Albéric Davet - Rédacteur en chef / Journaliste

Tumblr regroupant les articles et les interviews d'Albéric Davet pour le magazine Be Street, Cinktank, etc.

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PEOPLE JUST DO NOTHING : MODERN FAMILY EN BIEN

En bon gros fan de l'émission Strip-tease, je suis fasciné par la vie perfectible des autres surtout quand elle est condensée en quelques images. Ces documentaires, montés donc artificiels, jouent plus ou moins ouvertement avec le pathétique et le vide des existences (toutes les existences). Qu'importe leur caractère “réel” ou leur portée sociologique ou culturelle, il s'agit – si on est un brin honnête - de divertissement pur et dur. Les “mockumentaries” fonctionnent sur le même principe mais en faisant tomber les barrières qui existent entre le réel et la fiction. En jouant avec les codes, ils donnent du poids et de la chair à l'écriture des intrigues et des personnages, et font voler en éclat les poncifs du genre. People just do nothing est une série méchamment efficace et drôle qui nous entraine dans le quotidien foireux de perdants qui dirigent une radio pirate dans un petit bled anglais. Derrière le prétexte du documentaire sur une sous-sous-culture et la non épopée de Kurupt FM, les histoires bancales de personnages qui tentent maladroitement de vivre et de connaître le succès. VERS LE COIN DE LA RUE ET PAS TROP AU-DELÀ

Si avant la violence, il y a bien un trait commun à toutes les “banlieues” qu'importe le pays, c'est bien l'ennui. Dans les déserts urbains, il n'y a rien à faire et les perspectives pour s'arracher à cette routine ne sont pas légions. Le UK garage – dont le grime est le dérivé - est une facette purement british du hip hop (comprendre issus des quartiers pauvres). Créé avant qu'internet ne devienne cet accélérateur incroyable de carrière pour tous les artistes, son expansion s'est faite à travers les radios pirates. Des générations entières d'adolescents anglais ont rêvé de devenir les prochaines stars de ce mouvement underground et s'y sont lancées pour le meilleur et pour le pire. People just do nothing se focalise sur cette classe populaire qui a fantasmé le succès dans sa définition la plus brute et caricaturale. Le mode d'emploi n'existant pas pour réussir, nos personnages se bricolent des existences meilleures avec les moyens du bord. Le résultat est bancal. Les échecs, récurrents. Mais chaque petite victoire – même en demi-teinte – les encouragent dans leurs choix discutables de vie. Cette non-aventure artistique est le prétexte parfait pour apprendre à les connaître, se moquer d'eux mais surtout s'y attacher.

MOCKUMENTARY DU NÉANT ET SA RICHESSE

Malgré son esthétique très “docu de société”, la série est taillée uniquement pour nous faire marrer et puise sans s'en cacher dans les classiques du genre. Il y a du The Office, du Spinal Tap, du Curb Your Enthusiasm, du Peep Show ou du Ali G dans son écriture. Mais Asim Chaudhry et Allan Mustafa – les deux créateurs et acteurs principaux – font la différence en prenant un malin plaisir à utiliser leur background respectif. Ils ont été ou ont côtoyé les personnages qu'ils dépeignent. En les décrivant et en les jouant, ils se les remémorent avec beaucoup d'amour et de nostalgie. Autre influence majeure qui aide à comprendre la genèse du projet, le documentaire “Tower Block Dreams”. Tout est déjà là. La réalité baise même la fiction à bien des égards et offre une base exceptionnelle pour une comédie. Choisir la forme du mockumentary fait sens pour des raison économiques et pratiques évidentes, surtout pour une série destinée à la base à Youtube. Son deuxième avantage réside dans les possibilités qu'elle offre en matière de ressorts comiques. Le décalage entre la réalité et le point de vue forcément subjectif des personnages vient souligner le ridicule de chaque situation. Retranscrire de tels flottements via une sitcom classique est impossible ou sonnerait faux. L'équipe télé qui les suit fait office de témoin mais explique aussi l'attitude exagérée du crew qui veut faire bonne figure et ressembler à ses groupes de rap favoris. Les rapides coups d'oeil à la caméra, les silences gênés, les commentaires débiles... il y a une richesse infinie dans ce vrai faux rapport. Quand Modern Family se contente d'user des codes du mockumentary pour rafraichir les schémas vus et revus du sitcom, People just do nothing les transcende sans en faire des tonnes ou en tirer une morale. L'humour anglais – moins millimétré que l'américain – finit d'enfoncer le clou. C'est imparable.

RIRE ET S'EN FOUTRE

Dernièrement, la télévision a vu l'arrivée de comédies toujours plus riches et complexes. Pour les réalisateurs et scénaristes, il ne s'agit plus seulement de faire rire mais aussi de refléter notre époque et ses problématiques. Transparent ou Master of none sont de vraies réussites mais donnent l'impression que “faire rire” pour “faire rire” ne suffit plus et qu'il faut absolument faire réfléchir le spectateur (au même titre qu'éduquer les enfants avec les dessins animés). People just do nothing vient compléter de la plus “stupide” des manières l'offre en matière de séries et surclasse - en à peine trois saisons - la plupart des grosses productions actuelles trop portées sur les bons sentiments. Pour ceux qui auraient vraiment besoin de se rassurer en riant “intelligent” ou qui culpabiliseraient de se moquer gratuitement, vous pouvez toujours vous convaincre qu'il s'agit d'une “comédie humaine et sociétale sur la classe populaire anglaise” (un peu comme avec Strip-tease). Ou vous branler un coup. Ça marche aussi.

Cinktank.com

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WESTWORLD : UNE GROSSE MACHINE QUI TOURNE À VIDE ?

Après les échecs critiques et commerciaux du deuxième chapitre de True Detective et du calamiteux Vinyl annulé après une seule saison, la chaîne HBO s’est mise à flipper. Comment remplacer Game of Thrones – cette bonne grosse vache à sang – après son ultime saison ? Pas facile surtout que le marché est saturé de bonnes séries signées par la concurrence. Dans la grande tradition de la maison, la stratégie choisie a été celle du all‑in avec un projet ambitieux à 100 millions de dollars. Ambitieux financièrement, mais cadenassé artistiquement. Pas de prise de risques pour la chaine qui a choisi de partir sur un reboot d’un film de 1973, le pas mémorable “Westworld”.

Qui dit reboot SF, dit forcément J.J Abrams. Le réalisateur et producteur est devenu – comme l’a très bien résumé South Park dans sa dernière saison – le spécialiste pour remixer cinématographiquement les classiques du genre ou LA caution à avoir si on a peu ou pas d’idées neuves. Comme Pharrell avec absolument tout ce qui est vendable, il est devenu le mec à “namedropper” pour le grand public. Histoire de bétonner la crédibilité de la série, d’autres grands noms – devant et derrière la caméra – sont venus grossir les rangs (en vrac, Jonathan Nolan, Ed Harris, Anthony Hopkins ou encore Jimmi Simpson).

Finement présentée comme “le nouveau Game of Thrones” dans une campagne de teasing bourrine (autant y aller à fond, qu’importe si elle n’a absolument rien à voir), Westworld se devait d'être la sensation de cette rentrée et la planche de salut de HBO. Pari raté.

JURASSIC PARK AVEC DES ROBOTS À STETSONS ET DES PUTES

Un parc d’attraction qui part en couille, forcément, on pense à Jurassic Park. Les dinosaures ont beau avoir été remplacés par des robots cowboys et l’histoire se dérouler dans un futur proche, le sentiment de “déjà vu” ne se dissipe qu’avec difficulté et pas seulement à ce niveau. La chaîne a mis pourtant les petits plats dans les grands pour qu’on oublie le manque d’originalité. Scénario maitrisé à mort, images superbes et scènes choquantes à la HBO (du sang et du cul), la série fonctionne dès les premières minutes. Il faut dire que le pilote va droit au but et pose presque sans ménagement toutes les bases de l’histoire. On nous prend par la main pour ne pas nous perdre en chemin. Problème : on se fout très vite du destin des personnages !

Voir des automates perfectionnés et doués de sentiments tués par quelques visiteurs fortunés et possiblement leurs créateurs dans un Far West recréé paraît anecdotique et trop série B pour qu’on s’y intéresse à fond. Le ton HBO horriblement austère et froid n’aide pas et crée même un décalage presque fatal. Avec ses questions morales à deux balles et son univers fermé, Westworld est un divertissement qui se prend au sérieux sans en avoir les moyens. Surtout que d’autres séries et films ont exploré le sujet avec plus de pertinence, de cynisme ou de réalisme (A.I. Intelligence artificielle, Black Mirror, Battlestar Galactica, Real Humans, Blade Runner, etc.).

Passé le dépaysement et la fascination pour son esthétique, on s’ennuie. Les quelques mystères – un méchant vraiment méchant ? Une ou plusieurs timelines ? Un deuxième créateur ? Un “autre niveau de jeu” ? – paraissent secondaires et ne tiennent pas en haleine. Si Lost a fasciné par son flou entretenu artificiellement de saison en saison, Westworld devient étrangement superficiel et transparent en une poignée d'épisodes. Les boucles des hôtes, utilisées comme des flashbacks, étouffent même le rythme. Pire, en imaginant ou en lisant les théories les plus folles, on ne se projette pas sur plusieurs saisons, un objectif pourtant clairement visé par HBO.

UN FUTUR DE GROS BEAUFS

Même si le mauvais goût humain est sans limite et la perspective d’avoir des bordels futuristes à thème, pas improbable, la série ne dépasse pas son statut de Phuket pour beaufs sadiques et fans de cowboys. Avec les énormes investissements des poids‑lourds de la Silicon Valley dans la recherche, le futur de l’humanité va être marqué par des bouleversements technologiques majeurs et l’exploration de notre univers. Les perspectives sont infinies ! À part des imprimantes 3D capables d’accoucher d’humanoïdes bandants et de chevaux convaincants (loin des quadrupèdes robotiques merdiques actuels), le futur de Westworld a l’air chiant. Ok, le coup des droïdes qui pensent par eux‑mêmes et se questionnent, ça marche toujours, mais la série Rick & Morty a déjà réussi à plier la problématique de leur condition en moins d’une minute.

Pour le moment, l’univers de Westworld – malgré ses deux niveaux (le “parc” et les coulisses) – est limité. Il y a surement des raisons scénaristiques concrètes à cet isolement et des twists prévus mais en attendant, on se sent à l'étroit dans cette intrigue. Brouiller les pistes en usant d’une profusion de références bibliques ? – Ok pour quelques passionnés sur Reddit. Les shots récurrents de violence gratuite ou de sexe ? – Insuffisant. Les aller‑retours narratifs ? – Gonflant. Le principal défaut de ce genre de projet à gros budget vient du désir – au détriment de leur richesse et de leur complexité – de contenter tout le monde. Mais entre un divertissement qui s’assume et une série dramatique d’anticipation, il y a un monde bien plus vaste que celui de Westworld. Ce genre de grand écart fonctionne rarement. Est‑ce que ça explique les problèmes durant sa production et sa réécriture commandée en urgence ? Peut-être.

En attendant la fin de la saison et ses ultimes révélations (accompagnées bien sûr du double en mystères), il n’y a plus qu'à espérer que cette grosse machine à audimat trouve sa vitesse de croisière, et nous surprenne enfin. Une chose est sûre, on est loin de l’efficacité et de la densité d’un Game of Thrones. Très loin.

Cinktank.com

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Article Anderson .Paak (6 pages)

Une vague « soul » puissante déferle actuellement sur le rap américain et vient contre-balancer l'hégémonie de la trap et son rejet par une frange conservatrice du hip hop. Retour aux sources salvateur pour certains artistes, planques faciles pour d'autres, le “lumineux“ de son influence n'empêche pas une véritable inégalité dans les sorties. Non, il ne suffit pas d'invoquer les plus grands artistes de la musique noire américaine pour être touché par la Grâce. Il faut du cœur, de l'âme. Avec son album, Anderson .Paak a réussi un splendide exercice de style. Petite perle intemporelle, son “Malibu“ surfe sur une déferlante soul, rock et hip hop avec un naturel et une cohérence surprenante. Première vraie révélation de 2016, ce rappeur / chanteur / producteur, sorti “presque“ de nulle part, fait figure d'outsider et de mystère. Malgré une rencontre manquée lors de son passage à Paris, on a tenté de dresser le portrait de celui qui a réussi à éclipser, en une poignée de chansons, le grand retour inespéré de Dre avec « Compton ».

“I had to wake up just to make it through / I got my patience and I'm making do / I learned my lessons from the ancient roots / I choose to follow what the greatest do“

Avec sa plage couvée jalousement par des villas luxueuses collées les unes aux autres, Malibu est un endroit étrange à l'image de Los Angeles et ses inégalités assumées. Toile de fond pour riches, son paysage « squatté » par des surfeurs est à couper le souffle et offre à tout à chacun une fausse promesse d'infini. Les panneaux “privées“ et autres portails scellés sont un douloureux rappel de la réalité : pour en profiter, il faut avoir les moyens. Anderson .Paak n'a pas choisi ce cadre par hasard. Il fait écho à son histoire. De son enfance marquée par l'absence de ses parents à ses propres déboires financiers le poussant à vivre dans sa voiture avec sa famille, l'artiste d'à peine 30 ans a un vécu entaché par les coups durs et le désenchantement mais aussi par une soif de s'en sortir et de créer. Un self-made-man pur jus.  

"My mama caught the gambling bug... My papa was behind them bars/ We never had to want for nuthin’/ Said all we ever need is love."

Son histoire débute à Oxnard, ville à l'ouest de L.A. Son père, reconverti dans la mécanique après s'être fait virer de l'Air Force, est envoyé en prison pour avoir battu salement sa mère. Brandon n'a alors que 7 ans. Il ne le reverra plus jusqu'à son enterrement. C'est autour de cette période sombre que la musique entre dans sa vie et lui permet de maintenir la tête hors de l'eau. Faire de la batterie. Chanter à l'église. Composer dans sa chambre. Voilà ce qui va compter pendant longtemps. Même si sa mère va se battre pour lui offrir un semblant de normalité jusqu'à son adolescence, une condamnation pour fraude va l'envoyer en prison. Un événement qu'il a, encore aujourd'hui, du mal à digérer et qu'il qualifie d'injustice. Livré à lui-même alors qu'il n'a que 17 ans, il navigue de canapé en canapé, en continuant de produire sa musique.

“When I crack the cookie all it said was ‘keep dreaming’ / when I look at my tree, I see leaves missing / generations of harsh living and addiction.”

Après un premier mariage précoce... et un divorce, son déménagement à Los Angeles signe le début de sa carrière dans l'underground sous le blaze de « Breezy Lovejoy ». À cette époque, Brandon se remarie et donne naissance à un petit garçon et un premier LP. Vivant grâce à un job d'appoint dégoté dans une ferme de weed à Santa Barbara, toute sa vie bascule lorsqu'il se fait virer sans avertissement et qu'il perd son appartement. Une période de désœuvrement total durant laquelle, tout son monde va encore une fois s'effondrer. Quelques soutiens indéfectibles dans le milieu - le producteur Shafiq Husayn et le manager Brian Lee - vont lui permettre de refaire surface et de redonner un toit à sa femme et son bébé. L'album « Venice » en découle. Patchwork d'influences et d'atmosphères, ce projet à l'énergie folle va apposer les bases de sa future musique et piquer la curiosité de mastodontes tels que Dre.

“And for somebody with adventure and excitement in their lives, and they have a lot of excitement and adventure / They can find this way of living“

Après ses 6 tracks sur « Compton », inutile de décrire à quel point l'attente et l'engouement étaient disproportionnés. Le retour du bâton aurait pu l'être aussi. Ça n'a pas été le cas. « Malibu » est son album le plus abouti et mérite sans hésiter ce succès - critique et populaire - écrasant. Si, d'un coté, il ne s'interdit rien en termes de productions, mélangeant avec cohérence les styles, rythmes et sonorités (psych, trap, soul, rock, funk, etc.), ses lyrics, elles, sont toutes sauf éparpillées. Son histoire, il l'écrit avec justesse sans tomber dans les travers de l'introspectif misérabiliste ou du tout positif. C'est juste chaud et vivant. On a presque plus l'habitude des beaux projets. Sa signature sur le label de Dre tombe sous le sens même si on espère que cela ne signifie pas attendre des années avant d'avoir un nouvel album entre les mains. En attendant, pari lancé pour son titre. « Hollywood » ?

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

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Father – Rencontre avec le rappeur et guru d’Awful Records

Les hauts, les bas, sa musique et le reste, on a discuté de la vie avec “Papa”.

Qu’importe qui vous êtes, l’existence s’arrange toujours pour vous coller de bonnes vieilles branlées. Il n’y a pas d’échappatoire. Quand ça doit tomber, ça tombe. Malgré le succès, Father vient de sortir de l’une des périodes les plus sombres de sa vie. Les drogues, les médocs, la dépression… il a tout documenté sur son dernier album, le très sombre I’m a piece of shit. Tout est dans le titre. Enfin presque… Car entre les bas-fonds d’hier et le live à l’Olympia d’il y a quelques jours, le rappeur a totalement tourné la page. Même s’il reste quelques cicatrices sur son moral, il a repris les choses en main pour ne plus se voir couler. Après un gros cul sec de Tequila, on est revenu sur ce “bordel organisé” qu’est sa vie, sa musique, son label et le reste.

Comment était ton tour à travers les Etats-Unis ?

C’était putain de misérable mec. Attention, je ne dis pas que ce n’était pas cool, mais c’était très mal organisé. En plus, c’était mon tour le plus long et je n’aime pas être loin de chez moi. Deux mois de voyage, ça équivaut à ne pas pouvoir créer du tout. J’ai essayé mais je n’avais pas assez de temps. Après un concert, tu es mort. Le lendemain, pareil. Je ne fais même plus la fête en plus. J’ai tout arrêté. Ça ne m’amuse plus. Je suis allé à un Aftershow et j’ai direct senti que je ne voulais pas être là. Bien sûr, tu dois avoir l’air de t’amuser mais… tu as juste l’air. Après 30 minutes, je me suis barré. Les concerts sont toujours cool – s’ils sont bien organisés. Mes premiers tours étaient vraiment drôles. C’était beaucoup de sentiments inédits. Tu es plus jeune, tout est nouveau. Maintenant, je dois manager mon propre tour. Tu as un DJ, un tour manager, tes premières parties… Tu es tellement concentré sur d’autres trucs. Tu te démerdes pour que tout fonctionne. C’est beaucoup de management. Tu ne peux plus apprécier. C’est un job, un vrai job.

Comment t’es-tu préparé physiquement et mentalement pour ce tour ?

J’ai vraiment rien fait. C’est juste arrivé. Je me suis toujours dit que j’allais la jouer “healthy”, faire de l’exercice, etc. mais en vrai, j’étais à la maison à rien foutre. J’ai utilisé le tour comme un prétexte pour me remettre en forme. Raté. Pour le reste, il y a rien de mieux que d’apprendre en faisant ce que tu dois faire. C’est le meilleur entrainement.

Jouer ton I’m a piece of shit – album très mélancolique et personnel – devant un public n’est-ce pas bizarre ?

Je ne fais pas beaucoup de son de cet album parce que c’est difficile à faire en live. Beaucoup des sons sont très lents et la plupart de ma musique d’avant et même celle d’aujourd’hui est plus upbeat et marrante. Ça fait sauter et danser les gens. Pour “I’m a piece of shit”, je me sentais mal. J’étais dépressif comme pas possible. Sous Xanax et analgésiques. Durant 1 an. En faite, ça a commencé durant l’enregistrement de Who’s gonna get fucked first?. Tu peux l’entendre dans la musique. La plupart des sons parlent d’être affreusement bourré et agressif, un connard. Je me comportais mal et après, je me suis littéralement senti comme une merde, réellement déprimé et défoncé. Durant un de mes shows de mon dernier tour, j’ai essayé de jouer un son triste en live. Je me suis dit “je ne peux pas le faire”. Le beat me rendait heureux mais je disais des trucs horriblement tristes. Je ne savais même pas comment bouger sur scène. C’est la même pour beaucoup de tracks parce que je ne me sens plus du tout comme ça maintenant. Mon humeur a changé et une partie de moi décrite sur l’album n’existe plus.

Tu peux quand même réécouter ces sons – revenir sur cette partie de ta vie ?

Oui, enfin “maintenant ?”, pas vraiment. Je ne veux plus écouter ces sons pour le moment. Entre l’enregistrement et la sortie, beaucoup de choses me sont arrivées. Ma vie a changé… et c’est difficile d’écouter ça maintenant.

Tu as toujours dit que tu faisais ça pour l’art et que chacun de tes albums se devait d’être unique. Quelle est la suite avec ton prochain Mad as hell ?

Concrètement, Mad as hell est la suite de ce que je ressens depuis tout ce qui s’est passé. Chacun de mes albums est basé sur ce qui m’arrive, comment je me sens et pourquoi je me sens comme ça. Sur Young hot ebony, c’était genre “Je suis bon, je suis en train de tout tuer, même si vous le savez pas encore”. Sur Who’s gonna get Fuck first?, c’était plus “Je tue tout, qui va se faire baiser en premier ?, je peux tout avoir. Je suis le mec du moment. Mais je commence à prendre des mauvaises décisions, des très mauvaises décisions. En faite, c’est moi qui me fait baiser !” (rire). Après… I’m a piece of shit… C’est clair et pas si bizarre quand je l’explique, plus clair que ce que je pensais. En ce moment, je suis super “vener” mais aussi putain de content. Je suis quelque part entre ces deux états. J’essaye de comprendre comment je peux combiner les deux… parce que je ne peux pas continuer à être furieux comme ça !

Si tu pouvais choisir de ne pas vivre cette période sombre de ta vie et donc de ne pas enregistrer I’m a piece of shit, tu le ferais ?

Je choisirais de ne pas me sentir comme ça, même si les gens ont adoré cet album. En faite, tout le monde veut t’entendre déprimé ou pas bien. (rire) Quand tu te sens au fond, tu écoutes des artistes qui se sentent pires… pour aller plus au fond. La misère adore la compagnie. C’est une chose très facile à vendre. C’est une chose très facile à endosser. Les gens adorent les trucs tristes et t’entendre te plaindre de ta vie… parce qu’ils peuvent s’y identifier. Si tu es heureux et que tu le dis, les gens vont dire “Ben, je ne le suis pas. Comment tu peux l’être ?”.

En faite, tu pourrais devenir un coach de vie pour que les gens soient heureux !

(rire) Oui, enfin, je vis avec les deux et j’ai réalisé… Penser que “tout est sans espoir”, c’est cool jusqu’à ce que tu commences à ne plus en pouvoir – parce que ta vie va s’arrêter – parce que tu fais trop de la merde. J’ai fait trois overdoses et à chaque fois, j’aurais pu y passer. “Pourquoi continuer à vivre comme ça ?”. Quand j’ai commencé à le ressentir, je me suis dit que je me sentirais bien mieux si j’essayais de changer. N’importe quoi de traumatisant peut se passer et je peux très vite sombrer. On n’en sait rien. On ne peut pas y échapper. Tu as cette période de la Renaissance quand tu te sens bien mais tu peux aussi retourner au Moyen-âge. C’est des haut et des bas… Si on était ok tout le temps, on s’emmerderait trop. On doit aller de l’avant !

Comment vis-tu le rapport du hip hop américain à la drogue ?

Les drogues, c’est putain de marrant mais les artistes ont une certaine responsabilité… Bien sûr que c’est drôle. Les merdes que je prenais… je veux revivre tout ça. C’était peut-être les meilleurs moments de ma vie. J’ai fait du mal à plein de gens mais c’était une belle époque… après c’est ce que c’est. Ça fait partie de la culture. On a été influencé par la culture des drogues depuis le début. Même quand je fais un son sans références directes, je suis influencé par la culture des drogues. Même si je fais un son pop mielleux, je vais encore en parler.

En quoi ces changements personnels ont eu une influence sur ton label et ta manière de faire de la musique ?

Ça m’a donné envie de revenir où j’étais avant, quand je faisais des choses en étant isolé. J’aime que les gens viennent et qu’on travaille ensemble mais pour beaucoup de mes premières musiques, j’étais tout seul pour créer, au milieu de la nuit, dans le silence. Je pense que peu à peu j’ai autorisé pleins de gens à trainer autour de moi quand je créais. C’était cool. Mais maintenant, je veux juste retrouver mon isolement et créer quelque chose de nouveau, quelque chose de surprenant.

J’ai l’impression que c’est la même pour tes artistes. En tant que “Père” d’Awful Records, que ressens-tu par rapport à tes enfants ? Tu es fier ?

Je suis très fier de ce qu’ils ont accompli. En ce moment, tout le monde fait un taff exceptionnel. On a 4 ou 5 artistes qui défoncent vraiment. C’est génial ! Pour les autres, ce n’est qu’une question de temps. Mais à la fin de la journée, je sais que tout le monde a fait un super travail. Je ne m’en fais pas pour eux, je ne suis pas sur leur dos et je leurs fais confiance. Quand j’écoute leurs trucs, je dis que c’est cool, quand c’est cool. Et la plupart du temps, ça l’est. Et quand c’est minable, je leurs dis “Yo, tu ne devrais pas faire ça, je n’aime pas trop”. La plupart du temps, ce n’est pas du tout restrictif. Ils font ce qu’ils veulent. Je me soucis beaucoup plus de ma propre musique.

Vu que tu es passionné par la vidéo, peut-on s’attendre à des projets ?

Grave, c’était ce que je faisais avant de faire de la musique et de devenir populaire en faisant de la musique. Pour moi, c’est vraiment drôle. J’aime ça. Aujourd’hui, je ne trouve pas le temps pour le faire à cause de la musique. Mais je vais essayer d’y revenir parce que je sens que je n’ai pas besoin de faire album sur album sur album… C’est difficile de rester créatif. De ne pas devenir quelconque. Petit à petit, je vais ralentir un petit peu. J’aimerais tourner un film d’horreur. Pas quelque chose d’incroyablement effrayant ou gore, style “quelqu’un essaye de nous tuer dans les backstages”. Je veux plus faire un truc comme “moi assis seul dans ma chambre, qu’est-ce qui va vraiment me faire peur ?”. Oui, “Tourner un film d’horreur”, voilà mon prochain objectif !

Be-street.com

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Scott Hobbs Bourne – Skateur, écrivain, photographe, vivant

Derrière son skating, ses livres et ses photos, l'envie de vivre intensément chaque moment. Rencontre.

Scott Hobbs Bourne est un passionné. Ça transpire de lui. Pendant que certains se trouvent des excuses, que d’autres se noient dans la théorie, lui expérimente, se blesse mais vit, produit et avance en le documentant avec son carnet et son appareil photo. L’intense. Le vivant. Le beau. Ça n’a l’air de rien mais les gens capables de réellement suivre leurs désirs et de les partager sans honte, qu’importe ce que ça leur coûte, sont rares. Ce que Scott en tire est précieux. Discuter avec lui, c’est se sentir un peu mort et se poser des questions sur ses choix. Le simple “Et si…” devient insupportable car il nous renvoie à nos regrets et nos peurs. Pendant que lui continue, expérimente, écrit et photographie en étant certain que tout ça a plus de sens que le reste. Raison ou pas, ça n’a pas d’importance. Quelqu’un avec une telle force de caractère est inarrêtable. On a relu ses bouquins, on s’est plongé dans sa dernière exposition et on lui a posé quelques questions. A l’image du reste, Scott a un avis tranché. C’est brut, appréciable et tout sauf stérile ou ennuyeux.

Ton style – qu’importe le moyen d’expression – a toujours été “sans concession”. D’où te vient ce rapport si brut à la vie et à la création ?

Ma mère sans hésiter ! Elle n’a jamais fait les choses à moitié et n’a jamais fait quelque chose qu’elle ne voulait pas. Quand elle se lançait, elle le faisait à sa manière et c’était toujours avec passion. Voilà sur quoi son monde se basait. Les gens qui travaillent sans être passionnés par ce qu’ils font sont quelconques et font du tort, pas seulement à eux-mêmes, mais aussi au monde. Quand tu n’es pas passionné par quelque chose, tu le fais mal. C’est comme faire l’amour. Si tu couches avec une femme pour jouir, qu’elle n’est pas aimée correctement, et bien, elle ne sera pas satisfaite. Elle pensera que tu es un mauvais coup parce que tu l’es. Tu auras fait du tort pas seulement à elle mais à vous deux. Si tous les gens respectaient cette idée simple, je pense que le monde serait un plus bel endroit pour vivre. Ma mère est charpentier, mécanicien, a son permis de capitaine et vit seul à 74 ans sur un bateau de 30 pieds dans les Caraïbes. C’est ce qu’être passionné te donnera.

Qu’est-ce qui te pousse à vivre si fort et à créer ? La mort qui rôde ?

J’aimerais te donner quelques secrets artistiques pour créer, mais la grande vérité est que les choses que je fais ne sont rien de plus que l’expression des désirs que j’éprouve AKA la passion ! Quand quelque chose en moi me dit “écris”, j’écris. Quand ça me dit “baise”, je baise. Tout est relié au même système – mes désirs ! En sachant ça, je peux certainement attribuer certaines de mes pulsions à la mort. J’ai de nombreuses choses que je veux réaliser avant de mourir et savoir que la mort rôde en silence pas loin me motive à aller au bout.

Qu’as-tu trouvé dans l’écriture ?

Encore une fois, ça ne marche pas comme ça. Je n’ai pas choisi ou chercher à devenir écrivain. Je le suis. Je ne pourrais pas m’arrêter même si je le voulais ou que je devais essayer. Voilà comment les choses se présentent. Je vis avec un démon en échappant à l’enfer qui m’attendrait si je n’écrivais pas !

La considères-tu comme une forme de folie ?

Oui, totalement ! Je ne souhaiterais à personne de le ressentir. Les gens qui pensent que c’est génial parce que “j’ai trouvé mon truc” ne l’ont pas totalement compris. En même temps, je ne me plains pas. J’adore être animé, même si parfois j’ai cette impression que c’est par des démons.

Explique-moi la liaison entre tes souvenirs et les récits qui en découlent.

Et bien tout ce que j’écris est directement basé sur l’expérience, le souvenir d’un événement. Je ne m’intéresse plus à la fiction, à ce qui est faux ou inventé, et par extension aux mensonges. Je pense que beaucoup d’écrivains se cachent derrière la fiction et je l’ai aussi fait dans le passé, mais je ne ressens plus du tout la peur du ridicule pour mes idées ou mes actions exprimées ou décrites à travers mes personnages. Ils viennent tous d’un vrai moi et je suis complètement responsable de ce qu’ils expriment. Si j’écris sur le fait de faire voler un cerf-volant, c’est parce que j’ai déjà fait voler un cerf-volant. Si j’écris sur le fait de sodomiser une femme, c’est parce que j’ai déjà sodomisé une femme. Si un lecteur a eu les mêmes expériences que moi, il sentira leur authenticité dans mon écriture.

“Orgy Porgy” est ton travail le plus autobiographique. Pourquoi ce besoin de te dévoiler dans un mag (puis dans un livre) ?

Cet édito est apparu naturellement. Je n’ai même pas essayé de l’écrire. Même après l’avoir fait, j’étais sûr qu’ils allaient l’annuler rapidement mais ça n’est pas arrivé. Ecrire un édito est difficile pour plein de raisons mais je ne vais pas t’ennuyer avec ça. Chaque mois quand je devais rendre l’article, je prenais quelque chose dans mes journaux que j’aimais ou que je trouvais intéressant. Souvent, il s’agissait des expériences étranges depuis que je vivais à Paris. Ils étaient sur tout et n’importe quoi – de la femme de ma vie, à caresser le sein d’un travestie, ou admirer un gros cul dans un bikini. Mon colloc et moi avions un téléphone fait en boîtes de conserve qui traversait le boulevard pour parler à des voisines. J’ai écrit sur l’exposition de Jeff Koons à Versailles. Tout ce qui m’arrivait en faite. Comment tout ça à terminer dans un livre ? Je ne suis pas sûr. En plus de ça, j’ai écrit un scénario basé sur toutes mes histoires ! On a aussi fait une exposition photo, et une planche avec SEND HELP. Beaucoup de choses sont sortis en faisant Orgy Porgy !

S’exposer dans ses livres, est-ce forcément dire la vérité ?

Non. On vit à une époque où les gens écrivent plus sur eux-mêmes qu’avant et rien n’est vrai. Il montre la personne qu’ils auraient envie d’être ou comment ils aimeraient que les autres les perçoivent. Quand tu t’aperçois de tout ça en regardant certains profils, et bien, c’est triste. Ce que je fais est plus ou moins d’essayer d’être honnête avec moi-même concernant les expériences que j’ai eu et de les retranscrire par l’écriture. Je suis un fervent défenseur de l’idée que l’expérience est le seul moyen qui peut transformer de l’information en connaissance ! Toutes ces choses que les gens ont grâce à Internet, c’est juste de l’information, et l’information n’est pas la connaissance.

En quoi “la honte” a-t-elle eu une place centrale dans tes recherches ?

C’est ce à quoi je faisais référence avec mon livre “A Room With No Windows”. J’explorais vraiment l’idée de la honte et je cachais plus ou moins ce sentiment à travers mes personnages. La vérité est qu’ils étaient tous moi d’une certaine manière. J’ai eu cette idée de m’exposer mais de ne pas prendre mes responsabilités vis à vis de certains sentiments, idées et actions, mais à la fin, j’ai trouvé ça impossible. C’est pourquoi le personnage principal s’appelle Scott. J’ai mis un autre nom et certaines personnes m’ont encouragé à le laisser mais à la fin, je suis revenu au mien parce que je voulais être responsable de mon livre et de tout ce qu’il y a à l’intérieur. Je n’ai pas honte du tout, en faite, j’en suis plutôt fier.

Quel rôle ont les photographies dans ta réflexion et ta vie ?

Dans chaque numéro de SOMA Magazine (dans lequel Orgy Porgy était publié), il y avait une photo pour aller avec chaque histoire, ce qui permettait de la rendre plus crédible. Quand on a réalisé le livre, on n’a pas rajouté les photos pour rester sur un format de poche. Pour son lancement, j’ai amené quelques photos qui allaient avec ce que j’avais écrit, j’en ai fait passer et les gens ont vraiment réagi. On a eu l’idée avec David Tura (l’éditeur qui a créé Orgy Porgy) de faire une expo mais c’est vraiment cet event qui a fait que j’ai pensé qu’on devrait le faire. J’en ai parlé avec Dounia Beghdadi et elle a immédiatement commencé à travailler avec Mi Gallery pour mettre en place l’expo.

Ce rapport a-t-il évolué avec les années ?

Bien sûr ! Je prends des photos depuis plus de 20 ans, mais cela fait 8 ans qu’elles sont devenues vraiment importantes pour moi et mon écriture. Je documente tout durant mon processus et dans ma vie. J’aime regarder des planches de photos parce qu’elles racontent l’histoire de ma vie et capturent des moments pris sur le vif. C’est puissant et le fait de les prendre en photo est quelque chose qui trouve son propre sens. A un certain moment, ça peut vivre sans narration. Cela peut transformer un mensonge en vérité ou une vérité en mensonge. Les photos sont très puissantes.

Quel moment te fascine le plus dans ton processus de création ?

Quand tout est fini et que je cesse de m’y intéresser. Voir un livre publié par exemple. C’est terminé, fait – je ne pourrais pas plus m’y désintéresser. C’est mort. Ça m’a rendu fou pendant des années, m’a gardé éveillé la nuit, m’a réveillé, m’a forcé à garder un stylo sur moi et un petit carnet partout pour ne pas rater une idée – et d’un coup, j’en ai complètement fini avec tout ça. Effacer en enregistrant !

Jamais la tentation de retravailler un texte “mort” ? Souffres-tu de te relire ? Jamais, en faite je sens que mes premières œuvres ont une pureté que je ne pourrais plus jamais recréer, et j’admire d’une certaine manière le jeune homme audacieux qui a écrit ça, surtout en sachant qu’il n’existe plus depuis longtemps. Quand je lis mon “A Room With No Windows”, c’est tellement naif et en même temps, c’est une vraie œuvre d’art dans le sens où ça n’aurait jamais pu être écrit par un écrivain expérimenté. J’ai juste sans m’en apercevoir brisé toutes les règles dans le monde littéraire. C’est un cauchemar pour un éditeur mais c’est mon chef-d’oeuvre. C’est brut et ça vient du cœur, et je pense que c’est quelque chose qui n’aurait pas pu être fait si j’avais connu les règles. Quand tu comprends que la gravité te raccroche à la terre, ça devient plus difficile d’imaginer voler. Ce livre s’est envolé – la gravité n’avait aucune chance. Ecrire comme ça aujourd’hui, avec un abandon aussi complet et un non respect des règles serait impossible. C’est difficile de croire que j’ai écrit un livre il y a seulement 10 ans, et que je vis aussi en France depuis 10 ans.

Les autres ont-ils une place ? Accordes-tu de l’importance aux réactions et retours des gens ?

Pas du tout, mais je sens que c’est un vrai engagement de lire le livre de quelqu’un et je sais que d’une certaine manière, je me dois d’écouter les idées et les commentaires quand quelqu’un me reconnaît. Tu imagines ? Quelqu’un passe plus de 300 pages avec moi. Je m’en fous qu’il ait détesté, il l’a lu et je pense que c’est déjà une récompense que je n’aurais jamais espéré. Les gens trouvent souvent des choses dans mes écrits auxquelles je n’aurais jamais pensé et je trouve ça incroyable. C’est fou de voir comment toutes ces personnes dans le monde s’emparent différemment du même texte !

En lisant les bios des plus grands écrivains, on a cette impression d’échec. Quelles sont tes plus grandes angoisses en tant qu’artiste ?

Je n’écris pour personne d’autres que pour moi. Je dis ça parce que ça rend l’échec impossible. Pour moi, les livres sont comme des aimants qui cherchent les bonnes personnes. Les deux sont attirés et quand ils se trouvent, c’est d’une certaine manière magique. Les choses que j’écris ne sont pas faites dans une idée “mainstream” ou de divertissement. Elles sont même à l’opposé. Elles sont là pour t’arrêter, te faire réfléchir et te faire voir les choses d’une manière que tu n’aurais pas envisagé avant. Si un de mes livres peut toucher certaines personnes, nous connecter, c’est que j’ai réussi. J’ai plusieurs livres finis attendant la bonne maison d’édition pour sortir. Tout ne va pas arriver maintenant, ou même durant ma vie. Mais j’ai tout capturé et ça sortira quand ça sortira. Je ne suis absolument pas pressé.

Avec l’expérience, on attrape des réflexes d’écriture. Comment réussis-tu à y échapper, à garder l’instinct ?

Je ne suis pas obsédé par cette idée. J’écris quand j’ai envie d’écrire et j’écris ce que j’ai dans la tête, mais il y a quelque chose d’incroyablement obsessionnel dans ma manière d’avoir toujours un crayon et du papier partout où je vais et en même temps, je trouve que c’est une habitude très saine. Le simple stylo passant sur le papier est la meilleure sensation du monde. Pour moi, c’est comme creuser la terre, préparer le trou, physiquement mettre des graines, les arroser et les regarder grandir. A la fin tu as quelque chose qui a une réelle saveur, naturelle, pure et d’une certaine manière nourrissante ! Rien n’est mieux que d’écrire des mots…. RIEN !

Comment vieillir et rester libre malgré tout ?

On laisse couler. On devient soi, moins intéressé par ce que les autres pensent, jusqu’à atteindre une sorte de nirvana. Je suis bien plus libre maintenant qu’auparavant, dans ma jeunesse. L’âge m’a rendu incroyablement indépendant.

La meilleure épitaphe pour résumer – en quelques mots – ta vie ? C’est marrant que tu demandes ça. Récemment j’ai commencé à dessiner des petits brouillons de ma tombe. Ma femme en a vu un et a été réellement touchée qu’on soit enterré ensemble. Elle est la femme la plus importante dans ma vie et ma principale inspiration pour écrire. Bien sûr que je veux mourir avec elle ! On a fait l’amour dans tout Paris et dans tous les parcs. On a fait l’amour sur la tombe d’Oscar Wilde et celle de Vaslav Nijinsky. Ça a semblé offenser quelques personnes qu’on connait et j’ai commencé à imaginer des gens venant faire ça sur ma tombe. Je prendrais ça comme un super compliment. J’ai donc décidé que je voulais une tombe qui serait plate et confortable pour s’y coucher. Dessus, il y aurait simplement écrit : Faites l’amour ici. C’est une invitation pour tous les amoureux du monde à rester vivant et de ne pas être aspirés par toute cette merde virtuelle. De vivre de réelles expériences ! Je veux que nos noms soient dans un serpent qui se mord la queue avec, au sommet, un cœur dans un sablier et des squelettes dansant qui feraient du bruit avec leurs os quand des gens feraient l’amour. C’est plus qu’une épitaphe. C’est un monument à la chair, et une invitation à faire l’amour avec nous pour l’éternité !

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Dans la tête de Tom Pagès – Légende du freestyle motocross

Après sa quatrième victoire consécutive lors des Red Bull X-Fighters, le français entre dans l'histoire de ce sport. Rencontre.

Il l’a fait. Tom Pagès a réussi à gagner les X-Fighters pour la quatrième fois consécutive. Le pilote français peut se targuer d’être le premier à réaliser une telle performance, le tout avec style, puisqu’il a lâché un run final majoritairement composé de ses créations : Tsunami, Volt, Special Flip, Alley Oops Flair, Special Flip, Front Flair, Bike flip et 360. Même si vous ne vous y connaissez pas (et que le nom des figures ne vous a rien évoqué), le freestyle motrocross est suffisamment spectaculaire et explicite pour vous convaincre. Derrière le show, un sport de haut niveau difficile qui demande un engagement total. Du jardin de ses parents à l’arène des X-Fighters de Madrid, Tom Pagès est revenu avec nous sur sa victoire, son sport et ses ambitions.

Bravo pour ta victoire à Madrid. Parles-nous de ce dernier run gagnant.

Je suis en finale. C’est déjà un soulagement. J’ai déjà passé une bonne partie de l’événement. C’était une compétition très stressante. Le fait d’arriver en finale, ça m’a libéré. J’avais réussi à poser deux fois mon run la veille. Je partais confiant. Stressé quand même, mais confiant sur certaines figures. Je me disais : “C’est passé, ça peut continuer à passer”. Et tout s’est parfaitement déroulé.

Quand je parle de ton dernier, c’est possiblement ton dernier dernier run.

Ça peut l’être. Ça peut le devenir du moins. J’aimerais vraiment travailler sur des figures et pousser ma préparation sur de la nouveauté et de l’innovation pour l’an prochain. Je me rends compte depuis le nombre d’années que je fais ça que c’est difficile d’arriver complet sur une compétition en travaillant sur de la nouveauté très forte. Ça prend du temps et l’exécution générale ne doit pas en pâtir. Il faut continuer à sortir un run propre. Si tu n’as pas la propreté, tu es moins bien noté. En travaillant une figure pendant 6 mois, tu ne peux pas arriver 100% préparé pour un run de compétition. Le niveau augmente parce que tout le monde rentre des nouvelles figures. Pour le moment, j’arrive à tenir les autres. Mais ce niveau, je ne sais pas combien de temps je vais pouvoir le garder. J’ai 31 ans, c’est de plus en plus dur de contenir les concurrents. Je sens qu’il est temps de tourner une page.

Tu parles de 6 mois pour une nouvelle figure. Comment as-tu préparé ton “front flip flair” ?

C’était la première fois que je le passais en compétition. Derrière il y a eu un gros entrainement. C’est une figure que j’avais commencé l’an dernier avant ma blessure. J’avais commencé à dégrossir tout ça avant de réaliser ma rampe spéciale et de découvrir que ça pouvait vraiment m’aider. En mars, j’ai essayé de la rentrer non stop jusqu’à avril – mai (donc durant deux-trois mois). C’est une figure qui est venue assez rapidement parce que j’avais compris le move. Il a fallu quand même la travailler tous les jours. 4/5 heures par jour. Bac à mousse, airbag… je passais entre 25 et 30 jumps le matin, et 25 et 30 jumps l’après-midi. C’est à dire 2h30 le matin, 2h30 l’après-midi.

J’imagine que même avec cet entrainement, tu gardes une certaine pression en compétition.

La réalisation des figures va être la même. La pression, c’est le travail de fond. C’est compliqué. C’est difficile d’en arriver là. L’échec, c’est le pire. C’est très difficile à accepter. C’est la grosse difficulté de la compétition. Pour ce Front Flair, j’avais du mal à passer du 3 sur 3. Il y avait toujours un échec. Là, c’est passé. La pression m’a aidé à me concentrer et à assurer.

Les conditions ont une vraie incidence sur tes résultats ?

Par exemple à Madrid. Ça peut jouer. Il y a des endroits plus difficiles que d’autres. Par exemple aux X-Games, la terre était trop dure. On ne prenait pas de plaisir à rouler. A Madrid, les conditions étaient parfaites. La terre était un peu sablonneuse, accrochait bien. Ça permet forcément de réaliser des figures au mieux. Ça se ressent sur le niveau général.

On te pose souvent des questions sur la pression. Tu es un athlète de haut niveau, ça fait partie du job. Mais comment gères-tu la pression de ta famille et de tes proches ?

La plus grosse pression à Madrid par exemple, c’était de voir qu’il avait un gros public venu pour me soutenir. Quand j’ai commencé il y a quelques années, il n’y avait pas un drapeau français dans les tribunes. Là, tu avais du monde derrière moi. Ça pour moi, c’est une grosse pression. Il y a la famille, les proches, des gens qui ne connaissent pas forcément mon travail ou la moto. Tu n’as pas envie de les décevoir. Tu sens qu’ils sont derrière toi. C’est stressant. Pour gérer la pression des autres, j’ai une technique simple : je n’y pense pas et je ne leurs parle pas. Par exemple, mes parents savent qu’avant et pendant une compétition, je ne dis rien. Une simple question comme “ça va ?” peut avoir un effet dévastateur.

On sent que tes parents se détendent après ton Front Flair. Grosse pression pour eux.

Ils étaient vraiment en face du saut. Ça change tout. Les années précédentes, ils étaient sur le hot spot – l’endroit où on attend. Ils ne voyaient pas tout. Je les avais toujours dans mon dos. Ça change. Ils savent que la chute n’est pas “grave” en soi. Ils pensent surtout à l’échec et la déception.

Ton frère s’est quand même gravement blessé. Tout le monde doit y penser. Ça marque…

J’y pense plus ou moins. Ça peut m’arriver mais ça fait partie du jeu. Ça arrive à l’un, ça arrive à l’autre. Ça m’arrivera surement. Peut-être pas. Le fait de savoir que tu peux tomber – que ce soit mon frère ou un autre – ça te pousse à t’entrainer plus, à enlever l’incertain. Quand on connait la figure, on ne tombe pas ou on sait comment tomber.

Au-delà de l’entrainement physique, il y a un travail mental. Tu bosses avec un coach ?

Je travaille avec une psychologue qui m’aide à m’orienter. Pour les prises de risque, je gère comme je peux. Je m’entraine. J’appelle la psychologue uniquement en cas de doutes. Je travaille avec elle depuis 2009. J’ai commencé la moto à 20 ans avant je faisais ça à “bas niveau”. Ça fait 10 ans que je fais du freestyle. J’ai évolué très vite. En deux / trois ans, j’étais aux X-Games et je commençais à en vivre. En 2009, je me suis écroulé. C’était super dur. J’ai rencontré Isabelle qui m’a permis de revenir. Il m’a fallu trois ans mais quand j’ai réussi, j’ai commencé à tout gagner.

La compétition, c’est dans ton caractère ?

Oui, mon sport, c’est la compétition mais une compétition avec moi-même. Je me challenge tout le temps. La question qui revient : “est-ce que je vais réussir à repousser mes limites ?”. Que ce soit à l’entrainement ou en compétition. Ça me permet de gagner. Mais le but principal, c’est de me prouver que je peux passer 8h par jour sur une moto sans me lasser. C’est un challenge énorme. J’ai passé ma vie sur la moto. J’ai du sacrifier beaucoup de choses. Quand tu arrives à relever un tel défi, c’est le plus fort.

Sans la compétition, as-tu une idée du prochain challenge qui pourrait te tenir ?

Il y a pas mal de choses. Je vais continuer à développer des figures. Je ne vais pas arrêter les démos. J’aime aller au contact du public. Il y a beaucoup de choses à faire. J’ai des idées et il va falloir les réaliser. Par exemple, j’ai envie depuis longtemps de faire des vidéos dans des spots improbables. Ça prend beaucoup de temps et c’est quelque chose que je ne peux pas faire avec la compétition.

Est-ce que c’est difficile de gérer l’après-compétition ? De revenir à la normale quand on a gagné ?

C’est hyper compliqué. Je le vis super mal, surtout après Madrid. La première fois en 2013 quand j’ai gagné le tour, il m’a fallu un bon 15 jours pour arriver à me relever le matin et être d’attaque. Dans ta tête, tu te dis “Mais qu’est-ce que je vais faire maintenant ?”. Il faut continuer et c’est difficile. Là, par exemple, Madrid, j’ai rêvé de le gagner quatre fois à la suite et d’être le premier à le faire. Bah voilà, c’est bon… Je pourrais continuer mais j’ai envie de terminer sur une bonne note. Je n’ai pas envie de tomber dans une routine. Il faut que je fasse autre chose. C’est violent. On a cette impression que ça se termine… mais ce n’est pas vrai. Il faut rester actif !

Par rapport à la nouvelle génération, tu te places comment ?

Je pense qu’il y a énormément à faire pour le sport en France et ceux qui vont arriver après moi. Il n’y a rien pour le moment. Si j’arrête demain, il va rester deux pilotes. Il va falloir développer ça dans notre pays. J’y réfléchis.

Comment expliques-tu que ce soit si compliqué pour les sports extrêmes en France ? Il commence à avoir quelques skateparks, etc. mais par exemple, dans les Landes, ils construisent des terrains de tennis partout. Les terrains sont souvent vides alors qu’à coté, il y a un tout petit skatepark qui est blindé de jeunes toute la journée. Il y a un décalage entre les mairies et le gouvernement et la jeunesse d’aujourd’hui.

Comment as-tu réussi à évoluer dans ton sport malgré ce manque de moyens ?

J’avais absolument rien. Avec mon frère, quand on a commencé, on a fabriqué une rampe sur le terrain de mes parents avec les quelques euros qu’on avait en poche. J’avais déjà une moto. La seule chance qu’on avait, c’était d’avoir du terrain. J’ai appris tout seul, à la dure. Mon frère rentrait un truc. J’essayais. On regardait des vidéos pour essayer de comprendre les techniques. On ne pigeait pas comment certains tricks étaient rentrés – la vitesse, comment engager la rotation, etc. Du coup, on expérimentait. C’était difficile. Quand certains adversaires dans les compétitions me disent “oui mais nous, on a rien”, je leurs réponds que moi, tout ce que j’ai, je suis allé le chercher.

Aucun coach durant ta carrière ?

Non, j’ai toujours tout appris tout seul. C’est un sport où il reste tout à faire. La créativité paye. Pendant une période, tu suis les autres. Tu apprends et tu deviens meilleur mais en faisant ce que les autres font. Un jour, je me suis réveillé et j’ai eu envie d’aller plus loin.

En quelques années, le sport a explosé en termes de niveau. Comment ça s’explique ?

L’arrivée des bacs en mousse à changer la donne. On s’est mis à réaliser toutes les figures possibles à l’envers. Puis, on a eu les 360. Et l’arrivée des quarters avec les Flair et les 540. Maintenant, on attend les rampes à bascule qui tape la moto à l’avant pour pouvoir rentrer des Front Flips, doubles front flips, etc. Là, la tendance, c’est de faire des doubles back flips mais avec toutes les figures qu’on faisait en back flip. Ce sont les prochaines étapes…

Si tu devais prédire les plus gros tricks dans les prochaines années…

Je pense que ça va être… dans 10 ans, ça va être des 1080. Ça commence déjà à le faire mais c’est certain qu’on va aller vers ça. En faite, avec de l’entrainement, tout est possible. Le plus dur, c’est de gérer ça, plus la compétition. Les mecs qui font que du best trick, c’est plus simple. Moi, je dois construire mon run et réussir à être propre. Mon objectif, c’est de rejoindre ces mecs-là. Je vais pouvoir me faire plaisir !

Que vas-tu faire dans les prochains mois ?

L’année est engagée. Je vais continuer à faire les dates et les démos. Le mois de juillet va être plus calme et ça va me permettre de réfléchir à mes objectifs.

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Interview James Harvey / Projet Bartkira (6 pages)

Les mashup ont envahi internet pour le meilleur et pour le pire. Derrière ce gavage virtuel hashtagué, une infinité de contenus vides, simple name-dropping stérile ou total opportunisme. Dans ce tas de pixels sans âme, il y a quand même moyen de dénicher de belles choses. Bartkira fait par exemple partie de la poignée de projets à la richesse indiscutable. L'idée est simple : inviter des artistes du monde entier à recréer l'univers d'Akira avec les personnages des Simpsons. Mélanger deux univers forts n'est pas un gage de qualité, bien au contraire (RIP les Game of Thrones versus tout et n'importe quoi) mais à travers les styles de chaque artiste, les milliers de pages réinterprétées du manga original revivent d'une toute nouvelle manière. C'est beau, vibrant et légitime. Après plusieurs années d'un travail acharné, ce projet ambitieux a réussi son principal pari en rendant un superbe hommage aux deux œuvres. Pour mieux comprendre les tenants et aboutissants de cette expérience participative folle, on a discuté avec son instigateur, l'artiste et passionné James Harvey.

Au-delà de l'idée - mixer l'univers des Simpson à celui d'Akira – Bartkira est une expérience participative hors du commun. Peux-tu revenir sur les prémisses de ce projet ?

Les premiers dessins Bartkira ont été réalisés en 2013 par un artiste du nom de Ryan Humphrey. C’étaient des images très simples avec une sorte de force tranquille. Lorsque je suis tombé dessus, elles avaient déjà fait le tour d'internet et avaient été vus par des milliers de personnes. Je les ai trouvées très touchantes ! Peut-être parce que j'avais grandi avec ces personnages et images et que là, je pouvais enfin les voir sous un autre jour. Ils m’ont vraiment parlé et apparemment je n’étais pas le seul à penser ainsi. Attention, la culture pop mashup n’est pas une chose nouvelle. Dans les années 90, un artiste qui a travaillé sur Les Simpsons a fait une série de dessins qui mélangeait Les Simpsons et Pulp Fiction, et il l'a appelé Pulp Simpsons. Ils étaient drôles, et horriblement bien faits, mais le travail de Ryan était plus dans le même état d’esprit que le mien. Je le vois comme une synthèse qui a une valeur ajoutée réelle et qui peut exister comme une œuvre d’art autonome. Je me suis dit que, grâce à des communautés en ligne comme Tumblr, il serait très facile de transformer le travail de Ryan en un projet collaboratif de taille, en permettant à des milliers de gens de reproduire Akira dans sa globalité en utilisant des personnages des Simpsons. Et non pas parce que ce livre a vraiment besoin d'exister, ou que je m’attends à ce que quiconque le lise en entier. Mais parce que l’idée de faire partie de quelque chose d'aussi énorme et ambitieux me plaisait beaucoup. J'ai déjà organisé de tels projets auparavant, et je sais combien il est facile de poster un problème en ligne et d’attendre que des centaines et des centaines de personnes se jettent dessus dans le but de le résoudre. J'ai donc contacté Ryan et je lui ai demandé s'il était d’accord pour faire de Bartkira un projet collectif. Heureusement, il a dit oui.

Quelle est ton histoire personnelle et tes souvenirs avec les Simpsons et Akira ? Es-tu un fan pur et dur de chaque œuvre ?

Comme beaucoup de gens nés dans les années 80. Depuis que j’ai lancé Bartkira, il est devenu de plus en plus apparent que Les Simpsons et Akira ont été les plus grands phénomènes culturels dans mon développement personnel en tant qu'artiste. Je suis récemment retombé sur une histoire que j’ai écrite à l’âge de 16 ans. Je me souviens avoir passé toute une semaine à réfléchir et écrire cette histoire, et une fois terminée, je l'ai mise dans un tiroir et oubliée. Il y a environ un mois, je l’ai relue. C’est l’histoire d’un garçon et d’une fille qui ressemblent comme deux gouttes d’eau à Kaneda et Kei d'Akira, ensemble ils vivent une aventure avec des scènes entières inspirées par les Simpsons. Belle histoire (même si un peu dérivée). Je suis un dessinateur et écrivain, et j’écris des histoires satiriques et drôles avec des visuels inspirés par Katsuhiro Otomo - un équilibre fait d'exagérations caricaturales tranchant avec des environnements urbains et réalistes. Mon histoire courte Masterplasty est un très bon exemple. Il n’est donc pas étonnant que les dessins de Ryan m’aient autant interpelés. On pourrait même dire que tout ce que j'ai jamais fait ce sont des mash-up des Simpsons et d’Akira.

Matt Groening et Katsuhiro Ōtomo ont-ils plus de points communs qu'on pourrait le croire ?

Ce sont des hommes très différents et identiques à la fois. Les différences sont évidentes, concentrons-nous plutôt sur les ressemblances : ils étaient tous deux dessinateurs de sexe masculin, pères de jeunes enfants qui ont travaillé dur dans les années 70 et 80 avant de percer en 1988 avec un dessin animé qui opposait un monde enfantin à un monde d'adultes. Les deux ont une veine anticonformiste, glorifiant la rébellion juvénile tout en inculquant à leur lectorat de ne pas faire confiance aux autorités et de se méfier des abus de pouvoir. Ils partagent une vision pessimiste de la société où l'amour est la seule caractéristique rédemptrice d'une civilisation vouée à se détruire encore et encore. Otomo exprime cela à travers un système de croyance enraciné dans le bouddhisme Shinto à travers la science fiction, tandis que dans l’émission de Groening l'amour est lié à l'idéal de la famille nucléaire issue des années 50. Bien qu’il cherche à déconstruire et démystifier ce modèle, il le glorifie par la même occasion. Je pourrais citer d’autres dessinateurs qui sont devenus des personnages cultes mais seulement Otomo et Matt ont su cultiver cette magie.

Pourquoi le principe du mash-up et des collaborations était-il si pertinent ?

Aucune idée. Depuis le début des années 00, les gens réagissent positivement à ce genre de culture « mix-and-match ». 1 truc populaire + 1 autre truc populaire = 1 autre truc populaire. Lorsque Dangermouse a sorti The White Album puis The Black Album pour faire The Grey Album, l’idée était tellement simple et bonne que les gens l’auraient bien accueillie même si le projet avait été mauvais.  Il se trouve que cet album était un chef-d'œuvre, mais même The Slack Album qui mélangeait The Black Album de Jay-Z avec la musique de Pavement a fait l’unanimité de la presse. Cela est dans l'air du temps depuis un certain temps.

Qui a décidé du choix de chaque personnage et leur remplacement dans l'histoire originale ? Par exemple, Ralph Wiggum en Akira.

C’est Ryan qui a eu l’idée de transformer Bart en Akira, parce que le projet s’appelle Bartkira, mais il faut se rappeler qu’Akira ne figure pas beaucoup dans Akira. Pour moi, cela avait plus de sens d'avoir les deux personnages principaux, Kaneda et Tetsuo, interprétés par Bart et Milhouse étant donné que Les Simpsons explore souvent le thème de leur relation dérangée. « Bart vend son âme » évoque brillamment ce sujet justement. Bart est l’élément dominant dans cette amitié, mais lorsque l’on donne plus de pouvoir à Milhouse, il va immédiatement en abuser. Cela ressemble beaucoup au voyage que Kaneda et Tetsuo entreprennent dans Akira. En ce qui concerne le reste des personnages, nous avons mis beaucoup de temps avant de nous mettre d’accord sur le casting final. J’en ai fait un topic public sur ma page Facebook et tout le monde s’est mis à réfléchir dessus. Remplacer Akira par Ralph m’a beaucoup plu, ça me semblait drôle. L'idée de prendre un tel personnage aussi débile et de lui donner autant de pouvoir et d’émotions était hilarant. Comme il n'y a pas de parents dans Akira, Homer et Marge ont dû être mis de côté. Bart et les pères de Milhouse font une apparition, jouant des personnages tristes nommés "Birdman" et "Eggman".

2146 pages. Des centaines d'artistes. Des collaborations internationales. Comment as-tu géré la cohérence de ce concept extrêmement ambitieux ?

Comme vous pouvez l'imaginer, c’était une tache gargantuesque. Le premier mois, le projet a envahi ma vie. Je me suis alors imposé un rythme moins intense en me consacrant à Bartkira uniquement le week-end. Puis, j’ai commencé à engager des sous-éditeurs et assistants pour me soulager un peu. La réponse rapide à ta question est que nous utilisons beaucoup de tableaux Excel.

T'attendais-tu à t'investir autant ? Il a fallu plusieurs années pour en venir à bout.

C’est notre quatrième année! Et nous avons terminé quatre volumes. Cinq et six sont presque terminés également. Cela pourrait bien être notre dernière année. Et non, je ne m’attendais pas à ce que cela explose autant, je pensais y consacrer un mois tout au plus. J’allais l’uploader en fichier torrent sur The Pirate Bay et passer à autre chose. Si tout le monde avait fini ses pages à temps, ça se serait passé comme ça. D'une certaine manière, je suis content que ça n'aie pas été le cas et que le projet dure encore car cela signifie que ça a eu le temps de monter tranquillement. Les expos en galerie, les conférences, les sculptures, les tatouages, le street art et tous ces livres vendus - rien de tout cela ne serait arrivé si on s’était arrêtés au bout d’un mois comme initialement prévu. Du coup, j’ai appris énormément de choses sur comment diriger une équipe d’environ mille personnes. J’ai vraiment appris sur le tas. J’ai toujours du mal à croire tout ce que nous avons accompli malgré l'absence de budget.

As-tu été surpris par son impact dans le monde ? Les retours ont été unanimes.

Je pense qu’il y a eu un peu de négativité au cours de la première année en vue de l’ampleur du projet, personne ne savait si je serais en mesure de m’en sortir. Et comme je le disais précédemment, j’ai vraiment appris sur le tas, et il y a eu des erreurs dans la première phase. Mais oui, les critiques furent majoritairement positives. Personne dans la presse n’est vraiment d'accord avec nous pour dire qu’il s’agit de la Mona Lisa new age, mais nous avons entendu de belles choses. Le Japan Times a déclaré: « On ne sait pas comment, mais ça fonctionne » et je pense que c’est une critique assez juste. Bartkira est un pari fou, mais qui a son charme.

Tu as cassé complètement internet avec le trailer. Beaucoup de gens ont d'ailleurs cru à la sortie d'un film...

C’est vrai oui ! On est fou mais pas à ce point là ! Mais il se passe des choses étranges. On voit par exemple des remakes de Robocop et de Star Wars où chaque séquence a été réalisée par un réalisateur amateur fan. Bref, le trailer tel qu’il est aujourd’hui suffit pleinement. La beauté de ce projet est que tout le monde peut rejoindre l’aventure à tout moment. On a vu quelques zines Bartkira et des expos en galeries organisées par des fans par exemple. Donc si quelqu’un a les facultés d’en faire un film, il devrait foncer sans hésiter.

De quoi es-tu le plus fier dans cette aventure Bartkira ?

Je suis allé voir un concert de rap à Camden, Londres. C’était des rappeurs indépendants de Chicago. Auggie The 9th dont le look est une sorte de« Kaneda rencontre Bart Simpson ». Il m’a expliqué que ça faisait des années qu’il s’habillait comme ça et que quand il a vu Bartkira, ça lui a fait l’effet de planètes qui s’alignent. Il a pris le micro en disant : « James Harvey est parmi nous ! C’est le gars qui a fait Bartkira ! » et un autre rappeur du nom de ShowYouSuck a ajouté « Ah merde ! » et il est descendu de scène pour venir me serrer la main. Puis Auggie a terminé en disant « Je porte ces fringues pour toi, mec ! » et il a baissé son froc pour montrer un short Bart Simpson. À la fin, ils m’ont invité à venir les rejoindre sur scène. Checkez mon Instagram @harveyjamz et scrollez en arrière.

Quelle est la finalité ? Les fonds sont redistribués à des associations.

Une fois les frais remboursés, nous versons tous les profits à des associations caritatives. Nous ne prenons pas d’argent pour Bartkira. Nous donnons l’argent à Save the Children, une des associations préférées de Sam Simon, le créateur des Simpsons, et à OISCA Coastal Forest Restoration à Miyagi, une cause qui tenait à cœur à Katsuhiro Otomo.

L'expo à L.A. s'annonce passionnante. Quoi de prévu exactement ?

Ca va se passer à la galerie Nucleus, un endroit qui a accueilli pas mal d’expositions d’art conceptuel d’animation et des choses de ce genre. C’est moi qui vais tout organiser avec la galerie et avec ceux qui ont organisé les Bootleg Bart shows (Be Street, vous connaissez ?). Nous allons lancer notre dernier imprimé intitulé « Nuclear Edition », on montrera le trailer, je ferais un discours et une poignée d’artistes viendra dessiner et peindre des œuvres en live en rapport avec le projet. J’ai hâte d’y être, on se voit là-bas !

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

[albericdavet]

Fakear nous a parlé d’amour

Et de son effet sur son dernier album “Animal” !

L’amour est une altération qui dénature tout. Rien de légal ne procure de telles sensations. C’est surpuissant et dangereux. Ça marque durablement. Face à la beauté d’une relation, le sordide d’une rupture n’est qu’un risque minime à prendre. Dans le pire des cas, une cicatrice qui rappelle qu’on y survit, et qu’il ne faut jamais hésiter à tomber dans tous les doux pièges qui se dressent sur notre chemin. Fakear était amoureux quand il a composé cet album. Un amour lumineux, presque spirituel qui a tout changé pour lui. Sa vision de la vie. Ses priorités. Sa musique. “Animal” transpire l’expérience de ne faire plus qu’un, de voir à travers les yeux d’un autre et de comprendre où est notre essentiel. Son approche, ses productions et le reste, tout a pris une nouvelle teinte plus humaine. L’amour, la musique et la vie, on a discuté avec un homme nouveau… et un artiste tout simplement heureux !

“ANIMAL”, le titre de ton album annonce la couleur. D’où te vient ce désir de revenir aux basiques ?

D’avoir vécu trop longtemps loin des basiques peut-être ! Je pense que personne n’est fait pour vivre dans les villes, entassé les uns sur les autres… Et je crois que le message que nous véhicule la société et notre éducation d’être « toujours plus cultivé, toujours plus intelligent, d’accumuler le savoir » me sort par les yeux. Personne ne nous apprend comment nous écouter, comment être plus sage, plus mature, plus humain !

A quoi penses-tu quand tu parles des “trucs de bases qui font qu’on est vivant” ?

Je pense aux émotions. Je suis cynique quand je parle de ces « trucs de bases » mais j’ai l’impression que la société est cynique quant aux émotions. Quelle valeur ont la colère, la frustration, la tristesse, quand on doit être rentable ? Quelle valeur ont l’amour, l’amitié, quand on doit produire du contenu ? Se couper de ses émotions, c’est mourir un peu. Et je voulais passer ce message dans « Animal ».

L’amour a bouleversé l’enregistrement de cet album. Raconte-nous son influence sur ta musique.

C’est autant l’amour que la personne aimée qui ont bouleversé cet album. Le sentiment amoureux te donne des ailes, t’as l’impression que rien t’arrêtera, tu peux tout réussir, tout faire. Ça, tout le monde le sait plus ou moins. Le reste est plus personnel, mais tu vois, j’étais dans l’appart d’un pote à Paris, je venais d’abandonner un pan de ma vie derrière moi, j’étais plus sûr de rien ! Et pourtant, j’étais serein, bien face à l’avenir, confiant. Ma copine m’a ouvert les yeux sur l’estime que j’avais de moi, sur la spiritualité, finalement elle m’a aidé à trouver un sens à ma vie ! Par son courage, sa sagesse, ses émotions, je rencontrai pour la première fois quelqu’un qui s’écoutait pleinement, qui laissait libre cours à ce qu’elle ressentait… C’est toujours aujourd’hui une source d’inspiration incroyable.

Comment as-tu réussi à le transposer musicalement ? Tout est question de chaleur ?

Je ne sais pas, mais mon entourage l’a tout de suite ressenti. Mes morceaux allaient directement à l’essentiel, il étaient plus solaires, plus assumés, plus épurés. Je crois que quand tu ressens l’amour aussi fort, il n’est plus question de discrétion. Il n’y a plus que ça dans ta vie, du coup tu assumes, même tes côtés les plus kitsch.

Les voix féminines semblent jouer un rôle clé…

Oui, je m’en suis toujours servi. Je crois que j’ai du mal à découper des voix d’hommes, mais il faudrait que je m’entraîne ! Là pour le coup, je pense que c’est un truc culturel ; tu sais, on nous dit dans notre société que le féminin est synonyme d’émotion, de douceur, blablabla. Du coup, instinctivement, mes chansons d’amour ont des voix féminines, et mes chansons revendicatrices, des voix masculines… Oui, je ne revendique pas beaucoup.

Quel est le plus dur quand on compose une chanson d’amour ?

De ne pas s’emballer ! T’as toujours envie de te laisser porter, de balancer une envolée de violons lyrique qui (tu penses) va rendre ta chanson merveilleuse. Je pense que la beauté du sentiment amoureux dans l’art est dans sa suggestion, dans une sorte de retenue. Tu peux concentrer beaucoup plus d’émotions si tu as peu d’éléments ! Du coup je m’efforce de mettre le plus d’émotion possible dans chaque note, au lieu de la répartir sur plein de petits éléments.

Ta vie personnelle (et donc sentimentale) a-t-elle toujours eu un tel impact sur ta musique ?

Non, c’est assez nouveau pour moi. J’ai laissé beaucoup de place à ma vie sentimentale dans « Animal » parce que c’est ce qui me faisait vibrer le plus.

Quel est la place de l’imaginaire ? Le fantasme est-il toujours présent ?

Bien sûr, mais peut-être à une plus petite échelle qu’avant. Je réalise de plus en plus mes rêves, du coup c’est chouette, je peux m’inspirer de ma propre vie !

Lier ton histoire à l’album, c’est presque plus fort qu’une demande en mariage. Que ressens ta copine vis à vis de cette déclaration en 17 tracks ?

(Rires) Je crois qu’elle l’a pris comme une belle preuve d’amour. Mais une femme c’est un jardin, il faut en prendre soin chaque jour ! Je ne la considère pas comme acquise parce que je lui ai dédié mon album !

D’un naturel plutôt timide, qu’as-tu ressenti à “te foutre autant à poil” ?

Je crois que j’en avais besoin, après avoir passé autant de temps à me couper de mes émotions, à me couper de mon ressenti. Ca a été une libération. Je suis toujours un peu timide, car apprivoiser ses émotions c’est une chose, mais réussir à les laisser vivre en public, c’en est une autre !

As-tu toujours été optimiste ou c’est l’amour qui t’a changé ?

J’ai toujours été assez positif, mais j’utilisais parfois ça comme une armure, un barrage contre la tristesse. Je pense que l’amour m’a rendu réellement optimiste, dans le sens où il peut m’arriver n’importe quoi, tant que j’ai cette flamme à l’intérieur, je ne rendrais jamais les armes ! Je fais davantage face aux choses, avec plus de sincérité.

Comment vas-tu faire vivre ce projet en live ?

J’ai de la chance, car mon équipe et moi sommes très liés. Ils ont tous vécu mon histoire à mes côtés, ils connaissent tous ma copine, et ils savent quel message je veux véhiculer. On s’aime tous beaucoup, du coup, même si cela ne les concerne pas toujours, ils seront toujours prêts à défendre ce message amoureux auprès du monde entier. Finalement, mon histoire, au travers de la musique, leur parle aussi beaucoup. Et en live, on essaye de rendre ça beau ! On mise sur l’imaginaire des gens, sur leurs émotions. Tout est au service de ça : la lumière, le son. On va chercher les gens, on cherche à les rendre heureux !

Cet été s’annonce physique… Comment vis-tu l’éloignement avec ta bien aimée ?

On a trouvé un certain équilibre, au travers de la confiance que l’on se porte. Elle me suit quand elle peut sur les dates, et sinon on essaye de ne pas trop s’attendre pour vivre nos vies, pour rester épanoui. On s’aime énormément, mais sans fusion ni dépendance.

Be-street.com

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Pourquoi Skepta va-t-il exploser avec son prochain album ?

A quelques jours de la sortie de “Konnichiwa”, on est revenu sur les raisons du futur succès de ce MC anglais.

Après des années à subir les changements et se morfondre, l’industrie musicale vit une période étrange et euphorique. Comme une survivante, tout lui semble extraordinaire. Oui, elle est encore là. Non, la musique n’est pas morte. Et surprise, on peut faire de l’argent, beaucoup d’argent avec Internet. C’est donc l’oeil vissé sur les vues Youtube et les statistiques des réseaux sociaux que les labels parient désormais sur les bons coups. La réactivité est au cœur de tout – un phénomène virtuel ayant une durée de vie très courte – il faut absolument le signer avant les autres et sortir l’album tant que le bouche-à-oreille n’est pas épuisé. Un bal du médiocre fascinant !

En vétéran d’un mouvement underground purement anglais, Skepta est l’antithèse de toute cette nouvelle mécanique bien vaselinée. Une longue carrière ; des hauts et des bas ; un rapport autistique à la “vraie” Grime, on est tout sauf face à l’artiste tendance dragué habituellement par l’industrie du divertissement ou plebiscité par le grand public. Pourtant, la hype est là, sacrément là. Son prochain album “Konnichiwa” est même attendu partout dans le monde. Et par partout, on entend aussi aux Etats-Unis, réputés difficilement prenable pour les artistes étrangers qui ne font pas du rock, de la pop ou de l’EDM (la pop de l’électro). Même si le “pape de la Grime” est habitué au succès en Europe, c’est la première fois qu’on parle d’un possible carton international. Un cap a été franchi, c’est certain. Mais comment l’expliquer ?

L’expérience

Comme la Grime et ses représentants (Dizzee Rascal, Wiley & co), Sketpa a tout connu : des radios pirate et soirées underground dans des caves aux télés et scènes des plus grands festivals internationaux. Quand le grand public a tendu l’oreille vers Londres, il faisait partie de ceux qui ont tout tenté pour vendre, même les tubes pop / dance insipides qui n’avaient plus rien à voir avec la grime ou les rues anglaises. Si certains gardent un souvenir nostalgique des grosses ventes et des paillettes, Skepta est ressorti amer et désorienté de cette expérience.

Ce mal-être et revers du bling bling, il l’a partagé dans une vidéo Youtube étrange devenue culte : #UnderdogPsychosis. Il est difficile d’accepter l’échec artistique quand tout nous a souri. Pourtant, c’est ce qu’il a fait – faire le deuil d’une mauvaise facette de sa musique et d’un succès qui ne lui ressemblait pas. Ce burn-out artistique correspond au moment où la Grime et ses mutations commerciales agonisaient gentiment dans la presse et les charts. Un mal pour un bien et un tournant décisif dans sa carrière. “Savoir ce qu’il ne voulait plus” lui a permis de planter les bases saines de sa renaissance.

L’authentique

Skepta va retourner dans le quartier de ses parents – Palmers Green – et tirer de cette période un track rédempteur #ThatsNotMe. “Sex any girl? That’s not me/ Lips any girl? That’s not me/ Yeah, I used to wear Gucci/ Put it all in the bin cause that’s not me.” Ce non-tube qui va le devenir théorise la nouvelle direction artistique du rappeur. Londres ; sa musique ; son histoire ; ses références. Il se recentre sur ce qui définit son identité – musicale et personnelle. La vision est claire, tranchée, authentique. “Pourquoi fantasmer une vie qu’il n’a et n’aura jamais ?” Voilà la logique qu’il suit. Coup de génie, les fans retrouvent le Skepta des débuts alors que les nouveaux venus découvrent une musique nerveuse, sans concessions et méchamment énergique. La Grime, la vraie.

Ses convictions et cet adn sont déclinées à tous les niveaux. Exit les vidéos reprenant les codes américains. Hello, l’Angleterre sans fioritures et dégueulasseries dorées. Ce nouvel élan artistique va aussi l’entrainer dans une recherche plus poussée autour de ses origines. L’Afrique et en particulier le Nigéria apparaissent dans ses influences. Skepta sait d’où il vient et où il veut aller. Le terrain est fertile et donne une nouvelle envergure à sa musique.

Le contrôle

Ce renouveau fonctionne au point que des grosses pointures comme Kanye West et Drake sentent le bon coup et lui offrent une tribune internationale via la scène des Brit Awards, Instagram ou même via track interposé (“Used to” sur “If You’re Reading This It’s Too Late”). L’effet est immédiat. Après plus de 10 ans dans le game, Skepta devient la sensation “underground” du moment et signe sur Ovo, le label de Drizzy. Pas prêt de refaire les erreurs du passé, ce deal ne porte que sur le marketing et la distribution, soit l’assurance d’être épaulé par une très belle machine de guerre commerciale.

L’artistique reste par contre entièrement entre ses mains, ce qui lui permet de retarder la sortie de l’album, de bénéficier d’une certaine caution Ovo pour le grand public et de faire à peu prêt ce qu’il veut. L’indépendance avec tous les avantages d’une maison de disque en résumé. Timing parfait, “Shutdown” – hit aussi brut qu’efficace – sort dans la foulée en venant confirmer son potentiel et renforcer ses choix. Preuve qu’il n’est plus prêt à faire de sacrifices, sa volonté sans faille de tourner tous ses clips chez lui. Le New Yorkais Young Lord de l’A$AP Mob fera par exemple le déplacement pour leur “It Ain’t Safe”. Skepta dicte les règles. Point.

Pari déjà réussi ?

Singles qui fonctionnent forts (“Ladies Hit Squad” et “Man“), featurings internationaux, tour US et énorme couverture médiatique, Skepta a – d’une certaine manière – déjà explosé. Plus important, il a réussi à capitaliser sur son expérience, à produire la musique qu’il voulait et le tout en maitrisant de a à z sa montée. A notre époque où la viralité est au cœur de tout, il prouve qu’un travail de fond (artistique et stratégique) et une certaine patience peuvent être encore synonyme de véritable succès. 

Les artistes qui – comme lui – peuvent se targuer de réussir en gardant une totale liberté et en dictant même leurs règles se comptent sur les doigts d’une main. La vraie réussite est ailleurs… et elle ne se mesure pas en vues. Skepta l’a bien compris même s’il lui a fallu plus de 10 ans. Il ne reste plus qu’à apprécier cette sagesse et ce savoir-faire sur “Konnichiwa” !

Be-street.com

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The Gasbox : Customs authentiques “Made in Cleveland” (6 pages)

Rencontre avec un ouvrier / artiste custom au caractère bien trempé.

Depuis la crise des subprimes, Cleveland est souvent présentée comme une ville à la dérive, un Détroit bis. Il faut dire que quand l’économie s’est cassée la gueule, tous ceux qui n’avaient pas les reins assez solides ont péri. Ce n’est pas forcément à prendre métaphoriquement. Le choc a été rude, mortel dans bien des cas. Darwinisme économique, seuls les plus forts ont tenu bons. “The Gasbox” fait partie des survivants, les fortes têtes qui n’ont pas tremblé face à cette catastrophe internationale. Garage naviguant entre tradition et modernisme, il est la propriété de Jesse Bassett, un passionné presque né dans le cambouis. Ce mécanicien expérimenté et entrepreneur met un point d’honneur à satisfaire sa clientèle en proposant des customs qui respectent une vision mécanique et esthétique très précise, entre simplicité des silhouettes et respect quasi religieux pour le culte. On est loin des garages qui préfèrent se présenter sous un jour “plus design“ que mécanique. De l’authentique et du réfléchi pour la route, voilà ce à quoi on a droit quand on passe par chez lui.

Pour réussir à développer chaque commande comme il l’entend, il a créé une structure qui lui permet de donner vie à n’importe quelle idée (même s’il faut produire des pièces spéciales directement dans l’atelier). D’un moteur nu, il est capable de dessiner une moto qui pourra parcourir, après quelques semaines voir des mois de travail, les routes du monde entier. Loin de se figer dans la production d’un seul style de custom, il y a une grande diversité dans ses productions en terme d’époque, de marques et de formes. L’expérimentation, même si toujours basée sur des références intemporelles, permet d’aller de l’avant et d’évoluer. Pour en savoir plus sur son garage, on lui a directement posé nos questions. A l’image de ses réalisations, il n’a pas tourné autour du pot et nous a dit en quelques lignes le fond de sa pensée.

D’où vient ta passion pour les deux roues et la mécanique ?

J’ai grandi dans un magasin de motos, je ne connais que cette vie là. J’ai débuté en tant que mécano et l’aspect custom est arrivé progressivement par la suite.

Quel est ton rapport avec la ville de Cleveland ? Ça a l’air d’être un environnement plutôt rude.

J’ai vécu au centre de Cleveland une grande majorité de ma vie. Les gens qui ne sont pas d’ici ont tendance à penser que c’est rude mais moi j’aime cet aspect justement.

Comment as-tu géré pour t’en sortir et ne pas subir la crise ?

Les gens ne s’arrêtent pas de conduire leur bécane à cause de la crise économique. Au contraire, la précarité permet aux petits business de faire des produits de qualité et ceux qui ne font que surfer sur la vague de la tendance, s’auto-éliminent.

Pourquoi avoir choisi de lancer “The Gas Box“ ?

J’ai quitté le magasin dans lequel j’ai pris mes marques à l’âge de 25 ans pour me lancer en solo. J’avais l’ambition de me concentrer sur les customs de toutes marques confondues à une époque où les gens ne connaissaient que les customs de Harley.

En quoi ton garage sort-il du lot ? Quelle est ta vision ?

Nous sommes un prestataire de service qui s’est transformé en garage custom. La fonctionnalité et une attention minutieuse au détail sont les deux facteurs au cœur de tous nos projets.

Il y a un gros travail sur les références. Comment s’organisent tes recherches pour un custom ?

J’aime me focaliser d’abord sur le moteur et en général, c’est lui qui me dicte l’esthétique de la moto. Je choisis ensuite une certaine époque comme source d’inspiration et j’essaie de n’utiliser que des pièces issues de cette période.

Quel type de sources utilises-tu pour enrichir ton idée de base ?

Je m’inspire de tout et n’importe quoi. Je suis d’avis qu’une bécane doit être aussi simple que possible. Souvent je commence avec une série d’idées que j’élimine au fur et à mesure jusqu’à ce que je me retrouve avec uniquement le moteur et les freins.

Même s’il y a une très grande diversité dans tes réalisations (années, modèles, formes, etc.), sur quel type de moto préfères-tu travailler ?

J’ai eu la chance de travailler sur tous les styles avec tous types de configurations et ma préférée sera toujours la Norton Commando. C’est une moto vintage avec un puissant moteur et très plaisante à rider.

Peux-tu dire quelques mots sur…

– Ta Norton Dominator de 1950 ?

Le client était un Anglais de Londres qui voulait absolument une Norton vintage. Il voulait une moto classieuse et épurée. Nous avons tout fait nous-même sur ce modèle, excepté le moteur.

– Ta Triton de 1959 ?

Ce custom était pour un ancien client qui voulait notre version de la Triton. Nous avons réussi à trouver les bonnes pièces d’époque (cadre, fourches, roues) puis nous avons modifié le cadre et remodelé la tôle.

– Ta BMW de 1983 ?

Cette moto a reçu un accueil incroyable et inespéré. J’ai failli ne pas la faire car il s’agit d’une BMW et que le client voulait copier un autre custom. Mais après plusieurs heures d’observation et de dialogues avec le client, le résultat est plutôt satisfaisant.

De ton point de vue, qu’est-ce qui différencie un bon d’un mauvais custom ?

Un custom doit être conçu et construit à partir de l’inspiration du constructeur. Si celui-ci essaie de faire plaisir à son client et non à lui-même, le résultat risque en effet d’être médiocre.

Quels ont été tes plus grands défis mécaniques ?

Le plus gros défi dans ce métier est de réussir à gagner de l’argent tout en restant fidèle à ses idées et envies.

Quels sont les projets que tu nous réserves dans les prochains mois ?

Harley, Triumph et Ducati… Checkez mon site pour plus d’infos.

La suite ?

La suite reste un mystère.

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

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G-Eazy N’est Pas Qu’une Belle Gueule Du Rap US (6 pages)

Même E-40 - pape de la Bay Area - le valide.

G-Eazy n’est pas qu’une belle gueule, le “James Dean du rap US“, comparaison morbide et maladroite lâchée par certains journalistes. Derrière la plastique avantageuse se cache un artiste ambitieux adoubé par des pointures telles qu’E-40, le pape de la Bay Area. Perfectionniste et légèrement “control freak“, c’est lors de son premier concert parisien en 2014 qu’on avait pris toute la mesure de son talent, de son ambition et de la rigueur de son travail. Une vraie machine au potentiel qui annonçait un futur succès populaire pour son projet, “These Things Happen“. Ce fut le cas. Sans surprises. Avec son deuxième album, “When It’s Dark Out“, il continue sur sa lancée en offrant un rap toujours aussi pop, sombre et efficace. Son style s’y affirme. Ses productions respirent et prennent du poids. L’intense prend le pas sur la démonstration. Du très bon rap commercial sans l’être. Histoire de mieux comprendre sa musique et sa vision, on a eu l’opportunité de discuter avec lui avant son départ pour un nouveau tour mondial démesuré. Un entretien décontracté où il s’est livré sur ce chapitre important de sa carrière.

J’étais à ton premier concert parisien il y a un peu plus d’un an. Ton succès a été fulgurant depuis… Surpris ?

Oui et non. D’un côté oui, je me pince presque tous les jours, tout est super excitant et je profite à fond de tous les bons moments, j’ai toujours des étoiles dans les yeux quand j’ai l’occasion de serrer la main d’artistes dont je suis fan, je pète un câble quand on fait des concerts à travers les villes du monde entier et qu’il y a des gens dans le public qui savent les paroles… Mais d’un autre côté, lorsqu’on a de si grandes ambitions, toutes ces bonnes choses sont la conséquence logique.

Quel est le plus dur quand tout fonctionne comme prévu ?

Les choses ne se passent jamais réellement comme prévues, il s’agit donc de gérer en fonction des éventualités qui surgissent.

Comment es-tu ressorti physiquement et moralement de ce premier tour mondial ?

Physiquement, j’étais épuisé. Ma team n’est pas du genre à prendre des jours off, c’est go go go tout le temps. Du coup on enquille les kilomètres, les vols, les concerts, etc… Côté moral, tout cela m’inspire. On ne peux pas prendre tout cela comme allant de soi, alors on encaisse et on se rappelle qu’on a sacrement de la chance d’en être arrivé là.

Ce deuxième album était une étape cruciale dans ta carrière. Comment as-tu géré la pression ?

Je ne l’ai pas laissé m’envahir. Si tu y penses trop, la pression finit par te bloquer au niveau créatif. Je m’en suis donc servi comme motivation sans trop y penser. J’allais au studio avec comme but de faire la meilleure musique possible.

Avec “When It’s Dark Out“, qu’avais-tu en tête ? Ta vision semblait très claire quand tu t’es lancé dans l’enregistrement.

J’avais une idée de la direction que je voulais prendre avec l’album, l’ambiance générale, le concept et le ressenti global. Mais au-delà de ça, il faut se lancer avec un premier jet, ce n’est pas bon de se limiter avec des idées préconçues.

L’inspiration principale est à chercher du côté des films d’horreur. Pourquoi choisir cette direction ?

Il y a tellement de choses qui m’inspirent, j’écoute tout un tas de genres de musiques différents… J’adore les bandes originales de films, le genre de musique épique, sombre et orchestrale. J’avais donc envie d’incorporer des petits bouts par ci par là dans ma musique.

Avais-tu des films, scènes ou B.O spécifiques en tête ? Si oui, lesquels ?

La bande son de « Children of the Corn » et de « Sweeny Todd »… à peu près tout ce que Tim Burton et Danny Elfman ont pu pondre ensemble en fait… Aussi « The Dark Knight » et la BO de « Tron ».

Plus d’une soixantaine de sons ont été enregistré pour arriver au projet final. Replonge-nous dans le process nécessaire à un tel album.

Je voulais toucher à tout. Travailler avec un maximum de personnes, tout tenter avant d’être totalement vidé d’inspiration.

En quoi étais-ce essentiel pour toi de faire appel à un plus grand nombre de producteurs ? La nécessité d’ouvrir ta musique ?

C’était surtout cette envie d’essayer plusieurs choses. Je pense qu’il est très important de sortir de son univers familier parfois.

Les featurings sont surprenants. Au-delà des grands noms, on trouve de nombreuses nouvelles signatures prometteuses. C’était important pour toi d’offrir une visibilité à ces rookies ?

Pour moi, quand quelqu’un est bon, il est bon, point barre. Peu importe son nom ou sa notoriété… Quand la musique est bonne, elle est bonne, son origine est secondaire. Je pense que tous les artistes présents sur mon album ont fait un excellent travail et c’est la seule raison pour laquelle ils figurent dessus.

Pourquoi “Everything Will Be Okay“ a-t-il une place particulière dans cette tracklist ?

Je pense que l’ordre des chansons est un aspect très important lorsqu’on travaille sur un album. C’est un peu comme de regarder un film, cela n’aurait aucun sens de mettre la scène finale au milieu du film ou au début du récit. Il y a un flow naturel et logique à respecter.

Ton écriture a évolué. Qu’oses-tu aujourd’hui que tu te serais interdit il y a quelques années ?

Il faut oser essayer de nouvelles choses, ne pas avoir peur de prendre des risques créatifs. Je pense que c’est ainsi que l’on évolue en tant qu’artiste, qu’on apprend à se connaître et qu’on découvre de quoi on est réellement capable.

Pas le temps de savourer ce nouveau succès… tu repars sur les routes. Comment t’es-tu préparé à ce déferlement de dates ?

J’adore être en tournée, c’est là que je suis le plus heureux. Je m’en réjouis d’avance !

Ton prochain passage à Paris est (ou était) prévu au Bataclan. J’imagine que cette date va être particulière pour toi…

Ce qu’il s’est passé dans cette salle de concert est une tragédie et cette date sera définitivement lourde de sens. Le pouvoir de la musique est une très belle chose, elle a la force de rassembler les gens et c’est exactement ce qu’il se passe à Paris actuellement. Les habitants de Paris se regroupent et essaient de faire le deuil ensemble. C’est très touchant.

Quand on arrive à ce niveau, qu’attend-on réellement de la suite ?

Il me tarde de démarrer cette nouvelle tournée, de parcourir le monde et de jouer ce nouvel album live.

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

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Don Pendleton – L’artiste emblématique de l’industrie du skate se dévoile

Le très discret Don s'est livré à nous à l'occasion de sa collab' avec Volcom.

Le confort ramollit. La routine tue. Les combattre est essentiel pour survivre créativement. Rien de pire qu’un artiste qui décline son art d’un œil vide et satisfait. Le très discret Don Pendleton a réussi à s’arracher du trop commun et de l’ennui en ne cessant jamais d’expérimenter. Derrière ses œuvres aux accents abstraits et faussement naïfs, une réelle volonté de continuer à prendre du plaisir et à évoluer comme sur un skate. Malgré les années et les centaines de visuels réalisés pour l’industrie, sa passion est intacte et c’est avec un visage impassible mais le regard brillant qu’il nous a parlé de son art et de son process. Une plongée passionnante dans l’envers du décor de son univers et de sa vie.

Peux-tu me décrire l’atmosphère de la petite ville où tu as grandi ?

C’est une très petite ville où il y a une aciérie, et où la plupart des gens sont des travailleurs et des ouvriers de l’acier. Très rurale, minuscule et isolée.

C’est ton père qui t’a transmis son amour de l’art ?

Je suis allé en vacances à Virginia Beach – à 5h de route de chez moi – j’y ai découvert la “beach culture” et le skate. Mon père peignait après le travail. C’était un ouvrier mais dès qu’il rentrait à la maison, il s’y mettait. Etre exposé à ces deux choses a été très marquant pour l’enfant de 8 ans que j’étais. Le skate est vraiment rentré dans ma vie quand j’avais 12/13 ans.

Qu’as-tu trouvé dans la culture skate ?

C’est un sport individuel et solitaire. J’utilise grossièrement le terme “sport”. Pour moi, c’est plus comme un art. C’est un acte individuel. Pas d’équipe, pas d’organisation. Il n’y a pas non plus de bonne ou de mauvaise façon d’en faire. C’est ouvert à l’interprétation et à la créativité. Il y a un coté artistique que j’aime. Il y a du risque aussi. Le fait de skater et d’être possiblement blessé, c’est comme être un cascadeur sauf qu’en même temps tu es créatif, tu apprends de nouvelles choses et tu as quelque chose sur lequel te concentrer.

Quel genre d’enfant étais-tu à cette époque ?

Probablement assez timide. J’aimais les choses qui n’étaient pas populaires pour mon âge. Même l’art était un peu ringard. Tout le monde en avait après le sport et les activités organisées. Faire quelque chose tout seul, ne compter que sur toi, c’était très différent de ce que les autres faisaient et c’est surement pourquoi ça m’a attiré. Je n’étais pas quelqu’un de très sociable, je ne le suis d’ailleurs toujours pas (rires). C’est juste dans ma nature j’imagine…

Avais-tu déjà ce style artistique à tes débuts ?

Un peu, je pense que j’ai toujours été expérimental. J’ai toujours cherché à jouer. Je n’ai jamais essayé de produire quelque chose de spécifique. C’était un prétexte pour m’amuser et c’est d’ailleurs toujours le cas. Je pense que j’évolue d’une manière naturelle. J’aime le fait que certaines de mes œuvres ressemblent à ce qu’un enfant pourrait faire parce que ça montre qu’il y a encore une part de moi qui expérimente et s’amuse sincèrement. Ce n’est pas qu’une question d’oeuvres et d’expositions tout le temps. C’est juste une envie de créer quelque chose de différent.

Essayes-tu de créer un langage ou de raconter des histoires ou est-ce totalement abstrait ?

Parfois, il y a une histoire dans mes compositions ou entre les différentes oeuvres. Pas quelque chose de spécifique ou trop direct. Je veux laisser les gens libres d’interpréter. Ils ont la possibilité de penser que mes personnages sont endormis… ou qu’ils sont en train de mourir, qu’ils sont en paix… ou en train d’agoniser. J’aime le fait qu’ils voient des choses différentes. Je mets un peu de mes émotions ou des choses de ma vie dans mes œuvres. Je ne sais pas si les gens le voient mais c’est là, quelque part.

Quand tu reviens sur tes œuvres passées, cela te rappelle des moments précis de ta vie ?

Enormément, surtout quand je regarde certaines pièces. Mon père était malade pendant de nombreuses années et dans toutes les peintures que j’ai réalisé durant cette période, je peux me projeter. Je reviens à des moments précis et je le vois. C’est comme une capsule temporelle. Il n’y a pas tout le temps autant de sentiments. Mais si je vis un moment important de ma vie, ce sera immanquablement dans mes peintures et mes compositions. En ce moment, ce n’est pas le cas. Les œuvres que je suis en train de réaliser n’ont pas ce caractère émotionnel. C’est plus abstrait. Ça évolue et change selon ce qui se passe dans ma vie personnelle et professionnelle.

Tu peints professionnellement depuis 20 ans. Comment réussis-tu à garder intacte ton excitation artistique ? Ta curiosité ? Ta créativité ?

Ça tient grâce aux défis permanents, au fait d’expérimenter différents styles et techniques, et d’essayer de rester curieux vis à vis de la création pure. Je ne me repose pas sur mes lauriers, un médium ou une manière de travailler. J’essaye de trouver différents angles pour le travail. La plupart du temps, c’est quelque chose qui est essentiel dans ma vie personnelle et qui se retrouve forcément dans ma vie professionnelle. Ça n’a jamais été difficile pour moi de garder mon excitation et mon amour pour l’art parce que c’est juste une partie importante de moi, une extension de qui je suis. Parfois, avec les deadlines et ce genre de choses, c’est plus difficile. Tu est stressé et tu perds le caractère “fun” de ton job. Il faut l’oublier et te concentrer sur la seule création. Tu aimes ça ou tu n’aimes pas, mais si c’est le cas, tu voudras toujours le faire d’une manière ou d’une autre. Il y a toujours de la curiosité dans ma démarche. Ne jamais être satisfait et savoir qu’il y a différentes manières d’aborder tout me permet de rester créatif et motivé.

Tu penses seulement à toi ou ton approche prend en compte ton public et sa réaction ?

J’ai fait des visuels de skate pendant très longtemps. J’en réalise depuis 1998 et je n’ai jamais pensé aux clients. Je n’ai jamais réfléchi au fait que quelqu’un allait acheter. A l’époque, j’essayais juste d’impressionner le propriétaire d’Alien Workshop et de faire quelque chose que je trouvais intéressant et différent parce que je sentais que si ça me plaisait, ça plairait à tout le monde. Quand je suis arrivé au moment où je me suis dit “c’est un gros business et l’entreprise s’est vraiment développée”, ça m’a rendu nerveux parce que j’ai commencé à trop penser. Il y avait une partie de moi qui commençait à se dire “c’est un produit, pas une œuvre d’art”. Quand tu commences à avoir ce genre de réflexion, ça te brouille ton process et ta vision. Ça rend les choses bien plus stressantes qu’elles ne le sont en réalité. Pour créer quelque chose, tu dois garder un process organique et naturel. Tu dois garder un certain état d’esprit sans penser que tu vas être critiqué.

A cette époque, tu as produit plusieurs centaines de visuels. Te sentais-tu déjà artiste ?

Oui, je me sentais artiste parce que je pouvais laisser libre court à toutes mes idées artistiques et que j’avais une audience. C’était pur. C’était un microcosme de skateurs fidèles. Ce n’était pas des non-skateurs qui critiquaient. C’était confortable. Je ne me sentais pas juger.

Te sens-tu plus critiqué aujourd’hui ?

Un peu plus aujourd’hui parce que mes œuvres ont plus de visibilité, que je réalise des projets plus importants et que j’ai un public qui ne vient pas du skate et qui regarde mon art d’une manière différente. C’est déplaisant parfois, mais pas d’une mauvaise manière, ça permet de changer de perspectives sur ce que je réalise parce que ça me pousse à penser différemment. Surtout avec des clients qui ne sont pas issus du skate, parce que je dois toujours me demander si je ne vais pas trop loin. Normalement, je fais de mon mieux pour faire taire cette partie de moi.

Es-tu mal à l’aise en interview ?

Un peu parce que pour moi, l’art est comme le skate. C’est un acte solitaire où tu es isolé et tu t’amuses. Le fait d’en parler signifie être avec quelqu’un d’autres et avoir un public. C’est juste comme quand tu essayes de ne pas penser au fait que tu as des clients quand tu réalises des visuels de skate. Parfois, c’est difficile d’en parler parce que dans ma tête, c’est réellement très simple.

Je reviens sur ton process artistique. La spontanéité et la simplicité sont-elles au cœur de tout ?

Ça dépend. Par exemple, ce soir, je vais faire un live painting pour l’event Volcom et j’ai juste fait le brouillon aujourd’hui. Pour moi, ce n’est pas stressant, c’est amusant parce que je sais qu’il n’y a pas de bonne ou mauvaise façon de le faire. La spontanéité vient quand il s’agit de rester original et différent. Au lieu d’approcher tout de la même manière, chaque pièce est l’occasion d’avoir une approche différente, une présentation différente, un process différent…

Est-ce pareil pour une exposition ?

Chaque fois que j’aborde des œuvres pour une exposition, il y a normalement une histoire. Je veux que les pièces soient cohérentes quand elles seront présentées ensemble. Je veux que, lorsque quelqu’un les verra toutes, il parte avec – pas nécessairement une histoire ou une idée précise – mais un sentiment ou une réaction personnelle. Cela dépend de mon humeur quand je commence une pièce, ça peut dicter la vitesse à laquelle je vais la finir et la manière dont je vais en être satisfait, parce qu’il y a tellement de fois où je termine une œuvre et que je repeints par dessus pour recommencer parce que je ne la sens pas. C’est difficile de mettre le doigt dessus, c’est comme de l’instinct. “Comment définir quand une peinture est finie?”. C’est intuitif. Quelque chose en toi te dit “C’est bon.” J’aime travailler sur une exposition solo parce que ça t’oblige à penser. Normalement, j’explore une certaine idée ou émotion, et je la mets dans toutes les peintures. Si tout va bien, lors du vernissage, les gens repartent en ayant compris où je voulais en venir et sentent qu’ils ont vécu une expérience qu’ils n’avaient pas encore vécu avant.

C’est ton but en tant qu’artiste – partager des expériences personnelles ?

Je ne serai jamais trop littéral. Je ne sais pas comment font les artistes ou les musiciens qui sont capables de faire ça, de partager clairement toutes leurs émotions avec leur public. Je veux donner aux gens des idées sur certaines choses mais en les laissant assembler les morceaux et les interpréter. Pour moi, c’est plus intéressant que d’être trop direct. Je pense qu’il faut avoir les tripes pour… chose que je n’ai pas en tant qu’artiste. Je préfère plutôt donner des indices et les laisser partir avec des questions “est-ce qu’il voulait dire ça ?” / “Est-ce que c’est ça qu’il voulait partager ?”. Ça permet de maintenir une frontière entre l’artiste et le public. Je pense que cette ligne est très importante et je ne veux pas la franchir (rires).

Penses-tu à la suite et les évolutions de ton art ?

Je veux que mon style évolue d’une manière naturelle. Je peux regarder mes œuvres de 1998 en les comparant avec celles d’aujourd’hui, et trouver un fil conducteur. C’est comparable en termes de style mais il y a des différences. J’ai expérimenté ce que sont les lignes, les formes et les couleurs, et tous les différents variables que tu peux ajuster. Mais tout reste lié au fait que je m’amuse, et que je continue d’expérimenter. Je ne veux pas arriver au point où je serais trop confortable ou confiant. Si tu es trop confiant, je pense que tu ne progresses pas.

Pourquoi avoir choisi de faire une école d’art à l’époque ?

Je voulais être pro et vivre dans une ville où je pourrais skater. Je travaillais dans un skateshop et je skatais tout le temps en ratant mes cours. Je n’étais pas très école ou absorbé par les cours. Quand j’étais à l’université, ma vie tournait autour du skate. Point. J’y ai découvert quand même pleins d’artistes et ça m’a fait m’intéresser plus à la peinture. Je dirais que je n’ai jamais essayé de transformer ça en un job. C’était juste histoire de me marrer. Je n’aurais jamais pensé pouvoir vivre de l’art un jour. Je voulais juste skater et j’ai fini par avoir mon diplôme en design graphique et me dire que je pourrais gagner un peu d’argent.

Ne pas devenir pro skateboarder, ça fait partie de tes regrets ?

(Rires) Non, j’avais des sponsors. J’ai fait quelques démos et contests. J’ai eu un avant-goût de cette vie mais dès que j’ai commencé à bosser pour l’industrie en 1998, c’était presque mieux parce que je pouvais côtoyer les gens que j’admirais et continuer à skater tout le temps et sans pression. Il y avait des rampes juste devant la porte de mon bureau. Je n’ai jamais regretté, même au plus profond de moi. Je n’aurais pas eu les couilles de déménager en Californie et même quand j’y pense, je sais que je n’aurais pas été assez bon pour devenir pro. Je pense que pro skateur est un métier difficile et que ce que je fais est quand même plus marrant. Je m’amuse toute la journée et je suis payé pour ça.

Parles-moi de ta collab avec Volcom.

J’ai vu Volcom se développer en tant que marque, parce que je faisais partie de l’industrie. Ils avaient vraiment une bonne team et j’ai été très vite attiré par leurs produits parce qu’ils avaient une identité unique. Ça me parlait ! Je sens que Volcom et moi, on partage la même passion pour l’expérimentation, le fait qu’on ne sait pas vraiment ce qu’on fait et qu’on prend du plaisir dans le process. Etre capable d’arriver au point où deux univers peuvent se rencontrer – ce qu’ils ont fait pour le skate et ce que j’ai fait pour le skate – et juste s’amuser en créant quelque chose de nouveau. Pour moi, c’était la parfaite collaboration. On ne savait pas vraiment ce qui allait se passer. Ils ont fait ce qu’ils savent vraiment bien faire – toute la production et le design – et j’ai mis mon grain de sel. C’est comme une extension personnelle de ce que j’aurais fait si j’avais leurs compétences. C’est très gratifiant parce que quelquefois, les entreprises ne veulent qu’un nom et ta signature sur une collab’. C’est juste une question de promotion mais avec Volcom, ils l’ont pris autant sérieusement que moi, mais en gardant cette part essentielle de “fun”. C’était une vraie opportunité de réaliser quelque chose de meilleur que ce que j’avais déjà réalisé dans le passé. Ça avait du sens !

Quelle est la suite ?

J’ai une exposition en mai à Laguna Beach que je suis en train de préparer en ce moment et je refais des trucs pour le skate. J’avais fait une pause parce que l’industrie avait changé, c’était plus compliqué. Il y avait bien trop de petites marques mais j’ai commencé à prendre plaisir à refaire des visuels. Volcom et moi ? On va continuer à travailler ensemble et sortir des nouveaux produits sur les prochaines saisons. On veut essayer de développer la ligne et aller plus loin en termes de produits, matières et dans la manière dont mon art y est appliqué. Je sens que ce n’est que la première étape d’une belle histoire et j’en suis très content. On s’amuse et on compte bien continuer !

Be-street.com

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Leçons de savoir-créer par Ta-Ku, le producteur ultra-talentueux (6 pages)

L'artiste – hyperactif créativement - nous a donné tous les secrets de son succès.

Notre époque est difficile. Attentats, chômage de masse ou précarité à tous les niveaux, l’horizon est voilé par un épais brouillard. Ce n’est pas près de changer. Qu’importe, les choses sont ce qu’elles sont. “Il faut faire avec”. Si d’un côté, tout semble perdu, de l’autre, les possibilités sont infinies (du moins, il faut le croire). Les nouvelles technologies nous ont offert une liberté que les générations précédentes n’auraient même pas pu fantasmé. On a énormément entre les mains et c’est à nous et seulement nous de nous bouger. Ta-Ku fait partie de ceux qui ont su utiliser tous les outils qui s’offraient à lui. Producteur d’une musique hip hop hybride. Artiste issu de Soundcloud au succès planétaire. Photographe à l’audience virtuelle impressionnante. Et même, créateur d’une marque basée sur un hashtag. Difficile de faire plus “enfant de son époque“ que lui. Après une année 2015 faste, on est allé à sa rencontre pour mieux comprendre le parcours de cet hyperactif, sa musique et tout le reste.

Regan “Ta-ku” Mathews a tout sauf eu le parcours type de l’artiste voulant percer à tout prix. Amateur de musique, c’est au lycée qu’il a commencé à écouter tout et n’importe quoi et nourrir l’envie de passer derrière les platines. Sa collection de vinyles de l’époque était déjà à l’image de sa future musique. Des classiques rock ou de la Motown aux monuments de la soul, il s’est tanné l’oreille avec du classique, de l’indémodable et du tangible mais sans oublier de baigner dans la “Miami Bass” et le “Crunk” alors furieusement à la mode. Un producteur ne doit jamais s’enfermer dans un style. Il doit essayer de chercher l’inspiration partout où il peut la trouver. Ecouter de la musique et expérimenter un maximum est aussi sain que s’entrainer et pratiquer pour un sportif. C’est encore mieux quand cette hygiène de produire découle du simple désir… de produire de la bonne musique. C’était et ça reste sincèrement le cas pour Ta-Ku. Si les générations précédentes envisageaient la réussite d’une seule manière – l’argent – les choses ont évolué pour une majorité plus créative d’entre nous. Maslow ne comprendrait pas un mec qui poste gratuitement des sons sur internet.

Vendeur d’assurances santé à Perth en Australie, son “hobbie” musical n’était pour lui qu’un moyen de se détendre en dehors du travail. Sans se forcer, il passait des nuits devant son ordinateur à produire selon son inspiration avant d’uploader le tout sur Soundcloud. Ce trait de personnalité se retrouve dans tout ce qu’il entreprend. Rien ne découle de calculs complexes. Tout semble couler naturellement. Ta-Ku s’investit à 100% dans chaque projet mais il n’oublie pas de prendre du recul et surtout du plaisir. “J’adore me dépasser et suivre ma passion.” Sa musique est à son image. Elle respire et suit son propre chemin. Les évolutions au fil des projets sont nombreuses avec, bien sur, quelques pistes influencées par les périodes et les modes, mais en réécoutant l’ensemble, on dénote néanmoins un vrai fil rouge. “J’ai passé beaucoup de temps dans la même scène hip hop à mes débuts. Puis j’ai découvert tout un tas d’autres genres pour finalement revenir à mes racines. Cela m’a amené là où je suis aujourd’hui et j’adore ça. C’est un grand kiffe de retisser de nouveaux liens avec ses racines et inspirations”.

L’influence du regretté et mythique J Dilla est centrale et anime une part essentielle de son approche. La simplicité. La puissance. Et cette capacité à expérimenter à partir de samples et d’une ligne de bass. Pour lui, il n’est pas question de hip hop. On touche à l’essence de la soul, un mouvement qui l’a profondément marqué. Les bases de sa vision artistique sont là : faire passer de l’émotion, quelque chose de fort, en usant seulement de quelques éléments, pas plus. Il n’y a d’ailleurs que ça dans ces deux derniers EP “Songs To Break Up To“ et “Songs To Make Up To“ (même si les thèmes sont presque opposés). Dans la modernité de sa musique et son refus de tomber dans un genre, il y a une vraie élégance et une sincérité, un esprit soul dans un corps de “Future Bass“, qui prend aux trippes. Ses convictions artistiques bien tranchés ne lui interdisent en rien de se remettre en question. Bien au contraire. “J’aime le changement. Cela peut être pénible parfois mais le changement permet aussi d’évoluer artistiquement, d’aller de l’avant”.

Ta-Ku, c’est une ouverture, un désir d’explorer ce qu’il y a à explorer. Ce n’est pas seulement de la musique. Entre sa passion pour la photo, sa plateforme « Create & Explore » qui favorise les collaborations artistiques, sa marque de fringues “Team Cozy” dérivé du hashtag #teamcozy et ses derniers lives dans des musées aussi prestigieux que le Moma, il y a un “package“ riche et une manière unique d’en jouer et de communiquer. Il lie ce coté hybride à notre génération. “Je pense que les gens cherchent avant tout à s’exprimer, point barre. C’est sain de dire ce que l’on pense. J’adore communiquer. C’est ce que je fais de mieux, je ressens des choses. C’est naturel et vital pour moi et mes relations. Le fait de pouvoir m’exprimer à travers des médiums créatifs n’est rien d’autre qu’une extension de moi-même”. Difficile de ne pas se passionner pour ce touche-à-tout, exemple à suivre pour les petits branleurs pessimistes et passifs qu’on est bien trop souvent. La suite ? “Faire encore plus de musique avec comme objectif mon album. Il me tarde !”. Et nous aussi.

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

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L’ultime entretien – Les adieux de Kobe Bryant (8 pages)

Fin d'un chapitre de l'histoire du basket. “Black Mamba” - la légende - rend les armes. Retour sur une carrière.

“Dear Basketball“, c’est par ces mots que Kobe Bryant commence sa lettre pour annoncer son départ à la retraite. A travers ce court texte, le joueur revient avec émotion sur son amour du jeu et son expérience. Du petit garçon qui avait de grands rêves à cette conclusion “poétique“, on trouve un athlète qui a offert au basket et aux passionnés une infinité de grands moments sportifs et de souvenirs impérissables. Oui, “It’s time to say goodbye.“, de tourner cette page bien remplie de l’histoire du sport. Mais même si c’était inévitable, le choc est rude. Kobe fait partie de nos vies depuis 20 ans. Une éternité. A travers sa fin de carrière, c’est aussi notre propre existence qui nous revient en écho. La nostalgie transpire. Comment s’empêcher de ne pas se replonger dans nos souvenirs d’enfant et d’adolescent ? Kobe était alors un Dieu. Une machine froide et redoutable. “Black Mamba”. Le plus grand joueur de son époque. Notre idole. Le temps a passé et d’une certaine manière, rien n’a changé. Blessé ou affaibli, Kobe est resté Kobe. Une légende, une vraie. Au lendemain de son annonce, Be Street a eu l’opportunité inouïe de le rencontrer et d’en discuter avec lui de vive voix. Un grand moment.

Quand le corps commence à souffrir, un sportif de haut niveau sait qu’il est temps de raccrocher. Il n’y a pas d’échappatoire. L’idée est de toute façon là depuis longtemps. Il y a une fin et elle ne sera pas forcément jolie. Les joueurs le savent. Kobe a écrit sa lettre d’adieu d’un trait comme s’il écrivait à sa femme. “Je voulais rendre hommage au basketball alors j’ai écrit ça. (…) Je me sens soulagé. Cela m’a pris 10 minutes à écrire. C’est sorti tout seul et je me suis senti tellement mieux après m’avoir ôté ce poids de la poitrine”. Les mots ont coulé facilement. Il faut dire qu’il peut regarder en arrière sans regrets : 20 saisons en NBA, 5 titres, 17 sélections en All-Star et des statistiques d’un autre monde (25,4 points, 5,3 rebonds, 4,8 passes décisives par match).

Malgré la dernière année difficile, il part avec les auréoles et sa place au “Hall of Fame”. Les souvenirs qu’ils nous laissent sont innombrables. La nuit surréaliste où au Staples Center face à Toronto, il a inscrit 81 points, deuxième meilleure performance historique de la NBA derrière les 100 points de Wilt Chamberlain. Le match face à Dallas où énervé, il va inscrire… 62 points en 33 minutes de jeu. L’incroyable alchimie avec Shaquille O’Neal et les phases de jeu cultes qui en ont résulté (le “alley-oop“ magique face à Portland). Les 12 paniers à trois points contre Seattle. Les dunks effrayants sur des monuments de la NBA (Steve Nash s’en souvient encore). Les sursauts de génie dans des moments clés (clutch times en pagaille). On pourrait continuer longtemps à parler de ses exploits. C’est sans fin.

Quand on lui demande l’instant qui a le plus compté pour lui, on ne s’attend pas forcément à ce qu’il revienne aux prémisses de sa carrière. Et pourtant… “Je pense que le moment le plus fort était lors des sélections. C’est là que tout a commencé. J’étais ce garçon qui avait de grands rêves. Personne ne pouvait prédire qu’un jour je deviendrais un All-Star. Personne ne savait si j’allais être bon ou horriblement mauvais. Tout ce que je savais, c’était que j’avais des rêves et que je voulais les concrétiser. Ça ne s’explique pas. A l’époque je n’allais pas dire, je veux gagner cinq championnats, tout le monde m’aurait regardé de travers. Je garde ce moment comme un des plus purs et magnifique de ma carrière”. C’était en 96. Il avait seulement 17 ans. Le niveau de la draft était particulièrement élevé cette année-là. 12 équipes étaient passées à coté de lui et de son talent. Après l’avoir sélectionné, les Hornets allaient faire la même erreur en le tradant aux Lakers.

C’était le début d’une relation à la vie, à la “mort sportive”, dans les bons comme dans les mauvais moments. Un mariage avec l’équipe mais aussi la ville. “Je suis venu ici à l’âge de 17 ans. J’en ai 37 aujourd’hui. J’ai vu cette ville se développer. De ma vie à Palisades à Santa Monica. De voir comment Venice a changé. Puis, j’ai bougé à Orange County. Je me rappelle qu’à l’époque il n’y avait rien et aujourd’hui on voit tous ces bâtiments et gratte-ciels. J’ai littéralement grandi avec cette ville et pas uniquement la ville, mais également ses habitants”. Une relation passionnelle, parfois houleuse, mais d’une incroyable intensité. Les joueurs qui défendent le même maillot pendant 20 ans à ce niveau sont rares et Kobe est devenu d’une certaine manière une part du patrimoine de la Cité des Anges. Son départ de l’équipe va laisser un réel vide dans le cœur de ses habitants (supporters ou non) mais preuve de la sincérité de son attachement, le joueur retraité ne compte pas déménager pour autant.

Tout ne va d’ailleurs pas s’arrêter net. Ses pro modèles Nike, après cette 11ème paire, vont continuer à sortir. Part intégrante de sa carrière et de son succès, les générations de Nike Kobe ont permis de développer un nombre incalculable de nouvelles technologies. Cette dynastie de chaussures découle d’un tout premier modèle – “la Nike Air Zoom Huarache 2K4” – une petite part d’histoire. “Nous avions l’ambition d’innover dans le domaine et je ne voulais pas d’une énième High Top. Alors on s’est dit ‘pourquoi ne pas revisiter la technologie autour de la Huarache’. Nous voulions ajouter une bande qui procurerait plus de stabilité à la cheville. (…) vu les exigences que j’avais en tant qu’athlète, revisiter cette technologie prenait tout son sens. Je voulais cette parfaite symbiose entre la chaussure et mon pied”. Kobe a continué au fil des années à s’impliquer dans le développement de chaque paire avec un but avoué : arriver à une certaine perfection. Cette quête n’est pas terminée et il compte bien aller plus loin et consacrer son temps libre au développement de la douzième et treizième du nom.

On n’a d’ailleurs pas eu le temps de lui parler de la suite. Après des années à vivre au rythme imposé par son statut de joueur star de la NBA, il va falloir qu’il se façonne un quotidien “normal” dans le “monde réel”. Hors son envie de vivre plus dangereusement (saut en parachute, moto, etc.) jusqu’alors freiné par les assurances des Lakers, on n’a peut être quelques pistes. Lorsque le thème de l’art a été abordé, sa réponse, qu’on a cru évasive, ne l’était peut être pas. “Peindre, sculpter, écrire et faire de la musique, je m’inspire d’une myriade de disciplines et de business leaders. J’ai la chance de vivre dans une ville qui héberge un grand nombre de gens très talentueux. Je dirais même les plus créatifs au monde”. S’il met ne serait-ce que le dixième de ce qu’il a investi physiquement et mentalement sur les parquets dans ses futurs projets, il réussira à coup sûr qu’importe ce qu’il va entreprendre. En tout cas, on ne se fait pas de soucis pour le redoutable “Black Mamba” et son retour dans la nature.

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

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A la recherche des véritables origines du graffiti (8 pages)

En compagnie du réalisateur du documentaire Wall Writers.

A peine posés, les graffitis sont condamnés à être recouverts ou effacés. Cet éphémère est une part intégrante du mouvement et c’est pourquoi le documenter est vital. Roger Gastman est un historien et le gardien de ce patrimoine souvent décrié ou à jamais disparu. Sans lui, des pans entiers de cette culture ne seraient sans doute plus que des anecdotes partagées par une poignée d’artistes anonymes et de passionnés. Son rôle est considérable. À travers ses multiples projets, il a rendu ses lettres de noblesse et son authentique à ceux qui ont fait la rue. Après des ouvrages et films de références, il s’est lancé dans une nouvelle quête : revenir aux véritables origines du graffiti, “1967“, une année clé ou les balbutiements innocents de ce qui allait devenir l’art le plus influent de ce siècle. La sortie événement de ce documentaire titré “Wall Writers“ était l’excuse parfaite pour discuter avec lui de sa vie et de ce qui l’a poussé à faire tout ce qu’il a fait pour le graffiti. Une rencontre passionnante avec un très grand monsieur.

Du punk au graffiti, il n’y a eu qu’un pas pour toi. Ce choix semble avoir conditionné toute ta vie…

Le punk et moi, ça remonte à il y a longtemps. À l’âge de 13 ans, toutes mes connaissances issues du monde punk et hardcore se sont tournées vers le graffiti et avaient leur propre « tag ». Je n’avais aucune idée de quoi ils parlaient, de ce qu’était un « tag » mais j’ai vite appris. À cause d’eux, j’ai longtemps cru que le graffiti était forcement lié au punk et au hardcore. Puis je me suis mis à voyager et j’ai compris que le graffiti était une culture en soi. J’avoue qu’aujourd’hui, j’écoute toujours la même musique qu’à l’époque où j’étais cet adolescent naïf.

Qu’as-tu trouvé dans cette contre-culture ? Le truc fort qui t’a accroché comme du crack ?

Je prends beaucoup de plaisir à découvrir les sous-cultures et à trouver les images qui aident à raconter ces histoires. Ce qui me rend accro c’est le fait que le sujet est inépuisable et qu’il faut aller chercher les informations. Ça va d’un post sur Facebook à un marché aux puces ou encore un ami d’un ami. C’est cette chasse qui me plait. Et la récompense est la collection qui en découle ainsi que les moments inoubliables survenus au cour de cette phase de recherche. Mais il faut aussi savoir s’arrêter.

Tu as vécu ta jeunesse la nuit dans des endroits louches. La rue est-elle une bonne école de la vie ?

Les rues, ruelles et lignes de trains sont des endroits propices à l’apprentissage de la vie. Mais il faut également savoir que j’avais la chance de rentrer dans un foyer où je me sentais en sécurité après ces escapades. Cela m’a certainement aidé à profiter des deux aspects de la vie.

DIY, bordéliques et foutrement marrants, ton magazine « While You Were Sleeping » (1997) et ton film « Bedtime Stories » (1998) ont posé de sacrées bases. Replonge-nous dans cette période.

J’adore faire la fête et des conneries. Mes amis aussi. On a juste eu l’opportunité de documenter tout ça sans nous attirer des ennuis. « While you were Sleeping » raconte mes années universitaires. J’y ai appris à vendre de la publicité, créer des évènements, la direction créative et autres. Et quand je me plantais, je n’avais qu’à m’en prendre à moi-même – un peu comme aujourd’hui. Là aussi, ce qui m’a le plus plu est la phase de recherche et les évènements qui se sont produits tout au long de ce processus. Le résultat final était aussi la récompense mais c’était souvent moins fun. Booker Gary Colemann pour quelques jours était une expérience inoubliable.

À quel moment as-tu compris que documenter sérieusement ce courant était essentiel ? Le déclic ?

Il n’y a jamais eu ce déclic où je me suis dit : « Il faut que je me mette à documenter tout ça ». À l’époque où j’écoutais du punk et du hardcore, je ne m’intéressais qu’aux groupes pionniers du mouvement. Lorsque je me suis intéressé au graffiti, je voulais en savoir plus sur les prédécesseurs du mouvement dans ma ville et j’ai commencé à poser des questions. À partir des infos recueillies, j’ai écrit un article sur la genèse du graffiti dans la ville de Washington DC puis j’en ai fait un livre et une expo en galerie : Free Agents. C’est ainsi que tout a commencé.

“Exit Through the Gift Shop“ (2008) était une critique virulente du Street Art moderne. Comment as-tu personnellement vécu ce glissement et cette perte de sens ?

De nos jours, on a tendance à qualifier toute forme de gribouillis sur un mur de « Street Art ». Or le graffiti et le Street Art sont deux choses complètement différentes. On les retrouve aux mêmes endroits mais c’est bien leur seul point commun. Le terme « Street Art » a été horriblement dilué au point d’appeler n’importe quel trait sur un mur de l’art. C’est pathétique.

Quelle était ton ambition avec “The History of American Graffiti“ (2011) ? Redonner à ce courant authentique la place qu’il mérite dans l’art ?

Graffiti et Street Art sont devenus des mots à la mode. La plupart des gens ne connaissent même pas l’histoire de leur ville et n’y trouvent aucun intérêt. Nous voulions capturer ces histoires et archiver les images de cette époque avant qu’il ne soit trop tard. Nous avons recueilli tellement d’informations que nous aurions pu faire un livre entier sur chaque ville respective. J’espère que notre recueil inspirera les gens à créer leur propre projet et à creuser plus loin pour en savoir plus. Le but de ce livre n’était pas de donner de l’authenticité à la scène, elle n’a pas besoin de ça. On l’a fait parce qu’il fallait que ce soit fait.

Le film “Wall Writers“ va plus loin en revenant aux vraies origines du graffiti. Pourquoi est-ce la suite logique de ta quête ?

Pour en arriver là, il faut bien connaître son passé. Afin de réellement pouvoir respecter cette culture et en faire partie, je trouve que ce sont des informations essentielles que quelqu’un se devait d’aller chercher. Et il se trouve que ce « quelqu’un », c’est mes amis et moi.

En quoi la période de 1967 à 1972 est-elle si importante ?

Le graffiti tel que nous le connaissons aujourd’hui a débuté à Philadelphia et New York en 1967. En 1973, ces villes avaient déjà connu quelques générations de tagueurs et le mouvement graffiti dans le métro new-yorkais était en plein essor. Pour moi, ces années représentent un moment clé du développement de ce mouvement, tout était encore très pur. C’était avant que les médias se jettent dessus, avant de se retrouver en prison pour un tag, il y avait encore de la place sur les murs, même si c’était déjà dangereux. En 1973, les graffeurs new yorkais ont migré vers les trains, ce qui a bouleversé le mouvement. La même année, UGA avait sa première expo solo, c’est là que le graffiti est devenu « bankable » pour la première fois, ça a tout changé, même à l’échelle mondiale.

Même si tu as pu interviewer certains artistes, il s’agit presque d’archéologie. Un gros défi en termes de documentation, non ?

C’était un projet monumental que j’ai mené de front avec beaucoup d’aide. Je pourrais toujours être en train d’interviewer les gens, il y aura toujours quelqu’un d’autre à rencontrer et une autre photo à dénicher. Donc oui, un grand défi. Il restera toujours une poignée de gens qui ont disparu et que j’aurais tant aimé rencontrer mais c’est impossible de rencontrer tout le monde. Le fait de pouvoir réunir autant d’amis d’époque, de voir avec quelle joie ils se sont retrouvés après tant d’années était un des aspects les plus jouissifs de ce projet.

Revenir aux origines permet de tout remettre en perspective. Que penses-tu du graffiti actuel et de sa réelle portée culturelle ?

Vaste question ! J’aimerais voir plus de gens s’intéresser à l’histoire. La plupart des gens ne s’intéressent qu’aux tendances futiles du moment. Si je vous disais combien de coups de fil je reçois par mois de gens qui me demandent qui sera le prochain Brainwash. Parmi ces personnes, aucune ne porte d’intérêt à mon film. Lorsque je leur dis que j’ai fait un film qui retrace l’histoire de cette culture, il n’y a plus personne. Ça me désespère et me rend furieux.

Comment vis-tu ce retour à des valeurs conservatrices aux US ? Ça semble de plus en plus difficile de se marrer…

Je dois dire que je m’éclate toujours autant et j’ADORE les States. Et je préfère les gâteaux aux « tartes » à n’importe quel moment de la journée.

Quel est ton avis sur la gentrification massive des quartiers populaires ?

L’environnement urbain change aux détriments de beaucoup de monde. C’est un phénomène irrépressible. Au début, cela m’ennuyait. Et puis je me suis rendu compte que le monde est ainsi fait. Il n’y a que le changement qui entrainera le développement. Même si cela signifie la fin du graffiti et de certaines cultures dans ces zones, cela force également les artistes à trouver de nouveaux espaces et à s’adapter.

Doit-on s’attendre à voir débarquer une nouvelle génération de graffeurs salement énervés contre tout ça ?

Les graffeurs sont toujours salement énervés contre quelque chose puis ils trouvent un moyen de s’exprimer de façon encore plus outrageuse. Si la gentrification doit servir à quelque chose, c’est à faire réfléchir les graffeurs. C’est plutôt positif !

Si tu devez donner quelques conseils aux graffeurs de demain…

Créez une œuvre globale. Documentez votre travail. Recommencez.

Be Street #31 (Février – Avril - Mai 2016) – Fr / Eng

[albericdavet]

Petit Biscuit a tout d’un grand

16 ans, des millions d'écoutes sur Soundcloud et une vraie conviction artistique. Rencontre.

Il est rare de rencontrer des artistes juste sortis de l’oeuf qui ne vendent pas déjà leur musique comme de bons VRP. Depuis qu’Internet a dépucelé les consciences artistiques et commerciales, beaucoup ont l’attitude avant d’avoir la substance, la stratégie avant le cœur. Véritable phénomène Soundcloud aux sons cumulant des millions d’écoutes, Petit Biscuit n’a pas perdu pied dans le virtuel. Bien au contraire. C’est en live, face au public qu’il veut défendre et faire vivre sa musique et son premier EP (sortie prévue le 13 mai). A 16 ans, sa conviction étonne et surprend. Car qu’importe l’âge, il faut de sacrées tripes pour choisir de se jeter – seul – face à la foule plutôt que d’être confortablement installé derrière son ordinateur. Passion. Créativité. Voyage. Petit Biscuit nous a parlé avec simplicité de sa musique et de son envie de la partager avec un maximum de gens.

Ton concert en première partie d’Odesza à l’Olympia a du être un moment fort…

Faire ce live dans une salle aussi mythique – l’Olympia – c’était incroyable, surtout pour l’un de mes premiers concerts. Arriver directement à un tel niveau avec un accueil du public aussi chaleureux, je n’ai pas les mots pour décrire une telle expérience !

Comment as-tu préparé ton live ?

Vu que je suis encore très jeune [16 ans], je dois gérer la musique en parallèle de mes cours. Je bosse uniquement les mercredi après-midi, les week-ends et durant les périodes de vacances scolaires. Du coup, c’est très “short” pour me préparer, surtout que je commence à pas mal tourner… mais j’y arrive et je suis très fier du résultat ! J’ai la chance d’avoir commencé la musique très jeune. Dès l’âge de 5 ans, je faisais du violoncelle et avant “Petit Biscuit”, j’avais déjà participé à de petits concerts. Ça reste quand même étrange de passer de 20 personnes à plus de 2000. Rien à voir ! (rires)

La pression n’est pas la même…

C’est clair, ça met une certaine pression parce que tu te demandes toujours si les gens vont aimer. Ils payent pour te voir et le but, c’est justement de faire découvrir ta musique d’une autre façon. Quand je suis arrivé sur scène, les gens ont commencé à crier. J’étais rassuré. Le reste était dingue !

Que veux-tu travailler pour les prochaines dates ?

J’ai vraiment envie de bosser sur le cœur de mon live – ce que je fais sur scène – c’est à dire les percussions et le sampler avec les voix pour proposer quelque chose qui fait voyager. C’est vraiment le but de tout ce que je fais – “Faire voyager” à travers ma musique et mon live. Je veux que les gens qui m’écoutent se disent “C’est spécial“, “Ce n’est pas comme les autres” !

Les lives electro ont connu de gros changements avec un retour des instruments. Cette tendance a-t-elle influencé tes choix ?

Ce live, je l’avais en tête depuis longtemps. Ça s’est concrétisé quand j’ai commencé à jouer pour la première fois au Trianon en première partie d’Odesza en Octobre 2015. Cela m’a fait prendre conscience qu’il fallait que je propose plus que du Dj Set. Ce n’était juste pas possible de rester sur ça. C’était le moment parfait pour le mettre en place.

Les instruments ont un rôle majeur dans tes sons. Comment es-tu arrivé à ce style et cette musique ?

J’ai cette formation musicale classique qui m’a beaucoup aidé et puis j’ai aussi un certain sens de ce que je voulais produire. Pour moi, la musique, c’est avant tout une espèce de poésie. J’ai essayé de mélanger pleins de trucs pour arriver à ce résultat. Aujourd’hui, on cherche beaucoup de la dynamique dans la musique. J’essaye de mélanger ce dynamisme à de la poésie à travers mes compositions mais aussi mon live. L’intégration de la musique analogique s’est faite très naturellement parce que j’ai fait du violoncelle, de la guitare et du piano, et à un moment, je me suis dit que ça serait dommage de ne pas les utiliser. Je ne veux pas faire de la musique électronique, je veux faire de la musique tout court.

L’influence électronique est quand même présente…

Bien sûr, j’ai toujours écouté de la musique electro. J’ai commencé à partir de l’âge de 11 ans. Au début, j’écoutais des choses un peu plus violente comme Noisia. Après je suis passé à des choses plus expérimentales avec Flume ou Bonobo. J’ai découvert cette patte un peu “monde” ou “retour aux sources” qui m’a beaucoup inspiré. Ça se sent encore aujourd’hui d’ailleurs !

Tu parlais de “poésie” et de ”voyage”. Quand tu composes, c’est une histoire d’images ou c’est purement technique et musical ?

Quand je compose, c’est très visuel. Je pense que ça se ressent dans les noms que j’attribue au titre de mes musiques. Si tu veux, c’est comme une toile sur laquelle je peins un paysage. Le but, c’est que ma musique soit visuelle et que les émotions passent. C’est une musique descriptive. Je cherche à retranscrire principalement ce que je ressens. Même si je suis jeune, je découvre le monde et il y a certains moments de ma vie que j’ai envie de partager. Je trouve ça intéressant de donner mon point de vue, celui d’un jeune qui découvre ce qui l’entoure.

A quoi penses-tu quand tu réécoutes des sons ? Les défauts te “sautent aux oreilles” ?

Quand je me replonge dans mes sons, c’est toujours spéciale. Ça me rappelle des choses et des moments. Ça me fait plaisir parce que je vois à quel point, j’évolue et j’avance. Certains petits défauts font parfois la beauté de la musique. J’utilise pas mal de souffle dans mes synthés. Il y a des petits défauts dans les tunes. Mes guitares ne sont pas toujours accordées en 440. Il y a pleins de petites choses comme ça, des “défauts” qui n’en sont pas vraiment. Quand tu les utilises avec parcimonie, ça donne du charme et de la profondeur au son.

Dans ton process, quelle est la place de la spontanéité ?

Ma musique est très spontanée. Elle me ressemble. Je suis un mec qui a commencé à poster ses sons sur Soundcloud sans rien en attendre. Je n’ai pas cherché à créer quelque chose de spécifique. J’ai toujours fait ce que j’aimais sans trop me poser de questions. Le but pour moi, c’est le partage et la musique. Dans mes sons, ça se retrouve complètement. Il y a cette espèce de créativité avant la technicité. Je suis dans un procédé artistique totalement créatif. La technique, c’est un peu toujours pareil. Ce qui va faire la différence dans la musique d’un artiste, c’est toujours sa patte, son imagination, sa vision… J’espère que ça se retrouve dans mes sons !

Es-tu surpris par ton succès sur Soundcloud (des millions d’écoutes) ?

Oui, c’est incroyable ! Tu es dans ta petite ville de Rouen et il y a des millions de personnes qui écoutent et aiment ta musique. Des gens qui viennent de partout. Tu as beau être dans ton petit monde, tu prends conscience qui se passe tellement de choses autour de toi. C’est énorme mais après, ça reste du virtuel. Ce que je cherche justement en ce moment, c’est vraiment arriver à “mettre des visages” – et par visage, j’entends public – à retrouver un lien réel avec les gens qui m’écoutent. C’est pourquoi je voulais absolument que mon EP sorte en physique – en vinyle par exemple – et que je commence à faire de la scène. La scène, c’est LE moyen pour que ta musique existe et vive encore plus.

Quelle était ta vision pour cet EP ?

Cet EP, c’est une invitation à découvrir mon monde. Quand tu le lances, tu es obligé de l’écouter du début à la fin pour comprendre. Chaque morceau est différent et en dit un peu plus sur moi. Il y a des musiques douces avec une carapace. Il y a des musiques beaucoup plus sauvages. On retrouve cette espèce de douceur et de mystère. Chaque trait de chaque instrument de mon EP représente une part de moi.

Partager cet EP très “personnel” avec le monde, ça ne te fait pas bizarre ?

Je serai bien sur super attentif aux retours. Cet EP, j’ai vraiment envie de le sortir parce que je le travaille depuis 8 mois. J’y ai mis tout ce que j’avais. Je l’ai construit comme un vrai projet, une vraie partie de moi. Pendant ces 8 mois, j’ai vécu des choses que je n’avais jamais vécu en 10 ans. (Rires) Je suis encore jeune mais ça signifie beaucoup pour moi. Cet EP représente mon personnage.

Tu parlais du coté visuel de ta musique, c’est quelque chose que tu comptes aussi travailler par les clips ?

Sur l’EP, il va y avoir un clip. J’y réfléchis beaucoup car c’est clairement un moyen d’introduire d’une autre manière ma musique et mon personnage. Je resterai quand même en retrait pour faire quelque chose de poétique et mettre surtout en avant mon univers musical. C’est un moyen incroyable pour mettre des images sur mes tableaux, ma musique.

As-tu une idée précise de ton avenir en tant qu’artiste ?

J’ai commencé à construire mon équipe et à savoir où je voulais aller. Quoiqu’il arrive, ma conviction restera la même : proposer plus, offrir de la bonne musique et prendre du plaisir en studio et sur scène. Je veux aussi découvrir de nouvelles choses et produire des sons différents car c’est essentiel de se renouveler artistiquement pour avancer. J’ai pas d’idées précises mais je sais où je veux aller parce que j’aime la musique et que j’ai envie d’aller plus loin.

Les collaborations vont-elles avoir une place ?

Pour moi, la collaboration, c’est quelque chose de très humain. Je ne collaborerais qu’avec des artistes que j’aime d’abord humainement et ensuite musicalement. La collab’, c’est quelque chose qui doit rester très naturelle et unique. On doit vraiment ressentir qu’il s’est passé un truc en studio. Il faut que ce soit spécial. Si ça doit arriver, il faudra que ça ait vraiment du sens pour moi. Par exemple, avec Odesza, je n’ai pas produit seulement un remix. C’était une vraie collaboration ! Odesza, c’était un espèce de tournant où je me suis dit “je vais commencer à aller vers le live”. C’était aussi un moment où j’étais indécis dans cet EP et sa composition. J’avais besoin de faire une transition.

Et produire pour d’autres, tu pourrais l’envisager ?

Je ne me vois pas produire pour d’autres. Ou peut-être plus tard… Pour le moment, mes sons ont une trop grande valeur sentimentale. Il faut que je puisse les partager directement avec mon public sinon je n’y trouve pas vraiment d’intérêt.

Ton futur passera-t-il par le voyage ?

Faire écouter ta musique en live à des cubains ou des japonais… Si je pouvais, je ferais écouter ma musique au monde entier ! Ça me fascine de découvrir de nouvelles cultures, de sortir de mon petit monde. C’est ce que j’essaye de faire en composant mais bien sûr, j’aimerais aussi le faire pour de vrai – expérimenter à travers le voyage. J’ai déjà pas mal bougé et il y a certaines destinations qui me tiennent à cœur. Dans mes sons, il y a du vécu et du fantasme. Il y a des inspirations concrètes et “urbaines” – ce que j’ai vécu – et des inspirations plus sauvages – des choses que j’aimerais vivre. En tout cas, le voyage est et restera au cœur de toute ma musique !

Be-street.com

[albericdavet]

Førtifem Is A Work Of Love (8 pages)

L'amour et la violence technique. Rencontre avec ce couple d'illustrateurs français pas comme les autres.

Se lancer dans l’illustration, c’est accepter d’en chier. Dessiner. Ne pas compter les heures. Être souvent frustré du résultat. Le quotidien ressemble à l’enfer sauf qu’il faut démarcher des tortionnaires et courir après les paiements. FØRTIFEM fait partie de cette poignée d’artisans stupidement et amoureusement passionnés par leur travail. Des mercenaires du trait qui noircissent le papier depuis des années pour en vivre mais surtout pour évoluer et être fier d’eux. Rare et précieuse, leur quête artistico-autistique nous a donné envie d’en savoir plus sur eux et leur art. Comme pour la réalisation de leurs œuvres, c’est à quatre mains et avec honnêteté que ce duo parisien (Jessica Daubertes et Adrien Havet) a répondu à nos questions.

En quoi « FØRTIFEM is a work of love » ?

Parce que Førtifem n’existerait pas sans l’amour qu’on a l’un pour l’autre et sans l'amour qu’on a pour l’illustration. Ce motto, c’est une façon de nous rappeler tous les jours qu’on fait ce qu’on aime et qu’on est sur le bon chemin.

Pourquoi s'être lancé en couple sur un chemin aussi difficile et frustrant que l'illustration ?

Pour dire vrai, la question de le faire chacun de son côté ne s’est jamais posée. On a décidé de tenter ça ensemble - progressivement et candidement - parce qu’on sentait que ça pouvait marcher. Que ce métier qui nous plaisait bien mais qu’on n’osait pas trop aborder, on était capable de le faire à deux, de se soutenir et de s’encourager. Mais on n’en revient toujours pas que ça tienne la route ! Si une vieille voyante nous avait dit il y a 5 ans qu’on deviendrait un duo d’illustrateurs à plein temps, on lui aurait clairement rit au nez. En espérant ne pas se taper de vieille malédiction…

L'apprentissage, la technique, l'aspect très manuel, les horaires... Vous êtes de véritables artisans en fait. Quel rapport entretenez-vous avec votre travail ?

C’est complètement ça, de l’artisanat. On se sent en apprentissage permanent, on cherche perpétuellement à évoluer. Et ça passe forcément par une implication conséquente et une recherche de la difficulté. Il n’y a pas un dessin ou projet qui ne nous apporte pas un enseignement et on va accorder autant d’intérêt à chacun. C’est d’ailleurs pas forcément le plus malin, on a beaucoup de mal à prioriser et on va rarement aller vers la solution la plus simple.

Peut-on parler d'une vocation ? Vous semblez suivre un chemin tout tracé.

Une vocation tardive alors. On avait tous les deux 25 ans passés quand on s’est lancé et c’était pas le chemin qu’on s’imaginait prendre quand on était petit. Le chemin a commencé à se tracer quand on s’est mis ensemble et on a eu beaucoup beaucoup de chance. De la chance parce que notre instinct / GPS nous a pour le moment pas joué de sale tour et qu’on a rencontré énormément de chouettes personnes sur ce chemin, qui nous ont aidé, nous ont fait confiance et nous ont poussé aux fesses.

Le travail engagé sur chacune de vos œuvres a toujours été impressionnant. Vous faites partie de ceux qui ont besoin de souffrir pour être satisfait ?

Ce n’est pas qu’on aime se faire du mal mais on est des super clients de la Loi de Murphy. On a besoin de se malmener, parce qu’on a cette horrible manie de bon élève, de pas supporter les choses faites par-dessus la jambe. Des fois avec un peu de recul, on se rend compte qu’on pourrait effectivement passer moins de temps sur certains dessins, tricher un peu… et ça nous arrive parfois quand n’a plus le choix niveau timing ou que ça fait vingt fois qu’on s'est foiré sur le papier, mais on se sent un peu moins fier du résultat final. Et pour continuer et rester motivé, c’est mieux de se sentir accompli une fois le travail fini. En plus, bossant à deux on a toujours quelqu’un à impressionner.

La rigueur de vos illustrations tranche avec le bordélique / drôle de vos personnalités. Que reste-t-il dans vos têtes quand vous dessinez ?

L’envie de faire ça bien ! Les moments où on dessine c’est vraiment des moments où on ne pense pas à grand chose d’autre. On fait le vide, on se concentre sur la justesse des traits, on se met un casque sur les oreilles et on médite en tirant la langue. On est tout seul dans ces moments-là.

Quelles sont vos obsessions esthétiques et techniques ? Les trucs qui vous font bloquer comme Rain Man…

Le grâal c’est la ligne parfaite, la trame régulière et équilibrée, la matière rendue harmonieusement sans tomber dans le réalisme scrupuleux… À force, on est devenu des gros nerds du trait. Comme des sportifs qui analysent des vidéos de champions au ralenti, on commence à avoir l'embarrassante tendance à décortiquer toutes les images dessinées par les artistes qu’on admire. 

Partir avec cet univers sombre, torturé et mystique était risqué. Comment avez-vous imposé cette vision tranchée ?

On vient de ce magma là, on baigne dans une musique intense, on a un réel goût pour l’occulte, les cranes cassés, les heptagrammes et les trucs plus noirs que noirs, et c’est quelque chose auquel on réfléchit pas trop. On aime bien rire des choses tristes, saloper des choses belles… mais parce qu'on des gothiques en sucre au final, on a toujours essayé de maintenir un décalage dans ce qu’on fait. Sans pour autant diluer et compromettre, on s’évertue d’équilibrer entre le macabre et l’idiot, le sale et le trop sucré, le grave et le beau. 

Quelle a été la place du doute et des compromis dans vos choix ? Tout paraît si « facile » et logique aujourd'hui que vous connaissez ce petit succès.

Le plus gros compromis c’est de se faire à l’idée qu’on peut pas tout faire. On a des tonnes d’idées qui nous brûlent les doigts mais on accepte beaucoup de projets parce-qu’il-faut-bien-vivre, ce qui fait qu’il reste au final assez peu de temps pour se lancer dans des choses plus personnelles, expérimentales ou purement idiotes. Et puis on se demande si les gens nous suivront si on tente des choses vraiment différentes. Mais y a un moment où il va falloir que ça sorte !

La reconnaissance a-t-elle changé votre manière d'aborder chaque projet ? Les gens veulent désormais du FØRTIFEM avec tout ce que ça implique.

Bosser avec un couple couvert de poils de chats ? On est désolé pour eux ! En vrai, on va pas se plaindre non plus, mais beaucoup de gens vont vouloir que tu leur fasses un truc comme cet autre truc que tu avais déjà fait et qui leur avait plu, mais c’est un peu la base du comment vivre d’un métier créatif. On est toujours un peu plus excité quand quelqu’un nous demande « un peu plus » que ce qu’on sait déjà faire.

Qu'est-ce qui vous permet de ne pas vous enfermer dans une certaine routine artistique et professionnelle ?

L’avantage d’être deux, d’être bien entouré, et d’avoir Instagram. À deux, on s’encourage, on s’engueule, on se secoue. On a aussi la chance de côtoyer des gens passionnés, dans la vie ou sur écran, c’est primordial pour maintenir le feu et l’émulation. On a compris petit à petit que le pire des trucs c’est de se reposer sur ses lauriers. Ça serait super et relaxant de capitaliser sur un truc qui a l’air de plaire et de le refaire encore et encore. Mais on ne sait pas faire ça et la routine est rarement là. En voyant et en échangeant des trucs mortels, on se prend des raclées au quotidien, et on tient à se battre et à se maintenir en évolution, ne serait ce que pour se montrer digne de cette compagnie.

Aujourd'hui, vous éloigner de votre zone de confort, ça signifierait quoi ?

S’attaquer à des techniques qui semblent incompatibles avec notre style. Utiliser des couleurs vives, des gros pinceaux, faire du volume, des fresques… Foutre volontairement le bordel dans nos techniques et habitudes. Faire des choses plus spontanées et se mettre réellement à tatouer des gens.

FØRTIFEM va prendre quelle direction dans les années à venir ? L'international vous tend sacrément les fesses !

On a des tonnes d’envies, aussi bien niveau boulot que géographiquement parlant… Quand on a commencé on ne savait pas où on allait alors on va continuer de faire les choix qui nous semblent les plus épanouissants tout en se laissant surprendre. Ou peut-être qu’on va tout plaquer et ouvrir un foodtruck à burritos vegans, qui sait !

Be Street #30 (Octobre – Novembre – Décembre 2015) – Fr / Eng