Bla, bla, bla

Cinéphilie, articles, critiques, photographies, court métrages, partages d'expériences... Ambitions artistiques.

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«Dealer» : film marginal cherche distributeur

«Dealer» est un film auto-produit au sujet délicat avec des acteurs méconnus du grand public. Jean-Luc Herbulot signe un film marginal à tout les niveaux, une petite claque cinématographique encore en quête d'un distributeur...

  S'éloignant des stéréotypes de banlieue et se localisant sans complexe en pleine capitale française, «Dealer» fait partie de ces films qui n'ont pas froid aux yeux. Le titre ne trahit personne et le thème s'impose dès l'affiche. L'histoire nous plonge dans le 18ème arrondissement de Paris où trafic de drogue se pratique en toute discrétion. Dan, qui rêve de partir en Australie avec sa fille, finit par accepter la commande d'un client contre une somme fort avantageuse. Mais les choses se compliquent à partir du moment où la cocaïne qu'il lui doit disparaît.

Le réalisateur Jean Luc Herbulot nous immerge ainsi dans la descente aux enfers de Dan Bronchinson. Rien n'est caché au spectateur et tout est intelligemment insoutenable. Le rythme du scénario, la caméra à l'épaule qui suit les déambulations haletantes de Dan dans ce Paris peu rassurant... Le petit bémol reste peut-être le montage qu'on peut parfois aussi trouver too much, d'autant plus que la voix-off est excessivement présente, mais qu'on oublie vite face à une mise en scène et une histoire coup de poing. En effet, si certains films violents prennent soin de jouer sur le hors champs, ici on reste d'une honnêteté absolue et déconcertante, certes, mais nécessaire avec le spectateur. A tel point que chaque scène de violence reste des séquences clés, voire cultes, de «Dealer». Si l'on retient avant tout la mise en scène sanguinaire du film, elle est davantage impressionnante quand on sait que l'acteur principal et producteur, Dan Bronchinson, a réellement assisté à de telles violences auparavant. C'est probablement pour cela que «Dealer» s'impose comme un film coup de poing: il est inspiré de la vie de son comédien principal, ici aussi charismatique qu'attachant en père de famille trafiquant dépassé par les événements.

  Mais c'est certainement cette franchise tranchante dans la mise en scène qui freine les distributeurs. Aucune tête d'affiche n'est au générique de «Dealer», mais ce n'est sûrement pas la seule raison à une telle réticence de la part des distributeurs français. La rentabilité d'un tel film reste discutable en terme de mise en scène par rapport au public auquel il peut s'adresser. Si le réalisateur et son acteur semblent souhaiter s'adresser à un large public, le fil conducteur du film paraît rester sur la corde sensible. Un public seulement restreint et averti pourra s'y essayer. Un point qui n'empêche pas bien entendu de faire de «Dealer» un film de qualité et de trouver des spectateurs. Son parcours festivalier donne d'ailleurs un bel avant-gout du succès qu'il pourrait avoir auprès des cinéphiles puisque Fantasia Festival, Raindance Londres ou encore L'Etrange Festival ont été charmés par le film.

  «Dealer» est de ses œuvres cinématographiques qui dérangent mais dont on a besoin et des distributeurs en Suisse et en Allemagne l'ont déjà bien compris. La réalité des faits, la vulnérabilité d'un acteur talentueux qui affirme que le cinéma l'a « sauvé », et le moyen de production atypique qui se marie parfaitement avec l'essence même du scénario... Ce film est sans aucun doute un exutoire pour son réalisateur et son acteur-producteur mais également pour le spectateur qui ne catégorisera plus après avoir vu Dealer. Paris, banlieue... Même combat ! C'est ce qui ressort de ce film qui retient notre respiration 1h15 durant.

  Le cinéma français a besoin d'un vent de fraicheur ? Laissons «Dealer» venir vers ses spectateurs. Si selon certains distributeurs, la France n'est peut-être pas prête à voir un tel film, il faut pourtant l'y confronter. Car le cinéma est aussi là pour rompre certains silences. Bref, «Dealer» est à voir car il est aussi insoutenable à regarder que nécessaire.

Par Mélanie Bonvard pour toutlecine.com 

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Lou ! Journal infime ou l'univers audacieux de Julien Neel

Lou, la petite tête blonde de la célèbre bande-dessinée de Julien Neel prend vie au cinéma et pour ne pas faire les choses à moitié, c'est l'auteur de la BD lui-même qui s'est hissé derrière la caméra de cette adaptation cinématographique.

 La petite Lou, âgée de 12 ans a une imagination débordante. Rêveuse et optimiste, elle connait pourtant ses premières crises existentielles. La jeune fille doit en effet se confronter à l'adolescence ! Vivant dans un monde totalement à part avec sa drôle de maman, elle s'y perd malgré ses bonnes intentions.

 Le film a la recette parfaite pour plaire, c'est certain. Car il ne se restreint pas à viser uniquement les fans de la version papier de Lou. Au contraire, si les admirateurs de la bande-dessinée seront heureux de retrouver l'univers de Julien Neel respecté à la lettre, ceux qui iront voir le film sans aucune affinité avec le succès littéraire se prendront également d'affection pour la petite Lou. On oublie assez vite les malheureuses fausses notes dans le jeu de comédienne de Lola Lasseron car on se laisse aisément charmer par le charisme de cette petite tête blonde.

 Si Julien Neel dévoile un univers aussi « gondrien » que bercé par les comics et les mangas, le style maniériste de la réalisation de Lou ! Journal infime n'empêche pas pour autant les personnages d'exister dans ces décors rocambolesques et subtilement chargés. Les physiques aussi caricaturaux qu'hilarants des protagonistes rendent ces derniers davantage attachants et c'est véritablement en déjouant les stéréotypes qu'on finit par comprendre la sincérité de leurs sentiments.

  On se prendra également d'affection pour le trio générationnel que forme Lou, sa maman et sa grand-mère et on mettra évidemment une mention spéciale à Ludivine Sagnier en maman-pyjama aussi geek que flemmarde. On est d'abord surpris, puis on prend finalement plaisir à découvrir Ludivine Sagnier comme on la voit rarement. Autant dire que c'est un rôle qui fait du bien à sa carrière.

 Et si au premier abord on pense que le film s'adresse à un public féminin, il faut creuser un peu plus afin de se rendre compte que tout le monde est concerné par Lou, sa crise existentielle et celle de ses proches. Aucun spectateur en particulier n'est dans la ligne de mire de Julien Neel et on entre ainsi facilement dans la vie de Lou, on s'y identifie et on se prend d'affection pour une histoire qui finit par être celle de tout le monde.

 Pour cette première réalisation au cinéma, Julien Neel sert donc un film doté d'une personnalité sans nom dont le kitsch assumé rend la marque de fabrique artistique du réalisateur créative, ingénieuse et propre à lui. Bref, de quoi donner envie de vivre dans le délicieux monde de Lou car malgré l'âge critique qu'elle traverse, on est soulagé de voir ce personnage féminin pétillant s'éloigner des stéréotypes lassants de l'adolescence.

Par Mélanie Bonvard pour Toutlecine.com

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"Mistinguett" au Casino de Paris

Après des mois de répétitions pour monter le show , Mistinguett a enfin fait ses débuts sur la scène du Casino de Paris. Notre avis sur le spectacle.

 Si l'on pouvait avoir des réserves sur le choix de Carmen Maria Vega, le doute n'est plus permis. L'interprète de "La menteuse" incarne à la perfection la femme singulière et chipie qu'était Mistinguett. Avec sa voix imposante et son sombre charisme, elle dévoile ses talents de comédienne. 

Mais si la sulfureuse et malicieuse Carmen transperce notre sensibilité jusqu'au fond de la salle avec son irrésistible prestance, elle ne suffit pas à faire de la comédie musicaleMistinguett le spectacle de l'année. La troupe semble avoir du mal à exister aux côtés de l'éblouissante interprète principale. Le reste des artistes peine à faire ses preuves autant vocalement que dans le jeu théâtral.

Le premier acte du spectacle est quelque peu lent à démarrer. Peut être qu'avec un titre de spectacle pareil et une vedette comme Carmen Maria Vega on s'attendait à un véritable portrait musical à propos de la reine des années folles. Au lieu de cela, on découvre une partie de la carrière de Mistinguett et sa relation avec la salle mythique qu'est celle du Casino de Paris. Car finalement, la comédie musicale se consacre davantage sur la création et les coulisses d'un spectacle que sur la légende Mistinguett. C'est fort dommage lorsqu'on sait qu'il y a matière à composer sur la chipie des années 20. 

Ce choix concernant le fil conducteur du livret mène finalement à des numéros musicaux quelque peu bancals et dont on retient avant tout les solos de Carmen Maria Vega. On a beau vouloir s'amouracher des seconds rôles, on a d'yeux que pour la jolie chanteuse, aussi talentueuse qu'imposante. Si cette dernière nous charme, on regrette qu'il n'y ait pas davantage de performances dignes des musical de l'époque. Il faudra donc attendre le deuxième acte pour découvrir des couleurs de costumes pétillants et des chorégraphies dignes des plus grands classiques de Broadway qui ont suivi après l'époque Mistinguett. On mettra évidemment une mention spéciale au final absolument grandiose du spectacle !

  On ressort donc de la salle avec le souvenir d'une Carmen Maria Vega étincelante et un final éblouissant de décors, de costumes et de performances vocales dignes de notre Mistinguett nationale ! que le spectacle prenne tant de temps à prendre en ténacité. 

Par Mélanie Bonvard pour Ados.fr

[urbansemantics]

She [Jane Campion] creates strong women, not victims, women with value. In American movies, as soon as a woman is poor, she’ll be a stripper. The movie starts with her as a loser, an alcoholic. That’s not the place I want to give women. Whatever their predicaments, I want their battles to be noble. I don’t want them to be victimized or diminished socially.

Xavier Dolan (via urbansemantics)

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SusuLaFamilleProduction

Production cinématographique amatrice et autodidacte.

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"Je suis désolé je suis très nerveux et ému, donc je vais dire ceci au mieux de ma capacité. L'émotion qui me gagne en contemplant cette salle mythique est bouleversante. Je suis éperdu de gratitude devant la reconnaissance de votre jury, la quantité d’amour aussi qu’on a reçu au cours de la dernière semaine me fait réaliser que c'est vrai : on fait ce métier pour aimer et être aimé en retour. C’est la revanche de nos amours imaginaires. Je vais aller très rapidement. Je voudrais remercier Nancy Grant, ma productrice, Patrick Roy, les Karmitz, les gens chez Diaphana, tout le monde chez E One. 

Quel bonheur de travailler avec vous, de me sentir compris malgré mes défauts et mes doutes.

Merci à Thierry Frémaux d’avoir cru en mes films, et surtout d'avoir cru en moi de m'avoir porté de m'avoir confronté, de m'avoir protégé. Merci à Christian Jeune pour son amitié et sa complicité. 

Merci à Anne Dorval, A Suzanne Clément, et Antoine-Olivier Pilon, vous êtes des acteurs, mais surtout des créateurs, je vous admire je vous aime.

Je voudrais remercier ma famille mes amis pour leur écoute leur amour. Je suis sûr que j'oublie tellement d'alliés. 

Je veux profiter de cette tribune pour m’adresser à ma génération et à Jane Campion. En anglais. Le français c'est ma langue première, la plus belle langue au monde pour moi, c'est vrai. Mais je veux que tout le monde m’entende.

D'aussi loin que je me souvienne, La leçon de piano est le premier film que j’ai pu voir quand j'ai demandé à ma belle-mère "Quel film puis-je voir ?". Elle m'a dit La Leçon de piano. 

C'est un film qui a défini ma vie, ma carrière. Peu de films m'ont autant déterminé que La leçon de piano. Et me retrouvez face à vous, sur une scène... Vous avez écrit des rôles pour des femmes magnifiques, avec de la volonté et une âme... Je n'ai pas terminé...  Des femmes avec une âme, de la volonté et de la force. Pas des victimes, pas des objets. Et je serai très bref. Il me reste quelques noms.

Une note pour les gens de mon âge, les jeunes de ma génération. Ce sont les notes des dernières années dans ce monde de fous. Malgré les gens qui s'attachent à leurs gouts et n'aiment pas ce que vous faites, mais restez fidèles à ce que vous êtes. 

Accrochons nous à nos rêves, car nous pouvons changer le monde par nos rêves, nous pouvons faire rire les gens, les faire pleurer. Nous pouvons changer leurs idées, leurs esprits. Et en changeant leurs esprits nous pouvons changer le monde.

Ce ne sont pas que les hommes politiques et les scientifiques qui peuvent changer le monde, mais aussi les artistes. Ils le font depuis toujours. Il n'y a pas de limite à notre ambition à part celles que nous nous donnons et celles que les autres nous donnent. En bref, je pense que tout est possible à qui rêve, ose, travaille et n'abandonne jamais. Et puisse ce prix en être la preuve la plus rayonnante". Xavier Dolan, Cannes 2014.

[siamusic]

omg. CHANDELIER vid hit over 1 million views in less than 24 hrs. my life is awesome! thanks Maddie Ziegler, Ryan Heffington + Dan Askill

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Sia, c’est un peu le phénomène du moment. Maggie Ziegler et elle nous ont fait vibrer sur le merveilleux « Chandelier », un premier extrait de son album 1000 Forms Of Fears. D’où vient Sia et son album est-il a la hauteur de son potentiel ? 

Sa jolie voix éraillée ne vous dit probablement pas grand chose mais son style sans aucun doute. Rien qu’à l’écoute de « Chandelier » on a l’impression d’entendre du Rihanna. Normal: Sia est l’auteur du tube « Diamonds ». Elle a fait pousser la chansonnette sur d’autres nombreuses de ses compositions à des stars comme Lea Michele sur « Cannonball », Beyoncé, Céline Dion, ou encore Britney Spears… En bref, même si Sia en est déjà à son sixième album elle doit surtout son succès à ses compositions prêtées à d’autres.

Mais 2014 est une autre année pour l’artiste de 38 ans. Car si elle est une machine à tube elle a su se démarquer en écrivant pour elle-même et on la remercie. Parce que la voix de Sia est un véritable bijou, ajoutée à une musique aussi bouleversante que « Chandelier » rythmée par une pépite de talent comme la petite danseuse qu’est Maggie Ziegler, c’est la recette parfaite. La promotion de « Chandelier », quant à elle, s’est faite façon Sia, il faut bien le croire. Toujours dans l’ombre ou de dos, sans jamais montrer son visage, dans ses performances scéniques, la chanteuse prend soin de mettre en avant Maggie Ziegler lors de ses interventions dans des émissions américaines. La recette fonctionne à merveille: Sia reste dans l’ombre physiquement mais tout le mérite lui revient. Pour couronner le tout, on apprend qu’elle a composé« Chandelier » en quinze minutes. Sia serait-elle la perle rare ?

Il faut bien le croire car le reste de l’album semble agréablement à la hauteur de « Chandelier ». Si ce nouveau disque commence de façon bien familière avec le fameux premier single de Sia en première piste, on découvre un deuxième morceau tout aussi touchant. « Big Girls Cry » reste dans le ton de « Chandelier ». Comme un véritable exutoire, aussi intense qu’incroyablement émouvant cette fois-ci la chanson veut parler de peine amoureuse et de faux semblants quand les coeurs féminins sont blessés au plus profond d’eux. C’est ainsi que s’introduit l’album 1000 Forms Of Fears: bourré de mélancolie et d’une intensité sans nom, sans pour autant faire pleurer dans les chaumières. Mais les deux morceaux trompent et Sia sait rebondir sans perdre la splendeur de ses compositions. Alors que l’artiste fait ressortir des sentiments enfouis avec ce début d’album, elle continue avec une chanson plus rassurante et moins mélancolique d’un point de vue rythmique. « Don’t worry i’m here by your side » nous dit-elle dans « Burn the pages ». Le morceau se veut donc plus positif et on comprend que Sia n’a pas voulu se perdre dans des compositions larmoyantes. Tant mieux car ce nouvel opus aurait été fort ennuyant sachant qu’il comporte tout de même douze morceaux.

En vérité, Sia ne cesse d’étonner avec 1000 Forms of Fears. On y entend par moment un style pop et péchu qui s’éloigne de la Sia qu’on connait depuis « Chandelier ». Il faut dire que le morceau « Hostage » a été composé en collaboration avec Nick Valensi des Strokes. Tout s’explique et le rythme du groupe y est ! On adhère même s’il s’éloigne d’un album aussi déchirant que nécessaire dans la plupart des thèmes élaborés. Il faut bien rebondir avant l’écoute du morceau qui suit « Hostage »! « Straight to the knife » sert une voix toujours au top de la part de Sia et un piano aussi mélancolique, voire plus, que les deux premiers morceaux de l’album qui planent encore dans nos esprits même après avoir passer trois morceaux.

Sia parvient finalement a trouvé un juste milieu en se renouvelant tout le long de l’album mais en gardant cet animalité dans sa voix comme dans son rythme en général. Entre intensité et vulnérabilité, l’album contient de vraies perles susceptibles d’être de futurs tubes. Les morceaux restent dans la tête, nous trottent, nous touchent et nous transpercent tant ils sont doux de vérité et déchirants à la fois.

Article par Mélanie Bonvard pour uGene.fr

[n3verknowsb3st-blog]

Hunter S Thompson shaving Johnny Depps head for F&L

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Le 7 août prochain, après promotions non-stop en tout genres, la France aura enfin la joie de découvrir la nouvelle collaboration Johnny Depp/Gore Verbinski/Jerry Bruckheimer: Lone Ranger, Naissance d’un héros. Grand retour de Johnny Depp dans les bons vieux blockbusters à la Pirates des Caraïbes ou énième choix de mauvais goût de la part de l’acteur ? Aux vues du fiasco commercial que le film a connu de l’autre côté de l’Atlantique, les Etats-Unis n’ont pas suivi en tout cas. En attendant de voir son accueil public en France, navet ou pas navet, un film qui s’ajoute à la filmographie d’un acteur tel que Johnny Depp vaut bien une petite rétrospective sur sa carrière. A 50 ans et avec plus de 20 années de bons et loyaux services dans l’industrie du cinéma, l’acteur mérite bien un petit focus au sein de la rédaction de uGene.fr.

Dans les années 80, Johnny Depp était un peu le Robert Pattinson de l’époque. Broshing parfait dans la fiction et cheveux rebelles et gras dans la vraie vie mais qui lui donnent des airs terriblement sexys. Bref, en décrochant un tel rôle dans la série 21 Jump Street, Depp devient l’idole des adolescentes de l’époque. Image qui est supportable un temps pour le jeune homme mais qui devient vite lourde dingue. Au point que Depp n’attend qu’une chose : se faire virer par la production. Le jeune homme rêve d’autres choses et devient vite une anti-star.

Outre ses frasques, on s’attardera surtout sur sa carrière cinématographique qui a suivi 21 Jump Street. Après l’arrêt de la série, Depp joue les crooners satiriques dans Cry Baby, mais sa carrière cinématographique prend son top départ avec une rencontre que l’on connait tous: Tim Burton. Edward aux mains d’argentmarque le début d’une grande et longue aventure. Johnny Depp a trouvé en Tim Burton l’alter ego qui pourra le sublimer et le laisser s’exprimer librement dans des mimiques qui deviendront bientôt incontournables. L’acteur expressionniste a trouvé son réalisateur expressionniste. S’en vient ensuite des collaborations avec les plus grands réalisateurs indépendants et atypiques qui soient. Terry Gilliam, Emir Kusturica, Jim Jarmusch, Roman Polanski… Les années 90, c’est le temps des preuves et de la reconversion pour Johnny Depp qui passe d’acteurs à midinettes à acteur d’indépendant loin des studios d’Hollywood. Certains considéreront donc cette période comme son âge d’or.

Mais la carrière de Johnny Depp prend encore un autre tournant à partir du moment où il s’essaie aux blockbusters. Et c’est là que beaucoup se rendront compte que son curriculum vitae se divise en deux parties : celle des indépendants et celle des grosses productions hollywoodiennes. L’acteur passe de nouveau au statut de star et coqueluche d’Hollywood en endossant le fameux costume de Jack Sparrow. Des indépendants, Johnny Depp passe à Disney. Mais Depp reste Depp et ne manque pas pour autant de mettre sa patte dans la créativité du film. Le rôle il ne l’a pas écrit, mais c’est lui qui l’a composé. Le costume et les dreads de Jack Sparrow, c’est lui qui les a inventés et imposés aux Studios Disney. Et ces derniers ont eu raison de céder puisqu’ils doivent une bonne partie du succès du film au personnage farfelu que la star s’est crée. Manifestement l’acteur, bien que passé de l’autre côté de l’industrie du cinéma, ne manque pas de garder sa signature artistique en rendant ses nouveaux rôles toujours aussi décalés. Mais en entrant dans la sphère d’Hollywood, Johnny Depp devient alors ce qu’il a fuit pendant tant d’années : un acteur bankable. De comédien dont les réalisateurs indépendants européens s’arrachent, il incarne à présent le « pirate le plus sexy » du cinéma hollywoodien et les produits dérivés à son effigie se multiplient dans les magasins et parc d’attractions. Depp est alors de nouveau l’idole des ados. Et il n’en finit pas avec les films à fric en acceptant de jouer dans The Tourist, avec Angelina Jolie. Il existe de bons blockbusters, comme ce fut le cas de Pirates des Caraïbes, mais The Tourist en est un sacrément mauvais. Son résultat au box office l’a d’ailleurs prouvé.

Et la cerise sur le gâteau reste sans aucun doute son apparition dans l’adaptation au cinéma de la série qui l’a tant fait connaitre (et tant fait suer) : 21 Jump Street. Alors que l’acteur a eu du mal à se détacher de Tom Hanson et de son image de petit ami idéal, protecteur et citoyen modèle des Etats-Unis d’Amérique, à 49 ans il décide de faire une apparition symbolique dans la version cinématographique de la série. L’acteur a assez mal vécu la période « star de la télévision » mais semble tout de même vouloir rappeler que c’est lui qui en était la vedette face à la nouvelle génération d’acteurs ayant déjà pris le relais dans le cœur des jeunes filles. Alors lorsque l’on voit des choix de films si invraisemblables et qu’on se rappelle du Johnny Depp rebelle et anti-star qui prenait soin de jouer dans des films uniquement indépendants et frôlant l’échec commercial, une seule et unique question nous vient à l’esprit: prostitution ou challenge ? On pense tout de suite à de la prostitution, forcément. Mais à y regarder de plus près, lorsqu’il acceptePirates des Caraïbes, il est à un point de sa carrière où les preuves ont déjà été faites. Son physique de garçon modèle et bienveillant est, depuis longtemps, orné de tatouages tout le longs de ses bras. Ses cheveux sont aussi longs qu’indomptables et il collectionne les rôles de drogués, d’écrivains schizophrènes et de personnages expressionnistes en tous genres. Bref, tout le monde l’a compris depuis longtemps : Johnny Depp est un anticonformiste du cinéma. Alors, pourquoi ne pas jouer dans des films « légers » et à fric maintenant? Après tout, lui-même l’a dit : « Prendre le risque de se planter est la meilleure façon de progresser pour un acteur».

En somme, Johnny Depp n’a pas de style de rôle approprié. Son jeu d’acteur est propre à lui, certes, mais il n’entre dans aucune communauté de genre, de films ou de rôles quelconques. Sa filmographie présente un travail d’acteur si varié que lui-même a affirmé il y a peu : « J’ai l’impression d’avoir joué tout les rôles dont je rêvais. Et je ne ressens aucun manque, rien qui me démangerait». Il ne s’agit donc pas de prostitution de sa part lorsqu’on pense à sa reconversion dans la jungle folle d’Hollywood, mais simplement d’une soif de polyvalence et l’envie modeste d’aller là on ne l’attend pas. Comme ce fut le cas lors de son passage de 21 Jump Street au cinéma d’auteur. Johnny Depp n’est pas un acteur qui entre pas dans une case, il créée sa propre case.

Article par Mélanie Bonvard pour uGene.fr

[sundancetv]

“If “Top of the Lake" decided they were going to do another season, all I would want is to play one of the women on that commune or a drug mule that worked for Matt Mitcham" -Lena Dunham

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Charlene Kaye ne chôme pas. Un an après sa réussite musicale Animal Love et une première tournée européenne en été 2012, la jeune chanteuse ne manque pas de créativité en multipliant les collaborations afin de remixer son album.

A l’annonce d’un remix de Animal Love, qui déjà était une oeuvre innovante de sa part,  Charlene Kaye était attendue au tournant, laissant espérer une prise de risque prodigieuse. Le pari semble être gagné, et Kaye excelle avec ce nouvel album. Elle avait déjà donné un avant goût de l’atmosphère méconnaissable à venir qu’elle comptait présenter à ses fans lors de différents shows. Quelques versions live de la chanson « Woman Up » impliquaient un guest hors du commun. C’est une rappeuse New Yorkaise, Kalae Nouveau, qui imposait son style sur l’hymne qu’était déjà « Woman Up ». Rythme encore plus entraînant, complicité artistique inattendue mais intelligente… La recette fut parfaite pour allécher les fans. Le clip et la version studio du morceau mis en ligne, la vidéo explose une fois de plus les vues et toutes les fans ont apprécié le « girls power » jouissif de ce duo. L’album sort et le disque commence par « I dream an Ocean ». Étonnamment, l’ordre d’écoute des morceaux n’est pas le même que pour la première version de l’album Animal Love. « I dream an Ocean », remixé par Ross Federman, parait alors bien gentillet pour un morceau d’introduction. L’instru retravaillée reste soft, au rythme régulier et encore bien conventionnel. Peu d’extravagances se sont permises sur cette chanson. Mais pour relever la pente bien raide du début, l’incontournable  « Woman Up » s’installe en deuxième morceau. On accroche alors tout de même très vite grâce à un remix déjà familier.

Le reste suit de façon fluide ainsi que subtile et le remix de « Aminal Love I » est alors un véritable plaisir. Certains rêveront parfois de voir cette instru de EarthMoonEarth en boite à la place de Rihanna. Beaucoup des remix offrent un plaisir auditif consacré aux clubbers, le meilleur de tout l’album restant celui de Gaydave sur « Poison Apple ». A première approche, le début laisse l’impression d’un remix quelque peu excessif qui abandonne l’état d’esprit basique de la chanson. Mais il n’en est rien lorsque le refrain arrive et le morceau est un sublime voyage électrique pour les oreilles. Charlene Kaye s’est permis, encore une fois, un brin d’infatigable renouvellement. La chanteuse ne s’impose donc pas d’identité artistique. Elle s’adapte et s’ouvre à tout styles musicaux, comme étant soif de créativité et de polyvalence. Dans Animal Love – Remixes, d’un coté il y a des chansons extravagantes à écouter en communauté au milieu d’une foule déchaînée comme à l’écoute de « Forever Is A Long Time », d’un autre il y a ces morceaux laissant profiter d’une délicieuse solitude. Certaines chansons méritaient peut être un peu plus de punch, et quelques unes manquent malheureusement à l’appel: « Don’t Make Me Believe », « Animal Love II » ou encore « A Million Years » ne sont pas présentes dans cette nouvelle version du disque. Aussi, Kaye n’a pas manqué d’ajouter à cet album remixé quelques étrangers puisqu’elle offre des chansons de Animal Love en versions acoustiques, laissant le plaisir d’écouter sa voix au naturel. Bien que hors contexte dans un tel album, on déguste avec plaisir ces petits bonus.

Charlene Kaye a su s’entourer et renouveler son travail avec brio. La chanteuse est dotée d’une inspiration sans limites. (Animal Love – Remixes est en écoute ici.)

Par Mélanie Bonvard pour uGene.fr

[ontheset]

One of the most critically acclaimed female film-makers in recent history, Jane Campion has a distinguished career of directing bold and artistically stunning films.  While she stresses that she doesn’t identify herself as a feminist film-maker, her films are full of fiercely strong, independent women who often clash with society.  She gained early notoriety for Sweetie, a black comedy about a severely dysfunctional family.  However, notoriety turned to fame and acclaim with the release of An Angel at My Table, dramatization of the life of famous New Zealand author Janet Frame.  However, her most famous work is The Piano, a film about the tribulations of two women in nineteenth century New Zealand.  The film won the Palme d’Or at the Cannes Film Festival and snatched three Academy Awards.

[liannkaye]

I was interviewed for French Magazine, ugene.fr! 

Thanks to Melanie Bonvard for the article and Marine Delahay for sending me the English translation :)

Check out in French here:  http://ugene.fr/interview-de-liann-kaye-realisatrice-de-clips/

And the translation below.

“Interview: Liann Kaye, music videos director on the Internet

Little known in France, some of you probably know Liann Kaye thanks to singer Charlene Kaye, whose music videos are the fruit of sisterly work. Indeed, Liann and Charlene Kaye are sisters and Liann directs Charlene’s music videos. If some of you don’t remember who the lovely Charlene Kaye is, the Gleeks will surely remember her duet with Darren Criss (who plays Blaine in Glee) in Dress and Tie. Liann Kaye took part in their work and has managed to become known in the United States thanks to the artists whom music videos she directed, to her creativity and also thanks to the magic of the Internet. She is running an independent audiovisual business: Paper Frame Productions. Her latest music video, Woman Up’s remix, by her sister and rapper Kalae Nouveau, available on YouTube only since February 13th. The indie director dedicated some of her time to tell us about her experience, her opinion on the scope of music videos today, her influences and about the movies. Discussion open.

1- What can you tell us about your career? I’m an independent filmmaker in New York City! I currently work at the Girl Scouts of the USA as my day job, and I moonlight as a music video director. 2- Tell us about Paper Frame Production. What is this business about? Well, no one is more surprised that I’m a business owner than myself! Paper Frame Productions started in college when I was shooting videos for musicians I met through my sister (who is a singer/songwriter). When I moved to New York, PFP become an official LLC! Because I’ve been producing all of my videos independently for a couple years now, it seemed like the natural next step to start my own company, rather than wait for someone else to hire me to make these projects. I love being my own boss, and I love that all the opinions on the videos we make come from people with the best intentions (the artist, me, and my business partner Taylor). I still have to work a day job, but I’m excited to see where this goes! 3- You seem to take a real interest in music videos. Is it your main passion or would you be interested in pursuing a career in the cinema? I think, just from knowing so many musicians, including my sister, I kind of fell into the world of music video making. In the beginning, it was just that I knew my sister needed them, and I had a camera, but I really fell in love with bringing a song to life visually. Having the responsibility of figuring out what the song looks like is really intimidating but also exhilarating! A lot of the people I’ve been working with are indie artists who are just starting out, so it’s also really exciting to think about being the one who creates their brand.

Putting together a feature film is no small task and I’d love to tackle one someday. I wouldn’t say I’ve specifically avoided features, but rather, I’m 24, and I’m making short videos on very small budgets!  Maybe someday when people respect me enough, someone will give me a couple million dollars and I can go at it. I don’t necessarily think of music videos as a stepping stone to features though.  I’m really happy with what I do, and treat each project as if it’s my big manifesto. If I only made one or two great movies in my lifetime and did a bunch of cool music videos (like Michael Gondry & Spike Jonze) I’d be a really happy camper. 4- As a director, what do you think music videos have that the cinema doesn’t? I think music videos, much like songs, give you the opportunity to express and focus on a single emotion, rather than a larger narrative arc. I also think you can really push the envelope visually in a music video. I have a lot of weird ideas that don’t need to take up 2-3 hours of your time. Many concepts that work in music videos probably wouldn’t work in narratives. For example, OK Go running on treadmills? A fantastic idea that’s perfect for the length of time it runs. Music videos are getting a lot more cinematic, though. Lana Del Rey, and Florence, Justin Timberlake, even Taylor Swift are all doing crazy ambitious things right now and I love that it’s becoming a more respected medium. 5- What are your influences (music or movies)? I look up to a lot of the great music video directors of the 90’s my favorite French director Michel Gondry of course, and Spike Jonze, Mark Webb, Patrick Daughters. Later, they all went on to create really amazing movies too. But you can tell they are very selective with what feature films they take on, and always have a very strong sense of visual style.  I’m sure they learned this from being able to show stories, rather than tell you through dialogue. I’m certain their music video backgrounds helped them make stunning movies. 6- What inspired you in the song “Animal Love” by Charlene Kaye, that made you create this kind of Tim Burton-like world? Animal Love I originated from wanting to do a one-shot video. These videos are always tricky because with the camera was rolling the entire time, you have to hide all the lights, props, and dancers until they appear on screen! Eventually we realized that our dancers could help out with moving around our equipment, and then it just sort of morphed into a large choreographed dance, with our dancers as the props and light sources. I do adore Tim Burton movies and love really theatrical lighting so I can definitely see those references unintentionally coming out of me. 7- Lately, we have had the opportunity to enjoy your last music video for Theo Katzman and his song “Hard For You.” The special effects and the editing were a real success. Paper Frame Production’s means seem to improve while keeping this idea of creativity, am I right? Technically & professionally Paper Frames’ videography has definitely improved since my college days! I have a lot more experience under my belt. Clearly there has been a huge jump in quality since our days of using paper props. I certainly know a lot more about how to execute effects, and we have access to better equipment. However, I think it really depends on the story you’re writing. I adore our music video for “Skin and Bones.” It was my first video, and the memory of squealing in my kitchen as Char and I watched the final version on my laptop is something I will never forget. In that instance, I don’t think that anything fancy was needed. I think the handmade aesthetic has a lot of charm for that song and story. For Theo’s video, I wrote the story of him running around in all of these billboards first, and then had to work backwards as far as figuring out how to execute it. I’ve jumped headfirst into a lot of projects that way. Sometimes you can do it yourself (with the help of a lot of video tutorials), and other times its about networking, and finding the person who can do it for you. I’m just glad this one worked out! While carving out your career in the age of the Internet can be tricky because all of your work (since college) is on display and will always be there even if you try to take it down, I think it’s amazing that the fans can watch us improve with each project. And cheer us on when we succeed. 8- What are your upcoming projects? New collaborations with your sister Charlene Kaye?

I’m currently working on “Animal Love II” the darker twin song to “Animal Love I” (a song from Charlene Kaye’s album Animal Love – ed). It’s my favorite song on the album and feel the weight of responsibility on my shoulders do this video right!  After that, I’ll be doing a music video for Talkfine, Clark Baxtresser’s band (who you might recognize as the musical director of the Starkid Tours). Their music is amazing, and I’m really excited to start brainstorming!

Words: Melanie Bonvard ‏@melaniebonvard

Translation: Marine Delahay

Liann Kaye also directed music videos such as Human or Magnolia Wine by Charlene Kaye, the latter reminding us of Michael Gondry’s famous style. Take note of her collaboration with the band The Macpodz on their song The Truth.”

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Checkez mon interview de Liann Kaye, la soeur de Charlene Kaye, sur le site de uGene.fr.

Enjoy !

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Top of the Lake (2012), directed by Jane Campion

C’est un peu le film phénomène qui s’est fait le plus attendre sur le petit écran ces derniers mois. Casi-unanimes, les critiques en ont fait l’éloge, présentant cette oeuvre comme le film à ne pas manquer cette année alors que, notons-le, il s’agit d’un format conçu pour la télévision. Et les critiques n’ont pas été seuls à voir la série envahir leurs papiers journaux. Car si Jane Campion était côté jury cette fois-ci à Cannes, elle était bel et bien côté compétition artistique sur d’autres festivals et n’a donc pas manqué de faire, une fois de plus, parler d’elle. La Sundance a accueilli sa série Top Of The Lake en tant qu’ouverture de son festival. Grande première pour un programme télé dans cet événement devenu incontournable! Berlin et son prestigieux festival n’a également pas manqué de voir passer Campion. Bref, joli parcours pour Top Of The Lake. Mais une autre communauté reste à convaincre: les téléspectateurs. Les trois premiers épisodes de la série ont été diffusés sur Arte le 7 novembre dernier. Alors, le nouveau bébé de Campion vaut-il vraiment autant d’attention que l’a eu son époustouflante Leçon de Piano en 1993? Verdict.

Rien qu’à voir de loin l’aspect de la mini-série, la recette conçue pour donner naissance à Top Of The Lake ne peut que satisfaire un pro-admirateur de Jane Campion. Tout son art se dévoile déjà au pitch: dans un village néo-zélandais, une adolescente enceinte âgée de 12 ans tente de se suicider en s’immergeant dans un lac glacial. L’identité du géniteur reste un mystère, la petite refusant  de le dire. L’inspecteur Robin Griffin, va se charger de l’enquête en essayant difficilement de différer vie privée et vie professionnelle. La sexualité féminine, le point de vue féminin, le décor de la Nouvelle Zélande… Toute la « Campion touch » y est, indéniablement. Et c’est sans compter la présence d’Holly Hunter, l’incontournable et oscarisée Ada de La Leçon de Piano, ainsi que Genevieve Lemon dont on se rappelle notamment dans Sweetie. Bref, un véritable cocktail spécial Jane Campion! Et le plus plaisant c’est que même dans son fond, Campion a su rester fidèle à elle-même. Chaque personnage est important et touchant, jusqu’à l’agresseur sexuel qui a peur d’être de nouveau accusé. Comme toujours, Campion trouve un juste milieu entre féminité et féminisme. Car en abordant timidement le personnage d’Holly Hunter, on appréhende un chef de fil menant une troupe de femmes marginalisées, voulant se retirer d’une société qui ne les conviendrait pas et revendiquant un féminisme exacerbé et terriblement fatiguant. Mais ces femmes ne se plaignent de rien. Elles se contentent simplement et modestement d’un recueillement sur elles-même suite à des expériences personnelles qui les aurait affecté. Fort heureusement elles n’en sont donc pas à brûler leurs soutiens gorges ou réclamer une certaine condition de la femme dénuée de sens face à celle des hommes. Chacune avec leur faiblesses, agissent selon leurs envies, et ne répondent pas à une certaine doctrine que leur  « gourou » (Holly Hunter) leur aurait imposé.

Un « gourou » d’ailleurs interprété avec brio par Hunter qui fait face à une ribambelle d’acteurs tout aussi époustouflants qu’elle. Elisabeth Moss est poignante en inspecteur investi mais brisée par un passé douloureux. Il s’agit donc ici de personnages dépeints avec précision où rien n’est laissé au hasard. Et ce, aussi bien dans l’histoire que dans la mise en scène qui, elle aussi, est encore une fois propre à Jane Campion. Car le spectateur assiste à une contemplation prenante des montagnes néo-zélandaises. Il parait encore impossible, même au bout de trois épisodes, de se lasser des paysages somptueux que la réalisatrice nous offre dans ces longs plans aériens. Par ailleurs, la façon dont Campion filme les personnages rappelle inévitablement ses œuvres passées. Entre voyeurisme et fascination pour la vulnérabilité féminine, bien des plans filment timidement mais subtilement les protagonistes, comme si la caméra ne voulait pas les brusquer sans pour autant pouvoir éviter une forme de perversité dans son regard.

Si le premier épisode s’impose comme un pilote beaucoup plus concentré sur l’enquête et l’adolescente, les deux autres trouvent un juste milieu entre l’intrigue professionnelle et l’enjeu que cela a pour Robin. Petit à petit, le personnage principal se met à nu aussi bien psychologiquement que physiquement. Minutes après minutes, comme couche après couche, on en découvre davantage sur elle. Sans vulgarité aucune, c’est donc de façon totalement décomplexée, et comme à son habitude, que Jane Campion évoque les tourments et/ou plaisirs sexuels de ses personnages. Car Robin n’est pas la seule sur laquelle l’on peut se pencher précisément. La plupart des femmes retirées du village sont aussi émouvantes qu’elle dans leurs besoins et quête d’émancipation aussi bien charnelles que sentimentales.

Jane Campion marginalise l’être humain avec justesse, sans prétention aucune. Et si la devenue incontournable réalisatrice fait encore partie de ces rares metteurs en scène à prendre un temps monstre pour sortir un nouveau film, cela semble vraisemblablement pour s’appliquer davantage et rarement décevoir. Série à suivre donc, en espérant que les prochains épisodes à venir (le jeudi 14 novembre à 20h50 sur Arte) maintiennent ce rythme devenu de plus en plus vif.

Article par Mélanie Bonvard pour uGene.fr

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