Cinematografia

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Oscilando entre lo onírico, lo pornográfico y lo redundante, el último film de Gore Verbinski desarrolla una historia que se asemeja en sus diferentes parámetros y características formales y narrativas a demasiadas películas que ya hemos experimentado.

Apoyado en una realización visual impactante y lograda de la mano de Bojan Bazelli, la trama de un joven ejecutivo que es enviado a recuperar al CEO de su compañía de un particular spa en algún lado de los paradisíacos alpes suizos se complementa con un sospechoso comportamiento de una institución que se dedica a "curar" a la clase acomodada mundial.

Desde su llegada, el joven Lockhart, interpretado por Dane Dehaan, percibe la extrañes de un lugar que seduce los sentidos con su magnificencia pero que perturba el raciocinio con su contenido histórico y polémicas actividades dirigidas por el imponente Dr. Volmer, interpretado por Jason Isaacs, del cual dudaremos de sus intenciones desde el comienzo del pietaje.

El trío protagónico lo concluye la bella Hannah, interpretada por Mia Goth, la cual cantará su lugar en la trama y madurará en obviedad narrativa desde que la observamos por primera vez.

Algunos pasajes de imágenes realmente perturbadoras y un logrado trasfondo metafórico de simetrías desarrolladas ingeniosamente apelarán a lo más fuerte de este film que son sus momentos más crudos y pervertidos.

Lo que podría ser "El geriátrico de Menguele" remite en demasiadas ocasiones a Shuttered Island mezclado con Wakolda y agitado con Darkman cayendo en lugares comunes los cuales uno esperaba no ver. La redundancia en ciertos elementos y una repetición dramática cuasi métrica vuelven a "A Cure For Wellness" una película tediosa y extendida que nos recuerda demasiadas veces lo grande que es Leonardo Di Caprio y cuales son sus influencias en las nuevas generaciones.

Con un final Slasher, la obra termina de decantar y decae en una indignante tipicidad del género de la cual tanto parecía alejarse en su primera mitad.

La espectacularidad arquitectónica, locaciones de un manjar visual inconmensurable y una actuación respetable de quienes interpretan a los protagonistas son algunas de las cosas que quedarán en nuestro recuerdo sumando alguna que otra morbosidad y referencia sexual. Por lo demás, la obra recae en un hastío que solo los fanáticos del género agradecerán.

JULIÁN NASSIF  

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Neruda logra ahondar más sobre la vida política que sobre el legado literario de quien la película utiliza el nombre. La vida de Pablo Neruda fue ampliamente más interesante desde su costado político que lo llevó al exilio y a vastas contradicciones éticas y morales más que su parte artística que tanto se ha valorado al punto de ser ganador de un premio Nobel.

Allí es donde la película es efectiva. Resalta la historia de este hombre que quizás muchos no conocen o decidieron no prestarle atención. Alejándose de “Puedo escribir los versos más tristes esta noche…” (aunque si forma parte de varias instancias en el film), la obra recorre un camino que la asemeja a una “Road Movie” donde es planteado el exilio de Neruda y su persecución política y policial. Allí es donde plantea el núcleo dramático y narrativo, con el otro personaje principal de la película, el policía Oscar Peluchonneau, interpretado por Gael García Bernal, quien acecha a Pablo, interpretado por un ajustado Luis Gnecco, a lo largo de todo el film.

Un tira y afloje, ida y vuelta rebotando entre los protagonistas quien siempre se van a preguntar si su mera existencia no es gracias al otro. Si no son una producción del intelecto y la expresión literaria de su antagonista.  Y en este ping pong de inseguridades y talentos machistas es donde nos encontraremos al comenzar a ver un polémico y dubitativo film.

La polémica a la cual me refiero es que la obra apela a una estética y un montaje que remiten de alguna manera a la Nouvelle Vague. Lamentablemente, el resultado que obtiene desde lo estético es cuestionable y pareciera un ensayo trunco contemporáneo anhelando ser los restos en el tacho de basura de Godard. Al salirse completamente del naturalismo  e intentar generar esas rupturas lingüísticas tan clásicas del francés, Pablo Larraín nos adentra en un mundo que no logramos detectar si es humorístico a propósito o si es que es tan absurdo que nos causa risa.

La carga insoportablemente romántica de todas las figuras y personajes empalagan un relato que no logra hacerse único quedando en un limbo entre la parodia y la ruptura. El final del film es donde encontramos cierto respiro cuando observamos retratos paisajísticos deliciosos que se unen a poéticas construcciones visuales logrando tocar algunas fibras recorriendo los vastos paisajes de la cordillera de los andes.

Demasiada poesía en un personaje que ya era poeta y que encuentra el regocijo, comodidad y apatía total en una película que sofoca y empalaga partiendo desde una base prometedora que en su desarrollo no logra llegar a ningún lugar.

JULIÁN NASSIF

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Detrás de la historia de dos hermanos que comienzan un raid delictivo robando en serie sucursales de una banca texana a lo largo de diferentes pueblitos de aquel estado norteamericano se oculta lo que realmente la película parece querer denunciar: el peligro de la portación de armas “libre”, la crueldad y acoso total del sistema financiero sobre la población en general, aunque particularmente apuntada a los sectores más carenciados de la zona sur de los Estados Unidos.

La misión de Toby y Tanner Howard, interpretados por Chris Pine y Ben Foster respectivamente, parte de una obligación moral y se basa en un fin políticamente correcto con el que Toby intenta remendar sus carencias y falencias como esposo y padre frente a una familia que ya lo abandonó (o a la cual el expulsó). Tanner conforma la otra mitad de este dúo dinámico que ladeará entre lo ético y lo delictivo con ciertos métodos cuestionables pero aceptados por el espectador dada la naturaleza de su fin.

El atractivo físico de los protagonistas no romperá el manto basural de acciones y estéticas desoladoras que tan bien están reflejadas en la geografía tejana y en una de las sociedades más repulsivas y cinematográficamente recurrentes.

Como bandera de la defensa del estado y del “bien estar social” aparece la figura más relevante en todo el film, uno de los personajes más interesantes y sin duda la interpretación más lograda con la cual Jeff Bridges se ganó la nominación al Oscar, entre otros tantos premios internacionales del séptimo arte. Interpretando al Ranger Marcus Hamilton, junto a su colega Alberto Parker, interpretado por Gil Birmingham, formarán el dúo opositor que representa el supuesto “bien” y la búsqueda de justicia en una especie de capricho persecutorio por la defensa de “la ley”. En aquel funcionamiento policial aparecerán otro de los retratos recurrentes sobre la sociedad tejana que es la constante discriminación racial y los ataques a los pueblos originarios de aquellos lares. Sin embargo, en aquella dinámica es donde aparece la mayor cuota de humor que funciona como respiro a tanta planicie de intelectualidad social y a esta persecución que atraviesa todo el film deambulando entre la Road Movie, el western y el policial negro.

Apuntalada en inteligentes diálogos pero más aún en una puesta de cámara compleja y de movimientos más que funcionales y narrativos, David Mackenzie asocia una banda sonora bien sureña, un diseño sonoro ampliamente expresivo e interpretaciones que dan en el clavo junto a un ritmo cansino que aporta una monotonía antropológica recalcada con los vicios e interrumpida por una escena de una violencia inesperada que acelera la adrenalina y tracciona el desarrollo del film.

JULIÁN NASSIF

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“City of stars…” Imposible no salir tarareando esta canción y que nos quede revoloteando por nuestra cabeza, inclusive cuando no sabemos la letra e inventamos palabras en inglés, luego de salir de ver La La Land. Una historia de amor de tipo “chica conoce chico” en donde ambos personajes insisten en buscar su sueño por más distante que aquel parezca en el día a día.

Enamoran estos dos bellos y dulces personajes que cantan, bailan, tocan instrumentos, sufren y disfrutan interpretados por Emma Stone y Ryan Gosling, donde el diseño de vestuario realmente enaltece la belleza física y el porte de aquellos dos actores que elevan sus interpretaciones a puntos que no habíamos visto en su carrera.

La solidez interpretativa apilada a una puesta en escena tan esquizofrénica y estridente como sutil y contemplativa se asocian a un diseño sonoro que nunca es funcional y a una banda sonora que arranca lágrimas pero también motiva pasiones en los pasajes de lucha por mantener al jazz vivo y a la pureza de lo emotivo y sensorial, donde hasta John Legend aparece aportando su encanto carismático y musical.

Repleta de homenajes a la historia de la cinematografía y a la musical, La La Land combina estilos flirteando con el musical pero sin desapegarse de la línea de comedia romántica que se plantea a lo largo de una pequeña lista de gags y lugares comunes humorísticos tiernos y efectivos.

Las manos reales de Gosling acarician el piano luego de tener un intenso aprendizaje del instrumento antes del rodaje y permiten que cada momento del film, que está muy asociado a la música en plano y a las canciones que el actor interpreta, sea aún más tangible y cálido generando ese vaivén emocional apoyado en una puesta de cámara de seguidillas de planos secuencia realizadas con steadycam que recorren todo rincón visual y nos recuerdan, entre otros, la obra de Gonzalez Iñarritu, manifestando la modulación sentimental de esta bella historia de amor.

Desde un espectacular inicio que incluye un extenso plano secuencia repleto de automóviles varados en una autopista donde todos los conductores bailan hasta el final de la montaña rusa de emociones amorosas que el film promueve y ejecuta bajo una iluminación impecable, expresiva y original llevada adelante por Linus Sandgren, Damien Chazelle vuelve a imprimir su sello como autor y realizador en una obra que no solo homenajea al séptimo arte sino que afirma aquella “unión” artística que el cine plantea y lo hace despertar abruptamente del letargo al cual fue sometido el último tiempo.

JULIÁN NASSIF

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Desde una estructura narrativa y dramática muy similar al del “comic”, “El contador”abarca la historia de un niño con síndrome de Asperger, un tipo de autismo de alto funcionamiento, quien se cría sin madre, con su hermano y padre, mientras viajan y se mudan constantemente debido a la carrera militar de su progenitor. En su adultez, Christian Wolff, uno de los tantos nombres que tiene el personaje interpretado por un acertado Ben Affleck, se desarrolla como un brillante contador que, además de ayudar a humildes familias de granjeros en sus problemas fiscales, se dedica a llevarle la contaduría a grandes carteles del narcotráfico y de otros diferentes y turbios negocios alrededor del mundo. 

Para variar, una voz con acento británico que suena a través de su smartphone, le recomienda ir por la vía de los grandes clientes legales y nuestro protagonista analiza la fuga de una importante suma de dólares en una empresa de nano tecnología que fabrica y diseña micro sensores y prótesis electromecánicas para humanos. Cuando comienza a resolver el conflicto numérico las cosas comienzan a ponerse turbias y allí conoceremos el otro lado de aquel talentoso contador, el de un asesino a sangre fría.

Una de las cosas interesantes de la propuesta, además de infinidad de elementos “comiqueros” en la construcción de la historia y del diseño del personaje, es el planteo de ciertos valores morales que no encajarían en lo “políticamente correcto”. Y allí es donde se desarrolla lo más valeroso a nivel narrativo que es la empatía que genera un personaje que es altamente cuestionable en sus actos cotidianos. Cierta sensibilidad y alguna que otra preocupación por la gente “limpia”, genera cierta simpatía por el asesino que metódicamente apila los cadáveres de sus contrincantes.

Aquellas variantes junto a una puesta en escena que mezcla el thriller con momentos de cierta sensibilidad dramática, desembocan en unas breves secuencias de acción brillantemente realizadas que proponen una contundencia en su diseño sonoro admirable.

El agregado de un papel secundario de JK Simmons aporta una calidad actoral destacable y la parsimonia que conduce al personaje de Affleck resulta un buen contrapunto con la brutalidad y eficacia de su accionar.

Cierta excentricidad del personaje y algunos elementos que puedan parecer exagerados o “poco creíbles” son aceptados si uno deja adentrarse en el código del cómic y respeta un género que parece no plantearlo la película desde sus créditos o concepción pero que resulta orgánico durante el correr del film. Un personaje que atrae con su dualidad moral y que no es castigado por sus acciones aberrantes.

Sería interesante que no realizaran una saga de esta película aunque cuesta creerlo después de haber visto personajes mucho menos creíbles e interesantes llevar adelante seguidillas de films. Esperemos que se resguarden en una buena obra compacta y no en una agonía de gigabytes a lo largo de los años.

JULIÁN NASSIF  

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En el barrio porteño de Villa Crespo vive un treintañero que se dedica hacer absolutamente nada. Sus preocupaciones (y ocupaciones) diarias entran en una pequeña hoja de un anotador, describiendo en pocas líneas las arduas tareas cotidianas que el protagonista realiza a lo largo de cada día de su vida: Cortarse las uñas, recibir el pago del alquiler de un departamento que fue heredado de sus difuntos padres (con lo que logra mantenerse sin tener que trabajar), llamar al otro hincha de Atlanta que lo provee de marihuana, mirar los partidos de aquel club grabados en VHS, beber whisky barato y mirar con ganas una máquina de escribir a la cual nunca le va a entrar pero que compone parte del decorado de un departamento que remite directamente a los años setentas y ochentas.

Con la bandera de la nada misma y un plato espejado que ocasionalmente es decorado con pequeñas líneas de cocaína, Roque Waterfall encausa su día a día junto a otro amigo que también adhiere a la libertad del no hacer, aspirar (salvo que sea polvo), construir ni preocuparse absolutamente por nada.

Así y todo, el típico personaje neo perdedor canchero con estética vintage que tantas veces Martín Piroyansky interpretó en pantalla logra verse beneficiado por las casualidades de su recorrer. Una atractiva cheta bilingüe que legitima su accionar por el solo hecho de vivir en un “barrio” porteño se topa (literalmente) con él mientras pasea a su simpático y pequeño can en una corrida vespertina. Automáticamente ella quiere entablar una relación con él. ¿Y cómo no? Si aparentemente todos los personajes interpretados por Piroyansky cuentan con el “toque divino” de ser beneficiados con varias situaciones y cosas que ni siquiera buscan y avanzan social y profesionalmente sin quererlo por alguna suerte de alineación planetaria que supone ser tan común

Claramente, alguien se topa con este personaje dejado que tanto interés social atrae (nadie entiende por qué), y ese alguien es un productor cinematográfico internacional que justamente ve en él alguien ideal para presentarle al enfermo director Hans Gunther Flögenhoefer, interpretado por Rafael Spregelburd, como siempre lo mejor de los films donde trabaja. Hans interpreta la existencia de este caducado personaje como un referente de la contra cultura. Un  ser filosófico que representa la lucha contra lo establecido. La libertad bajo las propias normas. El logro del ser en base al desapego social y el alejamiento las reglas, costumbres, anhelos y construcciones sociales. En base aquello comienza a filmar su último trabajo: un documental sobreRoque Waterfall.

El film avanzará durante sus breves 71 minutos sin denostar exactamente un conflicto ni ningún tipo de estructura acostumbrada. Pareciera que la lógica del personaje se transportara a la realización del film. Más que algún que otro personaje pintoresco y algún breve momento donde la película genera cierta tímida sonrisa, el film cae en una meseta que no se rescata con ninguno de los dos “fragmentos” del film. Aquel con el cual Chomski presenta el personaje ni aquel donde se comienza a realizar la película dentro del film

Maldito Seas Waterfall recae constantemente en actuaciones duras y acartonadas de un Piroyansky gastado que ya ha saturado y una Juana Schindler donde su personaje de “chica tonta” es tan poco creíble como su actuación. El regodeo de ciertos autores de cine “de festival” encuentra la cima en una película que pareciera ser más un chiste interno de la “industria” que una propuesta audiovisual, que solo encuentra paz en la interpretación siempre pintoresca de Spregelburd.

Julián Nassif

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Retomando el tinte costumbrista de comienzos del 2000, particularmente de la “TV Suar”, “Las Ineses” acerca una propuesta que rebota entre un débil humor negro y la irresponsabilidad casi inocente de humor pasatista vacío. La acumulación de gritos y tímidos gags que remiten a “Esperando la carroza” se acumulan uno sobre otro comandados por María Leal quien interpreta a la abuela de una de las dos Ineses.

En un pueblo de algún lugar de la Argentina viven dos familias que se apellidan igual: García. Ambas mujeres, Carmen y Rosa, interpretadas por Brenda Gandini y Valentina Bassi están a punto de parir. El mismo día y exactamente al mismo tiempo tienen a sus bebes. Carmen y Pedro (Luciano Cáceres) son dos “gringos” campechanos que nos hacen acordar al “tajai” de Massa para su candidatura presidencial. Rosa y el negro Ramón (André Ramiro) viven en la casa contigua. El bebé de Carmen es morocho, “marrón”, como se anima a decir una de sus hijas. El de Rosa es bien gringuito. “Algo está mal” piensas ambos padres. El médico alcohólico se equivocó. Borracho y todo el médico muere. Ya no sabremos si fue un cambio de bebés por error o si realmente son sus hijos.

Dominga (María Leal) constantemente recordará al racista que todos los argentinos tenemos dentro e intentará conectar con ciertos guiños y “chistes” con nuestro humor étnico. Una y otra vez. Caerá en todos los estereotipos de abuela católica posibles y será el hilo conductor humorístico de una obra que no se aleja para nada de las producciones televisivas.

La puesta de cámara, el diseño sonoro y la dirección de arte no van a proponer nada que se aleje de lo funcional e intentarán retratar los años ochenta con un Ford Falcon azul y una radio “vintage” sobre la mesada de una cocina. No hay una búsqueda expresiva desde la puesta ni ningún tipo de aporte dramático desde el diseño sonoro que se queda únicamente con lo que tiene que sonar y el ABC televisivo.

Pablo José Mesa pareciera no animarse a tirarse a la pileta con un humor negro punzante y filoso que rompa las estructuras y se haga cargo de una visión controversial y “picante” sobre los temas que abarca. Se queda a mitad de camino entre el humor negro y el chiste livianito utilizando temáticas bastante complicadas como puede ser el cambio de bebés en un país con la historia de la Argentina.

Bienvenido hubiera sido que fuera pujante y audaz, sugiriendo un humor sin límites sobre temáticas tan controvertidas políticamente incorrectas. Pero pareciera que la timidez ganó y conformó con un par de caras bonitas y unas interpretaciones muy escuetas y superficiales que solo se ven salvadas por las de los niños que tanto se lucen en el film.

Julián Nassif  

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Senderos de vida que se entrecruzan como líneas perpendiculares que en su trayecto se conectan pero luego se separan exponencialmente. Las vidas de dos jóvenes que inician su adolescencia se conocen cuando el abuelo de uno fallece y su familia ocupa la casa heredada. Debajo hay una Casa de Moda que administra Leonor, interpretada por Paulina García, la cual es instada a pagar un alquiler más alto para beneficiar el bolsillo de la heredera. Ella tiene un hijo, Antonio (Michael Barbieri), quien se hace íntimo con Jake (Theo Taplitz), hijo del heredero Brian Jardine (Greg Kinnear), quien se ve obligado aumentar la renta o desalojar a la inquilina del local. Y eso es todo. Ese es el conflicto. Como afectan los problemas económicos de los adultos a dos pre adolescentes que tanto disfrutan entre sí.

Con una puesta bastante reducida, de casi nulos movimientos de cámara, basada en planos fijos de encuadres clásicos e iluminación natural y/o funcional, “Little Men” puntualiza la línea dramática en las interpretaciones y lo logra de una manera sutil e implosiva, donde los momentos de mayores tensiones emocionales se ven destacados en rincones y pequeños espacios.

La sensibilidad de una película que tiene origen estadounidense pero que se enarbola global y cosmopolita es de por sí abrumadora, pero no lo expresa de forma grandilocuente o explícita. Los toques que nos llegan y nos conectan son aquellos que adosamos a nuestra infancia y otros que se representan en lo más íntimo de las relaciones humanas.

El occidentalismo de este film no se ve anidado en las tierras norteamericanas sino que la variedad étnica y cultural de la ciudad de Nueva York logra plasmar efectivamente un mundo con diferencias conyugales. Las diferentes etnias y culturas fluyen y no representan o generan conflictos.

Los arquetipos sociales son criticados y cuestionados en una obra que plasma los conflictos en los sentimientos y no en las profesiones. La naturalidad de las diferentes relaciones y como aquellas interactúan logran ahondar en una película que desnuda pequeños eventos y manifiesta la nostálgica realidad de que algunas conexiones son pasajeras, particularmente cuando se es niño.

Julián Nassif

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Tres historias que solo se unen por generar “Esa Sensación”. Un hijo que espía a su padre del cual sospecha se ha metido en algo grave, una mujer de unos 30 años que se enamora excita sexualmente de objetos inertes cada vez más grandes y complejos y un virus que genera decir algo inoportuno destacando la torpeza social de quien lo contenga que se contagia de manera verbal. Tres relatos que buscan demostrar esas incomodidades y sensaciones indescriptibles que todos sentimos y no podemos explicar.

Y aquello es justamente lo que los tres directores Juan Cavestany, Julián Génisson yPablo Hernándo quieren lograr, cada uno dirigiendo su historia, buscando transmitir, analizar y explicar las complejidades e inconvenientes de la sociedad moderna para interactuar y relacionarse, adentrándose en un bucle infinito en el que pensando lo torpes que somos socialmente, nos cuestionamos como estamos siendo y eso logra, justamente, recaer en la inquietud e incomodidad que solo acentúan nuestro ridículo estado.

La sensibilidad particular del cine europeo, en este caso español, se manifiesta con una sutileza y un análisis que llega hasta lo fantástico, pasando por situaciones que nos identifican y un humor inteligente y accesible que abarca a cualquier espectador.

Un correcto scouting manifestado en bellas e impactantes locaciones apoya el relato que varia en sus cuestiones técnicas, particularmente en la puesta de cámara que alterna entre cámaras fijas sobre trípodes a una cámara en mano que intenta descubrir y revelar, con una prolijidad y realización de un cine maduro pero no por ello menos sorpresivo o innovador.

JULIÁN NASSIF

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“La larga noche de Francisco Sanctis” de Francisco Márquez y Andrea Testa me remite a un “After hours” porteño y en plena dictadura. Se podría decir que con elementos mucho más pesados, perversos y nefastos en comparación con el film de Scorsese pero con esta sensación de deambulación por la ciudad en base a un disparador puntual.

Francisco es informado de una manera poco ortodoxa que hay dos personas que van a ser “chupadas”, secuestradas por la dictadura cívico militar comenzada en 1976. Algunos, fragmentos de una película de Olmedo “Las turistas quieren guerra” indican que es previo al mundial 1978 realizado en la Argentina. Por lo que el film se sitúa en la parte más cruda y abominable de aquel oscuro período.

Diferentes elementos de la diégesis como el trabajo, los teléfonos públicos y hogareños, los taxis, los colectivos, la vestimenta y las locaciones construyen un relato sólido desde el punto de vista de ambientación a la época y redondean una obra que en ningún momento desentona con algún elemento inevitable de modernidad. 

La paleta de colores pálidos y oscuros acompañados de una cámara de a momentos expectante en largos planos secuencias que generan una lograda tensión y en otros compañera que acompaña/acosa al personaje en varias extensas caminatas son complementados con una iluminación de luces bajas, contrastes y una estética donde segundo a segundo pareciera que algo vamos a descubrir o develar. Grandes elementos combinados para apoyar la idea de paranoia, inseguridad y persecución que el film delata. 

El diseño sonoro se destaca en forma subjetiva y emocional, logrando taladrar nuestra expectativa con mecánicos y monótonas secuencias sonoras que apoyan la sensación de soledad combinada con un constante acoso.

Todos estos elementos convergen en la punta de lanza que es la interpretación de Diego Velázquez, quien con su anchoita de la época y una seriedad abatida gracias a la monotonía de su vida y su falta de progreso, despierta y se altera por una carga moral, sentimental y reveladora.

JULIÁN NASSIF

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El BAFICI siempre aporta películas que vienen del cine independiente, excepto en alguna retrospectiva y homenaje. Esto quiere decir, algunas veces, que son películas realizadas sin el apoyo ni la interacción de los grandes estudios y distribuidoras. Pero claro, hay un gran abanico de tipos y tamaños de producciones que llevan, de vez en cuando, al errado debate de cuán independiente es un film que tiene un presupuesto de 2 millones de dólares por ejemplo. Remarco “errado” porque en general no se cataloga de independiente o no por la cantidad de dinero que sea invertido en una producción, la cosa va por otro lado.

Aclaro esto porque uno se encuentra, entre tanta variedad de películas, con grandes diferencias a este nivel, que muchas veces se ven reflejadas en la calidad estética y formal de los diferentes films. No quiero decir que por tener más dinero es mejor o peor sino que, cuando está bien invertido, se destaca visualmente. Y el caso de“Demon” es uno de ellos.

Esta producción polaco israelí dirigida por Marcin Wrona relata la boda de Piotr,interpretado por Itay Tiran, y Zaneta, interpretada por Agniezka Zulewska. Piotr viaja hacia la propiedad polaca que la familia de su esposa piensa regalarles por su casamiento, pero tiempo antes de que se produzca la boda encuentra enterrados algunos huesos humanos. Luego de una especie de abducción infernal hacia lo profundo del ahora barro producido por la intensa lluvia sucede una elipsis que nos llevará a momentos antes de la ceremonia. De aquí en más Piotr no será el mismo y diferentes sucesos de carácter demoníaco irán aconteciendo en un increscendo donde todo lo que esperábamos, suponíamos y adelantábamos nunca sucederá y todo irá fluctuando en una serie de plots o giros insospechados que nos conducirán por esta suspensiva obra.

Una de las cosas más interesantes de la película es que no imita ni se ve reflejada en aquellas exageradas o explícitas obras del género. Si no que ahonda este mito Dybukkdel folcore judío, en el cual un espíritu maligno posee a diferentes criaturas, con una sutileza, un estilo y elegancia destacables. La bella estética y una realización muy prolija y definida de los interiores y exteriores aportan un plus a este vistazo de la cultura polaca que de por sí es sumamente interesante.

Los cientos de litros de vodka bebidos y un fino y sutil humor negro aportan un carácter diferente al relato que nos llevará de la intriga y suspenso hasta pequeñas carcajadas que funcionan como fuelles para avanzar a lo largo del argumento

Una oferta que vuelve a sorprender en esta nueva edición del festival que ya nos tiene acostumbrados a una gran variedad cinematográfica de diferentes calidades y recursos, ni hablar de temáticas y nacionalidades.

JULIÁN NASSIF

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“Beyond Clueless” es una especie de monografía de análisis de films sobre el género“teen movie” (Películas de adolescentes). En base a la utilización de cientos de fragmentos de cientos de películas que abarcan esta temática en los últimos 25/30 años (Ver la ilustración de abajo para saber algunas de ellas), Charlie Lyne desarrolla una obra destacada en su montaje, quizás lo más logrado en este film, con una voz en off deFairuza Balk que relata aquel análisis abarcando las estructuras, los diseños de personajes, las tramas y sub-tramas y núcleos dramáticos, entre otras cosas, que definen el género, explicando y profundizando un estilo y temática que muchas veces es disminuída por tener como contenido la “cultura” adolescente.

Es interesante abordar el conjunto de películas de esta forma ya que encontramos ciertas constantes dentro del estilo cinematográfico y podemos observar algunas cuestiones más técnicas y explicativas de la construcción de los diferentes guiones, acercándonos un poco más a entender el por que de la elección y utilización de algunos elementos y recursos, inclusive en films que consideramos completamente superficiales y estúpidos.

“Beyond Clueless”, de la cual su nombre es referencia absoluta al film “Clueless” (“Ni Idea”) dirigida por Amy Heckerling, el cual no fundó pero si asentó un antecedente en el género, no se aleja del rejunte de material de films ajenos y no propone ningún agregado dramático más que el excelente montaje de aquellos fragmentos cinematográficos que están pegados de una forma que generan un nuevo film, técnico y de análisis sí, pero no por ello menos valeroso, especialmente para los fanáticos del cine y de este tipo de películas que, desgraciadamente, no tienen mucho lugar en el cine argentino.

JULIÁN NASSIF

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Muchísimos años han pasado desde la última película realizada en base a “El libro de la selva” publicado en 1894 y escrito por el escritor británico Joseph Rudyard Kipling, donde relataba un conjunto de cuentos de animales que se desarrollaban en la selva india planteando lecciones morales.

No vale la pena repasar una historia tan conocida por todos, especialmente impregnada en nuestra infancia, pero si vale la pena destacar algunas sensaciones y recursos técnicos que se presentan de forma relevante en esta versión de un llamativo e innovador Jon Favreau, quien había demostrado poder desarrollar impactantes secuencias de acción en películas como Iron Man.

Algunos de las curiosidades de esta edición es que se está proyectando en idioma original subtitulada en casi todos los grandes cines, al menos de Buenos Aires y con una gran cantidad de funciones. Esto ya es un indicio de que el film no está dirigido particularmente a los menores sino que es una película para todo tipo de público. Llamativo fue ver que alrededor mío en la sala solo había gente arriba de los 15 años.

Otra cosa de la cual hay que partir para empezar hablar sobre este film es que es una obra completamente realizada con la interacción del Live Action y el CGI y diferentes tipos de animación. Muchas veces he criticado este tipo de recursos cuando no están bien utilizados o generan cierto “ruido” en el espectador. Este no es el caso ya que desde el primer plano sabemos que casi todo lo que vamos a ver va a ser realizado por animación computada. De esta forma aceptamos el desafío y no lo cuestionamos. La interacción entre los dos recursos es fabulosa y las animaciones tienen una calidad difícil de superar. No esperamos “realismo”, sino que es bienvenida la estética planteada de punta a punta en el film. Exceptuando algún que otro instante donde la iluminación denota cierta separación entre el “mundo” animado y el “mundo real” cuando interactúa el protagonista Mowgli, interpretado magistralmente por un jovenNeel Sethi que pareciera haber nacido en un habitat animado artificialmente debido al manejo excepcional de las herramientas, aportando una verosimilitud impactante.

La delicia visual que significa experimentar esta obra en una buena sala de cine es inexplicable. Realmente una experiencia particular, pero esta vez, a diferencia de otras, basado en un guión sólido escrito por Justin Marks e interpretado por Favreau.

Que el tinte no sea infantil y que abarque momentos de tensión y violencia dirigidos más al adolescente y adulto, representa una visión mucho más interesante de la historia y, de por si, mucho más atrapante.

Todas aquellas herramientas sumadas a las espectaculares voces de Bill Murray, Ben Kingsley, Cristopher Walken y una hipnótica Scarlett Johanson que representa a una enorme serpiente en una escena genial, entre otros, redondean una película que me volvió hacer llorar, reír y emocionarme como cuando era un niño.

Disney lo hizo de nuevo y así afirma que por más alti bajos que sus películas tengan a lo largo del tiempo, la fórmula es efectiva e imbatible. Soñar que volví a ser niño, eso es lo que me generó “El libro de la selva”.

JULIÁN NASSIF

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Truth encara un retrato de la labor periodística en el medio televisivo así como“Spotlight” lo retrató en la prensa gráfica ganándose un Oscar como Mejor Película(entre otros premios). Ambos casos ahondan en trabajos periodísticos de gran repercusión basados en hechos reales. En este caso, Truth relata la producción de un informe realizado por el famoso programa estadounidense de la cadena CBS “60 Minutes”, producido por Mary Mapes, interpretada por Cate Blanchett y conducido por el famoso presentador de aquella cadena Dan Rather, interpretado por Robert Redford.

Ellos dos juntos a un eficiente y exhaustivo equipo de trabajo realizan una investigación para averiguar si el ex presidente de Estados Unidos, George W. Bush,había realizado y completado su carrera militar, analizando, particularmente, el tráfico de influencias que podrían generar ciertos beneficios que el ex presidente gozó durante la guerra de Vietnam.

A partir de algunos errores o no confirmaciones sobre elementos clave dentro de la investigación y la producción, otras importantes cadenas de medios y diferentes autoridades gubernamentales comienzan a perseguir a los periodistas y a presionar a las autoridades de la cadena para desautorizar y menospreciar el valor de la información que comunicaban. Dentro de esa “bola de nieve”, comenzamos a observar las presiones y la peligrosidad que genera “husmear” entre el pasado y las relaciones de las autoridades gubernamentales dentro del país del norte.

A diferencia de “Spotlight”, “Truth” da una mirada un poco más comprometida, jugada y profunda, donde sí plantea paradigmas y toma posición política dentro del conflicto planteado a través de su protagonista. Los ideales y los valores que representan, al menos en esta ficción, los periodistas retratados hablan de una convicción y honestidad que va más allá de las corporaciones y las sugestiones mediáticas. Cabería preguntarse si retrata fielmente lo sucedido o si estás películas que en tan poco tiempo y repentinamente aparecen en el núcleo de la industria cinematográfica no intentan “levantar” y reivindicar la figura de los periodistas que tan bastardeada está, en muchos casos con razón, por los intereses corporativos e influencias políticas.

Julián Nassif  

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“Me case con un boludo” podría ser una especie de secuela encubierta de “Un novio para mi mujer” como así lo fue, entre comillas, “This is forty” de “Knocked Up”, perdón por el insulto Judd Apatow, es solo figurativo mi ejemplo. Lamentablemente, esto no sucede debido a que los personajes de esta dupla comercialmente exitosaSuar–Bertuccelli no tienen cierta continuidad con aquellos como la Tana Ferro y el Tenso Polsky y tampoco tienen aquella química.

Las memorables escenas de aquel film no se ven reflejadas en éste donde el protagonismo se ubica sobre el personaje del boludo, el exitoso actor Fabián Brando, interpretado por Adrián Suar. Él es un actor de trayectoria internacional que ha trabajado en películas dirigidas por grandes directores de la cinematografía mundial quien, en afán de ayudar a una principiante Flor en una de sus películas, interpretada porValeria Bertuccelli, termina enamorándose de ella iniciando un camino de convivencia y pareja peculiar que se irá transformando a partir de que ella descubre que a quien realmente ama es al personaje del film y no al actor, no al boludo que tiene a su lado realmente.

Todo esto sucede en el inicio del film, repleto de lugares comunes, estereotipos y gags que Suar parece haber robado de Jose Maria Listorti, Guillermo Francella y Ben Stiller, solo aportando sus agotados típicos gestos repetitivos que no se alejan de cuando uno lo ve en alguna entrevista de Mirtha Legrand. Evidentemente, la actuación de Suar pega y paga, mucho más cuando está junto a Bertuccelli y solo por eso uno supondría que aún tiene tiempo de pantalla este tipo de films. También se entendería que es una especie de “proyección”, de “salto” de calidad de aquello que tanto funciona en la pantalla chica.

Sobre gustos no hay nada escrito y seguramente esta obra la vayan a ver gran cantidad de espectadores, como suele pasar con todas las películas de las que participa el“chueco”. Pero aquí arriesgaría que aparece una constante donde el espectador nunca estalla de risa, que es a lo que este tipo de comedias románticas apela, y se quedará con una mueca o hasta alguna mordida de labios cuando identifique que el personaje no está generando una sonrisa sino que está haciendo las muecas típicas que en otro entonces han despertado alegría. Allí es donde aparece la sobre actuación y la exaltación de las interpretaciones que molesta y desapega al espectador. Uno entiende que el actor está interpretando al personaje de una manera que cree que va a ser graciosa o que lo ha sido en alguna otra película. Pero no, no es así.

Uno entiende que hay una culpa compartida en este sentido entre una mala interpretación, o un descanso actoral que se apoya en el éxito pasado, y una mala dirección de actores de parte del director Juan Taratuto que sí se destaca en algunos pequeños “homenajes” que la película realiza a grandes obras del séptimo arte.

Si, es simpática la obra. Si, algunos reirán. Pero quien buscaba una segunda parte de “Un novio para mi mujer”, una evolución de aquella o al menos una comedia romántica llevadora y reflexiva va a chocar contra una pared de más de lo mismo y de saturación interpretativa. Y eso dejando de lado lo inverosímil de muchos fragmentos y la nula identificación con el argentino.

JULIÁN NASSIF

[cinematografiablog]

“Court” retrata de forma ficcional la realidad del sistema judicial de India, funcionando como un paralelismo con la forma de hacer cumplir la “justicia” a la cual cada espectador está sometido sin importar de que país provenga. Los ritmos cansinos, la redundancia, torpeza y ridiculez del sistema judicial indio pueden ser identificados y semejantes en todos los países del mundo.

Narayan Kamble, interpretado por Vira Sathidar, es un cantante y profesor militante que denuncia las injusticias y la represión de las realidades económicas, políticas y sociales de diferentes sectores de la India. Gracias a ello, es constantemente oprimido, por el aparato policial y los tribunales siendo repetidamente detenido, encarcelado y enjuiciado. Luego de una de sus detenciones entra en juego el protagonista del film que es el consecuente abogado de Narayan, Vinay Vora, interpretado por Vivek Gomber, quien luchará contra el régimen judicial y la coerción contra su defendido.

Vinay será el hilo conductor que funcione como microscopio denunciante sobre las terribles realidades que suceden contra el pueblo indio de parte, irónicamente, aquellos que deberían defenderlo.

En un film de ritmo tan cansino y dilatado como lo que denuncia y realza, Chaitania Tamhane logra un definido retrato de las realidades de aquel país con un tinte cuasi sociológico a través de testimoniales locaciones y de toda la cultura hindú a flor de piel. Una paleta repleta de intensos y llamativos colores funciona correctamente como contrapunto a la palidez y contraste del blanco y negro de la supuesta ciega justicia.

Las tensiones logradas por (a veces caprichosos) cuadros vacíos remarca y acentúa el ritmo de una película que no es para cualquiera ni para cualquier momento. Se notan los rasgos estéticos que resalta el BAFICI del cual la obra ganó el premio a Mejor Películaen la Competencia Internacional 2015.  

Con algunos tiempos vacíos, planos forzados y lagunas, el film funciona más como una denuncia audiovisual que como una película equilibrada y redonda, rebotando en buenas interpretaciones logradas por el director, utilizando en su mayoría a no actores, y haciendo pié en la colorida y, aparentemente, tan lejana cultura de aquellas tierras que, a la vez, contradicen con sus tantos momentos de habla en inglés y la herencia colonial de Gran Bretaña.

Julián Nassif

[cinematografiablog]

“The Danish Girl” (La Chica Danesa) abarca la versión ficcionada de la primera persona en someterse a una operación de cambio de sexo, Einar Wegener/Lili Elbe,  basada en la novela homónima de David Ebershoff. Se destaca que esté basada en una ficción que relata la historia real de Einar/Lili debido a que no es absolutamente fiel a la historia original sino que está condimentada y versionada.

En mitad de la década del ’20 del siglo XX, en Copenhague, Dinamarca, marido y mujer,Einar Wegener, protagonizado por Eddie Redmayne, y Gerda Wegener, protagonizada por Alicia Vikander, ahondan en sus carreras como pintores mientras afianzan su matrimonio. De una forma cuasi “accidentada”, Einar comienza a vestirse de mujer para modelar frente a Gerda para ser retratado, convirtiéndose en una especie de musa inspiradora. Funcionando como una especie de disparador, este accionar inicia la transformación de Einar en Lili, lo cual llevará adelante toda la película, tanto en su lucha por su transformación como en las repercusiones que trae en su matrimonio, vida social y profesional.

Con una estética particular de lentes gran angulares acentuados que generan deformaciones en parte del cuadro y una profundidad de campo muy particular, acompañados de colores pasteles y los típicos escenarios recargados clásicos de la época, tanto en el país escandinavo como en Francia y otros sectores de la Europa occidental, el film relata una historia que rebalsa de “toques” ficcionales que le juegan en contra y afectan a la verosimilitud de la obra.

El personaje de Einar/Lili resulta de un egoísmo tal que es imposible la identificación con el espectador, y no porque sea una historia que puede resultar ajena a muchos de los que disfruten de la película, sino porque, en más de un caso, en vez de sentir empatía por el protagonista, nos inunda una sensación de egocentrismo e injusticia hacia la que es su mujer desde el inicio del film. Por otro lado, Gerda, su mujer, resulta un rol extremadamente comprensivo y cariñoso, por lo que resulta muy cuestionable e inverosímil. Diferente sería si se desarrollara lo que uno supone de la situación: alguna especie de obsesión o trastorno que sufre Gerda frente a la realidad que vive para poder soportar tal situación de una manera tan cálida.

En tercer lugar, el personaje de Hans, interpretado por Matthias Schoenaerts, el amigo de la infancia de Einar, agregado en la novela, termina cumpliendo un rol un tanto absurdo, generando una relación con Gerda por demás ridícula, aportando al “ruido” narrativo que uno sufre a lo largo del pietaje.

Donde más hace agua la obra es en reflejar lo que realmente puede haber llegado a sufrirEinar/Lili durante su transformación. Considerando que hoy en día una persona Trans sufre una opresión tal que el promedio de vida en algunos países alcanza únicamente los 35 años, uno podría imaginar que hace casi un siglo la situación sería aún peor. En este caso, el único momento donde se destaca algún tipo de opresión y/o represión social, es en una diluida y edulcorada secuencia de montaje típica de los films destinados a los Oscar.

Lo que si se destaca, además de una impresionante actuación de Eddie Redmayne, nominado como Mejor Actor para los Oscar, es el diseño sonoro que carece prácticamente de colchones musicales o ambientales y contiene una propuesta minimalista de abundantes silencios que aportan una gran parte de la construcción dramática.

Julián Nassif