esperábamos de ese concierto y mucho más y nos dejaba ganas de tener más camino musical por recorrer; Hollow Nocturne interpretado por la soprano invitada Suzanne Long nos deja imaginar filmes de suspense con un toque del santo. La música se detiene y llega el momento más emotivo de la noche cuando el hijo del maestro Esquivel sube al escenario a recibir un álbum edición especial (que también recibe Tim Meyer) de los 100 años de nacimiento de su padre; todo termina en un caluroso abrazo por parte de ambos y suena la última canción de la noche, el broche de oro: Boulevard of Broken Dreams. Todos estamos sonriendo satisfechos, aplaudimos fuerte como si algo se hubiera encendido dentro de nosotros.
Al grito de “otra, otra” vuelve la Orquesta para regalarnos de nuevo su interpretación de Yeyo dejando que cada músico demuestre su talento, uno a uno anuncian el final de este viaje, se acabó el Martini pero el corazón se quedó acelerado. Todos nos quedamos con un buen sabor de boca de lo que prometía mucho en un principio y que al final del día, aunque con algunos detalles, cumplió sobremanera.
La Orquesta Nacional de Jazz de México tiene más planes respecto a la música de Esquivel pero tendremos que esperar para saber que es lo que sigue en su agenda. Mientras tanto han sembrado la semilla del renacimiento de uno de los músicos más grandes de nuestro país y que ya merecía un reconocimiento de esta magnitud.
Después de ocho años regresa a casa el espectáculo sobre hielo más visitado en nuestro país: Disney On Ice con una nueva edición. En este caso el espectáculo se trata sobre sueños; ¡sobre realizar nuestros más profundos sueños!.
En la conferencia de prensa nos prepararon a los asistentes algo especial: pudimos asistir con nuestra familia, algo atípico pues cuando vamos a una conferencia de prensa suele convertirse en un acto serio y hasta formal y en pocas ocasiones, solemne pero en este caso había risas, color y mucha magia desde el principio. Con ello nos dieron un mensaje muy claro respecto a que todos estamos invitados a adentrarnos en las aventuras de nuestras princesas favoritas de Disney.
A lo largo de la historia, las películas de Disney de una manera u otra, nos han preguntado de manera directa o a veces, metafóricamente “¿qué hay más fuerte que el deseo de cumplir nuestros sueños?” y justo aquí parte el nuevo espectáculo sobre hielo “¡Persigue tus sueños!” en el que Bella, Elsa, Cenicienta, Rapunzel y por primera vez, Moana entre muchos de nuestros personajes más queridos de las películas de Disney en la pista al ritmo de las canciones que todos nos hemos aprendido a lo largo de nuestra vida.
Es increíble ver como los pequeños corean a todo pulmón las canciones de Frozen, Moana y de cada número que aparece en escena, por un rato te olvidas de todo y te dejas llevar a ese mundo donde los finales felices están a la vuelta de la esquina y comienzas a cantar tu también; te vuelves parte del show antes de lo que esperas. El trabajo de los 39 patinadores provenientes de diez países distintos es impecable a tal grado que olvidas que están patinando todo el tiempo, sólo el resplandor de sus patines te da indicios de ello pero las coreografías sin duda son de lo mejor que verás en el año.
Hay un detalle maravilloso para nuestro país por parte de Disney On Ice. Este espectáculo ya lleva tiempo en Estados Unidos y Canadá y ya era de por si impresionante pero estando aquí hicieron algo especial para todos los que vayan a ver el espectáculo y lleguen temprano: ¡COCO!
Así es, en un número que no existe en otros países se incluyó un musical de la película Coco y es algo que realmente les tocará el corazón; en este momento de la conferencia, las familias cantaban al unísono. Una experiencia única para todos los que lleguen súper temprano a la función.
“Como padres, nos esforzamos para encontrar personajes ejemplares que alienten a nuestros hijos a elegir una vida llena de valores, y que estos valores se puedan difundir. Esto es lo que realmente representa Disney On Ice”, dijo Nicole Feld, vicepresidenta de Feld Entertainment Inc. y productora de Atrévete a soñar. “Quiero inspirar a los miembros más jóvenes de la familia con historias heroicas, con sus personajes favoritos de Disney, y permitirles descubrir su héroe interior”.
“La capacidad y gran habilidad de los actores para interpretar a los personajes de Disney vuelve al espectáculo uno de los mejores que ha presentado Disney on Ice”, dijo la directora Patty Vincent. “En nuestros shows, a través de una mirada infantil, los padres pueden experimentar una aventura donde se reconocerán a través de su personaje favorito y experimentar la maravilla de ser niño”, destacó.
Así que si quieren una excelente opción para el verano vayan a Disney On Ice ¡Atrevete a Soñar!
Si quieres ir a ver este espectáculo en el Auditorio Nacional, los boletos los puedes encontrar en esta página: http://www.ticketmaster.com.mx/Disney-On-Ice-boletos/artist/803710
"Es una película bien producida" es la frase más cliché cuando de películas taquilleras y/o de héroes ser trata, pues no se espera mucho de ellas y en nuestro afán por justificar una mala película porque nos emociona durante 10 minutos terminamos dirigiendo nuestra atención a las cosas que están bien hechas porque el presupuesto lo permite y exige.
En El hombre hormiga y la avispa, lo anterior no se necesita examinar, pues como es costumbre de Marvel Studios, la producción es impecable. Efectos especiales de primer nivel y escenas de acción emocionantes y bastante entretenidas. Y con ello nos preguntaríamos ¿cuál es el problema? Pues el problema es que es lo único que ofrece Ant-Man and The Wasp.
La historia comienza explicando qué pasó con Scott Lang (El Hombre Hormiga) después de los eventos de Capitán America: Civil War y lo encontramos a punto de salir de un arresto domiciliario de dos años cuando se pone en contacto con Hank Pym y Hope Van Dyne (La Avispa) porque tuvo un sueño/alucinación dónde ve a Janet Van Dyne (la Avispa original y esposa de Hank Pym).y se embarca en una misión para traerla de vuelta del reino cuántico.
Durante todo el metraje, se tiene la sensación de ver una película de Action man dónde no pasa nada y lo único que importa es la persecución. Y una persecución con villanos - si es que se les puede llamar así - mal escritos y dirigidos en un tono casi de farsa.
Al final, después de tantas maromas, jugar al gato y al ratón y hacer chistes forzados que sólo hicieron reír a un cuarentón que estaba sentado a unas butacas de mí, la trama sólo ofrece algo bueno: La Avispa
Evangeline Lily nos presentó a una avispa que patea traseros con gran facilidad, es inteligente y lo más importante: elocuente, pues en ningún momento dudas de que esté capacitada para hacer las tareas que el guion dicta y no peca de hacerse la chistosa en momentos que no es necesario como sí lo hace su compañero Scott y el ahora fastidioso Luis que irónicamente fue quien brilló en la primera película de Ant-man”; y si a eso le sumas que Marvel por fin se dio cuenta que las mujeres no siempre enseñan los senos y hacen poses casi vulgares cuando se enfrentan contra sus enemigos encontrarás al personaje femenino del universo cinematográfico más apegado a la realidad hasta el momento.
¿Alguna vez te preguntaste sobre la vida en otros planetas, qué es eso del mercado de valores, qué son las criptomonedas, si la ciencia ficción ha abierto paso a la ciencia? ¡Pues hay un programa que te da una explicación “en pocas palabras” de todos esos temas!
El nombre del programa es, justamente, esa frase convencional: “En pocas palabras”; propone una forma muy amigable de aproximarse a los temas y de explicarlos: cada episodio dura entre 16 y 17 minutos, no usa palabras complejas y, si las ocupa, también te explican su significado y, sobre todo, el lenguaje visual que ocupan no es el del documental puro, sino que lo mezclan con el formato que podemos ver en los top ten de Mojo o en los vídeos de Buzzfeed.
Así que, si estás buscando un programa para ver mientras comes o para responderte cosas que, quizá alguna vez te has preguntado, pero no tienes el tiempo o la paciencia de llevar a cabo una investigación profunda sobre ellos, entonces este es el programa que debes ver.
Por @leonergo || Fotos de @crasherparty || Aquí las fotos en alta definición
Hay ocasiones en las que uno, después de meditar bastante -una vez que ha revisado y revisado sus anotaciones- debe emitir un juicio duro, el cual, no gustará a aquél a quien se juzga. En esta ocasión, me toca hacer eso.
El día viernes 06 de julio, la obra Hablemos de amor comenzó temporada en el Teatro La Capilla; una temporada de 8 funciones (los días viernes a las 20:30 hrs.) hasta el día 31 de agosto... demasiado larga... demasiado tortuosa... el teatro mismo será asesinado 8 veces distintas.
Como siempre, pondré las cosas claras y, luego, las explicaré en párrafos subsiguientes: la puesta es ambiciosa, pretenciosa, desangelada, fuera de tono, ambigua y poco clara.
Dividiré la reseña, como siempre, analizando tres aspectos: texto, interpretación y producción. Comenzaré por el texto, por ser el esqueleto sobre el que descansa todo.
El texto
El texto tiene un problema fundamental: es pretencioso. Todo texto que desee abordar un tema desde una perspectiva determinada debe adoptar la postura de esa perspectiva; debe comprenderla y saber hilar los argumentos correspondientes a la postura que se desea sostener y, en el caso específico de “Hablemos de amor”, al momento de introducir textos filosóficos complejos debe de adoptar la postura y el hilo argumentativo desde la postura netamente filosófica de tales textos: algo que en la obra, esto no ocurre.
Como dirían por ahí: zapatero a sus zapatos. La filosofía no es literatura y, aunque se pueden desarrollar ideas filosóficas desde el arte, debe de cambiarse el lenguaje y la clave interpretativa del mensaje para adecuarla al medio: cosa que no pasa en esta puesta escénica. Lo cual la vuelve ambigua y poco clara.
Siguiendo con la crítica al texto dentro del mismo tono, la propuesta plantea abordar diferentes tipos de amor dentro del discurso de la obra; lo cual estaría genial, si no fuera porque el texto no llega sino a presentar un tipo de amor y medio: en parte el eros... en parte el ágape... pero completamente transformados, incompletos y fragmentados lo cual, transforma el éxito que podría tener en pretensión; a los autores, adaptadores de la obra y actores, si quieren un solo texto medianamente sencillo que pueden usar para adaptar mejor el contenido que desean presentar, se les recomienda la lectura “Los cuatro amores” de C.S. Lewis o una revisada al “Banquete” de Platón.
Por último, y para conectar con la segunda parte de esta reseña, la estructura del texto -como si fuera una antología de escenas- funcionaría si no fuese porque los monólogos que interconectan a éstas son justamente el problema antes mencionado. Y, justamente, en estos monólogos comienza la crítica al trabajo actoral en la puesta.
Los actores
Los problemas en el texto se trasladan a la actuación: durante toda la puesta los actores parece que simplemente repiten los enunciados sin entender lo que dicen: en sus caras no hay expresiones... en algunos sólo observé esa expresión que un estudiante tiene al intentar contestar un examen esforzándose por recordar la respuesta: al espacio, con ojos vidriosos... con expresión bovina.
Ahora bien, en la obra -al constituirse de retazos- los actores debían cambiar el tono y adaptarlo a cada escena presentada atendiendo al contexto y a la cohesión interna de cada obra y no únicamente tomando en cuenta dichas escenas como átomos separados de un todo. Justamente en eso fallaron los actores: los tonos no respondían a las escenas ni a los personajes; las expresiones que debían de ser sutiles se pasaban y las voces que debían de ser casi un susurro se trocaron por gritos sobreactuados.
Es en cada una de estas escenas, transformadas en piezas, donde ocurre la masacre no sólo del teatro clásico: ¡sino incluso de textos que en nada tienen que ver con éste! Porque, si de algo más peca el texto, es de mal adaptar por ejemplo, piezas místico-teológicas procedentes de San Agustín o de volver más malas de lo que son de por sí, otros textos, por ejemplo, un poema de Sabines...
Aclaro aún más el párrafo anterior por medio del análisis de las escenas: en el texto de San Agustín utilizado para representar el “amor divino” -cuyo fin se quedó a medias por el malentendimiento del ágape cristiano propugnado por las reflexiones agustinianas y fundamentado (al menos en las primeras partes de Las Confesiones) en un neoplatonismo que retoma las diferentes dimensiones del eros platónico- el actor parecía que estuviese declamando, sobreactuadamente, un poema del tipo “las rosas son rojas...” o “mamá, soy Paquito...” y no que estuviese sosteniendo una conversación encarnizada con un Dios al que ama profundamente pero que no puede observar del todo: porque se le oculta y se encuentra a lo lejos en medio del Misterio.
Por otra parte, en la segunda pieza presentada, proveniente de “El loco amor”, escrito por J. Ibargüengoitia, la actriz que interpreta a María lo hace medianamente bien, en cambio, el actor que interpreta a Juan lo hace de tal forma que más bien parece su comadre y no su galán-héroe-enamorado. Si bien la obra corresponde a una comedia, el ejercicio interpretativo parecía más bien transformar la escena en una farsa donde al humor de Ibargüengoitia se le hacía coquetear casi con el sarcasmo o la ironía... cosa que, al menos en este texto, el autor propiamente no plasma: en conjunto le dieron un aire de comedia clásica griega y no de escena amorosa casi bucólica.
Siguiendo con la masacre, la escena siguiente -luego de la reflexión rebuscada y casi bizantina que interrumpe cada salto de escena- correspondió a la comedia “El castigo sin venganza” de Lope de Vega en donde, justamente, se cambió la comedia -que sí debía ser muy en el tono de la clásica griega- por una interpretación casi trágica.
A continuación, en un ejercicio casi isabelino, los actores presentaron un fragmento de “Madame de Sade” escrita por Yukio Mishima; un fragmento en donde uno de los actores hace de Madame de Montreuil (la madre) y una de las actrices hace a Renée (Marquesa de Sade, la hija); él, en el papel de la mujer, no desapareció: parecía lo que era... un hombre lastimándose la voz al intentar un tono más agudo, con un trapo en la cabeza por capucha y una leve actitud amanerada sólo para acentuar una feminidad inexistente.
Del “Sacrificio de Yogataro” -escrito por E. Jardiel Poncela no hay mucho qué decir. La ejecución fue correcta -con un par de adiciones al texto perdonables por la figura de la “adaptación”. Y, siguiendo al interludio filosófico ya tundido, y a la adaptación enérgica sobre el soneto 160 de Lope de Vega... llegó el parricidio de los actores: la interpretación que hicieron de la escena de Otelo y Yago, en donde O. Welles, M. MacLiammóir, L. Olivier, F. Finlay o K. Branagh podrían decir “WTH?!” En esa escena, si bien hubo bastante energía y bastante uso del físico, eso no alcanzó para perdonar la expresión de vacío en los ojos de los actores, el acartonamiento casi telenovelesco de los mismos y los errores de dicción que hacían inentendible parte del discurso de Otelo.
Después de esa escena ya no esperaba nada. Nada me impresionó, conmovió o motivó. La escena de Cyrano de Bergerac contó con un trabajo de duelo medio, la muerte de Cyrano puede ser comparada con la primer muerte de Soraya Montenegro y la actuación de la supuesta enamorada de Cyrano, con las lágrimas de botellita que usaba Marimar al momento de darse cuenta que le habían quemado a sus abuelos.
La supuesta tensión sexual en el innecesario numerito del baile de conga en el suelo con las palabras de Sabines brotando de las bocas de los actores, no se sentía; es decir, se percibe mucha más tensión sexual en una escena entre Patricio Estrella y Bob Esponja que en esa mala recreación de una escena orgiástica de Sense8.
La producción
Pasaré ahora a la última parte: la producción. De alguna forma, el director no pareció darse cuenta de que, al intentar hacer dinámica su obra esparciendo a los actores por todo el teatro, sacrificó los cuellos, los ojos y la atención de los asistentes. Explico: en un espacio como La Capilla, donde el gallinero está prácticamente conformado por dos columnas inmovibles y el espacio es propio para una presentación de teatro de proscenio, al momento de ubicar las escenas dentro del espacio del público, eso hace que el asistente quiera ponerle atención a los actores, como es natural, volteando la cabeza hacia donde esté la acción. Sin embargo, eso es muy difícil cuando estás en segunda fila y la acción se ubica en el palco central porque, desde ahí, te habla el actor. Esto es: o volteas y te rompes el cuello o lo tomas como una voz en off y te duermes.
Junto con lo anterior, la iluminación falla cuando la acción se traslada al pasillo central, en donde no hay reflectores, lo cual vuelve al actor una sombra que se mueve y dice cosas.
Por otra parte, el vestuario y la escenografía fue sencillo, versátil y bien logrado: con unos pocos arreglos contaba para una obra del s. XVI o para una de 1960.
En suma
En suma, es una puesta escénica con una intención muy ambiciosa que, en su intento, se queda en una producción pseudointelectual y telenovelesca que desgarra a los clásicos, los desnuda, los rompe, les quita los corazones y pasa sobre ellos en su intento de darles vida nuevamente.
Llegó a @netflix una serie con aires de sitcom; una serie que bien puede ser prima hermana de Desperate Housewives y prima de Breaking Bad.
Sinopsis
Se trata de Good Girls, una serie en Netflix cuya cadena original era NBC y que sigue la historia de tres mujeres, madres suburbanas estadounidenses con tres problemas distintos cuya solución -bendito capitalismo- se resume en conseguir la mayor cantidad de dinero posible. Y, ¿de qué otra forma podría hacerse si no es por medio del crimen organizado? Al fin y al cabo: ¿quién va a sospechar de tres mujeres de clase media, hijos y una casa?
Tenemos a Beth Boland, la clásica chica rubia, que conduce una mamaván, ama de casa, subyugada a su marido patán quien tiene una aventura con su secretaria. Descubrirá este engaño y, por supuesto, querrá entonces “cambiar y hacer limpieza al armario...” transformándose en toda una cabeza criminal sólo por la adrenalina y el empoderamiento que esto le genera.
También está Ruby Hill, una mujer afroamericana, trabajadora, fuerte y con un compás moral que se tambaleará en el momento en que, con mucho dinero, podrá pagar el tratamiento de su hija pequeña quien sufre de insuficiencia renal.
Y, por último, la hermana de Beth, Annie Marks: la más joven de las tres, mamá cool que se encuentra a punto de iniciar una batalla legal con su exmarido sobre la custodia de su hija quien, al parecer, es un chico transgénero y, para poder contratar a un abogado, necesitará mucho dinero.
Opinión
El programa está bien diseñado: es predecible, sí; pero, al no venderse como una novedad o como un programa trascendental que quiera cambiar la percepción del mundo, se mantiene dentro de una actitud aceptable en donde la formula se encuentra no en las vías que toma la historia, sino en la forma como esta se desenvuelve.
Aunque tengas idea de qué es lo que va a suceder en la trama, está tan bien hecho que, incluso, te mantendrá tumbado en el sillón y, cuando te percates, ya te habrás acabado dos bolsas de palomitas y habrás visto toda la primera temporada.
Adaptación libre del texto “Clitemnestra o el crimen”, un relato que forma parte del libro Fuegos (1936) de la primera “inmortal” (así se les llamaba a los miembros de la Academia Francesa) Marguerite Yourcenar; Flores, Frutos y Espinas lleva más allá un texto que nos hace cuestionarnos respecto a nuestro papel como limitantes en el papel de la mujer a la vez que nos narra con fuerza el mito griego de Clitemnestra y el asesinato de Agamenón después de ausentarse diez años por cuestiones bélicas.
Cecilia Tamayo, Sarahi Carrillo, Amparo Barcia* y Amanda Polo* (alternando). Trabajan con su cuerpo y algunos instrumentos para generar la atmosfera de angustia que vive Clitemnestra dentro de su cabeza y su corazón al estar en relativo encierro. La reina del Peloponeso comienza a confesarnos su deseo homicida pero no sin explicarnos el caso; su esposo se va, sus aventuras se saben por todo el reino, ella calla, estoica, cada uno de los golpes que recibe sin que nadie la toque en el silencio.
No bien comienza todo y escuchamos susurros, gemidos agónicos, voces que no hablan pero que explican más entre la penumbra que la misma memoria. Los jueces, nosotros, estamos en el estrado y debemos juzgarla y calumniarla para que al final nuestras manos queden limpias, la pila se lleva nuestra culpa, la tela la seca de nuestros dedos.
Pero ¿es un caso perdido? Como todo juicio debe tener un desarrollo y aquí toda la evidencia nos cae como el agua helada que ahoga los rizos de Clitemnestra y al final nos seguiremos preguntando que tan culpable de crimen fue o quizás repitiéndonos quien tenía razón…
Retomando elementos del Butoh, la expresividad corporal es la mejor arma para mostrarnos esa frustración que la llevo a cometer el asesinato: los músculos tensos hablan de la rabia y el abandono; el rostro desencajado, de la profunda tristeza y frustración. No puedes verla a los ojos y no cuestionarte de lo que piensas sobre ella.
Al principio de la obra se realiza el Klídonas, ritual profético que aún se lleva a cabo en algunas islas de Grecia y consiste en llenar una vasija de barro y verter en ella un pedazo de plomo previamente fundido, todo en el mayor silencio.
Las formas producidas por el metal al enfriarse se utilizan para interpretar el futuro de las mujeres que llevan a cabo el ritual y todo ello suma a la serie de símbolos y signos que enriquecen la obra a niveles profundos. Este trabajo es necesario en estos días (la obra y la auto reflexión). Debemos tomar un papel activo en cuanto a nuestra responsabilidad para con el otro genero más allá de ser jueces sin rostro y comenzar a dialogar con nosotros, a cuestionar lo que se nos ha repetido como el deber ser y comenzar a ser humanos y que mejor manera que con una puesta en escena directa y tan humana como se puede ser.
El Vuelo del Colibrí es el claro ejemplo de que si haces una obra que sepa llegar al público, éste te responderá también elevando el vuelo de la obra acogiéndola como algo muy preciado y esto se refleja en que está por iniciar la quinta temporada de esta puesta en escena divertida, profunda y humana. Una vez que termina y encienden las luces, es fácil darse cuenta por que ha recibido tanto cariño.
Todo transcurre en el apartamento del señor Arthur, un escritor que en un principio puede parecernos cerrado, hosco y odioso; el tipo de vecino que todos tenemos en algún momento de la vida. Quizá su historia seguiría así de no ser porque el nuevo inquilino llega a darle más lecciones de las que el cree que pueda dejarle a su joven vecino, llamado Sinuhé. Completando la triada está el casero Aike, quien jamás se ha acostumbrado a los modos de su inquilino a pesar de los años.
Podría sonar como el escenario perfecto para una sitcom norteamericana de mirar y tirar pero nada más lejos de la realidad. Los hilos se tensan y se entretejen de una manera poética cuando las vidas de los tres se revuelven aunque con mesura por y gracias a Arthur quien pareciera jugar de juez y parte en cada momento pero, en realidad, está tan perdido como los otros dos protagonistas a pesar de tanto conocimiento que posee pues, aunque el conocimiento es poder, a veces lo que necesitas es más un abrazo que un puño de hierro.
La situación se va tornando melancólica, como en la rutina diaria en la que nos despertamos de repente y se vuelve una pecera en la que el pez dorado somos nosotros y el destino es el niño que golpea incesante el vidrio esperando que nosotros hagamos algo. Aquí está el nudo de esta puesta en escena, de la vida misma: ¿cuándo haremos algo? La decisión puede llegar a ser algo aterrador en un mundo en el que parece que se nos terminan las opciones de soñar, de reír, de conseguir un trabajo y además que nos paguen bien, en fin, de encontrar todo lo que nos dijeron que debíamos tener en la vida para ser alguien, simplemente para ser.
Recordemos a los hombres de traje del libro Momo quienes, en su afán por no perder el tiempo, terminan por convertirlo en humo y lo fuman con singular alegría, ellos ya existen pues tienen un propósito definido, Momo en cambio “pierde” el tiempo jugando, preguntando y conociendo el mundo, siendo curiosa, humana. ¿Qué nos sucede si de repente sentimos que encendimos el último cigarrillo de horas que nos quedan y todo en lo que creíamos se vuelve ceniza de repente?
El señor Arthur parece encontrar un rayo de luz en su encierro casi claustrofóbico que no necesariamente requirió de cuatro paredes para hacerle creer que su tiempo de volar ya había pasado; el aleteo del colibrí le regresará un poco la paz y las ganas de volver a tomar decisiones, trasladando esa luz a las personas que cohabitan con él de una manera bellísima, si te dejas en volver por el aleteo, te llevarás una grata sorpresa en el corazón.
Dramaturgia: Cesar Espejo.
Dirección: Alejandro Bejarano
Elenco: Rosendo Gazpel, Rogelio Obregon, Alexis Morales y Abraham de la Rocha.
Lugar: Foro Shakespeare (ZAMORA #7, COL. CONDESA (casi esquina con Veracruz)Ciudad de México)
Horarios de El vuelo del colibrí: Sábado 17:00 horas.
Cada vez que voy a una obra y, en el nombre del autor es ocupado por el acrónimo “L.E.G.O.M”, sé que se tratará de una experiencia no sólo disfrutable, sino que el guión se desarrollará de una manera natural, fluida y sin ninguna adición que pueda parecer fuera de lugar... o casi siempre.
En esta ocasión, lo primero se cumplió como todas las veces, Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio nos sedujo con un texto en el que las dos protagonistas, madre e hija, sostienen un diálogo continuo lleno de anécdotas, temores, recriminación y, de una u otra forma, liberación por medio de una catarsis trágica que coquetea con la comedia.
Lo anterior lo hace tejiendo ese diálogo alrededor de una idea: una madre que odia a su hija, que intentó matarla algunas veces, que provocó el alejamiento continuo y sistemático de toda su progenie pero que, de alguna manera, intenta enmendar las cosas de una forma retorcida y cruel.
En una obra de teatro, sin embargo, el texto no puede brillar por sí mismo sino que debe de tomar vida por medio de actores y actrices que hagan su trabajo correctamente o, de lo contrario, un magnífico texto puede ir a la basura. Para esta puesta las actrices elegidas lograron que el texto iluminara todo el teatro y nos mantuviera atentos a la historia.
Por una parte, la primera actriz Evangelina Martínez encarnó perfectamente a esa madre terrible, anciana y olvidadiza; la actuación fue ejecutada en el tono adecuado y el propio encanto de la actriz permitió que las expresiones más horribles llegaran a nuestros oídos transformadas de algo turbio y siniestro en algo incómodamente divertido. Por otra parte, Laura Castro, en su papel de la hija, fungió como un avatar nuestro sobre el escenario: contestando por nosotros a las flechas lanzadas por la boca de su madre y aderezando dichas respuestas con ese humor tan mexicano que casi definiría una forma general de comportamiento: un estado de ánimo propio.
Ahora bien, no todo puede ser miel sobre hojuelas; un par de detalles hicieron que esta puesta fuera muy buena, pero no perfecta. Ambos detalles, sin embargo, pueden arreglarse tan fácilmente que, incluso, podrían parecer no un vicio de la obra en sí misma, sino algo accidental que simplemente debe ser pulido.
El primero de esos detalles es con respecto a la iluminación: había ocasiones en las que llegaba a resultar tan oscura que la interpretación en el gesto de las actrices era inapreciable, pese a que en ese instante estuviesen hablando y nosotros estuviésemos en la segunda fila. El segundo de los detalles es con respecto al texto patinado en tres ocasiones: quizá la emoción de ser la función de estreno melló un poco en las actrices.
Pese a esos dos detalles, resulta importante recalcar la enorme calidad de la puesta en su conjunto y la valiosa inversión que la compañía Xalapa Hace Teatro hizo en ella.
Vale totalmente la pena ir al teatro Sergio Magaña -Sor Juana Inés de la Cruz 114, Col. Santa María La Ribera, cerca del metro San Cosme- y ver esta obra que estará del 5 al 22 de julio todos los jueves y viernes a las 8pm, los sábados a las 7 pm y los domingos a las 6 p.m.
Los boletos los puedes comprar en taquilla por $149 pesos con descuentos limitados de 50 por ciento a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Los jueves costará 90 pesos con descuentos aplicables.
La obra "Tarde para arrepentirse" de @alanblasco en @teatrolacapilla Fotos de @crasherparty #cdmx #nikon #teatro #scene #play #nikond3300 #mexico #mexicocity #obra #arte #cultura #fotoreportaje #press #photojournalism (en Mexico City, Mexico)
En la vida hay muchas formas de encontrarse con otras personas; hay muchas maneras de tender emociones, sentimientos y experiencias. A veces, esas personas entran a nuestra existencia por un breve instante: un momento lleno de verdadero entendimiento en el que la mente, el corazón y el cuerpo se unen con la fugacidad del cometa pero, por supuesto, envuelto con la belleza y el placer de quien dice "te necesito" desde lo más profundo.
Leonard Cohen, poeta y cantautor canadiense, nos pone en la cabeza las imágenes de este tipo de encuentro con esta canción: Chelsea Hotel N. 2. Un momento en el que las debilidades de dos seres se ven frente a frente y, en ese instante, son todo lo que hay en el mundo y se unen completamente... sin importar, luego, que esa melodía desaparezca y ni siquiera uno piense mucho en ello tampoco; pero, el instante permanece y lo atesoramos.
Aquí les dejo la letra de esta canción... ¡disfrútenla tanto como yo!
I remember you well in the Chelsea Hotel
you were talking so brave and so sweet
giving me head on the unmade bed
while the limousines wait in the street
Those were the reasons and that was New York
we were running for the money and the flesh
And that was called love for the workers in song
probably still is for those of them left
Ah but you got away, didn't you babe
you just turned your back on the crowd
you got away, I never once heard you say
I need you, I don't need you
I need you, I don't need you
and all of that jiving around
I remember you well in the Chelsea Hotel
you were famous, your heart was a legend
You told me again you preferred handsome men
but for me you would make an exception
And clenching your fist for the ones like us
who are oppressed by the figures of beauty
you fixed yourself, you said, "Well never mind,
we are ugly but we have the music"
And you got away, didn't you babe,
you just turned your back on the crowd
you got away, I never once heard you say,
I need you, I don't need you
I need you, I don't need you
and all of that jiving around
I don't mean to suggest that I loved you the best
I can't keep track of each fallen robin
I remember you well in the Chelsea Hotel
that's all, I don't even think of you that often
Si la corrección política te tiene harto, te gustan las series directas, los diálogos descarados y las historias gráficas llenas de “realidad” y “fantasía”, ¡entonces debes acercarte a “Looser”!
La serie, creada por Esty Quesada - una de las youtuber españolas más incómodas y críticas de la red-, te cuenta en tan sólo 6 capítulos de 20 minutos cada uno, la vida de una chica deprimida y con problemas de ira que, llena de mierda, nos presenta múltiples personajes en una esfera tan cringe y con un humor tan negro, que simplemente no podrás dejar de ver.
Abajo te dejamos el teaser de la serie... y , aquí: FLOOXER, la plataforma en donde se alojan todos los capítulos para que puedas disfrutarlos.
Todos hemos pasado por momentos terribles en nuestra vida y, especialmente, en esa época de la vida cuando todo se pone raro y no sabemos muy bien qué es lo que estamos haciendo: la adolescencia.
¡Es ahí en donde entra esta recomendación que vimos en Netflix hace poco!: “The Mortified Guide”.
El programa gira en torno a una idea: contar recuerdos y compartir experiencias. Los participantes son personas comunes en sus veintes o principios de sus treintas, los cuales se suben a un escenario con sus diarios personales -usualmente escritos en la pubertad o adolescencia- y nos leen partes de su pasado.
Eso podría sonar muy aburrido... ¡pero no! La magia se encuentra en que los temas y las experiencias de los participantes son compartidos: te hacen pensar en tus propias experiencias y reviven tus recuerdos... ¡todos esos que, en algún momento, creíste eran horribles y nunca podrías hablar con alguien más porque creíste que sólo tú pasaste por ese infierno!
Naces, creces, te enamoras, te reproduces -o no- y mueres. Así de simple.
Cuando naces, no puedes hacer nada para evitarlo; si quieres evitar crecer, lo único que puedes hacer por ti mismo es suicidarte pero, para tu edad, creo que eso tampoco es posible. Todo recaerá, claro está, a qué llames "crecer"; entonces podrás decidir si matarte antes de los 15, que es cuando todo se pone raro.
Enamorarte, ¿puedes realmente evitarlo? No. Sólo un día te despiertas y conoces a alguien que te mira y en sus ojos puedes verle el alma. Claro que puedes alejarte y huir; puedes correr y no querer saber nada. Puedes seguir tu vida como si nunca hubieras podido ver la luz de quien, luego, dirás que amas con toda el alma.
¿Reproducirte? ¡Por favor! ¿Para qué? ¿Para dejar tu huella en el mundo porque no crees que algo tan efímero como tú pueda irse de aquí sin haber dejado nada? Los niños son hermosos, pero no pueden llegar a ser los sustitutos de los padres: son personas distintas con algo tan básico y distinto como lo es el temperamento. Así que, ¿para qué reproducirte? ¡Sobrepuebla el mundo y mándanos a la mierda a todos!
Morir: al final, todo se cierra en ese instante en el que tus ojos dejan de grabar lo que sucede a tu alrededor; quizá la muerte alcanza a algunos con los lentes cerrados y ellos terminan aquí como mejor les convino: sin alterar la idea que ya se habían formado en sus corazones del mundo. Un último suspiro y adiós.
Miss Heart Attack y su explosivo inicio de temporada
Por Roy Cortés
Erica Islas y Yurief Nieves nos prepararon un espectáculo que lo mismo tiene algo de filmes slasher que de Chuck Palahniuk, Freud y novelas utópicas (¿o distópicas?).
Miss Heart Attack, comenzó el 29 de junio, su temporada en el A Poco No de una manera espectacular. Justo salí de experimentarla y sigo con esa adrenalina que llena el proscenio desde que todo comienza y es que, desde el principio queda claro que no hay cuarta pared, en lo absoluto.
Al entrar la atmósfera es ya lúgubre, acompañada por una melodía dulce y melancólica de piano que te va preparando para lo que no sucederá, pues una vez que “se levanta el telón” el ritmo de la obra va y viene de manera vertiginosa, aunque no abrumadora pues Erica y Yurief saben llevarte de la mano en ese mundo post apocalíptico del que somos parte; todos somos habitantes de la ciudad monstruo.
Nos volvemos cómplices desde el primer momento, el dialogo no es un mero texto aprendido, sino que va evolucionando dependiendo de la interacción con nosotros, no hay público, todos somos actores y eso convierte a la puesta en escena en algo que puedes apropiarte, aquí no juegan a tratarte con pinzas y de lejos, te hablan de frente, espada en mano y sin pelos en la lengua. Esa autenticidad se agradece pues regresan el teatro al público, esa desmitificación es necesaria para acercar al espectador y generarle el gusto por el teatro; ¡no mas rockstars vacíos hablándole a una pared!
Llegado a este punto, la médula de este hermoso pero salvaje hibrido teatral es el miedo a conocernos y a reconocernos, dejando de lado esas máscaras llenas de sonrisas huecas que funcionan bien ante todos pero que, al estar solos en la noche mirándonos al espejo nos reclaman por habernos mentido un día mas.
Ahí es cuando llega el ataque al corazón en forma de cuchillo de carnicero, ese corazón al que en ocasiones le damos mas cualidades que las de un músculo que irriga sangre. Es importante llegar a esta cita con el corazón en la mano y listos para cuestionarnos que rayos estamos haciendo con nuestra persona porque no olvidemos que quien más nos puede dañar, somos nosotros mismos (¿auto sabotaje, alguien?)
Al final no todo es tan fatalista, los productores muy mordazmente entretejen en su obra, así como Palahniuk, Ibargüengoitia o Huerta en su momento lo dirían en su propio trabajo, el mensaje más importante para la supervivencia a la postmodernidad: no te tomes la vida tan en serio. Una hilarante puesta en escena que te dejara con ganas de descubrir el verdadero rostro de tu corazón.
DISFRUTA DE MISS HEART ATTACK EN EL FORO A POCO NO (REPÚBLICA DE CUBA # 49) DEL 29 DE JUNIO AL 22 DE JULIO, TODOS LOS VIERNES A LAS 20:30, SABADOS A LAS 19:00 Y DOMINGOS A LAS 18:00 HORAS.
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