culturons nous

CINÉMA, THÉÂTRE, LIVRES, MUSIQUE ET EXPOSITIONS

[culturons-nous]

É V É N E M E N T - PRISME, CINÉ-PISCINE

[culturons-nous]

C O N F É R E N C E - L. LAGADEC x X. HEBERT 

Art versus Politique : qui valorise qui ? Vaste sujet... Et pourtant, les étudiants de l’Ecole de Commerce de Rennes activent le mode « journaliste » et viennent questionner leurs invités, Laurent Lagadec, architecte, et Xavier Hebert, directeur du groupe Giboire, sur la question de l’aménagement d’un territoire : Dans quelle mesure les projets urbains s’inscrivent-ils à la fois dans une démarche artistique et politique ? 

Sur le devant de la scène de l’auditorium des Archives Départementales, les spots de lumière nous éclairant joyeusement, et munis d’un micro, nous enchaînons les questions tout au long d’une heure et demi d’interview. 

L’exercice, nouveau pour moi, demande au delà des capacités d’attention, de faire preuve d’adaptation au fil de la discussion pour rebondir et ne pas poser deux fois les mêmes questions. Difficile, pour des étudiant n’ayant aucune notion d’histoire de l’art, d’architecture ou tout simplement de journalisme, d’être prêt à 100% quand on ne sait quelle tournure prendra réellement l’entretien. 

Et c’était peut être tant mieux, car nos invités se sont lâchés et ont parlé sans langue de bois, attentifs et désireux de développer avec nous l’axe sous lequel nous avions choisis de traiter le sujet. Ils nous révèlent par exemple que le plus important, au delà des problématiques environnementales, est « l’usage » ; comprendre comment les gens vivent pour construire des bâtiments répondant aux exigences de leur mode vie. Sinon à quoi bon être architecte si ce n’est que pour soi et son oeuvre ? 

Le point peut-être le plus intéressant fut sans nul doute celui de l’intégration paysagère sur la question de construire du neuf à coté de l’ancien. La réponse de Laurant Lagadec, est surprenante. Bien qu’il prône des solutions de bâtiments de-constructibles, dans la mesure où les édifices modernes s’implantent durablement dans le paysage, il ne peut s’empêcher de citer Londres comme ville où les styles architecturaux se juxtaposent, créant ainsi une dynamique qu’il affectionne particulièrement. 

Bilan de la rencontre : PO-SI-TIF ! 

Et pour conclure grossièrement, l’art valorise la politique. 

[culturons-nous]

T H E A T R E - ACTRICE

Actrice est une pièce de Pascal Rambert, qui met en scène les derniers jours d’Eugenia, une immense actrice, jouée par la fabuleuse Marina Hands. La pièce, qui se veut être un hommage à l’art du théâtre et au métier d’acteur, offre à la comédienne l’opportunité de vivre le célèbre « mourir sur scène » (pour de faux), rêve inavoué de nombreux artistes. 

On découvre Eugenia dans son lit de mort, entourée de ses parents. Ses proches, familles, amis et collègues se succèdent à son chevet pour lui dire adieu. A leur manière, chacun exprime sa tristesse, sa colère, son incompréhension. Quand sa fille, anéantie et en colère lui reproche d’avoir voué sa vie au théâtre, son compagnon ivre et sans filtres semble ressentir, quant à lui, le besoin irrépressible d’hurler sa peur de la perdre. Déchirant. 

Et les familles sont toutes les mêmes. Chacune compte son lot de non-dits et de vieilles rancunes qu’un événement fortuit et douloureux tel que la mort vient réveiller. Les scènes se succèdent et chacun règle ses comptes. Se dire les choses avant de partir pour n’avoir aucun regret. Le ton monte parfois et semble familier. Le spectateur y retrouve forcément des bribes de sa propre vie, comme un échos de son histoire familiale. 

La scénographie est simple mais fournie. Un lit d’hôpital au centre. Une lumière oscillante entre le jaune et le blanc-néon-hôpital. De part et d’autre de la scène, des centaines de bouquets de fleurs d’admirateurs sont disposés et apportent une ambiance sereine, qui contraste avec la gravité du thème de la pièce et des scènes d’adieux déchirantes. Avec ce par-terre fleuri aux allures de Paradis, l’actrice met, pour ainsi dire, un pied dans la douceur de l’au-delà. La scène apparait alors comme une transition entre deux mondes ; celui des morts et des vivants. Faut-il y voir une manière de dédramatiser ce que la mort a d’angoissant ?

Enfin, si Marina Hands est éblouissante dans le rôle de cette actrice presque morte sur le point de succomber à la folie, la pièce perd par moment en crédibilité à cause d’un casting inégal et d’une surrenchère de pathos. 

[culturons-nous]

C I N E M A - LES  HEURES  SOMBRES 

J’étais un peu sceptique à l'idée d'aller voir un film historique abordant les débuts de la guerre 39-45 du point de vue de la politique anglaise, car je ne suis pas une grande fan des films historiques et encore moins de la politique que je trouve ennuyeuse, mais le film Les Heures Sombre s'est révélé être un film très intéressant compte tenu du regard très juste qu’il porte sur les doutes auxquels sont bien souvent confrontés les dirigeants en matière de décisions politiques. 

Les Heures Sombres aborde le thème de la guerre à travers le prisme d’un des plus grands hommes politique du XXe siècle, à savoir les premières heures de la nomination de Churchill en tant que Premier Ministre, désigné pour sauver l’Angleterre de l’invasion européenne par les nazis. Une guerre menée du sommet que l'on croit à tord « facile » et « confortable », mais qui n'en reste pas moins lourde de conséquences pour la patrie et les hommes partis au front. 

Le film montre un Winston Churchill tantôt hésitant, tantôt défiant mais surtout courageux lorsqu'il s'agit de prendre la meilleure décision concernant l'avenir de la nation anglaise face à la menace nazie. Et s'il envoie l'armée anglaise en guerre, après s'être courageusement confronté au peuple anglais au cours d'une brève virée dans le métro, c'est surtout avec la volonté de ne pas se soumettre.

Esthétiquement, le film est très réussi puisque le réalisateur, Joe Wright, prends même le parti de filmer la majorité des scènes de guerre vues du ciel avec un drône, de sorte à ce que le spectateur ne soit jamais dans l’immonde réalité de la guerre mais la perçoive du point de vue de Churchill, à savoir, en prenant beaucoup de hauteur ! 

[culturons-nous]

L I V R E  &  S E R I E  - THE  HANDMAID’S  TALE 

La science fiction est-elle l'expression d'un doute quant à l'équilibre fébrile de nos sociétés ? Le meilleur des mondes, 1984, Black Mirror. Autant d’histoires dystopiques surfant sur les possibles dérives de nos sociétés contemporaines. The Handmaid’s Tale, écrit en 1985 par Margaret Atwood n’a pas pris une ride. Trente trois ans plus tard, cette dystopie terrifiante est adaptée sous la forme d’une série. Une bonne raison de se replonger dans la lecture de ce roman qui nous glace toujours autant le sang. 

 The Handmaid’s Tale dépeint un futur terrifiant de la société américaine contemporaine. Les leaders de Gilead (le nouveau nom des Etats-Unis), plutôt que de reconnaitre leurs erreurs face à la dégradation de l’environnement et aux crises économiques, ont préféré plonger dans l’obscurantisme. A la croisé des chemins entre le régime nazi, la Guerre Froide et le Moyen Age, l’ordre moral de la société repose sur la lecture littérale de la Bible. Une société dans lequel les premières victimes sont surtout les femmes, qui au mieux sont des Epouses et des Marthas (servantes domestiques), au pire des esclaves sexuelles. 

En tant que femme, on ne sort pas indemne ni de la lecture du livre, ni du visionnage de la série dont l'histoire repose sur la négation du droit des femmes. L’indignation est d’autant plus grande que leur suppression intervient dans une société contemporaine occidentale proche de la notre. 

La lutte pour faire valoir les droits fondamentaux des femmes en Occident nous paraît bien loin. On peine à croire qu'un retour en arrière pourrait être possible. Et pourtant c'est une erreur. Simone de Beauvoir nous le disait. « N'oubliez jamais qu'il suffira d'une crise politique, économique ou religieuse pour que les droits des femmes soient remis en question. Ces droits ne sont jamais acquis. Vous devrez rester vigilantes votre vie durant.». 

Si la série vient nous bousculer sur l'imprescriptibilité du droit des femmes dans les sociétés occidentales, il semble surtout judicieux de se demander ce qu'il en est dans les pays en voie de développement. Sommes-nous autant indignés et concernés que nous devrions l’être ?

[culturons-nous]

E X P O - EFFETS  SPECIAUX, CREVEZ  L’ECRAN

La cité des Sciences à Paris propose de nombreuses expositions et activités interactives qui plaisent autant aux petits qu’aux grands. Leur atout principal : être accessibles au plus grand nombre dans un soucis d’éducation scientifique. Pas besoin d’avoir le cerveau d’Einstein, les expositions sont construites pour que chacun puisse découvrir, apprendre, et s’émerveiller. 

Durant toute une après midi, j’ai donc testé l’exposition sur le cerveau, l’Escape Game scientifique, le planétarium et l’exposition sur les effets spéciaux. Ouf, quel programme ! 

En se référant à des films populaires, l’exposition « Effets spéciaux, crevez l’écran ! » présente les différentes techniques de trucages qui façonnent la magie du cinéma. De la stop motion, à l’incrustation en passant par les images 3D et l’animation, l’exposition nous embarque en studio à la découverte des coulisses d’un film et nous propose de nous mettre dans la peau des  « faiseurs de rêves ».

L’exposition immersive et interactive se découpe en plusieurs ateliers qui permettent grâce à un flash-code de faire nos propres trucages. Parmi eux, il est possible de créer nos propres monstres, d’intégrer notre image à une image de synthèse grâce à un fond vert, et de déjouer la gravité grâce la technique de la « plongée verticale ». 

A travers ce parcours étonnant, sont distillées de nombreuses anecdotes. Parmi elles, celle de L’Odyssée de Pi, qui aurait été entièrement filmé dans une piscine, et à l’aide d’images de synthèse. Dans ces conditions, difficile pour l’acteur de se projeter en train de faire face à un tigre affamé en pleine tempête perdu au milieu de l’océan.

Une exposition ludique qui permet aisément de comprendre le quotidien des professionnels du cinéma. Et si l’on devient de véritables experts capables de repérer le moindre trucage, nous ferons comme si de rien, pour profiter encore de la magie du cinéma. 

[culturons-nous]

C I N E M A - THE  FLORIDA  PROJECT

Sous ses aspects de comédie enfantine à l’allure pop, The Florida Project dépeint une réalité abjecte : celle des damnés du néolibéralisme, l’envers du rêve américain et de la société du spectacle. 

Le film se déroule à Orlando, temple absolu du divertissement et du géant capitaliste Disney, là où toute l’Amérique se rue afin d’avoir sa dose d’abrutissement. Ce monde enchanteresse, on ne le voit pas, puisque l’histoire se déroule exclusivement dans un motel de couleur mauve immonde, investi par des populations ultra-pauvres qui s’y sont installées. 

La force du film réside essentiellement dans ce que Sean Baker raconte entre les lignes. A deux pas du monde merveilleux de Disney, dans un motel situé en bordure d’autoroute, arborant des panneaux publicitaires faisant la réclame pour des peluches et des jouets Disney, Moonee et ses amis sont livrés à eux même. C’est les vacances d’été et ils s’ennuient. Leur passe temps favori : quémander quelques pièces pour partager une glace, provoquer le gérant du motel Bobby, faire des bêtises. Halley, la mère de Moonee, exclue socialement est quant à elle sur le point de se prostituer pour payer la facture du motel. 

Ce rêve américain, eux n’y ont pas droit. 

Bien que le film soit particulièrement lent, c’est surtout pour que le spectateur puisse mesurer la crasse qui se trouve derrière le très médiatisé « rêve américain ». Tout le film, joue d’ailleurs sur ce contraste entre l’apparence pimpante et la réalité répugnante de la pauvreté pour mieux la dénoncer et gêner le spectateur.

[culturons-nous]

E X P O - POP  ART,  ICONS  THAT  MATTER

De retour à Paris pour les vacances de Noël, j’ai profité de ce temps mort dans le tourbillon des projets scolaires pour prendre le temps d’aller faire des expositions. Après une étude approfondie du tsunami d’offres culturelles parisien, mes amis et moi même tombons d’accord :  « L’expo sur le pop art à l’air stylé ». 

L’exposition Pop Art, Icons That Matter, réunie au Palais Maillol une belle partie des pièces maitresses du Pop Art de la collection du Whitney Museum of American Art : Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Tom Wesselmann mais aussi Roy Lichtenstein. 

Alléchant ! Et en effet, à travers les oeuvres exposées, on en apprend davantage sur les influences et les techniques du Pop Art, qui émerge aux USA dans les années 1960, en parallèle de la société de consommation. Par exemple, avec le tableau Madonna and Child, Allan D'arcangelo représente Jackie Kennedy sans visage, et s’approprie ainsi une des figures iconiques de la culture de masse. Avec son Seascape Foot, Tom Wesselmann utilise la technique du plastique thermoformé. Les sérigraphies d’Andy Warhol, reproduites à l’infini sont, quant à elles, tout autant une critique de la société de consommation qu’une manière de la célébrer. 

Le seul reproche que l’on pourrait faire à cette exposition, est sans doute l’agencement de l’espace et notamment la manière dont les panneaux explicatifs sont disposés par rapport aux oeuvres.

Et après nous avoir répété pendant tout un semestre que le design c’est « se concentrer sur l’expérience de l’utilisateur », je ne peux que reprocher cet agencement approximatif, qui m’a valu plusieurs aller-retours entre les oeuvres et les panneaux afin de comprendre les textes explicatifs et les oeuvres auxquelles ils se référaient. 

[culturons-nous]

L I V R E - ANIMA

Anima, de Wajdi Mouawad, est sans doute le livre le plus déroutant et insoutenable qu’il m’ait été donné de lire. Il m’aura fallu près de 6 mois pour venir à bout de cet époustouflant récit qu’est la quête d’un homme souhaitant retrouver le meurtrier de sa femme. « Six mois ?!! Mais pourquoi ? ».

Wahhch découvre en rentrant chez lui le corps de sa femme assassinées dans des conditions particulièrement atroces : éventrée du sexe au nombril et souillée dans sa chair. Un meurtre d’une cruauté sans précédant, qui le pousse à se lancer dans une quête de l’assassin car il doute, jusqu’à ne plus être sûr de ne pas être lui même le meurtrier. 

La particularité de ce livre réside dans sa narration. L’histoire est en effet racontée à travers les yeux et les sens des animaux qui croisent le chemin de Wahhch. L’Homme n’est plus qu’un élément d’un environnement dans lequel les odeurs, les vibrations, et les ondes sont centrales. Au fil de la lecture, le lecteur est happé et ses sens s’aiguisent. Il devient animal. Il ressent la peur et la lente agonie du cheval promis à l’abattoir. Il comprend la soif meurtrière du chien sauvage excité par l’odeur de la sueur et du sang. 

Dans ce livre, la bestialité est poussée au paroxysme. Dans certains passages, tels que le massacre de Saba et Chatila, les humains dépassent parfois les animaux en bestialité, rendant le récit insoutenable et extrêmement dur à lire, si bien que des pauses s’imposent. 

L’auteur, à qui il aura fallu près de dix années pour achever son oeuvre, nous emmène du Canada aux Etats Unis, dans une quête qui révèlera l’immense tragédie de l’histoire familiale de Wahhch, longtemps étouffée et pourtant fondatrice des événements qui se dérouleront par la suite, narrée à travers la pureté du regard animal et dans un style absolument poétique et d’une extrême beauté. 

[culturons-nous]

É V É N E M E N T - DUTCH DESIGN WEEK 

La Dutch Design Week est le rendez-vous annuel dédié au design et à la créativité. Expositions, séminaires et ateliers se succèdent pendant 9 jours et envahissent la ville d'Eindhoven au mois d'octobre. Les élèves du Msc Management de Projets Créatifs, Culture et Design sont sur le coup. Il est 5h du matin à Rennes. Le car est prêt à partir. Treize heures de route nous attendent. Oui, treize heures…

La DDW, c'est un peu comme l'événement “Portes Ouvertes” d’un immense laboratoire, terreau fertile pour la créativité et l’idéation, dans lequel des millions de visiteurs cherchent les bonnes idées de demain. On y trouve des projets plus farfelues les uns que les autres. Parmi les plus surprenants, on trouve des objets en matière vivante, un projet visant à utiliser des tissus de plantes décellularisés dans les transplantations humaines de demain, ainsi que des accessoires de maroquinerie en tripes animales. Mais arrêtons tout deux minutes. “C'est quoi en fait le Design, ce mot que l'on emploi à tout va ?”. Dans l'imaginaire collectif le design fait référence à la forme d'un objet. C'est définir le choix des couleurs, les traits et les matériaux. On ne sait que trop bien répéter que le design des produit Apple est épuré et esthétique. Moi la première. Erreur !

Un des rôles principaux du design est de répondre à des besoins, de résoudre des problèmes, de proposer des solutions nouvelles ou d’explorer des possibilités par le biais des arts, des techniques et des sciences pour améliorer la qualité de vie des êtres humains. Oui, le design existe pour nous faciliter la vie. Et la DDW, à travers la pluralité des expositions et des projets que cette manifestation abrite, permet de donner corps à cet intriguant mot “design”.

[culturons-nous]

D A N S E - SKIA, LUMIÈRE NOIRE 

Le Festival du TNB peut se vanter d’être ce qu’il se fait de mieux en terme d’innovations dans l’art du spectacle. Sans trop regarder de quoi il était question et guidée par ma curiosité, j’ai assisté à une représentation du peintre danseur, Vincent Glowinski, qui nous plonge dans les ténèbres pendant une heure et demi pour mieux nous éblouir de sa technique. 

Et quel spectacle ! Plongé ainsi dans l’obscurité et accompagné de bruit de cloches résonnantes au vent, l’artiste s’enduit d’une peinture blanche éclatante, qui grâce à la lumière noire, dessine son corps dans cette pénombre opaque. Dernière lui, sur un écran semble se dessiner des formes au fil des mouvements de son corps dansant dans l’espace. 

Tel un chamane, dont les visions hallucinées se dessineraient aux murs, Vincent Glowinski devient un pinceau humain, qui dessine tour à tour des squelettes, des poissons, des visages d’une couleurs bleutées et aux allures transparentes d’une radiographie. 

Avec son corps devenu ainsi outil, il mène la danse aux rythmes d’une chorégraphie projectrice de sa propre vision du monde. Il faut se décider, regarder l’homme qui danse en contre-bas, par soubresauts fascinants et ondulations émouvantes, ou bien se concentrer sur l’écran où apparaissent comme par magie ces formes fantomatiques.  

Je vous vois vous triturer le cerveau :  « Mais, mais, mais... c’est quoi l’astuce ? ». Oui parce que moi aussi je me suis posée la question pendant tout le spectacle... 

Sans trop vous dévoiler le secret du magicien, voici quelques éléments de réponse : il s’agit en fait d’un dispositif de vidéo-light-painting, qui capture les empreintes qu’il dessine au sol avec ses bras et ses épaules. 

Mais une vidéo sera sans doute plus parlante. 

[culturons-nous]

T H E A T R E - KINDERTOTENLIEDER  

Dans le cadre du Festival TNB, lors duquel j’ai été bénévole pour accompagner les équipes artistiques du spectacle Kindertotenlieder de Gisèle Vienne, j’ai pu assister à la représentation de cette pièce on ne peut moins déroutante sur la mise à mort.

Il s’agit d’ailleurs d’avantage d’une représentation de danse que de théâtre car les dialogues sont rares et enregistrés sur la bande sonore qui accompagne la performance des acteurs / danseurs tout au long de la représentation. 

Lorsque le spectacle commence, on est d’abord surpris par la lenteur des corps en mouvement qui semblent flotter dans l’espace et par l’atmosphère froide et lugubre environnante. La lumière est blanche. De la neige recouvre le sol. Les acteurs de noir vêtus se tiennent debout ou à genoux, en silence, ils partagent l’espace avec des mannequins sans vie, avec lesquels il est aisé de les confondre. Une musique expérimentale alterne avec des moments de silence assourdissants. La mise à mort est jouée sur scène, avec toute la violence qu’elle suppose. 

Tout cala ne semble pas très réjouissant, mais on finit par se laisser emporter par cette lenteur et cette atmosphère morbide qui pousse le spectateur à être attentif au moindre mouvement. On devient fasciner par ces mouvements de danse très lents ou le corps des danseurs semble se désarticuler, se démembrer pendant de longue minutes. Face à ces corps légers qui semblent flotter dans l’espace, on trouverait même à la mort une certaine beauté et une certaine quiétude.

À la fin de la représentation, on ne sait pas trop ce à quoi l’on vient d’assister. Un parti pris de Gisèle Vienne, qui aime jouer sur les différentes strates de la réalité en refusant de livrer une réponse, sensée satisfaire le spectateur. Elle préfère que ce dernier adopte une démarche active dans le but développer sa propre interprétation, compte tenu de ses expériences et de sa perception du réel, afin de trouver sa vérité. 

[culturons-nous]

T H E A T R E - JE SUIS UN PAYS 

« Je suis un Pays » est une pièce écrite et mise en scène par le brillant Vincent Macaigne. Il y a 20 ans. Et je dirais bien qu'il n'y a tout simplement pas de mots pour décrire ce à quoi je viens d'assister ce soir. Mais entre nous, ça n'aurait aucun intérêt.

Installée au premier rang de ce spectacle incroyablement novateur, j’ai assisté à une expérience immersive comme je n'avais encore jamais vécu. Alors que les comédiens viennent nous chercher dans les couloirs du théâtre, on entre dans la salle au rythme retentissant des« tubes » qui ont marqués nos oreilles ces dernières années. Sur la scène, un décor riche à ne plus savoir où donner de la tête et salissant : un mélange de boue, de mousse, de sang aspergé et de fumée. Un BORDEL sans nom. À se demander si l’on ne s’est pas trompé de salle...

Tout au long de la pièce, « Je suis un Pays » met le spectateur à contribution. On en ressort exténué, boulversé, époustouflé, vidé. “Mais a quoi viens-je d’assister?!!”. Le théâtre de Macaigne est à la frontière du divertissement et s’il se veut grand public il pose tout de même de véritables questions en jouant avec nos nerfs.

L’auteur exploite tous les genres, tantôt burlesque, gore, tragique, comique, et satirique, c’est avant tout pour mieux servir son discours. Car oui c’est bien de ça qu’il s’agit au départ. Macaigne veut nous bousculer en nous criant l’absurdité et la violence de notre époque où il est plus confortable de se divertir devant une télé réalité que d’agir pour la justice, la paix et l’amour. 

Et à ce jeu il est très fort, car je suis la première à me retrouver sur scène en train de danser au rythme endiablé de Gangnam Style, lorsque les acteurs viennent chercher le public pour le direct de l’émission de télé-réalité “Qui veut tuer le roi?”. 

Que faisions nous, par contre, lorsque Marie criait d’effroi alors qu’elle se faisait agresser par son propre frère dans un décor post-apocalyptique ? Nous regardions tous les écrans diffusant les images d’une Maryline lascive, situés de l’autre coté de la scène. Détournons le regard, notre lâcheté est bien trop dérangeante ! 

Parlons un peu des acteurs. Ils sont si possédés par leur personnage qu’on n’ose imaginer leur état à la fin de la reprrésentation : ils s’agitent, s’écrient, se dévouent. Leur jeu est d’une justesse déroutante, si bien qu’on en oublierait presque que l’on est au théâtre. 

À la fin, le décor est complètement détruit. Reflet de notre propre capacité à ne rien respecter sur la Terre.

À voir absolument.

[culturons-nous]

M U S I Q U E - PNL

« Le Monde ou Rien », « Dans la Légende ». Autant de titres d’albums qui en disent long sur la determination des frères Andrieu à réussir. Mais pas n’importe quelle réussite puisque les deux frères, Ademo et N.O.S, qui composent le groupe PNL, ne cessent de revendiquer qu’ils ne doivent leur succès qu’à leur travail. Retour sur un phénomène rap et un concert hors norme. 

PNL se fait connaitre en 2015, avec un album discret mais suffisamment novateur pour intriguer la scène rap. Puis le succès est fulgurant ; en moins d’un an, le groupe sort deux albums supplémentaires en totale indépendance, sans label, des millions de vues sur Youtube en quelques heures, une tournée nationale, une invitation au festival californien Coachella. Rien que ça.

Coté rap, ils arrivent avec un style bien particulier. Les mélodies sont hypnotiques et enivrantes et contrastent avec des textes fatalistes reflet du vide existentiel, de la haine et des regrets qui les habitent. Au XIXème siècle, les frères PNL auraient sans nul doute été de grands Romantiques tant leur univers semble empreint de mélancolie. Se soustrayant à tout espoir salvateur. 

Au delà d’être de bons rappeurs, le groupe est aussi bon marketeur. A travers les réseaux sociaux, ils communiquent directement avec leur fans tout en cultivant une certaine aura de mystère, divulguant avec parcimonie quelques bribes de leur vie à travers leurs textes et fuyant tout interview avec la presse. Coup de génie. Pour le lancement de leur 3ème album, le groupe va même jusqu’à sortir deux éditions, contenant chacun un titre bonus différent.

Après deux années de fascination, le groupe lance l’invitation. Ils seront présents à Bercy en novembre 2017 pour clôturer une première tournée inédite en France. La scénographie est soignée comme dans leurs clips vidéos qui ont participé à leur succès. Sur scène, la sculpture géante d’un cœur, fait face à un arbre qui se couvre de temps en temps de son feuillage et que le groupe rejoint via un chemin sinueux. Faut-il y voir la symbolique de la difficulté à tracer son chemin dans la vie pour ces jeunes issus d’un quartier difficile de banlieue parisienne ? Les vidéos projetées en mapping sur le cœur donnent l’impression au public qu’il bat réellement. L’ensemble, avec l’éclairage tout aussi soigné, offre des clichés magnifiques. Pari réussi : on se laisse embarquer dans leur univers. 

Durant le concert, les deux frères communient avec le public : « laisse les chanter N.O.S », « QLF, que la famille », Ademo emprunte même le portable des fans pour prendre des photos. Tant de générosité... ou tout simplement l’expression d’un coeur qui bat caché sous une énorme montagne d’attitudes et de testostérone. 

[culturons-nous]

C I N E M A - GOODTIME

Good Time, c’est le film des frères Safdie, présenté à Cannes en 2017.

Un braquage qui tourne mal… Connie réussit à s'enfuir mais son frère Nick, handicapé mental, est arrêté. Se sentant coupable, Connie va tenter coûte que coûte de le faire évader. Commence alors dans les bas-fonds de New York, une longue nuit sous adrénaline.

Pourquoi on aime ?

Good Time est d’une pureté époustouflante. C’est le genre de film qui ne laisse pas indifférent, une fusion entre violente réalité et poésie, somptueusement déchirante. C’est la rencontre entre la beauté et les misérables bas-fonds de New York.

Sous certains aspects, Good Time est un mélange entre Taxi Driver et Drive ! On apprécie un Robert Pattinson physiquement méconnaissable et dans un rôle de grand frère paumé terriblement attachant.

Mentions spéciales pour l’esthétisme des images d’une beauté inouïe, la musique et l’univers nocturne très coloré ainsi que le puissant message d’amour d’un frère pour son frère handicapé mental.

[culturons-nous]

E X P O - PLASTICARIUM

L’exposition Plasticarium du Brussels Design Museum met de bonne humeur et nous propulse dans l’univers très coloré et pop des années 60-70. L’exposition retrace l’histoire sociale et politique de l’utilisation du plastique dans le design d’objets d’intérieurs à l’avènement de la culture de consommation de masse. Et bien que tous les objets exposés soient faits de plastique, un matériel désavoué pour son aspect « cheap », il règne une atmosphère vintage et tendance que l’on emporterait bien dans notre salon. 

L’exposition commence par nous révéler une brève histoire de l’utilisation du plastique : un matériau très modulable qui permet d’explorer toutes les formes imaginables et bon marcher. Le plastique est la star. Le design des meubles des années 60, fortement imprégné de l’univers de la science fiction, prend des allures futuristes en référence à l’actualité politique de l’époque, pour que chacun puisse vivre de son salon, la conquête spatiale qui oppose les deux blocs. Après les chocs pétroliers des années 70, le plastique est délaissé au profit de matériaux plus nobles. 

Au delà de son aspect ludique et rafraîchissant, l’exposition, interroge surtout le rôle du designer et notamment les conséquences sociales, économiques, environnementales et techniques de l’utilisation de matériaux comme le plastique pour répondre à des problématiques globales. 

Pourquoi on aime ? On a jamais vu autant de kitch dans un même endroit. C’est coloré, vintage, pop et so années 70 !

[culturons-nous]

C I N E M A - THE SQUARE

The Square, Palme d’Or 2017, est un film suédois réalisé par Ruben Östlund. C’est une tragicomédie qui expose le tableau d’une société suédoise à deux vitesses, qui semble avoir perdu quelques uns de ses principes fondamentaux que sont l’altruisme et le respect de l’autre. 

Christian est conservateur de musée. Lorsqu’il se fait voler son portable, il se met en tête de le retrouver par lui même grâce à un plan douteux. Parallèlement, il s’occupe de la mise en place d’une nouvelle exposition, un carré lumineux, The Square, dans lequel aider son prochain serait un devoir indéniable et absolu.

Pourquoi on aime ? 

The Square aborde des sujets d’une modernité folle. Östlund questionne notre rapport à l’autre, notre humanité ainsi que notre propre lâcheté. Maître en la matière, il nous livre quelques scènes exceptionnellement gênantes et déconcertantes dont celle du dîner mondain qui tourne mal. A se demander s’il ne reste pas une part de bestialité même chez les hommes les plus civilisés... 

The Square est surtout HI-LA-RANT. Avec une mise en scène extrêmement soignée, Östlund tourne en ridicule ses personnages qui incarnent une société aisée bien pensante et faussement altruiste. Ils ne sont ni vraiment bons, ni vraiment mauvais. Ils sont simplement humains... et les humains sont tordants !