Primeros apuntes sobre lo neoandino
Hay algo que vengo viendo hace un tiempo y que no sé si tiene un nombre claro, pero que aparece una y otra vez en lugares distintos: en la música, en el diseño, en la forma en que se usa el cuerpo, en la arquitectura. Por ahora lo estoy llamando neoandino, no como un movimiento cerrado sino como una forma de agrupar ciertas prácticas que parecen estar creciendo en paralelo. No lo pienso como “lo andino mezclado con lo moderno”, porque eso se queda corto, si no más bien como un espectro estético en el que lo andino deja de aparecer como pasado, como tradición fija o como elemento decorativo, y empieza a funcionar como algo activo: un sistema de formas, de sonidos, de movimientos que se puede usar, transformar y desplazar.
Se nota mucho en lo visual. Hay algo en ciertas tipografías, en ciertos diseños, como la estética del Runa Fest Lima 2022, donde la geometría andina deja de ser ornamento y pasa a ser estructura, casi como si pudiera funcionar como interfaz. No es folklore estilizado, es otra cosa: una abstracción que se siente contemporánea sin perder la referencia.
También aparece en el cuerpo. En el video de "Jengibre" de Alika, por ejemplo, hay una manta con wiphala usada para breakdance, y escenas de BMX en un salar con poncho y chullo. Ahí no hay tensión entre lo “tradicional” y lo “urbano”: conviven de forma natural, lo andino no está puesto como fondo, sino como plataforma. Algo parecido pasa con el imaginario de Alto's Odyssey: el desplazamiento por el paisaje, el sandboard...
En otros casos, esa proyección hacia el futuro es más explícita. En propuestas tipo Electro Andes aparecen ciudades en altura, neón, tecnología, pero también símbolos que no desaparecen sino que se transforman.
Y después está la arquitectura, donde la palabra “neoandino” ya se usa hace tiempo, sobre todo para describir los edificios de Freddy Mamani. Los llamados “cholets” son imposibles de ignorar: color, geometría, exceso. Pero más allá de lo visual, ahí hay algo importante en juego, porque esa estética también habla de identidad y de transformación social, ya que anuncia la existencia de una clase burguesa aymara.
La música es, probablemente, donde todo esto se expande con más claridad. Hay toda una escena que mezcla sonidos andinos con electrónica (Nicola Cruz, Chancha Vía Circuito, King Coya, El Búho, Nación Ekeko, Rodrigo Gallardo, etc.) que a veces se agrupa bajo etiquetas como “electro andino”. A nivel más global, esto entra dentro de algo más amplio que se suele llamar folktrónica (por ejemplo, artistas como Baiuca, de Galicia), donde distintas tradiciones se cruzan con lenguajes contemporáneos. Pero me interesa marcar una diferencia ahí. La folktrónica es una categoría musical bastante clara: tradición + electrónica. El electro andino sería una versión localizada de eso, centrada en los Andes. Lo neoandino, en cambio, no es un género. Es un campo más amplio que puede incluir esas músicas, pero también otras cosas: hip hop con influencias andinas, fusiones urbanas, incluso fenómenos muy recientes y todavía inestables como el huayno phonk.
La canción más conocida de Huayno Phonk:
En todos estos casos, hay algo que se repite: lo andino deja de ser algo que se representa y pasa a ser algo que se activa, a veces como patrón, a veces como ritmo, a veces como espacio, a veces como movimiento. No es nostalgia ni tampoco simple actualización, es otra relación con el presente. Quizás por eso funciona tanto, porque permite conectar con una identidad sin tener que hacerlo desde lo solemne, y al mismo tiempo circula bien en un contexto donde todo se mezcla, se reconfigura y se vuelve a usar. No sé si “neoandino” es el mejor nombre ni si va a quedar, pero sí parece útil para señalar algo que ya está pasando: un conjunto de prácticas donde lo andino no vuelve como pasado, sino que aparece como presente en transformación.
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