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Revista mexicana independiente dedicada al séptimo arte

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MUJER MARAVILLA / WONDER WOMAN, de Patty Jenkins

Casi ocho décadas después de su primera aparición en las viñetas, la superheroína de DC Comics creada por el psicólogo William Moulton Marston –quien también desarrolló el precursor del polígrafo– hace su primera aparición fílmica en solitario con un soporte femenino tanto delante como detrás de las cámaras. La modelo y actriz de ascendencia israelí Gal Gadot es quien carga sobre sus hombros con todo el peso protagónico como Diana, la Princesa Amazona de Themyscira –una paradisíaca isla que Zeus ocultó de la vista de los hombres y, en particular, de Ares, el Dios de la Guerra– que es acompañada durante el primer tercio de la cinta por Connie Neilsen como su madre la Reina Hippolyta y Robin Wright como su tía Antiope, la general del ejército de la isla a la que llega accidentalmente Steve Trevor (Chris Pine), un espía que se ha infiltrado en las filas del ejército alemán con el fin de detener la amenaza de la Primera Guerra Mundial. Con un guión firmado por Allan Heinberg –partiendo de una historia co escrita con Zack Snyder y Jason Fuchs– la película se ciñe al ya conocido viaje del héroe cuando Diana decide traspasar los místicos confines de Themyscira para ayudar a detener la gran guerra que, aparentemente, está siendo causada por el mismo Ares. Con esta sencilla premisa Patty Jenkins muestra su oficio cinematográfico y sorprende con su convicción al sacar adelante con una gran autenticidad, frescura y fidelidad al espíritu del cómic original un producto cinematográfico comercial prediseñado por Warner Bros. para que embone con las otras piezas de su universo superheroico.

"Wonder Woman" juega con la fórmula del cine de superhéroes, y sin descubrir el hilo negro nos presenta la historia de los orígenes de esta Princesa Amazona que eficazmente cumple con su misión como producto de entretenimiento ligero, pero que se da el lujo de presentar un debate –por supuesto todo ello con la profundidad que caracteriza a un blockbuster– sobre la naturaleza humana, su libre albedrío y la ambivalencia de luz/oscuridad que reside en el corazón de cada ser humano. La película, además, funciona como un sólido pilar y episodio de expansión del  Universo Cinematográfico de DC, y aunque no está exenta de inconsistencias se adapta perfectamente a los moldes tanto del género de superhéroes como del estilo visual que ha creado Zack Snyder con "Man of Steel" (2013) y "Batman v Superman" (2016), pero lo hace de una manera equilibrada entre aventuras bélicas con secuencias de acción estimulantes y con una solemnidad heroica que es combinada a la perfección con un humor elegante que toma como principal materia prima la contraposición de mundos de la pareja protagonista –quienes por cierto generan una gran química en pantalla– y utiliza la profunda descontextualización e ingenuidad de Diana en el violento entorno de la Primera Guerra Mundial para exponer con ello lo absurdo de las guerras.

La propuesta fílmica de Jenkins inteligentemente aprovecha el heroísmo innato y la preocupación genuina por la humanidad de su protagonista y plasma en pantalla de manera certera la manera en la que el sufrimiento del hombre causado por el hombre mismo la golpea emocionalmente y la hiere más que cualquier arma o deidad maligna a la que se enfrente. En este sentido, cabe señalar que el espíritu del Superman de Christopher Reeve se percibe en varias escenas y no sólo en el claro homenaje que supone la escena de los disparos en el callejón donde Diana salva a Steve Trevor. Cargada con un discurso pacifista y humanista y echando mano de un muy necesario mensaje feminista que cuestiona –aunque muy ligeramente– el imperio de la cultura falocéntrica y le hace responsable del fatídico destino al que se ha sentenciado a la humanidad por la ambición y el odio, la película se corona como la mejor película del aún incipiente Universo Cinematográfico de DC que se consolidará o desmoronará con la primera película de la Liga de la Justicia en noviembre próximo.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

MUJER MARAVILLA Wonder Woman | 2017 | Dir. Patty Jenkins | Actores: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Anaya, Lucy Davis, Danny Huston, Ewen Bremner, Samantha Jo, Saïd Taghmaoui, Lisa Loven Kongsli, Florence Kasumba, Mayling Ng, Tilly Powell, Doutzen Kroes.

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GET OUT, de Jordan Peele

Un joven afroamericano visita a los padres de su novia blanca. Planteada así, la premisa de la ópera prima de Jordan Peele parece la versión moderna de "Guess who's coming to dinner" (1967), la película dirigida por Stanley Kramer en la que el doctor John Prentice (el gran Sidney Poitier) visitaba a los padres de su caucásica prometida Joey Dreyton (Katherine Hoghton). La pareja conservadora encarnada por Spencer Tracy y Katherine Hepburn, teóricamente de ideologías liberales, quedaba en shock al descubrir que su futuro yerno sería un hombre de color, aunque intentaba disimular su incomodidad de la mejor manera que podían.

Sin embargo, la secuencia que sirve como prólogo del debut de Peele es mucho más que una advertencia de que nos enfrentaremos a algo completamente diferente; su introducción es toda una declaración de intenciones. La mencionada escena inicial muestra a un nervioso afroamericano buscando una dirección en un lujoso barrio blanco; pero justo cuando ha decidido desistir en su búsqueda, el chico se ve sorprendido por un hombre blanco encapuchado que logra dejarlo inconsciente para luego meterlo a la cajuela de su lujoso automóvil que, por supuesto, también es de color blanco.

El protagonista de "Get Out" es el joven fotógrafo Chris Washington (protagonizado por un sorprendente Daniel Kaluuya), quien junto con su novia Rose Armitage (Allison Williams) pasarán un fin de semana en la casa de campo de sus padres, la exitosa psiquiatra Missy Armitage (Catherine Keener) y el renombrado neurocirujano Dean Armitage (Bradley Whitford). Y aunque inicialmente el comportamiento del matrimonio resulta extremadamente complaciente, con el correr de las horas se van presentando una serie de extrañas situaciones que van transformando un fin de semana incómodo en una inquietante experiencia.

La película se presenta como una oscura sátira de la realidad social a la que podemos emparentar con "The Stepford Wives" (1975) de Bryan Forbes –adaptación de la novela homonima de Ira Levin–, "The Truman Show" (1998) de Peter Weir e incluso con el thriller "Arlington Road" (1999) de Mark Pellington, y para ello resulta esencial recalcar que Jordan Peele tuvo su popular origen en la escena cómica de Estados Unidos a través de su programa Key and Peele, y por ello no resulta nada extraño que eche mano del humor en esta propuesta de tono macabro. De esta manera el debutante nos comparte una efectiva mixtura de géneros que van desde el terror puro y la ciencia ficción con corrosivas pinceladas de humor que audazmente utiliza para deslizar mordaces críticas hacia la hipocresía social y su presunta postura ideológica progresista que, sin embargo, no es más que una máscara que esconde el racismo y la discriminación en su máxima expresión.

El audaz guión consigue de manera pausada pero firme dar forma a una atmósfera enrarecida que ocupa muy pocas explosiones de violencia a lo largo de la trama para transmitir el terror puro, mientras que las estupendas actuaciones del elenco –especialmente la revelación de Daniel Kaluuya y Betty Gabriel como la desconcertante sirvienta– son el complemento perfecto para el funcionamiento cabal de esta aguda y cáustica crítica social y política que, sin concesiones, desenmascara el cruel ilusionismo que ha resultado ser el «american way of life» de la era post Obama. "Get out" es un debut potente, escalofriante, incómodo, pero sobre todo, necesario.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

¡HUYE! Get Out | 2017 | Dir. Jordan Peele | Actores: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Betty Gabriel, Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens.

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ALIEN: COVENANT, de Ridley Scott

Hace cinco años, Ridley Scott volvió a los terrenos de la ciencia ficción con una precuela que exploraba los orígenes de aquel mítico Space Jockey que tripulaba la nave varada en el planeta LV-223 que albergaba a la criatura que daría caza a la tripulación de la nave Nostromo al acudir en respuesta a una señal de auxilio. "Prometheus" generó altas expectativas y no pudo cubrirlas; planteó muchas más incógnitas de las que resolvió, aunque fue una más que decorosa precuela de la saga. Ahora "Alien: Covenant" llega para intentar enmendar los errores y regresar a la franquicia a los terrenos del terror cósmico que caracterizó al filme original que vio la luz el último año de la década de los 70.

La película nos transporta diez años después de los sucesos ocurridos en "Prometheus" y nos coloca en el interior de la Covenant, una nave colonizadora que se dirige al planeta Origae-6 con el fin de establecer la primera colonia humana al otro lado de la galaxia; sin embargo, un accidente obliga a despertar a la tripulación siete años antes de llegar a su destino, y mientras se llevan a cabo las reparaciones de la nave para continuar su camino, una misteriosa señal de posible origen humano llega desde un planeta que se encuentra a tan sólo unas semanas de desviación, por lo que deciden dirigirse a lo que parece una suerte de paraíso inexplorado ideal para albergar a la colonia humana. Sin embargo, lo que inicialmente se presenta como un planeta idílico se revela pronto como un mundo hostil que pondrá en peligro la misión entera.

Con "Alien: Covenant" el ya casi octogenario cineasta recupera el espíritu de la película original; la propuesta de Scott está dedicada a acercarse más hacia el terror que a la ciencia ficción, aunque desde luego no olvida dar continuidad a la historia de la raza de los Ingenieros que nos introdujo en "Prometheus". La película plantea ideas interesantes sobre la (in)existencia de un Dios como fórmula para el origen de la vida y la ultra desarrollada inteligencia artificial a través del encuentro del nuevo modelo sintético Walter (Michael Fassbender) con el personaje de David y el sorpresivo desarrollo de características humanas como el orgullo y la egolatría, planteando con ello la tesis del moderno Prometeo de Shelley con sus inherentes pinceladas de romanticismo gótico-necrofílico y hasta el incesto sintético. Pero lamentablemente la película se queda en eso; en ideas que no logra desarrollar a profundidad, no entrega nada que no hayamos visto antes en la saga original y además se da el lujo de olímpicamente destruir la historia de los Ingenieros en menos de cinco minutos. Se trata de una propuesta que refresca la franquicia al inyectarle una gran carga de tensión y adrenalina, pero no posee la originalidad que, aunque con sus múltiples defectos, caracterizó a cada una las secuelas a cargo de Cameron, Fincher y Jeunet.

"Alien: Covenant", aunque presenta a una nueva criatura –el muy inquietante «neomorfo», variación más humanoide que el monstruo original de H.R. Giger– en un ecosistema distinto y con los momentos más sanguinolentos de toda la saga, no se arriesga en la exploración de nuevos terrenos, dedicándose únicamente a la complacencia de aquellos acérrimos fans que reclamaron la ausencia de los xenomorfos en la cinta previa como una traición a la esencia de la saga. Scott ha escuchado esas voces y ha dado forma a un entretenido y por momentos escalofriante filme de terror con su tradicional puesta en escena hipersofisticada, pero ha dejado de lado el trasfondo filosófico y el desarrollo de personajes –inexplicable resulta que se haya eliminado del corte final la secuencia de la cena y que haya sido lanzada de manera virtual semanas antes de su estreno–. Aún así, la película es un eslabón lo suficientemente sólido en esta cadena de precuelas que esperemos sepa equilibrar mejor el entretenimiento con la reflexión en las futuras entregas ya confirmadas por el mismo Scott.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

ALIEN: COVENANT 2017 | Dir. Ridley Scott | Actores: Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Demián Bichir, Danny McBride, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, Uli Latukefu, Tess Haubrich, Guy Pearce, Noomi Rapace, James Franco.

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BUEY NEÓN / BOI NEON, de Gabriel Mascaro

Luego de su bien recibida ópera prima, "Vientos de agosto" (2014), el brasileño Gabriel Mascaro presenta una película que rompe de una manera elegante y contundente con los estereotipos de género y replantea el significado de los conceptos «masculino» y «femenino». "Buey neón" es un ejercicio de estilo en el que continúa explorando los terrenos formales del lenguaje cinematográfico para retratar la vida rural de su país. Así nos encontramos nuevamente con el estilo realista con el que concibió su largometraje debut, pero añadiendo secuencias hipnóticas de estridente colorido con una gran carga de lirismo en el que subraya la «animalidad» o «bestialidad» como parte de nuestra naturaleza humana, eliminando con ello también las barreras entre el cine y los performance experimentales o el videoarte, ofreciéndonos con ellos una perspectiva distinta de la belleza y sensualidad de la anatomía humana, tanto masculina como femenina.

Con esta combinación de estilos visuales que se conjugan de manera audaz y orgánica gracias al fenomenal trabajo de fotografía del mexicano Diego García, el cineasta no nos presenta una trama poco común; de hecho podríamos decir que la trama es prácticamente inexistente. Y es que a "Buey Neón" se le podría definir mejor como una colección de postales en movimiento que capturan anécdotas de la cotidianidad del Brasil rural; específicamente las de la zona noreste de este país, una región a la que se relaciona inevitablemente con la pobreza, el hambre y los anhelos de escapar de la precaria situación. Sin embargo, Mascaro no ofrece aquí un relato miserabilista, sino que, por el contrario, nos presenta un fresco costumbrista en donde los personajes no se dedican a soñar con el escape, sino con alcanzar su sueños en la medida de lo posible dentro de su entorno, y mientras lo logran, transgreden involuntariamente –o por lo menos nunca haciendo alarde de ello– las reglas binarias de género que rigen en la sociedad y que se esperaría que fueran mucho más rígidas en los remotos territorios provincianos.

Así nos encontramos con una cinta poblada por personajes peculiares que durante el día cuidan, transportan y preparan a los bueyes para los tradicionales espectáculos de rodeo itinerantes conocidos como «vaquejadas», pero que durante la noche se permiten dar rienda suelta a la persecución de sus sueños. El varonil Iremar (Juliano Cazarré) por ejemplo, anhela una máquina de coser para convertirse en diseñador de moda; pero mientras trabaja para materializar ese sueño, ayuda a su amigo Zé (Carlos Pessoa) a masturbar a los sementales de su patrón intentando traficar con su semilla, o se ocupa de confeccionar sensuales vestidos para Galega (Maeve Jinkings), una guapa madre soltera que se presenta como bailarina exótica en los clubes con bizarros espectáculos nocturnos; una actividad que contrasta radicalmente con sus labores diurnas: la conducción, reparación y mantenimiento del enorme camión que transporta a las bestias para los espectáculos.

Mascaro presenta con una naturalidad apabullante esta ruptura de los estereotipos de género. Nos presenta primero a los personajes en cierta situación para que construyamos ciertas expectativas con respecto a su personalidad, pero inesperadamente va demoliéndolas al presentarnos a los personajes en otras situaciones que los alejan diametralmente de lo que habíamos pensado respecto a ellos. Esta ruptura de estereotipos de género alcanza incluso al personaje más joven y a otro personaje femenino que aparece sólo en el tramo final de la película. La primera es la pequeña Cacá (Alyne Santana), la hija de Galega que se niega a encadenarse a las labores domésticas que son "propias de una mujer" y que busca siempre ayudar en el cuidado de los animales; por otra parte, el otro personaje secundario femenino que se aleja de los estereotipos es una mujer embarazada que durante el día vende cosméticos para hombres y mujeres, mientras que por las noches trabaja como guardia de seguridad en una enorme fábrica textil. Y por si esto fuera poco, este personaje que pronto se convertirá en madre, protagoniza junto con Iremar una de las escenas eróticas más sensuales de años recientes, desmitificando con ello la figura de la mujer encinta como un ser cuasi divino y santificado que debe permanecer alejada del acto sexual por considerársele impuro.

Pero "Buey neón" no sólo ofrece un discurso de género progresista, sino que también expone el clasismo a través de las condiciones en la que viven los animales del rodeo: por un lado muestra la violencia y el maltrato hacia los bueyes que participan en los espectáculos; y por otro lado, contrasta esta situación con los extremos cuidados y cariños que reciben los caballos y las yeguas. De esta manera Mascaro presenta su aguda crítica no sólo hacia la absurda división de clases, sino también hacia la locura en que se han convertido los agronegocios rurales, como por ejemplo la industria del semen, o esa nocturna vaquejada-rave en la que cubren a los bueyes con vibrantes pinturas neón que los hacen brillar la oscuridad.

"Buey neón" se gana a pulso su lugar como una de las cintas más interesantes del cine alternativo actual; una propuesta que con inteligencia y sutileza cuestiona y transgrede muchas más ideas preestablecidas que muchas otras cintas panfletarias. Mascaro, a su vez, se consolida de manera contundente como una de las voces más potentes y auténticas del cine brasileño contemporáneo junto con su coterráneo Kleber Mendoça Filho ("Aquarius"; 2016) y nos invita a seguirle la pista para atestiguar el cierre de lo que seguramente será una de las trilogías sociales más interesantes del cine latinoamericano.

Por Antonio Ruiz | @FinbarFlynn

BUEY NEÓN Boi neon | 2015 | Dir. Gabriel Mascaro | Actores: Juliano Cazarré, Maeve Jinkings, Josinaldo Alves, Samya De Lavor, Vinícius de Oliveira, Carlos Pessoa, Alyne Santana.

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APRENDIZ / APPRENTICE, de Boo Junfeng

Presentada en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes en 2016, la segunda película escrita y dirigida por el cineasta Boo Jungeng propone una tesis sobre la construcción de la identidad en el mundo carcelario. La premisa coloca en el centro del relato a Aiman (Fir Rahman), un joven de 28 años que comienza a trabajar como guardia en la ficticia penitenciaría Larangan, en Singapur, aparentemente guiado por una profunda vocación de servicio y una convicción espiritual religiosa (es cristiano) que lo guía a ayudar al prójimo en la expiación de sus culpas (crímenes); sin embargo, pronto comienza a mostrar un inusitado interés por el tema de las ejecuciones capitales, y sobre todo, por Rahim (Wan Hanafi), el principal ejecutor de la prisión y responsable de su falta de una figura paterna, pues fue él quien colgó a su padre luego de ser encontrado culpable de un crimen cuando el ahora vigilante de prisión tenía apenas tenía algunos años de edad. Además, y pese a la oposición de su hermana mayor Suhaila (Matsura Ahmad), Aiman se va involucrando cada vez más en el sistema capital hasta convertirse en el aprendiz del verdugo de su padre.

Por su premisa, "Apprentice" es una película a la que inmediatamente podemos emparentar con "Apt pupil", la novela de Stephen King que ya fue llevada a la pantalla grande por el director Bryan Singer con el siempre extraordinario Ian McKellen y el entonces prometedor Brad Renfro como los protagonistas que respectivamente dieron vida a un ex oficial nazi que vive de incógnito en los suburbios norteamericanos y a su vecino adolescente que descubre su secreto a la vez que se ve seducido por una extraña fascinación hacia una figura responsable del holocausto. Pero la propuesta de Boo Junfeng transita derroteros muy distintos, tanto en su forma como en su fondo.

Echando mano de una muy cuidada puesta en escena en la que la fotografía digital de Benoit Soler emula la atmósfera del clásico cine setentero para reproducir la oscuridad y sordidez del submundo penitenciario al que desciende Aiman, el relato va tomando como principal motor la disyuntiva ética y moral del protagonista enfrentado al complejo personaje antagónico con quien poco a poco establece una relación cordial no sólo como mentor/alumno, sino más cercana a la de un padre con su hijo; una dinámica familiar de la que ambos son carentes y que ahora pueden experimentar a tal grado que Rahim comienza a ver reflejada su juventud en Aiman y lo considera como su perfecto sustituto como ejecutor. Así va aumentando la intriga sobre el verdadero interés de Aiman por la macabra actividad y las repercusiones en la formación de su identidad nos son compartidas poco a poco.

El cineasta que debutó seis años atrás con la bien recibida "Sandcastle", ahora disecciona el significado de los lazos familiares y la ambigua atracción de Aiman hacia lo macabro como parte de la desesperada búsqueda de identidad de un hombre que intenta a toda costa demostrar a otros, pero sobre todo a sí mismo, que no es igual que su padre, que no es un criminal; de ahí que su atracción al polo opuesto sea tan poderosa, pues esa fascinación es proporcional el anhelo de distanciarse de la criminalidad y la marginación que representa en su vida la figura de su padre.

"Apprentice", contrario a la mayoría de los dramas carcelarios, se centra principalmente en el retrato de quienes están fuera de las rejas. No se trata de un filme en el que los prisioneros inicien un motín o estén planeando un espectacular escape; y mucho menos se trata de un panfletario documento cinematográfico que busque concienciar contra la pena capital en Malasia. Se trata, por el contrario, de una pieza sofisticada que inicialmente aparenta destinarse hacia una oda a la venganza pero que se transforma gradualmente en una deconstrucción de la condición humana mediante el retrato de la realidad sin juicios de valores y con la responsabilidad asumida de mostrar personajes sin maniqueísmos, sino plenos en matices, humanos; como por ejemplo, la revelación del personaje antagónico como un hombre que muestra compasión ante los prisioneros al preparar detalladamente su ejecución para que la muerte se presente con el menor dolor y sufrimiento posibles. Y es que "Apprentice" no sólo permite espacio de redención a los condenados a muerte sino también a sus verdugos; la película no toma partido moral por ninguna de las partes, solo muestra a seres humanos actuando de acuerdo a sus convicciones, tanto para bien como para mal.

APRENDIZ Apprentice | 2016 | Dir. Boo Junfeng | Actores: Fir Rahman, Wan Hanafi, Mastura Ahmad, Koh Boon Pin, Nickson Cheng, Crispian Chan, Gerald Chew.

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GUARDIANS OF THE GALAXY VOL. 2, de James Gunn

Tres veranos atrás, un filme protagonizado por un puñado de inadaptados intergalácticos nos ofreció una de las mayores sorpresas del cine veraniego. "Guardians of the Galaxy", bajo la batuta de un semi desconocido James Gunn, representó una bocanada de aire fresco para el cine de superhéroes; con una desfachatez hasta entonces insólita para el género y una guerra declarada contra la solemnidad de otras cintas de superhéroes de la casa Marvel. La película conquistó a las masas no sólo por su humor, sino por el carisma del quinteto central, una variopinta y disfuncional familia improvisada conformada por Peter Quill / Star-Lord (Chris Pratt), Gamora (Zoe Saldana), Drax (Dave Bautista) Rocket (voz de Bradley Cooper) y Groot (voz de Vin Diesel), quienes ahora vuelven a la carga para vivir nuevas aventuras en los confines del cosmos.

"Guardians of the Galaxy Vol. 2" nos coloca tres meses después de los sucesos de la primera cinta y gira en torno al descubrimiento de los orígenes de Peter Quill a la vez que el equipo intenta escapar de Ayesha (Elizabeth Debicki), la líder planetaria de la egocéntrica y fascista raza alienígena conocida como Los Soberanos que busca exterminarlos luego de una ofensa en su propio planeta por parte del siempre imprudente Rocket. Con estas dos líneas narrativas, la película nos lleva de la mano por un salvaje viaje por los confines de la galaxia con el ingenio y la extravagancia que ya son marca de la casa. La película expande exitosamente el universo particular de este superequipo manteniendo la esencia que volvió exitosa a la primera entrega pero sin permanecer en esa zona; esta secuela se sale un poco de sus zona de confort arriesgándose con la historia que coloca a los personajes en situaciones que los confrontan con sus sentimientos, miedos, anhelos y emociones para hacerlos crecer tanto como individuos como en sus lazos afectivos como la sui generis familia intergaláctica que son.

Así tenemos por una parte a Peter Quill conociendo a Ego (el gran Kurt Russell), su padre de antiquísimo origen Celestial que lo guiará hacia su naturaleza inmortal; mientras que Gamora se enfrenta a los resentimientos de su hermana Nebula (Karen Gillan), y Rocket encuentra en Yondu (Michael Rooker), el contrabandista líder de los Ravagers, un espejo en el cual ve reflejada su personalidad y sus mayores miedos. Manteniendo un humor cínico pero ahora mucho más cruel, la película cuenta nuevamente con una playlist de «música clásica» –entre la que destacan nombres como Fleetwood Mac, Sam Cooke, George Harrison y Cat Stevens– que funciona como hilo conductor de la trama y muletas emocionales de los personajes; además, nuevamente echa mano de múltiples referencias a la cultura popular de finales del siglo pasado mientras que se atreve a lanzar un discreto pero muy directo discurso político contra la ideología fascista y la absurda creencia de la «pureza racial» –encarnada por los ya mencionados Soberanos– que ha cobrado fuerza en los último años en nuestra realidad.

"Guardians of the Galaxy Vol. 2" es un gran ejercicio de cine de aventuras que no sólo sale airosa como secuela al mantener el nivel de calidad en todos los aspectos que encumbraron a la primera entrega, sino que también sobresale por permitirse ser auto paródica con una delirante imaginería visual que no le pide nada a la muy sobrevalorada "Dr. Strange" (2016); y por si fuera poco, se trata de una película que se atreve a insertar un final con un agridulce sacrificio que pocas veces podemos ver en el cine Disney donde no toleran las historias sin el típico «happy ending». Estamos ante algo más grande que un nuevo ejemplo de una secuela digna; estamos frente una sensacional space opera.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.2 Guardians of the Galaxy Vol. 2 | 2017 | Dir. James Gunn | Actores: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen Gillan, Kurt Russell, Sylvester Stallone, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan.

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LA MORGUE, de André Øvredal

Luego de aquella joyita indie que mezcló eficazmente la fantasía del folclor escandinavo con el horror puro en clave «found footage» llamada "Trollhunter" (2010), el director noruego André Øvredal debuta en el cine angloparlante con otra propuesta de cine de género: "La Morgue", cinta de horror centrada en Tommy Tilden (Brian Cox), el dueño de una funeraria en una pequeña localidad de Virginia, Estados Unidos y en su hijo Austin Tilden (Emile Hirsch), posible heredero del mórbido negocio familiar. La trama se desencadena cuando las autoridades locales les asignan la autopsia de un enigmático cadáver, el de una desconocida y bella chica sin causa de muerte aparente que fue encontrada semi sepultada en una casa donde fue perpetrado un macabro crimen. Pero mientras los procedimientos post mortem van avanzando y los misterios sobre su muerte van saliendo a la luz, comienzan a ocurrir sucesos cada vez más extraños y violentos al interior de la funeraria.

Ganadora del Premio Especial del Jurado en Sitges, "La Morgue" es una película de modesta producción que sabe sacar el mayor provecho de la única locación en la que transcurre la película; la fotografía de Roman Osin, junto con la destreza narrativa del director logran una puesta en escena sobria que utiliza los pasillos y recovecos de la funeraria para ir construyendo de manera pausada una atmósfera malsana, tétrica y claustrofóbica hasta el climático e inesperado desenlace. "La Morgue" es una propuesta que funciona como bocanada de aire fresco para el género plagado de películas genéricas que buscan el susto efectista y de secuelas que siguen formulas establecidas sin tomar riesgo alguno ("El Conjuro" e "Insidious"); por el contrario, el guión firmado por Ian B. Goldberg y Richard Naing presenta una premisa lo suficientemente original y unos personajes bien trazados, con las motivaciones, anhelos y miedos personales bien definidos que, aunado al talento histriónico de los protagonistas, logran la credibilidad necesaria para el relato.

"La Morgue", aunque no logra escapar completamente de los convencionalismos del género en su último tercio, sobresale entre la media de las producciones del género por la autenticidad y el oficio con el que ha sido filmada, dejando ver el talento de aquellos que han formado parte de su producción. Øvredal nos ha puesto frente a un afortunado ejercicio atmosférico y sensorial que nos recuerda que el cine de horror no se trata de cuántos sustos nos brinda, sino del malestar y la incomodidad que nos provocan las situaciones que nos confrontan con nuestros propios temores.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

LA MORGUE The autopsy of Jane Doe | 2016 | Dir. André Øvredal | Actores: Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Olwen Catherine Kelly, Jane Perry, Parker Sawyers.

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SUNTAN, de Argyris Papadimitropoulos

El cine griego nos ha ofrecido grandes aproximaciones a los aspectos incómodos y sórdidos del ser humano. Directores como Yorgos Lanthimos y Athina Rachel Tsangarihhan han construido personajes que llegan al límite de sus impulsos cuando las circunstancias no plantean otras salidas. Un cierto sentido de curiosidad y de disfunción de la moral también intervienen en el proceso de descomposición. La cinta Suntan de Argyris Papadimitropoulos, desarrolla también la distorsión humana pero corriendo menos riesgos que sus compatriotas.

La cinta se desarrolla en una pequeña isla griega, sitio turístico con idílicas playas de agua cristalina color escarlata, iniciando la temporada de verano cuando los turistas concurren y el trabajo para la población local representa la ganancia del año. En este contexto entra a escena Kostis, enviado para ser el médico de la isla, un hombre maduro, solo y en plena crisis de mediana edad. La vida en aquella isla, al servicio de turistas de espíritu libre y moral relajada, comienza a contrastar en el interior de Kostis, haciendo más evidente su vida anodina y carente de emociones. El acercamiento a cierto grupo de jóvenes fiesteros comienza a sacarlo de su burbuja de depresión, para hacerlo entrar en otra, una burbuja de recuperación de juventud, de redescubrimiento del amor y recobro de autoestima.

La trama es rica en temas; la añoranza de la juventud, la negación a la madurez, incluso la constante erotización del ambiente como agente nocivo para una personalidad depresiva e insegura. Pero tales ideas escasamente se desarrollan en este drama, el cual satisface con lo justo en cuanto a sorpresa pero queda a deber en profundidad.

Aunque la dirección da cierta cercanía con los personajes, el guión es ligeramente plano, tardando un rato en lograr que la emoción del protagonista se ponga de manifiesto, y esto solo gracias a lo que las situaciones expresan. El reparto transmite poco y dice menos, haciendo que el primer tercio de la cinta transcurra sin plantear nada claro. Todo se capta por el dramatismo intrínseco la acción en pantalla.

En cierto momento comienza a hacerse evidente la evolución del personaje de Kostis, su construcción va tomando consistencia  y la tensión dramática empieza a funcionar. Las actuaciones, naturales y poco grandilocuentes, cumplen sin destacar. La trama se desarrolla de forma lógica, quizá perdiendo la oportunidad de acelerar el arco dramático, para permitir que el extremismo final sea más explotado, ofreciendo mayor impacto una vez que el quiebre del personaje comienza a tornarse oscuro. Sin embargo el director elige, quizá en aras de la credibilidad, ir lento en el proceso destructivo. Se toma su tiempo, sin reiterar pero resultando ligeramente desesperante en que avance y llegue al clímax que termine por construir lo que lentamente se ha venido cocinando.

Y no es una cuestión de ritmo, el cual es ágil y suficientemente aderezado de momentos sugerentes, de sutil o explícita sexualidad, para evitar que la cinta caiga en monotonía. Aun así, deja con la sensación de su director que pudo haber contado más, o cuando menos, sido más incómodo y punzante en ciertos puntos, siendo más arriesgado en contenido o siendo más confrontador con el protagonista, de manera que si no se desarrolla ampliamente un tema o una psicología, al menos terminara siendo más memorable.

La cinta termina a la altura de las expectativas que por sí misma genera, pero no de las que genera su latitud. Se trata de un trabajo sólido y digno de verse, aunque no imprescindible.

Por Mike Mejía

SUNTAN 2016 | Dir. Argyris Papadimitropoulos | Actores: Makis Papadimitriou, Elli Tringou, Dimi Hart, Hara Kotsali, Milou Van Groesen, Marcus Collen, Yannis Tsortekis, Pavlos Orkopoulos, Maria Kallimani, Marissa Triandafyllidou, Syllas Tzoumerkas, Achilleas Kyriakidis, Kostas Gouzelis, Yannis Economides, Mike Rossonis, Nicholas Triandafyllidis.

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BAJO LA ARENA, de Martin Zandvliet.

En su tercer largometraje, el cineasta danés lleva a la pantalla un guión escrito por él mismo con inspiración en vergonzoso episodio histórico sucedido tras terminar la Segunda Guerra Mundial: luego de la rendición de la Alemania Nazi, el ejército danés obligó a varios grupos de jóvenes soldados alemanes que habían sido tomados como prisioneros –principalmente niños y adolescentes– a retirar las miles de minas explosivas que las mismas fuerzas armadas alemanas habían plantado en la costa como estrategia ante un posible ataque de la alianza. "Bajo la arena" relata lo acontecido a uno de estos grupos, el que trabaja bajo las órdenes del intransigente y violento Sargento Carl Rasmussen (Roland Møller); quien mantiene a los chicos que retiran las minas de la playa sin derecho a alimento alguno y que durante las noches son encerrados en una minúscula casa añorando el cada vez más improbable regreso a casa que les prometieron una vez que terminaran su misión.

En un ejercicio similar al del también drama bélico –y también nominado al Oscar en la categoría a la mejor película extranjera– "Mandarinas" ("Mandariinid"; 2014), de Zaza Urushadze, resulta imposible quedar indiferente. Con una sobria puesta en escena en la que sobresale la fotografía de Camilla Hjelm acompañada de las notas compuestas por Sune Martin y las sólidas actuaciones de los adolescentes alemanes que dan fantástica réplica al experimentado Møller, el sencillo pero contundente guión decide no adentrarse demasiado en los terrenos de las disyuntivas ideológicas o morales, y por el contrario, nos coloca con una magistral construcción del suspenso en medio del horror vivido por los jóvenes prisioneros obligados a arrastrarse el día entero por la playa para cumplir con su trabajo, mientras de manera paralela nos guía por el proceso de humanización de un personaje complejo que se mueve entre el la ira, la sed venganza, el honor, la justicia y la compasión por unos jóvenes que, lejos de estar alienados por el pensamiento supremacista, anhelan simplemente el regreso a su país y el reencuentro con sus familiares.

El hecho de que Zandvliet retrate como «los malos» a los miembros del ejército y al pueblo danés –representado por la madre que aparece en la cinta– y que los prisioneros alemanes sean «los buenos» no hace sino reforzar su tesis: la naturaleza humana no es sino un conjunto de claroscuros, lo peor y lo mejor del hombre yace en cada uno de nosotros; la crueldad y la compasión existen en ambos bandos de cualquier conflicto. "Bajo la arena" es el relato de discurso anti belicista y espíritu humanista sobre el más vergonzoso crimen de guerra en la historia de Dinamarca; un filme tan cruel y perturbador como hermoso y pertinente. Imprescindible.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynn

BAJO LA ARENA Under Sandet | 2015 | Dir. Martin Zandvliet | Actores: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman, Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter.

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T2 TRAINSPOTTING, de Danny Boyle

Después de 21 años llega la secuela de uno de los fenómenos cinematográficos más importantes de los años 90’s. ¿Todos recuerdan esa película? Cómo olvidar lo impactante y propositiva que fue en su momento y que sigue siendo para las nuevas generaciones que la ven por primera vez.

Para la segunda parte fueron muy altas las expectativas y demasiadas las interrogantes ¿Cómo se justificaría el paso del tiempo?, ¿Tendrá escenas igual de impactantes?, ¿La música seguiría teniendo un papel importante?, ¿Qué tanto estará basada en “Porno, la secuela literaria escrita por el mismo Welsh? todo ello es explicado de una manera formidable en la cinta, que no deja a desear absolutamente nada más.

La secuela marca el regreso de los protagonistas cada uno con el destino que ha sembrado durante 20 años, Renton es un hombre de negocios que ha conseguido tener una buena vida fuera del Reino Unido, Spud ha ido cayendo de error en error deviniendo en una vida hecha mierda, Sick Boy ahora es dueño del pub que heredó de su familia, pero en realidad se gana la vida extorsionando a las personas con videos de relaciones sexuales que mantienen con la prostituta con la que él tiene una relación y Begbie continúa en la cárcel, siendo el mismo cerdo misógino iracundo que todos conocimos.

Después de que Renton sufre un accidente, regresa a casa con su padre, a la misma habitación que tuvo en la adolescencia y decide reencontrarse con el único que lo vio escapar con el dinero, decide ir a visitar a Spud, por azares del destino termina visitando a Sick Boy con la debida y merecida paliza por haberse escapado con el dinero, a la par de ésto, Begbie ha escapado de la cárcel teniendo como objetivo asesinar a Renton.

Después de limar asperezas Renton y Sick Boy deciden convertir el bar del segundo en un negocio de prostitución, liderado por la novia de éste y construido y remodelado con la ayuda de Spud. Sin embargo las cosas se complican al meterse con la mafia de la ciudad que se encarga de controlar todos los prostíbulos y al estar siempre ante el peligro de toparse con Begbie o que éste descubra que en realidad está más cerca de Renton de lo que cree.

La película hace un excelente uso de la nostalgia generada por la primera parte, en ocasiones con canciones del soundtrack, en otras intercalando escenas de la actualidad con escenas de la primer película, pero principalmente, desarrollando la trama en sí, contándonos muchas anécdotas del pasado de los chicos que no aparecen en la primera parte y el cómo cimentaron su amistad, las consecuencias de que Renton haya escapado con el dinero y el cómo sus antiguos amigos siguen conservando rencor por lo que hizo.

El trabajo de edición es brillante, entregándonos como producto final una cinta ágil, que conserva mucho de la esencia de su antecesora, pero que sabe cómo colocarse dentro del estilo cinematográfico actual. El soundtrack con canciones un poco más recientes fue muy bien elegido, con ritmos predominantemente electrónicos y con un adecuado acomodo de las canciones dentro del desarrollo de la cinta.

Lo que se agradece principalmente es que, si la película es una secuela que no se puede despegar mucho de su antecesora, se hayan esforzado en regresar no solo al elenco original, sino a su director, Boyle sigue confirmando que es uno de los mejores directores británicos y ésta es una de sus mejores películas, el elenco lo hace estupendamente también haciendo parecer que no ha pasado tanto tiempo porque los actores siguen interpretando a sus personajes de forma idéntica que en la primera parte.

Para mí, es una segunda parte que si bien resulta menos impactante que su antecesora, resulta igual de buena que esta, una película que apela de manera inteligente a la nostalgia y una de las mejores películas del año.

Por Joel Chitica | @JoelChitica Reseña publicada originalmente en el sitio "La Última Palabra": www.joelchitica.wixsite.com/misitio

T2 TRAINSPOTTING: LA VIDA EN EL ABISMO T2 Trainspotting | 2017 | Dir. Danny Boyle | Actores: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh

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CORDERO DE DIOS, de Anne Fontaine

Las heridas dejadas por la Segunda Guerra Mundial son incalculables, pero muchas más aún hoy en día se mantienen ocultas para gran parte de la humanidad. Muchas de estas profundas heridas fueron causadas por crímenes sexuales, y la película que hoy nos ocupa se se centra en uno de ellos: en 1945, cuando la segunda gran guerra había llegado a su fin, un batallón de las fuerzas soviéticas irrumpió en un monasterio ubicado a las afueras de Varsovia asesinando a veinte de sus novicias y violando a otras tantas –algunas de ellas hasta 40 veces seguidas–, dando como resultado que cinco de ellas quedaran embarazadas –sin mencionar las secuelas emocionales y psicológicas–. La cineasta franco-luxemburguesa Anne Fontaine pone el dedo en la llaga de esta herida no sólo para acusar al abuso sexual como una de las «armas de guerra» más socorridas incluso hoy en día, sino para presentar un elegante estudio de las convicciones personales, profesionales y religiosas.

La protagonista Lou de Laâge encarna a la joven doctora idealista de valores modernos y liberales Mathilde Beaulieu, miembro de la delegación francesa de la Cruz Roja y que acude al convento respondiendo al llamado de una de las novicias tan solo para descubrir el inquietante secreto que guardan las hermanas benedictas: varias novicias están encinta, una de ellas ha entrado ya en labor de parto y el resto no tardará en hacer lo propio. Y aunque en un principio su visión choca con la ferviente fe y convicción de la intransigente madre superiora (Agata Kulesza), y le parece incomprensible la decisión de mantener todo en secreto rechazando también la ayuda de los médicos durante el resto del embarazo, las diferencias son pronto apartadas para dar paso a la solidaridad en pos del bienestar de las futuras madres.

En "Cordero de Dios", Fontaine vuelve a presentar una radiografía de fuertes personajes femeninos que en esta ocasión se ven enfrentados a disyuntivas religiosas y morales que la emparentan con la también estupenda "De Dioses y de Hombres" ("Des hommes et des dieux"; 2010), de Xavier Beauvois. Con una elegante puesta en cámara y sencillez narrativa, la cineasta polaca se enfoca en la creación de la atmósfera opresiva que se respira en el interior del convento a lo largo de un crudo invierno, pero también se preocupa por transmitir la calidez espiritualidad a la que se rinden las novicias a la hora de sus rituales diarios; y así, con este ambiguo telón de fondo, la cineasta plantea el conflicto central del filme: los dilemas religiosos de las monjas; esa crisis de fe que se presentan cuando lo que dictan sus creencias y lo que señalan sus incipientes instintos maternales son completamente incompatibles.

¿Dios realmente existe? Y si existe... ¿Él no sólo dejó que esto pasara sino que quiso que pasara? Y si no lo quiso... ¿por qué lo permitió? ¿Con qué propósito se jugaría la suerte de estas mujeres que han consagrado su vida en Su nombre? ¿Debo conformarme con la fe ante mi sufrimiento?¿Debo renunciar al amor que mi hijo merece por servir a Dios? Estos son algunas de las encrucijadas a las que se enfrentan las novicias ante su forzada maternidad; y es que más allá de procurar un retrato de los desconocidos horrores de la guerra, y de ser un grito de protesta ante el desentendimiento de los gobiernos ante los crímenes sexuales de guerra, la directora de "Nathalie X" (2003) busca plasmar la fragilidad del ser humano y la manera en la que incluso las más sólidas convicciones se tambalean ante un trágico e inesperado suceso.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

CORDERO DE DIOS Les Innocentes | 2016 | Dir. Anne Fontaine | Actores: Joanna Kulig, Lou de Laâge, Agata Buzek, Agata Kulesza, Anna Próchniak, Vincent Macaigne, Katarzyna Dabrowska.

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LA CHICA DESCONOCIDA, de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Los hermanos favoritos de Cannes –con el perdón de los Coen– están de regreso con una nueva parábola social que gira en torno a Jenny Devin, una joven doctora que se ve atormentada por la culpa luego de descubrir que la chica a la que no le abrió las puertas de su consultorio durante la noche fue encontrada muerta a la mañana siguiente a las orillas del río que corre justo frente a su consultorio. Cuando se entera de que la policía no ha podido identificarla por ser una inmigrante africana, Jenny decide comenzar una investigación personal para descubrir la identidad de la chica mientras que, a la vez, va labrando su camino de expiación. Pero lo que podría haber sido un drama social más se transforma en las manos expertas de los cineastas belgas en un atípico thriller de puerta en puerta en el que la galería de personajes que Jenny va conociendo en el camino van revelando detalles no sólo sobre la identidad de la chica, sino que también nos permiten tomar el pulso de los valores éticos y morales de la sociedad occidental.

Herederos del neorrealismo, los hermanos Dardenne vuelven a ofrecer una cátedra de su sobriedad narrativa, una sutileza sorprendente despojada de artificios en la que incluso prescinden de la música incidental que el cine convencionalmente utiliza como herramienta de chantaje emocional, pero que aquí no solamente omiten, sino que demuestran que una estupenda actuación y un sólido argumento –por muy sencillo que parezca– son suficientes para trastocar las fibras emocionales del ser humano. En este sentido resulta esencial resaltar la formidable interpretación de Adèle Haenel como la joven protagonista que se autoflagela incluso de manera inconsciente y de manera muy sutil pero constante –rechazar un cargo mayor en un prestigioso hospital para continuar ejerciendo como médico familiar en un consultorio regular y poder así dar continuidad a su personalísima búsqueda de redención; o incluso el no quitarse el abrigo cuando evidentemente está muriendo de calor (como bien lo señala un médico con el que se reúne) es una manera inconsciente de castigarse–. Bajo la conocida estética del realismo urbano, "La chica desconocida" es un relato detectivesco que tiene como principal baza la el fenomenal trazo de un personaje de acuerdo con sus códigos éticos y morales; ahí, en esa disección de la naturaleza humana está el gran tema de los Dardenne en esta su nueva propuesta de carga ambivalente desde el título de la película, porque tan desconocida nos resulta la chica asesinada como la protagonista, pues de su vida personal –familia, amigos relaciones amorosas, etc.– no sabemos absolutamente nada.

Legendarios cineastas que ya no tienen que demostrar nada a nadie, los Dardenne –dos veces ganadores de la Palma de Oro– se mantienen firmes en cuanto a su compromiso social mediante la creación cinematográfica con "La chica desconocida", una fenomenalmente sobria y elegante alegoría sobre la responsabilidad individual, la autoimposición de la culpa y la búsqueda de redención en clave de anómalo thriller que no recurre a la tensión dramática convencional, pues su propuesta con cámara en mano busca más el retrato fiel de la sociedad que el de la estilización de la realidad. Sin descubrir el hilo negro ni poseer elementos novedosos que aporten algo al género, "La chica desconocida" es un formidable ejemplo de cine modesto y sencillo que, huyendo de los sentimentalismos de los dramas convencionales, resulta profundamente reflexivo y, en especial, necesario.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

LA CHICA DESCONOCIDA La fille inconnue | 2016 | Dir. Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne | Actores: Adèle Haenel, Jérémie Renier, Olivier Bonnaud, Olivier Gourmet, Louka Minnella, Pierre Sumkay, Nadège Ouedraogo, Ben Hamidou, Thomas Doret.

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YO, DANIEL BLAKE, de Ken Loach.

La obra cinematográfica del cineasta británico Ken Loach ha estado marcada por su compromiso social con la clase obrera de su país. Desde sus inicios como parte del movimiento cultural/artístico "Kitchen Sink Realism" que retrataba sin conceciones las problemáticas vidas de la clase trabajadora británica y particularmente la de los jóvenes enojados y desencantados con la sociedad moderna, el cineasta no ha cesado en sus gritos de protesta contra el sistema neoliberal, lanzando en su momento certeras y punzantes declaraciones contra la primera ministra Margaret Thatcher. Su más reciente trabajo, "I, Daniel Blake", le valió su segunda Palma de Oro luego de haber ganado por primera vez justo diez años antes por "Vientos de Libertad" ("The Wind that shakes de barley"; 2006) y generó una pronta reacción por parte de las instituciones gubernamentales británicas que negaron rotundamente que el retrato de la situación burocrática que muestra la película fuera así de grave.

Y es que la película plasma la apatía, el abuso de poder y la ineptitud del sistema de subvenciones de Inglaterra mediante la historia de Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero viudo de 59 años que sufre un paro cardiaco que lo conduce a un retiro laboral forzoso, viéndose obligado a buscar ayuda del sistema de subvenciones para poder sobrevivir económicamente; sin embargo, los agentes de este servicio social le indican que no obtendrá ningún pago hasta que no demuestre que ya ha conseguido un nuevo empleo o, por lo menos, que está buscando uno, de lo contrario recibirá una sanción y correrá el riesgo de perder su casa y terminar como indigente. En medio de esta pesadillesca odisea, Daniel conoce a Katie (Hayley Squires), una joven madre soltera de dos pequeños que recién tuvo que abandonar Londres para establecerse en un deteriorado departamento en los suburbios de Newcastle, teniendo que recurrir también al sistema de subvenciones.

"I, Daniel Blake" es una dura crítica a la apatía, la incompetencia y la absurda lógica de la burocracia de los programas de ayuda social; un drama potente sobre dos marginados que hacen equipo ante la adversidad económica y la exclusión social, surgiendo entre ellos una relación de cariño y amor puro, una suerte de dinámica paterno-filial con la que acompañan sus penas y soledades, y que reiteran el grito de protesta de Loach cuya consigna ya fue musicalizada años atrás por la banda británica Pink Floyd: "Together we stand; divided we fall".

Con el espíritu humanista y aire contestatario que identifica al cine de Loach, "I, Daniel Blake" propone un acercamiento a la clase trabajadora pero no desde la lástima hacia el desventurado, sino desde el compromiso social para con el prójimo; el cineasta vuelve a utilizar su estilo sin florituras estéticas –olvídense de una fotografía preciosista estilo Lubezki– para buscar en el espectador la asimilación de las injusticias que se viven día con día dentro del déspota sistema burocrático, y que por ética nos comprometamos en una lucha que nos compete a todos, una lucha contra el neoliberalismo que busca despojar a los trabajadores de su individualidad para, entonces, suprimirlos.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

YO, DANIEL BLAKE I, Daniel Blake | 2016 | Dir. Ken Loach | Actores: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Sharon Percy, Natalie Ann Jamieson, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, John Sumner, Rob Kirtley.

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SIERANEVADA, de Cristi Puiu

Cuarenta días después de la muerte del patriarca –y tan sólo tres días después del atentado contra Charlie Hebdo–, una familia rumana de clase media alta se reúne en su memoria en el departamento donde ahora vive solamente la madre viuda. A la espera del sacerdote que oficiará los ritos correspondientes, la convivencia de la numerosa familia se va tensando y los ánimos se calientan. Larry, un neurólogo de 40 años e hijo mayor de la familia, funge como personaje central de la trama y guía de la narrativa de espíritu teatral con la que el cineasta rumano Cristi Puiu nos introduce en la intimidad del hogar para desarrollar una tesis sobre las dificultades de las relaciones humanas, especialmente en el núcleo familiar.

Con una sobresaliente puesta en cámara logísticamente complicada –pues a excepción del prólogo y una suerte de intermedio todo sucede dentro del departamento familiar con una gran cantidad de personajes e imbatibles diálogos sorprendentemente naturales– el cineasta rumano que hace poco más de una década nos sorprendió con el sobrecogedor drama intimista "La muerte del señor Lazarescu" ("Moartea domnului Lazarescu"; 2005) continúa puliendo su sobrio estilo neorrealista sin florituras ni artificios formales. Puiu se vale del apoyo del cinefotógrafo Barbu Balasoiu, cuya audacia combina orgánicamente planos fijos y cámara al hombro, para crear sublimes planos secuencia que, aunados a un pulido trabajo de edición, es capaz de colocarnos en la privilegiada posición de etéreo testigo que espía a la familia en los reducidos y concurridos espacios arquitectónicos del departamento en los cuales podemos entrar y salir con la libertad de un fantasma durante las horas previas al ritual religioso con el que se recordará al difunto padre de familia. Y así, convertidos en un intruso invisible, atestiguamos una de las tantas crisis de una familia tremendamente disfuncional... como todas.

Con una gran carga dramática pero también con un humor negro filtrado –una combinación distintiva del registro narrativo de la nueva ola de cine rumano fundada por cineastas formados luego de la revolución y derrocamiento del gobierno dictatorial de Nicolae Ceausescu–, Puiu desarrolla su tesis con la cada vez más tensa interacción de los personajes, colocando en el centro de la tormenta a Larry, quien se ve obligado a enfrentarse con sus miedos y los fantasmas de su pasado, mientras toda la familia se ve envuelta en discusiones que van desde los debates incansables en torno a las presuntas conspiraciones en los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos hasta la disyuntiva de si es mejor un gobierno totalitario o uno monárquico, pasando también por reproches por infidelidades conyugales, choques generacionales, luchas de clases sociales, la sexualidad, el terrorismo, la unión europea, y las eternas pugnas de posturas políticas e ideologías religiosas, seguidas por un largo etcétera.

Por sus casi tres horas de duración y su principal sustento en los diálogos, la propuesta de Puiu nos remite inmediatamente a un ejercicio cinematográfico muy cercano en el tiempo: "Sueño de Invierno" ("Kis uykusu"; 2014), de Nuri Bilge Ceylan; no obstante, aunque ambas representan dos de las mejores experiencias fílmicas en los últimos años, el cineasta rumano procura un discurso muy distinto al del cineasta turco, pues mientras "Sueño de Invierno" giraba en torno a la integridad, la ética y lo cuestionable de la moral del ser humano, "Sieranevada" utiliza los conflictos del núcleo familiar para dar forma a una metafórica visión de los conflictos de la humanidad entera; se trata de un sensacional análisis de un microcosmos familiar particular que deviene en retrato costumbrista de un país y un fresco del ser humano en sociedad, un trabajo antropológico en el que todos se sentirán identificados, o por lo menos, aludidos.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

SIERANEVADA 2016 | Dir. Cristi Puiu | Actores: Mimi Branescu, Bogdan Dumitrache, Catalina Moga, Dana Dogaru, Petra Kurtela, Sorin Medeleni, Tatiana Iekel, Marian Ralea, Simona Ghita, Andi Vasluianu, Judith State, Iulian Puiu, Silvia Nastase, Rolando Matsangos, Ioana Craciunescu.

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LIFE: VIDA INTELIGENTE, de Daniel Espinosa

Una diestra puesta en imágenes que juega ingeniosamente con una cámara en gravedad cero para crear un ambiente donde no existen conceptos como «arriba» y «abajo» nos da la bienvenida a la Estación Espacial Internacional, presentándonos brevemente a sus seis tripulantes: un equipo de científicos que esperan una sonda espacial con muestras tomadas de la superficie del Planeta Rojo. Luego de una arriesgada maniobra para recuperar la sonda, las muestras marcianas revelan el más importante hallazgo en la historia de la humanidad: vida extraterrestre. Sin embargo, la entidad viviente que en un principio era unicelular, pronto se revela como una criatura más inteligente, evolucionada y hostil de lo que se esperaba.

De esta manera arranca "Life", el sexto largometraje del director sueco Daniel Espinosa, quien de manera deliberada deja a la luz sus influencias cinematográficas tanto en lo visual como en lo temático –"Gravity" (2013; Alfonso Cuarón) y "Alien" (1979; Ridley Scott) son las más evidentes– pues su intención es recorrer derroteros muy distintos a los de estos dos títulos emblemáticos de la cinematografía. "Life" es una cinta que celebra su naturaleza de cine de evasión y que homenajea al cine clásico de terror de serie B –"The Thing" (1982; John Carpenter) nos viene a la mente en más de una ocasión– mientras que cubre con un manto de pesimismo y desesperanza lovecraftiana gran parte del relato, incluyendo su desenlace.

"Life" no pretende –vaya, ni si quiera lo intenta– filosofar sobre el origen del ser humano o hacer una crítica a la insaciable avaricia de las compañías terrestres –como la que busca capturar al xenomorfo para utilizarlo como arma biológica en la saga iniciada por Ridley Scott–; tampoco busca construir personajes que divaguen sobre el sentido de sus vidas mientras se enfrentan a situaciones límite en el espacio exterior –o sea que afortunadamente tampoco tenemos a una sucedánea de Sandra Bullock llorando por sus tragedias terrestres–. La película, en cambio, funciona como un espectáculo evasivo genérico intercambiable de terror espacial que, si pasamos por alto sus inexactitudes científicas, sus inverosímiles actuaciones, sus enormes lagunas en el guión –a cargo de Rhett Reese y Paul Wernick ¿Quiénes? ¡Exacto!– y su plaga de diálogos redundantes y ridículos, corre sin contratiempos y nos transporta a un ambiente asfixiante que, con la suficiente habilidad narrativa aunque sin personalidad propia, nos brinda esporádicas inyecciones de adrenalina y horror cósmico puro con un muy interesante villano interestelar. Por cierto, a Lovecraft le hubiera gustado ese final.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

LIFE: VIDA INTELIGENTE Life | 2017 | Dir. Daniel Espinosa | Actores: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya, Alexandre Nguyen.

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¡Hoy está cumpliendo años el incomparable Quentin Tarantino! ..... #cumpleañeros #bornonthisday #quentintarantino #director #directors #directores #directoresdeculto #grandesdirectores #cultdirectora #cine #cinema #movies #films #indiefilms #indiecinema #cineindependiente #hollywood

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DÍA SEIS, de Juan Pablo Arroyo Abraham

-Me siento horrible por Joaquín -¿Por qué te casaste con él? -Para estar cerca de ti

Filmada en la capital y la costa michoacana –en la Playa de Bejuco, cerca de las peñas en Lázaro Cárdenas, para mayor exactitud–, "Día seis" cuenta la historia de Carmen, una joven actriz atrapada entre el amor que siente por Pablo, el mejor amigo de Joaquín, un prominente ingeniero civil con el que mantiene un aparentemente estable y feliz matrimonio. Pero cuando a ella la diagnostican en fase terminal de cáncer, decide emprender un viaje que cambiará el destino de los tres.

La primera película de ficción de Juan Pablo Arroyo Abraham surge de la imperiosa necesidad de hacer un largometraje luego de sus varios cortometrajes, documentales y videoinstalaciones. Se trata de una película sencilla en su temática y argumento, pero emocionalmente compleja que demanda la atención y participación del espectador para que éste tome las piezas de la fragmentada narrativa y arme la suerte de rompecabezas erótico-dramático que representa la película.

Basada en algunas experiencias que el director ha vivido o atestiguado, y con un guión firmado por el mismo Arroyo en colaboración con Adrián González Camargo –director de las producciones michoacanas "Enero" y "Andrea en una caja"–, "Día seis" es una historia de las consecuencias que se deben asumir tras las de decisiones que tomamos a lo largo de la vida; es una historia de amor, frustración y traición en la que la fotografía de Anna Soler Cepriá logra crear una atmósfera intimista y el solvente trabajo actoral de los tres protagonistas –Abril Cira, David Medel, Andrés Montiel– traza con sensibilidad las experiencias emocionales/sentimentales de los protagonistas de la historia.

Dividida en dos etapas que se van intercalando durante gran parte del metraje, la película explora, por una parte, el sexo y desenfreno de la relación entre Carmen y Pablo antes que ella decidiera casarse con Joaquín; mientras que, por otra parte, nos aproxima a una etapa de contemplación y reflexión interna cuando el diagnóstico del cáncer es revelado. Se trata de una propuesta honesta que ofrece un retrato de personas reales más que de personajes maniqueos tan comunes en el cine actual; es la historia de tres seres humanos que atraviesan por un proceso violento y profundo de transformación.

"Día seis", la primera película hecha en la entidad michoacana con la tecnología del formato 4K, ya ha recibido casi veinte premios en distintos festivales tanto nacionales como internacionales y actualmente se encuentra en busca de un espacio en la cartelera comercial para la segunda mitad de este año. No le pierdan la pista.

Antonio Ruiz | @FinbarFlynnXY

DÍA SEIS 2016 | Dir. Juan Pablo Arroyo Abraham | Actores: Abril Cira, David Medel, Andrés Montiel.