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   Em 2018 Inui surgiu como aposta do impop, e depois ao pornopop, rapidamente a cantora atingiu hype no meio virtual com seu álbum de estreia, Egoistic, que embora interessante tenha seus defeitos quanto a mostrar o potencial da mesma. Todavia a situação e o caos toma forma em INFAME, segundo álbum da cantora. 

    Apesar da falta de divulgação e promoção, INFAME pode se sustentar como um álbum a si próprio. Rodeada a melancolia, INFAME é um disco que quebra os padrões entre a sensualidade e a destruição. É como se Gabi, Victoria Dyer e Venus James fizessem um disco colaborativo, e na verdade, esta definição faz todo sentido, isto porque as duas últimas estiveram presentes na criação do disco de Inui. 

Neste contexto, Inui é uma pessoa vazia imersa em seus próprios pensamentos, como se a própria criasse um submundo de seus próprios ideais. 

    Torna-se estranho pensar em como Inui fugiu totalmente de seu primeiro disco, e agora segue a linha total do 'dark'. Sâo em canções como Tears e Lucid Dreaming, que a cantora apresenta a faceta de que é capaz de apresentar lados obscuros, mas ao mesmo tempo, fantásticos e geniais. É um álbum lento, e igual nos dá a ilusão de que o tempo mais devagas quando o ouvimos, isto porque, as batidas extendidas e os vocais monótonos da cantora transmitem em 100% a sensação de que aos poucos, estamos caindo nesse caos e tristeza que a própria Inui criou. 

   INFAME é um disco que parece uma linha reta, cada faixa executada complementa a anterior, o que em muitos casos é arriscado, afinal, um disco tão homogêneo pode trazer problemas a um artista, mas no caso de INFAME, é perspicaz, porque foi construído da forma correta, não existem regras específicas nesse mundo insconsciente de Inui, mas existe a regra de que ele só acaba quando ela quer, visto isto em cortes bruscas nas faixas. Que poderia inclusive, parecer não profissional para um disco, mas, de fato, trazem a instância do caos ainda mais força.

    Muito mais do que polêmicas envolvendo seu nome, roubous ou disstracks, Inui trouxe um álbum genial e com o timing perfeito, tem a quantidade certa de faixas, de constância e até mesmo dos samples que vão dos vocais de Inês Brasil até uma voz mais rouca ao fundo.

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  Em 2014 o mundo virtual experienciava Zora Venka comandar as premiações e a crítica especializada com o seu disco "Teoria do Pornopop". O disco é de longe um dos mais conceituais e peculiares não só do pornopop mas do virtualmusic, isto porque é um disco que dedica-se não a explorar as façanhas e experiências que existam por trás do avatar, com base na vida real de quem comanda Zora Venka, mas da própria Zora Venka em si. Isto é, porque o disco explora quem é Zora Venka por si só e o que ela representava num mundo pixelado, seu anseio por ser um ser humano, com sentimentos e uma vida real normal, não uma figura que não tem sentimentos ou que é meramente utilizada para representar ideais que não sejam seus próprios. É uma obra complexa, e que destacou Zora Venka para sempre no mundo virtual pela genialidade única dele. Em 2019, 5 anos após o lançamento de "Teoria do Pornopop", uma nova cantora retrata novamente este ideal da máquina em busca de algo verdadeiro, esta é, Victoria Dyer. Dyer já era conhecida no mundo virtual, especialmente no simbook, por suas fotografias e produções musicais apenas instrumentais, tendo alguns EPs e discos com batidas sendo lançados, mas é no seu autointitulado que poderíamos ver de fato os riscos que a cantora gostaria de tomar. Utilizar a plataforma oddcast ou outras vozes virtual no virtualmusic criou um nicho específico de pessoas dedicadas a arte e que desde 2010 trabalham constantemente, um grande exemplo é a própria Virtual Academy que enaltece e apresenta pontos destes projetos que sempre chegam em nossos ouvidos. Todavia o universo de Dyer parece destoar do que é de fato virtualmusic, pois ela mesma pretende criar seus próprios caminhos e deixar de lado toda a base sólida do que já existe na música virtual. 

  Isso provavelmente deve acontecer porque Dyer em todo seu disco deixa claro sua personalidade mais "reclusa", mas isso fica suscetível e compreensível de o porquê, porque na realidade, assim como Zora Venka, Victoria Dyer não é nada mais do que um projeto artificializado com algum propósito. Zora Venka em teoria do pornopop era descrita como alguém que foi criada para expressar sentimentos a partir da música por outra pessoa. Já Dyer não deixa explícito qual de fato foi a razão de sua criação - afinal a mesma é um robô - mas pelas entrelinhas pode ser entendido que seus motivos originais eram muito mais obscuros e provavelmente terríveis do que o de Venka. 

  O álbum conta a trajetória da máquina em busca de sua própria e real identidade, ou ao menos de buscar quem de fato ela quer ser, ou até mesmo, o que ela realmente quer. Afinal, um robô não pode de fato saber o que quer, mas fica explícito que a rebeldia de Dyer a fez abandonar seu passado e buscar uma nova razão. Trata-se de um tema complicado, discos que apresentam a trajetória de um ser em busca de sua verdadeira essência ou de uma nova essência podem dar muito certo, quanto muito errado. Geralmente, constam como projetos tão intimistas que algumas vezes não condizem com o público, muito menos com o entedimento que os mesmos terão a este. No álbum de Dyer, este fator de falta de real adentrar ao universo já é explicitado na primeira faixa, Batismo Profano, uma canção bruta e sem grandes destaques, que também não nos deixam curiosos para acompanhar o projeto. 

  É claro que Dyer estava ciente que seu álbum poderia ser difícil de acompanhar, porque a cantora não tinha qualquer tipo de promoção maior ao projeto, não tinha um contrato a uma gravadora até o lançamento do álbum e não fez questão de divulgar massivamente. Ainda assim, o álbum tem detalhes e mais detalhes que compõe uma obra que, sim, tem um ideal complicado, e que muitas vezes carece de mais palavras em algumas músicas para entender o que é a Robô e o seu descobrir durante as faixas, mas Victoria consegue talvez contornar um pouco a sua própria ideia de que seu álbum busca o coração no meio de lata, e traz canções que, ouvidas soltas, são tão bonitas que soam como uma nova forma de música clássica.

  "Utopia" e "Tolos" devam ser, provavelmente, duas das melhores músicas lançadas em 2019. Porque fogem de qualquer outra que possa estar na lista junto. São músicas que deixam a marca de Dyer escancarada, e como ela funciona em seu processo de criação: Palavras simples, vocais lentos, batidas graduais e melancolia do início ao fim da música. Dyer compõe nessas duas faixas, e em outras do disco que se destacam também como "Doença" e "Máscaras" que ela, na verdade, cria projetos a um ritmo rápido e sem seguir uma linha própria, embora tenha uma ideia geral do que quer em sua mente, conceitualmente falando. Isto não é um erro, mas, se levarmos em conta que a ideia que a própria estabelece é tão complexa, talvez ela precise reorganizar melhor suas própias decisões de storyline para saber melhor como se guiar num futuro.

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 Se no mundo físico a música experimental não é totalmente explorado ou comum, então no virtualmusic esta se torna ainda mais rara e difícil de ser apreciada. Isto porque a música experimental, dito como o próprio nome sugere, não traz nada além do que grandes riscos para um artista, bem como, a subjetividade deste pode desencadear as mais diversas emoções aos ouvintes, incluindo as negativas.

 É fato que temos álbuns como Reverie [Venus James], Freak Disco [Beth Thunder] e Yemanyá [Vanessa Clark] no virtualmusic que correspondem ao termo de "Experimental" (vasto, que pode englobar de tudo), mas estes mesmos, são projetos que vão do 8 ou ao 80 quando questiona-se o apreço do público ao mesmo. Normalmente, projetos que vem em forma de mixtape ou simplesmente sem grandes expectativas comerciais, embora, nestes três casos, tenham funcionado bem quando a receptividade do público e da crítica.

 Carmim chegou no final de 2019 e logo lançou seu álbum de estreia ELETROPLASMA. Embora novata no pornopop, Carmim já tem uma trajetória longa do Impop, anteriormente conhecida como Tammi Dallas, que possuia a popular e aclamada trilogia de álbuns: Locomotiva, Pandemia, Cosmogonia; O primeiro, dado como um dos melhores da história da virtualmusic, e que levou prêmios de grande peso, incluindo alguns Radio Station Grammy Awards, premiação de maior importância do meio virtual. 

 A estratégia de abandonar a persona Tammi e toda a escuridão do universo de Locomotiva e seus sucessores, talvez tenha sido muito inteligente, embora arriscada. É fato que Tammi passou de uma das artistas desconhecidas a uma das mais aclamadas no impop, e abandonar a esta zona de conforto pode ser arriscado, mas interessante para ela. CARMIM, não busca mais mesclar o espaço sideral com o velho oeste, ou a epidemia de uma doença com uma distopia no século XX. Em Eletroplasma, Carmim constrói um cenário natural, mas ao mesmo tempo robótico, uma imagem orgânica mas também mecânica. É o contraste da natureza e dos avanços tecnológicos, em constante discrepância e guerra. Um formato interessante e consequentemente muito original, afinal, em um mundo onde artistas tentam a todo custo parecer conceituais mas acabam por cair em suas próprias metáforas, Carmim aborda uma imagem que, mesmo arriscada, torna-se madura e interessante.

 Todavia, nem só o visual e a história por trás das mitologias criadas sustentam um universo. Na verdade, este mesmo deva ser, ao mesmo tempo, o maior acerto e maior erro do disco. Isto porquê Carmim, em certos momentos do disco como se veem em Pluridimensional e SOLARIS, perde-se tanto em tentar trazer o subjetivo e o óbvio, que tudo torna-se uma bagunça. São canções que, embora acrescentam estéticamente ao universo, sonoramente, tornam-se cansativas e sufocantes. É óbvio que partes mais comerciais são necessárias para divulgar toda uma obra, e em Tons do Ar, Tons do Mar, Invisibilidade e Linhas Brancas, Carmim traz a tona os elementos e as músicas que possivelmente ficarão no repeat comparado a outras. O que torna-se irônico é que, embora estas, mais comerciais e de fácil consumo, são ao mesmo tempo muito mais profundas e interessantes que outras partes do disco que deveriam carregar a imagem mais difícil a ser digerida e complexa do álbum, já que estas, como antes mencionado, na verdade só tornaram-se muito bagunçadas.

 No final, Carmim dificilmente, em Eletroplasma, conseguiu superar Locomotiva ou Pandemia, álbuns que são grandes marcos, e que, inevitavelmente, sempre serão comparados quando ela divulgar um novo material. Não é um álbum ruim, mas também não é 100% um acerto, visto que o próprio ideal da cantora era de trazer algo experimental, mas que também pudesse ser consumido. Provavelmente, Carmim só quer explorar mais sua nova imagem e ver onde poderia chegar, buscando seu próprio conceito. Já ficou nítido que a cantora pode trazer grandes obras-primas, não esquecemos que a cantora participou de  Farsante no mais recente álbum de Beth Thunder e Inferno Pessoal presente em De Outro Mundo de Gabi. Não só nestas canções, mas em outras do próprio Eletroplasma, Carmim traz sim grandes obras-primas, todavia, se a própria cantora se perde em algumas partes de seu próprio universo, imagine aqueles que estão a ouvindo e também a tentar descobrir este universo.

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  Sair do simbook e ir para o virtualmusic não é novidade. Muitos artistas, vendo as limitações que a plataforma traz, acabam por apostar na música virtual para poder expressar de forma totalmente correta, aquilo que buscam. Desde Hilary Pink a Dulce Gagaturno, Emmy Leitão provavelmente é o maior e mais bem sucedido nome deste seleto grupo de artistas, e o seu primeiro álbum M explicita isso.

  Diferente das duas anteriormente mencionadas, Emmy não forçou uma personalidade que não condizia com algo que realmente parecesse interessante, ou que desse certo. Ao contrário, a cantora foi muito sagaz e inteligente, ao trazer o pornopop "raiz" de volta à tona, porém no formato mais atual que pudesse encaixar-se nos modos as quais a música virtual caminha.

    Se em 2012 Wanda e Jamaica definiam o que era a música pornopop, em 2019 Emmy talvez possa ser aquela que define alguns caminhos que a música com teor mais cômico segue. Ao contrário das veteranas, que apostavam em sons mais radiofônicos em suas músicas, Leitão apresenta em seu debut um formato mais eletrônico e repetitivo, o que traz ao disco uma nova roupagem da famosa "música de putaria", e não simplesmente uma copia do que já era feito antes, o que é muito importante já que em seu primeiro EP Garota Conceitual Emmy não conseguiu trazer a mesma originalidade.

  Ainda assim, um grande problema no disco sejam as "quebras". Embora versatilidade na música seja importante, e a abordagem de diversos tópicos possa funcionar em alguns casos, em outros isso pode não funcionar tão bem. Isto porque, quando se ouvimos seguidamente 6 faixas com teor totalmente explícito (salvo Má Influência, que, embora não seja totalmente explícita, ainda funciona na ordem) chegamos a Promessas e Hope, e com a simplória "Aborto" no meio, parece que Emmy criou uma confusão total, no final de seu disco. Não que, Promessas e Hope, sejam faixas ruins, em sua imagem total, elas funcionam, porém como singles separados.

  M foi a aposta de certeira de Emmy para iniciar sua carreira oficialmente no virtualmusic. O álbum não segue um conceito específico ou linha, mas isso não importa quando falamos de álbuns que possuem uma temática mais comercial como a cantora propôs em seu debut. O compilado é claramente um bom seguimento depois do seu primeiro EP, Garota Conceitual, que apresentava facetas mais brutas e sem grandes direções do que Leitão, ou Jhonpson naquelas época, queria fazer. Todavia, existem falhas, já anteriormente mencionadas, e que não funcionaram totalmente na proposta, mas que também podem ser exemplos de como a cantora pode seguir em seus próximos projetos e não cometer os mesmos erros.

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  Sara se consagrou no meio virtual por tornar-se uma artista sempre envolvida em polêmicas. Desde as considerações se de fato era uma artista de verdade em Íntimo, por não produzir seus materiais, ao assombroso 58 e a nota da Virtual Academy em Súbita Afeição, no qual pela recepção da mesma a fez viver em reclusão, até se perder totalmente em Volúpia e não conseguir trazer de fato uma resposta à altura para as críticas. O quarto álbum de estúdio, Encounter, chega com uma nova proposta.

  Se em "Volúpia", Sara buscava mostrar uma faceta mais madura quanto ao anterior e critica, Súbita Afeição, em Encounter - como a própria sugere - Sara busca encontrar a si mesma, e desbravar, de forma saudável, quem ela de fato é. Mas quem é de fato Sara? A própria se questiona o mesmo, já na primeira faixa do disco, o que dá ao ouvinte um status de igualdade a ela, afinal, até hoje foi difícil saber quem de fato a cantora é, pois seus álbuns anteriores, ou não mostram de fato quem ela é pois não tiveram seu envolvimento (Íntimo) ou simplesmente falham em mostrar o potencial dela (Súbita Afeição e Volúpia). E já fica aqui o disclaimer, Encounter não é um álbum emocionante ou cheio de surpresas, não por não ser um álbum de autodescobrimento, mas simplesmente porque a atmosfera criada é muito homogênea e sem nenhuma mudança brusca.

  Entendendo o que Sara quer alcançar, fica claro que Encounter é um álbum que não irá sair da zona de conforto a partir do momento que Sara descobre que zona é essa, e já no início do material, já fica claro tudo o que virá a seguir. Torna-se, então, um álbum previsível da primeira a última faixa. Este fator, pode ser tanto negativo quanto positivo, tudo varia de como o artista pode abordar esta metodologia. E, no caso de Sara, o fator torna-se um meio termo. 

  A voz lenta de Sara pelas faixas apresenta como a cantora resolveu entrar em um "modo zen" e não quer sair deste caminho, como visto em faixas como É o Suficiente, Única e Algo para Acreditar. Canções que, bem trabalhadas e criadas, trazem um clima interessante, único e novo para Sara. Todavia, seriam estas faixas e outras sobseguintes, dignas o suficientes para provar quem de fato ela é? Torna-se um formato muito superficial, diferente do que Sara quis abordar no álbum, buscando uma profundidade a qual não conseguiu alcançar.

  No final, Encounter não é um álbum ruim, em fato, é o trabalho mais consistente de Sara. Consistente porque traz uma beleza e uma face nova à ela, consistente porque teve participação ativa da cantora no álbum e isso fica nítido, ela mesma não precisa dizer ou provar e consistente porque é linear, diferente do antecessor, Volúpia. Ainda assim, o álbum não responde a pergunta de quem é Sara, talvez porque uma pessoa vive em constante mudança, e buscar a si mesmo, é um ato falho, pois em questão de dias, uma pessoa pode mudar. Mas também é falho porque a própria Sara não aborda tão profundamente, ou explora de forma condizente quem ela é. É compreensível que, após a experiência traumática com Súbita Afeição e a melancolia que foi vivída durante a produção de Encounter, Sara não quisesse expor-se tanto assim ou buscar algo mais real do que ela pensasse viver, mas para um projeto que deveria ser a reinvenção fantástica da cantora, o projeto não cumpre com seu papel.

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  Desde sua estreia com The Eletric Pussy EP, Venus James tem construído uma carreira única no mundo virtual. Quando falamos do virtualmusic, este universo tem muitas armadilhas quanto a criação de um projeto, pois, como já visto em outras reviews aqui da V.A., não basta apenas criar um bom álbum, mas saber moldar bem e ter um árduo trabalho de personalidade. Existem cantores que, embora muito tenham lançado grandes trabalhos, só obtiveram seu reconhecimento devido após investirem mais numa personalidade fora do "apenas fazer música boa", um grande exemplo é Katrina Prada que levou 5 álbuns após finalmente consolidar-se como uma das maiores artitas pornopop, com Re Li Gi:ON. Mas engana-se quem pensa que Venus James nunca teve um destaque no impop ou até mesmo no virtualmusic, pelo contrário, desde sua estreia no cenário, James tem ido, aos poucos, estabelecendo seu patamar como cantora. E para ela este processo foi longo, visto que apenas agora em seu terceiro álbum, que finalmente podemos ver quem de fato ela é. 

  Isto porque o impop é uma plataforma que ainda hoje, não é bem vista. Poucos casos nesta plataforma obtiveram reconhecimento instântaneo e seu mérito estabelecido. Provavelmente, Kelly Marina seja o único nome possível, visto que já em seu debut a cantora se estabeleceu. Venus, teve uma trajetória interessante na plataforma, isto porque com seu primeiro ep e álbum, Chroma, não obteve grande sucesso. Mas tudo mudou com Exodus, que teve um leve barulho, principalmente com o clipe tardio do hit Pose. Ainda assim, o disco, já avaliado na V.A., teve grande sucesso da crítica sendo um dos mais aclamados de 2017. Todavia, o disco ainda questionava-nos quem era afinal Venus James e o que mais poderíamos esperar dela. 

  Em Reverie podemos finalmente entender quem James é. Numa peculiaridade intensa, Reverie apresenta um universo que pode ser descrito como a própria mente de Venus James. É a mistura dos devaneios e visões do que a cantora vive e experienciou. Talvez "Async" seja a música mais descritiva de todo o álbum, na faixa, a cantora relata como tudo está "desincronizado", fora de órbita e caótico. O álbum em si é um caos total, um grande caos, é uma mistura de emoções retratadas por seus antônimos. E Venus aceita essa negatividade. Não só aceita, como a torna algo para si. Nem ela mesma sabe quem é mais, em algumas faixas, Venus fala de uma terceira pessoa, mas pela análise a que fizemos, fica subentendido que todo o disco Venus fala sempre de si mesma.

  O disco busca trazer a nostalgia de quem uma pessoa era, e quem ela poderá ser, são duas ideias totalmente opostas, mas que ainda seguem uma linha do tempo, e aí está o caos de tudo. Isto porque, no passado, vive-se a vida de uma forma, e no futuro, quem poderá saber? É como se não existisse a ideia de "presente" em Reverie, mas apenas um largo salto em passado e futuro, e então toda a confusão se cria no meio dessa situação. Ainda usando "Async" como referência, podemos descrever onde está toda a falha e acerto, do que o universo de Reverie significa: "Mas olhe ao seu redor e veja, talvez haja beleza na escuridão".

  E é em busca da beleza no que não seja tão bonito, a voz ríspida e melancólica de James em batidas repetitivas com elementos e instrumentos clássicos, transforma toda a desordem e caos de Reverie não só em um projeto consistente, mas também delicado e preciso, como provado em canções como Unfold, Herói (Reprise) & Tábula Rasa.

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   Gabi pela primeira vez quebra suas próprias regras. Conhecida por trazer sempre dois álbuns por ano, em 2019 “Hourglass” e “De Outro Mundo” foram apresentados. Normalmente, Gabi sempre traz um álbum incrível no primeiro semestre e depois o segundo relato não tão interessante assim, como foi com o lançamento de Skin respectivo depois a Shadows, ou de ZERO e depois Sex Appeal. Em 2019 Gabi repetiu o efeito, lançando o aclamado “Hourglass” e o não tão interessante “De Outro Mundo”. Mas como tudo se tornaria lançando-se um terceiro álbum no mesmo ano?

   E é então que chegamos ao Light+Darkness, o que era para ser, a princípio, um EP de Halloween tornou-se um álbum completo, o que o torna então o 22ª álbum de sua carreira. Abrindo pela faixa título, o Gabi descreve repetitivamente que está conflituosa se deve seguir os lados das trevas ou da luz. É óbvio que já imaginamos o que Gabi fará levando em conta a temática já considerada do álbum, mas a faixa torna-se monótona levando em conta a repetição das mesmas frases por várias vezes, o que poderia funcionar se fosse uma canção mais pop, mas pela instrumental synthwave torna-se algo destoante e que poderia ser encurtado e transformado apenas em uma intro. Apesar deste começo não tão bom, a segunda faixa do projeto então nos leva para razões que nos possam fazer melhor apreciá-lo, em “Eternal Revenge” Gabi apresenta sua visão sobre alguém que obcecada pela mesma, vive mentindo ou contando falsas histórias para que tornem a cantora como alguém ruim. De longe uma das melhores do disco, que provavelmente cita e referencia as recentes polêmicas que Gabi esteve envolvida no oddcast, o que é interessante considerando que a cantora normalmente não se pronuncia sobre estas situações.

   Mas nem tudo são flores e já na terceira faixa, Gabi novamente traz uma faixa que poderia facilmente ser removida do disco, “Voltando do Além” é simplesmente uma música tão desconexa que passa facilmente despercebida pelos ouvintes, não é uma música que acrescenta em muito ao projeto, apesar de ter sido o primeiro single e também sua carga emocional de “voltar dos mortos”. Essa faixa retoma os erros da faixa título, que pela repetição e desconexão da instrumental parecem não fazer sentido nenhum.

  Felizmente, daqui para frente, Gabi consegue não trazer erros tão grandes. As músicas tornam-se interessantes e comerciais, interessantes e de se ouvir. Em canções como “Karma é uma Vadia”, “Transylvania Love” e “Stigmata”, Gabi traz canções que poderiam ter funcionado melhor como lead-singles para o disco, mais comerciais e que não pareceriam completamente monótonos.

   É com Darkest Nights, Criatura da Noite e Dança dos Mortos que Gabi consegue então encerrar de forma incrível o álbum. É nítido que em Light+Darkness, Gabi não quis seguir uma storyline ou algum tipo de linha temporal concreta para cria-lo, trata-se de um álbum comercial e para ouvir sem pensar muito em mensagens subliminares ou grandes conceitos e metáforas. O que não é um erro, e no caso do álbum, funcionou muito bem, afinal é o tipo de disco que, facilmente duas ou três faixas podem ser puladas, mas as outras ficariam em repeat por longas semanas para os ouvintes do disco. No final de tudo, o terceiro relato, neste caso, funcionou mesmo tendo canções que não precisariam lá estar e Gabi conseguiu, se recuperar de seu último disco que não funcionou assim tão bem e interessante quanto talvez devesse. Certamente!

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    Celebrando então seu ciclo de dois álbuns por ano, no segundo semestre de 2019, após o poderoso Hourglass, Gabi retorna com “De Outro Mundo”. Não é de hoje que sabemos que Gabi não se da muito bem quando traz um álbum mais comercial, como quando lançou Rich Bitch e Sex Appeal, esses, que inclusive, parecem continuações um do outro. E parece que “De Outro Mundo” trata-se do terceiro capítulo de Rich Bitch.

   Mais uma vez, quando tenta fazer um álbum mais despojado, Gabi erra. “De Outro Mundo” trata-se de um álbum que, apesar de não tão ruim quanto Rich Bitch ou tão estranho e quebrado como Sex Appeal, não tem grandes destaques ou momentos de diversão.

    É um disco em que parece que o foco da cantora era inovar suas habilidades como produtora, o que de fato, ocorreu, levando em conta que suas produções estão melhores do que nunca. Todavia, as letras do disco parecem tão desconexas e estranhas que nem as produções salvam canções tão chatas e longas como “Algo para Lembrar”, “Garganta Profunda” e “Congelada”.

   Apesar disso, em “Inferno Pessoal” (ápice do disco) e “Arrombada”, Gabi consegue trazer músicas mais divertidas e que podem de alguma forma salvar os erros das outras faixas, talvez se o CD fosse apenas um EP, tudo seria mais simples e sem soar tão extenso e desconexo.

  É claro que “De Outro Mundo” não é álbum preocupado em conceito ou idealização como em outros discos de Gabi, mas a cantora talvez devesse ter mais cuidado com o que vai entregar já que por muitas vezes parece não se preocupar muito se está focando demais em uma coisa só e escrevendo qualquer coisa apenas para preencher a música que fará parte do disco.

   Me pergunto muitas vezes porque Gabi não manteve o disco “O Mundo é Meu” que acabou depois sendo doado para Gina Blair. Um disco que facilmente substitui Rich Bitch, Sex Appeal e De Outro Mundo como um álbum comercial e despojado e que de fato faria provar, afinal de contas, que Gabi consegue falar também de putaria. Talvez ela esteja tão acostumada a escrever letras profundas ou com um conteúdo lírico, que para lançar algo mais superficial como dupla penetração ou garganta profunda tenha se tornado uma tarefa árdua.

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   O universo de Project Chaos/CULTURA. foi uma era polêmica para Gabi. Com ele, surgiu o questionamento de até que ponto, de fato, Gabi sabia o que estava fazendo.

     É inegável que Skin, Angelique, Brincando de Bonecas, ZERO e Intimate Nights sejam grandes marcos da cultura oddcast. É difícil, marcar com seus relatos, como Gabi o fez. A cantora já lançava as ditas “músicas conceituais” quando isso ainda não era muito comum, ou aceito, no pornopop. Mas engana-se quem pensa que Gabi só sabe cantar sobre dor e sofrimento, não podemos esquecer que Gabi tem canções como Taxi (Eu estou me sentindo uma puta; Pise no acelerador, segure na direção) ou Infinita (Desde cedo sentia atrações estranhas; Por pessoas do mesmo sexo), de fato torna-se questionável se Gabi merece ser dada como uma artista de grande relevância no oddcast quando temos então canções  como essas em seu catálogo.

    Então a cantora traz Hourglass, uma clara e óbvia resposta contra todos aqueles que questionavam se de fato ela era ou não boa. O disco apresenta diversas canções sobre a persona de Gabi, que mais uma vez foi descontruída, afinal, após 20 álbuns, só existe a possibilidade de se construir para depois quebrar a quem você mesma é, afinal, Gabi já foi uma garota rica e mimada (Rich Bitch), uma caçadora de vampiros (Angelique) e até um ser metade humano metade robô (Project: CHAOS). Em Hourglass, todavia, não existe um personagem tão complexo que torne-se difícil de se identificar, ou que pareça demasiado fantasioso, temos ali uma mulher adulta que apenas relata sua vida através de versos e rimas mais suaves.

   Em Hourglass, Gabi parece aproveitar melhor o tempo, ela não soa tão desesperada para atingir seus objetivos, mas ainda os anseia, o que talvez mostre o que é deixar de ser um adolescente para enfim tornar-se um adulto. Na faixa título do disco, Caçadoras e Deja Vu, o conceito de que Gabi não quer parecer uma pessoa obcecada por ter algo ou alguém, mas ao mesmo tempo não quer estar estagnada no mesmo lugar, ficam nítidos.

   Obviamente, nem tudo é sempre perfeito e fillers sempre existem, Antropologia e Não Durma, parecem destoar do que de fato é o universo de Hourglass. Talvez Gabi precisasse trabalhar melhor nestas faixas que parecem estar tão desconexas dos seus projetos. Já que não é de hoje que isso ocorre, não esquecemos que em ZERO, sua grande obra-prima, a faixa “Nevoeiro” aparece no meio do disco.

    Finalmente, Hourglass então prova que Gabi comete sim deslizes em seus álbuns, e naqueles ditos cujos como suas grandes obras primas, mas isso não quer dizer que ela não seja uma das maiores artistas do oddcast. Hourglass tem poder para as vendas ao mesmo tempo que não perde sua essência, o que o torna então um álbum pop muito gostoso de se ouvir.

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   Quando eu vi pela primeira vez o clipe de Pamella Frederico, Corotinho, eu sabia que ela poderia chegar bem longe e ganhar bastante hype. Eu estava certa afinal, a cantora se tornou um grande nome do impop com diversos hits e muito sucesso. Apesar de aclamada pelo público do IMVU, Pamella não agradou em nada a crítica especializada. Tendo About to Explode considerado um dos piores álbuns do ano passado e diversas críticas negativas a seu nome, Pamella deixou um espaço vago no mundo nos fazendo refletir se ela poderia trazer um material mais interessante em seu retorno.

   Retorno esse nomeado como MORAL. O segundo álbum de estúdio de Pamella Frederico, que é claramente uma versão “impopzada” do disco “reputation” da cantora norte-americana Taylor Swift. As referências a Taylor são tantas que me deixaram um pouco chateada quando fui ouvir o CD. Quando se fala de oddcast music existe um grande problema dentro da comunidade que é a originalidade. Principalmente quando se fala de novatos, que normalmente copiam descaradamente algum artista real. Ficou claro desde a divulgação do álbum até  o lead single que o CD não era nada original. Infelizmente, Pamella já está em seu segundo álbum e com certeza copiar descaradamente Taylor Swift não era exatamente o que queríamos.

   A artista declarou publicamente que o álbum é uma crítica a sociedade e suas feridas, mas é difícil lembrar-se sempre desse fator tendo em vista que a primeira faixa do CD bem como todo o visual da era é claramente um shade e uma amostra de que a cantora está com muita raiva das polêmicas que alcançou em um curtíssimo espaço de tempo. Soa realmente o tipo de álbum que não queríamos ver de Pamella, pois por mais que a cantora declare que “Não liga para as críticas e polêmicas que se envolveu” parece que de fato ela realmente liga para tudo isso ainda mais fazendo um cd em que na capa do material incluí escrito todas essas polêmicas que se envolveu, incluindo até mesmo a nota dada por nós da VA a seu disco debut, não só isso como também outras críticas negativas.

   Esse fator me questionou como isso é um tanto prepotente. Pamella é uma artista com pouca bagagem de Oddcast e achar ruim que tenha tido diversas críticas negativas é no mínimo, egoísta. É difícil um novato ser rapidamente aclamado por todos, e normalmente aquele que acha ruim ser criticado não acaba bem, como exemplo as cantoras Louanna Grenade, Sara e Grétin Spears que por um longo tempo não foram mais levadas a sério pelos outros e sofreram as consequências de sua prepotência (a primeira inclusive continua não sendo levada a sério e já tem uma imagem muito ridicularizada por todo o oddcast). 

  Pamella pode não ter deixado publica sua indignação por ser dada como uma artista de mediana para ruim, mas mesmo nas entrelinhas provou que não ficou satisfeita com isso, e por mais que ninguém goste de críticas negativas, são elas as necessárias para que uma artista cresça e ser aperfeiçoe. Daqui então, a imagem de MORAL me parece cada vez mais e mais distante do conceito de “tocar nas feridas da sociedade“ para “eu estou tão brava que todos me taxaram de ruim que eu vou espalhar para o mundo como eu odeio todos vocês“, por mais que essa não tenha sido a intenção da cantora.

  Ainda assim nem tudo fica tão perdido, Pamella soube por exemplo nessa era nova trazer instrumentais mais originais e marcantes, além de se mostrar mais versátil quanto a conteúdo comparado ao anterior. Em músicas como “Luzes” e “Uma das Sete Maravilhas” vemos como Pamella realmente tem um grande potencial, mas precisa saber trabalhar melhor, talvez arrumar uma equipe competente para guia-la e administrar melhor sua carreira.

  Infelizmente, Pamella trouxe um álbum completamente mediano. Ele é de fato melhor que About to Explode, mas também esse não é um fator muito complicado levando em conta como este último é tão ruim. O problema talvez não esteja propriamente em Pamella e sim na imagem forçada que ela quer mostrar ao mundo de garota patricinha e naja que não liga para nada, quando fica evidente que essa não é a pessoa que ela é. Não só isso, a parte técnica também é um empecilho enorme para a artista levando em conta como sua composição ainda precisa evoluir e sua produção é muito malfeita. Nos resta apenas esperar que em um próximo relato, Pamella seja mais sincera e com menos vontade de forçar uma imagem no mundo virtual que ela meramente copiou de uma artista real.

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  Gabi é definitivamente a maior e mais relevante artista do Oddcast. Quando pensamos na cantora as opiniões se divergem rapidamente, enquanto por uns a cantora é lembrada por alguns de seus álbuns que são completamente descartáveis e monótonos, por outros ela é lembrada pela grande excelência, conteúdo e versatilidade de seus materiais. E de fato, apesar da cantora ter em sua carreira discos como Rich Bitch e Sex Appeal, ela é a mesma que apresentou ao mundo ZERO, Skin, Angelique e Intimate Nights. Em seu mais recente álbum, Project: Chaos, Gabi apresenta novamente uma nova visão de mundo, agora mais crítica e distópica do que nunca.

 De início pode parecer difícil ouvir o álbum da cantora, e até de leva-lo a sério. Como alguém que teve hits como Geminiana e Rich Bitch pode fazer um álbum criticando o comportamento da sociedade? Soa hipócrita a primeira vista, mas basta lembrar de quem falamos: Gabi, uma artista que já fez de tudo dentro do oddcast e que por mais fúteis alguns temas que ela já tenha tratado, alguns outros mais sérios como a Homossexualidade (Magnetismo), o relacionamento abusivo (Brincando de Bonecas) e o suicídio (Shadows) já haviam sido experimentados antes. Levando por este lado, fica mais fácil de entender a nova Gabi de Project Chaos, porém engana-se quem pensa que o álbum é simples de se ouvir e compreende-lo.

  Na verdade, eu classificaria o disco como um episódio de Black Mirror, que assim como no seriado, é difícil de digerir e entender a percepção por trás dele. Por mais que Gabi pareça não querer se aventurar no mundo da crítica e questionamento, eu afirmo que ela tem sim potencial para tal e a mesma deveria se aproveitar mais desses tópicos, ainda mais em um mundo atual que é cobrado de nossos ídolos um posicionamento a tudo.

  Em Project Chaos, Gabi assume uma identidade contemporânea, mostrando como a mecanização do ser humano destrói aos poucos a relações interpessoais e o que torna os humanos tão humanos: Os sentimentos. Eu não imagino que precise me aprofundar nas letras ou produções do disco, já sabemos que Gabi é excelente nesses dois aspectos. Embora o tema que Gabi escolheu por outra vista, é tão genial e ao mesmo tempo, tão óbvio, que torna Project Chaos um disco que passa longe do básico.

   Gabi mescla o óbvio e até o complexo, juntando relacionamentos frustrados e a tecnologia a teoria do caos e a religião para criar um universo em que não existem regras, mas as pessoas criam regras a si próprias para evitar suas próprias frustrações, mas no final do dia, elas próprias se destroem utilizando ideologias e tecnologias para se esconder do mundo em que vivemos.

  É um álbum extremamente pessimista, e Gabi não poupou dessa arma para representa-lo, e é na faixa “O Caos faz Parte de Mim” que mostra como a própria Gabi, que crítica o mundo a sua volta, sofre e é atingida das consequências deste mesmo mundo.

  Eu precisei ouvir o disco pelo menos três vezes repetidas para afinal conseguir escrever essa resenha e acho que ainda assim não atingi a totalidade complexa desse projeto novo de Gabi. A cantora trouxe seu álbum mais difícil de digerir em toda sua carreira, as falhas do disco são poucas, a ordem de faixas e acrescentar uma faixa desconexa de um projeto antigo no CD quebram um pouco a linha de Chaos, ainda assim em cada faixa nos pegamos pensando afinal “O que é esse mundo em que vivemos? E no que estamos o transformando?”. Com Gabi no comando dessa curta jornada, só temos a parabeniza-la por mais uma vez superar a si mesma e mostrar que suas aventuras e descobertas ao mundo são mais complexas e interessantes do que nós imaginamos.

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 Depois de um longo hiatus, Maicow Reveley que conquistou o pornopop com suas músicas toscas mesclando a prostituição e temas gerais a uma figura caricaturada do cantor Michael Jackson, trouxe seu retorno, nada triunfal, diga-se de passagem, ao mundo oddcast com “Genderfluid”.

 Reveley ficou conhecido pela sua imagem trash em seu primeiro EP, Mitologicow, que mesmo não sendo o melhor material do oddcastmusic, ainda assim tem seu destaque principalmente pela personalidade do cantor que foi o ponto ápice deste para sua criação.  Apesar disso, em Genderfluid nós só ouvimos um compilado de faixas sem noção e de extremo mal gosto que nos faz repensar se Maicow queria fazer qualquer coisa as pressas para ser indicado ao Pornogrammy novamente como já tinha feito anteriormente.

 É difícil definir afinal um conceito para o disco. Assim como no primeiro, nesse aqui também não existe um conceito. E talvez este fator nem seja assim um grande problema afinal Maicow Reveley já deixou explícito que não produz um disco pensando em um conceito ou uma linha, ele apenas segue diversas direções mas sempre se guiando em três aspectos: O deboche, a pornografia e o conteúdo sem noção. O problema maior deste fator é que até fica engraçado se você faz um EP de 4 faixas como foi no caso de Mitologicow, mas forçar isso em um full lenght album falando praticamente toda hora que foi para a China da Cuba Atlântica da África do Sul ou que vai militar e fazer textão no facebook soa tão forçado que ele queria parecer engraçado e debochado, que é nítido já na terceira faixa que qualquer um que estiver ouvindo o disco estará com sono.

  Focando nas letras do álbum, percebemos como Maicow Reveley se apropriou de diversos memes recentes para criar pelo menos metade dos temas de suas músicas (Ativista de Telão, Chernoby, Genderfluid, Airlines). Não só isso, fica nítido que as letras do álbum não foram nada pensadas, se em Mitologicow as letras eram engraçadas e nos faziam dar boas risadas, em Genderfluid fica evidente como rimas que não tem nexo e nem são engraçadas foram introduzidas de qualquer forma e daquele jeito ficou. A sonoridade, não muito definida, vai do pop eletrônico e focando-se principalmente no deep house e no voguing. Por mais que deep house seja um estilo que facilmente agrada qualquer um, para Maicow Reveley soa tão desconexo que eu me pergunto afinal o que ele queria roubando instrumentais da Azealia Banks. A produção do disco com certeza é o maior destaque de como tudo no disco é péssimo, vocais estourados e completamente fora do eixo, com o pitch que a voz de Maicow tem, força ainda mais o ouvinte a abaixar o volume para evitar que fique surdo.

   No final de tudo Genderfluid é o típico álbum que passará batido para todo mundo. Por mais que o nome do artista seja até forte no mundo virtual, com um desastre desse será necessário diversos álbuns de Jazz para limpar a imagem de um disco tão mal feito como esse realmente possa ter sido entregue ao mundo.