Gestes oubliés @marionhuc - Tumblr Blog

Connexion ou déconnexion ?

« Bâtiment connecté : les constructions de l’avenir ? » article écrit par Hasina R. en avril 2020.

Le secteur du bâtiment développe de nouvelles manières d’habiter, de gérer son domicile grâce aux objets connectés. On peut décrire ces types d’habitations comme intelligentes, sécurisés ou encore autonomes avec l’aide de capteurs. Ils récoltent des données afin de les utiliser pour améliorer le confort des usagers.

On automatise, on délègue le contrôle de notre maison. Que ce soit à distance ou non l’habitation connectée a pour but de permettre à l’habitant de piloter l’ensemble. Ce qui est possible avec l’aide de l’intelligence artificielle (IA), les données lui permettent d’apprendre et donc de progresser afin de prendre des décisions sans l’intervention de l’être humain. Ce système de gestion peut avoir de nombreux atouts comme l’ouverture des portes et des volets, la gestion de l’énergie ( éclairage, chauffage, température de la piscine… ) ou encore celle des ressources telles que l’eau ( arrosage automatique ).

Un argument est sollicité : adopter une croissance verte et de respecter les normes imposées par la loi sur la transition énergétique. Les bâtiments pourraient ainsi gérer leur consommation tel un bâtiment autonome. Ces types d’habitations sont recommandés par les promoteurs qui réussissent à inclure le surcoût engendré par l’installation dans leurs frais. De plus, les bâtiments connectés permettent aux gérants des réseaux de gaz et d’électricité de mieux contrôler la consommation et proposer des offres personnalisées à leurs clients.

L’enthousiasme pour les bâtiments connectés s’explique donc par leurs performances énergétiques, mais aussi par la qualité de vie qu’ils promettent ( confort et sécurité ). Il serait possible à l’avenir de pousser cette innovation en faisant appel au Thinking Building qui est doté d’une intelligence artificielle prédictive. On peut cependant se demander si l’humain se servira encore de son corps afin de répondre à ces besoins au sein de son domicile ? Est-ce que cette autonomie ne va pas rendre l’être humain dépendant de cette technologie, saura-t-il encore faire les choses par lui-même en le rendant dépendant ? Quelle sera la place du corps, des gestes au quotidien ?

Retrouvez l’article sur : https://blog.batimat.com/batiment-connecte/

Chronique n°9 - Huc Marion

DSAA - ÉSAAB

Mai 2020

Cuisine réaménagée.

Réalisée par Simona Castagna et Darren Genner du studio Miñosa, architectes d’intérieur

Cet aménagement témoigne de l’envie de cacher les éléments techniques de la cuisine. Les propriétaires ne souhaitaient pas que l’on voit le bazar de la cuisine. Les appareils électroménagers sont donc discrets et sont réduits à leur fonction.

Geste et machine : une relation qui ne cesse d’évoluer

« Geste techniques, techniques du geste » Presses universitaires du Septentrion, livre de Pierre Charrié, un designer industriel, Troisième chapitre : Dextérité, doigté et geste artificiel p.265-274 publié en 2017.

De nos jours l’utilisation de technologies automatise de plus en plus notre quotidien. En devenant autonome la machine libère l’homme mais elle le prive aussi de l’exercice du geste technique, c’est-à-dire de l’exercice de sa propre implication.

Le geste se définit comme un mouvement du corps. Dissocié du geste de langage, le geste technique sert à exécuter quelque chose nous permet d’appréhender notre environnement. Au XXe siècle, la machine se développe et sort de l’usine pour devenir domestique sous la forme de produits électroménagers. Par exemple le lave-vaisselle remplace la brosse à récurer et la machine à laver succède à la planche à laver. Ce qui fait que le geste technique est remplacé par le geste d’utilisation, en général à travers des boutons à actionner. Des interfaces composés également de signaux visuels et/ou sonores font le lien entre le geste automatisé de l’utilisateur et le travail parfois invisible, dissimulé par la machine.

Avec la venue de l’informatisation, le langage et les signaux vont acquérir une place centrale dans le contrôle de la machine ( l’interface graphique ). La souris par exemple permet de retranscrire les gestes effectués sur un plan de travail, dans un environnement artificiel. Ce qui donne une nouvelle dimension aux gestes en les dénaturalisant peu à peu.

On bascule vers l’automatisation qui de nos jours pose la question du contrôle de l’utilisateur, de son nouveau rôle. Au-delà de la réalisation d’une tâche, c’est la prise de décision qui est anticipée et déléguée. L’environnement de l’usager se modifie sans son intervention. On arrive ainsi à des problématiques plus vastes : la prise de décision, l’implication de l’individu dans les processus qu’il engage et sa capacité d’adaptation.

On peut même dire que le corps humain est devenue une interface, le geste d’interaction témoigne d’une nouvelle forme d’interaction ( objets virtuels ) qui simule une liberté de mouvement de l’usager où la technique est encore imperceptible.

À l’opposé de l’automatisation récurrente et de l’invisibilité de la technique, le geste dans son rapport direct à l’environnement, peut être perçu comme un vecteur de réappropriation de la technique. Le geste répond alors à son autre définition, celle de s’exprimer ( langage ) : acte qui implique la responsabilité de celui qui l’exécute face aux choses et aux personnes qui l’entourent. Mais est-ce que l’environnement domestique ne serait pas également à remettre en question ? L’électroménager est peu bavard, il automatise nos gestes et les ritualise. Comment pourrait-on requalifier le geste d’utilisation ?

Retrouvez l’extrait sur : https://books.openedition.org/septentrion/12379?lang=fr#authors

Chronique n°8 - Huc Marion

DSAA - ÉSAAB

Mai 2020

Affiche pour L’empreinte du geste, 18 créateurs réunis du 29 mars au 3 avril 2016.

À l’heure d’interrogations sur les modes de consommation et de production des objets manufacturés, le savoir-faire, le geste de l’Homme, n’a jamais eu autant de sens et de valeur. L’Empreinte du Geste met à l’honneur le parcours et le travail de 18 créateurs. Par une approche contemporaine et renouvelée de leur savoir-faire, ils révèlent le véritable sens du geste des métiers d’art, les valeurs dont il imprègne leurs productions.

Veilleuse à chatouiller.

Clémence Lambaré, designeuse produit

Cet objet a été conçu en partant de l’observation d’une inadéquation entre le geste, l’usager et son environnement. Ce sont généralement les parents qui allument la veilleuse de leur enfant puis celle-ci s’éteint toute seule peu importe si l’enfant est endormi ou non. Cette veilleuse rend l’activation de la veilleuse aux enfants afin de répondre à leur besoin d’être rassuré par un roulement de leurs doigts. En s’endormant progressivement, les doigts se relâchent et la lumière s’éteint.

Interactions

« Partie 8-1 : Nouveaux rapports homme/objet, main/matière, Le design de la matière devient matière à design » étude de Louis Aspar sur « Quand le design de sens induit le sens du design », écrit en 2012/2013.

Après avoir évoqué l’esthétique industrielle, le rôle de l’objet est questionné : quelle est la nature de l’objet, sa fonction, son rapport à l’usager ? La fonctionnalité n’est pas la seule valeur recherché dans le processus de création.

Un nouveau rapport au produit s’est développé, un rapport plus étroit. Ce qui a fait naître une nouvelle démarche chez le designer permettant une approche plus personnelle et plus sensible à l’objet. L’objet créé ne se contente pas d’avoir une identité, il dialogue avec le corps et permet de développer une relation singulière avec son usager. C’est grâce à la manipulation que l’objet devient vecteur de sens et de sensations.

Pour cela les valeurs esthétiques, socioculturelles, environnementales et économiques ont un rôle à jouer. Les choix du designer débutent par la sélection de la matière ce qui va engendrer la forme. De nos jours elle a toute son importance en terme écologique. Des études ont montré qu’environ 63% des designers interrogés choisissent la matière dès le départ du projet. Cette enquête montre l’importance du choix des matériaux pour les designers et architectes mais aussi pour le grand public. La matière s’impose à la fois comme source d’inspiration pour les créateurs et comme repère sensoriel de notre univers. Une relation étroite se crée entre la matière/son impact et la forme/le corps.

En ce qui concerne la relation entre la matière/le corps, la peinture et la sculpture établissent un rapport tactile et visuel face à la texture ce qui stimule nos émotions, une dimension supplémentaire est utilisée. Beaucoup de sensations passent par le toucher et la vue lors de manipulations.

Cette étude met en lumière l’évolution que connait l’objet avec le corps humain ainsi que le rôle que joue le designer pour développer un dialogue. Cependant l’analyse du corps est faible, de quelles façons peut-il concrètement interagir avec la matière? On ne peut parler de l’objet sans aborder les rapports factuels qu’il entretient, développe avec le corps humains. Donner à l’usager la possibilité de développer, de participer, de découvrir une création grâce à son corps et ses sens et donc de donner vie au travail des designers est un objectif.

Retrouvez l’étude sur : https://formation-continue.ensci.com/file_intranet/mastere_ctc/etude_Louis_Aspar.pdf

Chronique n°7 - Huc Marion

DSAA - ÉSAAB

Mai 2020

En premier lieu, l’effet de design est un effet callimorphique. Par là, j’entends que le premier effet du design est un effet de beauté formelle. Faire du design, c’est d’abord créer des formes – que celles-ci soient spatiales, volumiques, textiles, graphiques ou interactives – et chercher à leur donner un style, un caractère, une expression. (…) En deuxième lieu, l’effet de design est un effet socioplastique. Par là, j’entends que le second effet du design est un effet de réforme sociale. En créant de nouvelles formes artistiques, il s’agit de refondre du même coup les formes sociales de la vie. Inventer de nouvelles manières d’exister ensemble et côte à côte. Cela est rendu possible par le fait que les formes qui naissent du design, contrairement à celles qui naissent de l’art, ont une valeur d’usage, c’est-à-dire une utilité matérielle. Elles sont mises sur le marché pour répondre à des besoins et, à ce titre, elles circulent dans les différents secteurs de la vie quotidienne à travers tout le corps social. Le design commence là où demeure déjà une valeur d’usage. Toutefois, la valeur d’usage ne produit par elle-même aucun effet de design. Elle est simplement une condition préalable requise qui fonde la possibilité d’un effet de design socioplastique. (…) En troisième lieu, l’effet de design est un effet d’expérience. Par là, j’entends quelque chose qui à la fois unit et amplifie les deux effets précédents tout en les débordant. Par effet d’expérience, je veux dire que le design est avant tout quelque chose qui augmente l’empirie d’usage, en agissant sur l’expérience utilisateur. D’origine anglosaxonne, la notion d’expérience utilisateur désigne l’ensemble des perceptions, émotions, représentations et actions qu’un objet de design suscite de manière subjective chez un usager. Considérer le design comme un effet d’expérience, c’est non seulement l’envisager comme « centré sur l’utilisateur », mais aussi le définir fondamentalement comme quelque chose qui se vit, s’éprouve, s’expérimente. C’est même à cela qu’on le reconnaît. Là où il y a du design, l’utilisateur en ressent immédiatement l’effet, précisément parce que son expérience s’en trouve instantanément transformée, améliorée, augmentée.

Court Traité du Design, écrit par Stéphane Vial en 2010.

Degré 23, la lampe à poser, date de 2016.

Atelier DR, Romain Desglands

Le designer se centre sur le geste et la fonction comme vecteur d’émotion. La terre à grès est un matériau noble et robuste pourtant elle renvoie bien souvent à des images d’objets fragiles et cassants. Peut-être est-ce dû à la typologie des objets en céramique ou à l’usage que l’on en fait. Cette lampe joue sur cette corde sensible en proposant une interaction directe avec l’utilisateur. Les arêtes qui pointent depuis le sommet et qui viennent rencontrer les flancs de la lampe lui confèrent un aspect rassurant, alors que sa base elliptique laisse supposer une instabilité. Lorsqu’on la pose, un mouvement de balancier incontrôlable se met en place jusqu’à se stabiliser, sous l’effet du contrepoids, à l’axe du degré 23 (un clin d’œil à l’angle 23,26° qui sépare l’axe de la terre par rapport à son plan orbital).

Emptied Gestures, chorégraphie en 2014.

Heather Hansen, artiste

Cette passionnée de danse, se munie de fusains dans chaque main puis s’installe sur une grande toile de papier posée au sol et entame une chorégraphie. Son corps fait naître une multitude de gestes chorégraphiés, les longues trainées résultent d’un enregistrement permanent sur le papier de ses mouvements physiques comme un dessin cinétique. La gestuelle révèle beaucoup de choses sur notre personnalité, sur notre façon de communiquer. D’ailleurs, l’ensemble des outils que nous utilisons aujourd’hui place le geste au centre de l’interactivité. L’idée derrière cette vidéo est de traduire les gestes sous une autre forme. Entre performance, danse et arts visuels, Heather Hansen signent des créations qui font interagir le corps avec la matière et un support.

Gestes mécaniques ou intuitifs

« Chapitre IV : En Pleine conscience de ses mouvements, Le geste Design » livre La boîte à outils de la Pleine conscience au travail, article écrit par Sylvie Labouesse et Nathalie Van Laethem, en décembre 2017.

Le geste qui n’est pas « design » est défini comme un geste automatique, un tic gestuel, un mouvement machinal, une habitude motrice, un geste inutile ou encore fait sans conséquence. Ce qui permet par la suite de mieux définir ce qu’est un geste « design » : il est efficace, esthétique, simple, fluide, ressenti de l’intérieur et fait avec attention.

Il s’agit d’un exercice proposé par les auteures du livre pour être attentif à nos mouvements générés de façon automatique et par habitude comme : le battement mécanique de notre pied en réunion, nos mains triturant un stylo pendant que l'on parle, nos mimiques involontaires. Au quotidien toutes nos activités nous mettent en mouvement du matin au soir, cependant nous avons rarement conscience de nos sensations car nos gestes sont stéréotypés et nous les faisons en mode automatique. Cet exercice permet de renouer avec notre motricité en vue d'une amélioration pour nous : relâchement des tensions musculaires inutiles, plaisir du mouvement juste, sensation de bien-être tout en étant efficace. Alors nous retrouvons une position stable, l'équilibre, un déplacement adapté dans l'espace, la bonne distance. Le but est de retrouver le goût des gestes harmonieux et efficaces en nous ramenant à notre corps en mouvement et en nous incluant dans l'espace de manière consciente.

Le mouvement extérieur du corps ou de l’une de ses parties exprime une manière de faire plus ou moins habituelle. Malgré la dissociation entre un geste habituel et un geste fluide, la frontière est mince, faire un geste qui nous est familié peut être intuitif et efficace. C’est en appréhendant l’inconnu que l’interaction est moins évidente. Il est alors important d'observer un geste, de se questionner sur la manière dont un geste implique une narration, il est influencé par les conditions ergonomiques et physiques qu’il rencontre.

On peut se demander quel serait l’effet produit si nous appliquions de nouvelles valeurs à nos gestes et nos mouvements ? L’objectif serait de rendre notre gestuelle plus utile, et de nous apporter plus de bien-être. En étant en pleine conscience de nos mouvements et de leur sensation, nous devrions retrouver le goût et le plaisir de bouger, tout en étant efficaces et présents. Mais quelle serait la conséquence de faire disparaître notre intuition, de ne plus répéter des gestes qui nous sont familier. Un geste ne fait-il pas partie de notre identité ?

Retrouvez l’article sur : https://www.e-marketing.fr/Thematique/academie-1078/fiche-outils-10154/Le-geste-Design-325653.htm#

Chronique n°6 - Huc Marion

DSAA - ÉSAAB

Mai 2020

Vinaigrier design t.e. 65 en porcelaine, 2009.

Aldo Bakker

Ce designer instinctif pense des créations utiles qui imposent une nouvelle esthétique, en repensant des formes usuelles. Il a effectué une recherche sur la forme liée à un fluide. Assez naturellement, il a eu envie de retirer tout élément accessoire comme le bec verseur, la poignée, le couvercle… pour partir du travail de la matière. Cette étude et expérimentation du contenu et des formes lui a inspiré un mouvement naturel, un usage nouveau. Le vinaigrier permet ainsi de verser son contenu en deux temps, pour doser précisément la quantité de liquide concentré, puis verser d’un côté ou de l’autre selon la main dans laquelle il est tenu.

Rencontre et workshop, 2019.

Etudiant en DSAA Produit de Rennes, avec Pierre Charrié

Durant ce workshop le designer a proposé aux élèves de questionner le geste, ou comment détourner une gestuelle pour l'activer dans un nouveau contexte. Il s'agisait d'identifier ce qui compose un geste : de quoi est-il fait ? Puis comment l'exploiter dans un nouvel objet ? In fine, c'est une démarche de design qui vise à expérimenter les qualités d'un geste : à partir de multiples maquettes, chaque étudiant(e) les a éprouvé pour proposer un nouvel objet qui en tire partie.

Avenir Sauvage, Boire, projet étudiant en 2014.

Emilie Ricada et Lionel Dinis Salazar

A la source, carafe de table mettant à disposition un volume d’eau purifiée par un charbon invitant chacun à longer ses mains pour se désaltérer.

Gue(ho)st House, 2012

Marie Péjus et Christophe Berdaguer

Le bâtiment est revêtu de formes rondes, fluides, en rapport avec la morphologie humaine. Ce type d’architecture provoque des questionnements sur le rapport entre l’habitant et son utilisation du bâtiment comme un appel à repenser l’espace construit à travers différents regards et usages. Ce projet montre que l’architecture n’est pas seulement une construction, mais une réflexion sur la conception d’une morphogenèse, en lien avec l’évolution des matériaux.

Matière et architecture

« Rematérialiser l'art contemporain », L’architecture organique de la Gue(ho)st House créer par Marie Péjus et Christophe Berdaguer, revue Marges n° 18, p.80-97 en 2014.

« Dans Le Mou et ses formes, Maurice Fréchuret établit une classification des productions artistiques utilisant la puissance créatrice des matériaux, ainsi que leur force d’évocation redéfinissant les formes de la sculpture moderne. Les objets produits entrent dans une logique de la mollesse, du visqueux ou du gluant, qui les rattache au vocabulaire organique, à cette ambiguïté relevant d’une exploration des viscères. La Gue(ho)st House est constituée d’une substance qui rappelle l’enveloppe, la peau, constituant une « physiologie » de l’architecture. »

La Gue(ho)st House a été conçue par le couple marseillais Marie Péjus et Christophe Berdaguer qui appliquent des caractéristiques organiques à l’échelle de l’architecture. Cette construction répond à une commande publique visant aux réaménagements des abords du Centre d’Art Contemporain La Synagogue de Delme, en extension à la structure existante. La démarche du couple suit un processus de « rematérialisation » de l’art contemporain. L’attention portée à la matière va de pair avec le développement des techniques qui singularisent les formes de l’art contemporain. Le traitement du matériau comme une chair vivante, malléable, effectue des connexions entre la substance de l’œuvre et la dimension physique du corps. À partir d’une architecture existante, les artistes élaborent une entité dont la membrane blanche épaisse et dégoulinante produit un impact considérable sur l’environnement renvoyant à une plasticité primaire. L’édifice capture le regard par sa forme indéniablement atypique, mais il marque également la transformation d’un corps par l’apposition d’un autre corps. Il s’agit bien de redéfinir, tant visuellement que fonctionnellement, les usages de la maison, en l’habillant d’une nouvelle peau.

La présence de plis, de cavités et de protubérances à certains endroits, suggère l’existence d’une porosité, qu’on retrouve également au niveau des fenêtres de la façade. Cette façon de considérer le bâtiment prend sa source dans le mouvement de l’architecture-sculpture initié à la fin des années 1950 par des architectes tels qu’André Bloc et Jean-Louis Chanéac. Ces derniers expérimentent l’aspect pluridisciplinaire de la construction, en mêlant l’architecture aux arts-plastiques. Les bâtiments revêtent des formes rondes, fluides, en rapport avec la morphologie humaine. Ce projet montre que l’architecture n’est pas seulement une construction, mais une réflexion sur la conception d’une morphogenèse, en lien avec l’évolution des matériaux. Il faut alors considérer l’exploration de la matière, de la substance.

La membrane sculptée établit une transition, un dialogue entre l’intérieur et l’environnement extérieur qui sont deux mondes opposés, comme l’exprime François Dagognet, mais elle les réunit aussi. Ce type d’architecture provoque des questionnements sur le rapport entre l’habitant et son utilisation du bâtiment comme un appel à repenser l’espace construit à travers différents regards et usages. Ainsi le visiteur adopte une posture active, dont le premier contact avec le bâtiment s’effectue par une stimulation visuelle, puis par l’expérience du corps dans l’espace. On peut aussi reconsidérer le geste plastique sous un angle nouveau : celui du rapport matériel et sensible à l’environnement, tout en considérant le corps, ses gestes, ses mouvements au sein d’un espace. Ce projet met en lumière l’architecture en ne la réduisant pas seulement à une construction, mais une réflexion sur la conception d’une morphogenèse, en lien avec le choix et l’usage des matériaux mais aussi sur son interaction avec le corps humain.

Retrouvez l’article sur : https://journals.openedition.org/marges/882#xd_co_f=NTRhYzg0MjItNGIzOS00NTQzLTljZTYtNzVkMzA3NjA4ZGRi~

Chronique n°5 - Huc Marion

DSAA - ÉSAAB

Avril 2020

B.L.O, lampe de 2001.

Marcer Wanders

Le designer se penchent sur un objet domestique d’antan mais qui n’a jamais cessé de fasciner : la bougie, un produit artisanal archaïque qui permet d’apprivoiser quotidiennement le feu. Cette lampe de table se met en marche et s’arrête par un geste primitif. L’ampoule à la forme d’une ﬂamme de bougie : vous devez l’éteindre ou l’allumez par le soufﬂe. Vous n’avez pas besoin de toucher l’interface pour la déclencher. Ce projet est une tentative interactive en relation avec le geste. Il se réalise directement avec une gestuelle qui nous rappelle l’origine de la lumière.

Reconstitution d’un bison à la grotte de Marsoulas en Haute-Garonne, la dernière phase du Paléolithique supérieur européen, comprise entre environ -19 000 à -10 000 av. J-C.

Une reconstitution de ce à quoi devait ressembler le bison au corps de points rouges, le tout délimité par des traits incisés. Ils vont aller jusqu’aux détails les plus intimes. Il faut savoir que le tour de l'oeil du bison est une peau sans poils : ils dessinent comme une lunette autour de l’oeil, pour visualiser cette partie sans poils. Ensuite, ils vont faire des centaines de milliers de petits traits pour représenter le pelage de l’animal. Une figure unique dans l'art pariétal. Cette première forme d’expression met en lumière la rencontre entre le corps et la matière.

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