Fogli d'Album -AlbertoMassarotto-

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Marco Angius strega il Malibran Ha ancora senso scrivere oggi un concerto per pianoforte e orchestra? Potrebbe essere questa la domanda che ci pone Luca Mosca attraverso l’ascolto del suo Quinto concerto in occasione della serata di venerdì 11 aprile, in replica poi il 13, al Teatro Malibran. Come il sottotitolo dell’opera, Undici frammenti in un girotondo, fa presagire, della forma del concerto per strumento solista permane essenzialmente la carcassa, ormai appositamente svuotata della sua struttura classica, alla quale è stato innescato un meccanismo di undici frammenti musicali tra loro collegati nonostante le differenze congenite di ognuno. Luca Mosca sfodera un virtuosismo che si spinge inesorabilmente alle estremità della tastiera attraverso un’instancabile concatenazione di formule ritmiche, rivestendo lo strumento di cangianti accostamenti timbrici in abbinamento ai vari strumenti dell’orchestra che si traducono spesso in laceranti squarci dai risvolti drammatici. L’impalpabilità del suono dell’Adagietto suggerisce un processo di evaporazione del suono finora presentato, ormai giunto a saturazione, sul quale si impone nuovamente il taglio del pianoforte che spinge intransigentemente il lavoro a conclusione. Chi è solito accostare la produzione di Goffredo Petrassi essenzialmente allo stile neoclassico, si è dovuto ricredere all’ascolto del suo Frammento (1983) in cui il tipo di scrittura evidenzia la grande abilità nel catalizzare gradualmente dal silenzio i singoli suoni che concorrono alla cosmogonia della composizione in un caleidoscopico viaggio sonoro che corona il Petrassi di quegli anni come indiscusso maestro dell’orchestra moderna. Mentre il passaggio dell’Introduzione e Passacaglia di Bruno Madera richiama calde sonorità sulle quali ricadono iridescenti commenti all’intersecarsi di ordinate ma non meno sinuose linee melodiche, la Sinfonia in tre movimenti di Igor Strawinsky riporta l’animo del concerto a un serrato vigore che, oltre a rievocare seppur lontanamente il lavoro di Mosca, si nutre di un rinnovato senso drammatico accostabile per intensità forse a quello delle migliori opere di Shostakovich. L’Orchestra del Teatro la Fenice si presenta più che mai in una forma smagliante. Marco Angius riesce a farla risaltare in tutta la sua lucentezza confermandosi direttore di grande talento e carisma, capace di persuadere i musicisti e abile nel consegnare all’ascoltatore esecuzioni di rara sensibilità e inesauribile forza interpretativa, consolidandolo così tra i più alti specialisti della musica dei nostri giorni. di Alberto Massarotto VeneziaMusica&dintorni

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La splendida «Elegy» di Henze al Malibran Ridicolizzare Hofmannsthal in ambito operistico è possibile solo a Gregor, cinico poeta sconsiderato. L’interno di una baita alle pendici di un ghiacciaio è il luogo nel quale convivono personalità dal diverso vissuto, protagoniste di Elegy for Young Lovers di Hans Werner Henze allestito per l’occasione al Teatro Malibran di Venezia. Mentre Hilda aspetta da più di quarant’anni il ritorno del marito disperso sul ghiacciaio, Gregor attinge ispirazione per il suo prossimo capolavoro dalle visioni della donna. Una volta ritrovato il corpo e venuta così a prosciugarsi l’unica fonte creativa per il poeta, le relazioni all’interno della baita si alterano al punto da portare Gregor ad architettare l’omicidio di una giovane coppia di amanti al fine di assicurarsi il coronamento della sua opera poetica per il suo prossimo compleanno. Si rende così omaggio al librettista di Strauss nella prima opera di Henze scritta su soggetto originale dalla stretta collaborazione dei poeti Auden e Kallamann. Benché terminata nei primi anni sessanta, e a un primo ascolto risulti sorprendentemente metabolizzata nell’orecchio dello spettatore, l’opera cela un’infinità di riferimenti camuffati all’interno del sostanzioso flusso musicale che proprio grazie a questo espediente si presenta vivo a ogni occasione. Nella sua versione inglese, il testo provoca una serie di stimoli utili alla libera interpretazione delle tematiche trattate nell’opera. La scrittura musicale si rifà alle ceneri dell’espressionismo tedesco rinnovato da un uso potenziato dell’atonalità e della dodecafonia che subiscono qui processi del tutto arbitrari e innovativi. A una manifestazione vocale lunga e amplificata dalle più disparate modalità di espressione corrisponde invece una serie di strutture conchiuse, tipiche dell’opera ottocentesca, sapientemente collegate tra loro. Semplice l’allestimento ideato su di un piano inclinato, già vincitore del premio Abbiati nel 2005, che supporta la regia di Pier Luigi Pizzi, ripresa da Massimo Gasparon. Ottima prova per un cast vocale di altissimo livello dal quale spiccano Giuseppe Altomare (Gregor), Roberto Abbondanza (dottore), Zuzana Marcovà (Elizabeth) e Olga Zhuravel (Carolina) accompagnati dall’orchestra del Teatro la Fenice brillantemente condotta da Jonathan Webb. Non del tutto condivisibile invece la scelta di riunire l’opera in un unico respiro poiché l’assenza di pause tra i diversi atti gravano sulla possibilità di un’adeguata ossigenazione dell’ascolto. di Alberto Massarotto VeneziaMusica&dintorni

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I fratelli Dalla Via al Teatro Santa Marta Quando l'attesa dell'occasione ideale, di quell'opportunità che si spera possa essere in grado di tradursi nella svolta decisiva per una vita ancorata a una schiacciante insoddisfazione, si trasforma improvvisamente in una sorta di angosciosa gara in cui a vincere è il più abile a scartarla e il più veloce ad ingurgitarla, ecco che gli equilibri di una comune vicenda famigliare subiscono una serie di inaspettati contrappesi. E' quanto si è assistito sulla scena del Teatro di Santa Marta di Venezia mercoledì 26 marzo di fronte a Mio figlio era come un padre per me, spettacolo dei fratelli Marta e Diego Dalla Via vincitore del Premio Scenario 2013. Gli altalenanti stati d'animo dei protagonisti danno vita ad animate raffiche dialogiche in un turbinio di situazioni scandite dalla sete di riscatto della propria esistenza sottoforma di un ideale avanzamento dell'essere all'interno della società, radicato nell'illusione che un colpo ad effetto come l'omicidio dei genitori possa rivelarsi indispensabile a sorprendere e destabilizzare il proprio disagio. Gli elementi che compongono lo spettacolo, pur contraddistinguendosi per la loro semplicità, subiscono un processo di distorsione a livello di significato dovuto da un loro impiego sulla scena sempre diversificato. Cosi la serie di casse di bottiglie impilate una sull'altra che sorreggono la scena d'apertura si trasformano in lapidi che prima minacciano il destino dei due ragazzi per poi sbeffeggiarlo. Così l'utilizzo di un lineare piano di illuminazione si rivela capace di preservare l'agghiacciante ironia contenuta nella spiazzante discorsività della drammaturgia. Allo stesso modo l'inserimento di una serie di canzoni non sono da ritenersi un elemento di contorno a quanto si sta manifestando sul palco, ma si inseriscono all'interno della scena sottoforma di rinforzo e commento alle azioni scaturite dalle intenzioni dei protagonisti. Ne deriva uno sferzante quanto grottesco affresco dal sapore amaro che si alimenta nel dramma di una generazione imbrigliata nello specifico in una cittadina del veneto incapace di incontrare i desideri di chi la vive, il cui futuro viene ostacolato dal peso di un passato che impedisce loro di avanzare, da un'ereditarietà macchiata della propria eredità e trattenuta al suolo solamente da un avvincente impiego del dialetto che si rivela sorprendentemente capace di esasperare l'imprevedibilità del fato che adombra ancora una volta la presenza dei figli per informare lo spettatore del suicidio dei genitori.

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IL CORO DEL TEATRO LA FENICE OMAGGIA ARVO PÄRT Claudio Marino Moretti impegnato nella duplice veste di direttore e pianista L’ascoltatore più attento e affezionato alle proposte del Teatro la Fenice di Venezia ricorderà come nel concerto d’apertura della presente stagione sinfonica si sia voluto rendere omaggio alla figura di Benjamin Britten, all’interno dei festeggiamenti del centenario della nascita, con una composizione di Arvo Pärt. Cantus in memoriam Benjamin Britten non fu probabilmente solo una coincidenza ma piuttosto una sorta di anticipazione del concerto di domenica 23 marzo, interamente dedicato alla figura del compositore estone attraverso una rosa di brani scritti tra gli anni settanta fino ai giorni nostri che hanno visto come protagonista Claudio Marino Moretti nella duplice veste di direttore del coro del teatro e pianista. La notorietà dei brani pianistici proposti in apertura della prima e seconda parte del concerto come Für Alina e Variationen zur Gesundung von Arinuschka sono serviti da apripista alle distese atmosfere suscitate da una serie di opere per coro e organo. Sebbene lo spazio di una chiesa sia senza dubbio più indicato ad accogliere la natura dei brani proposti, la prepotente spiritualità che caratterizza il Salve Regina e il Veni Creator è riuscita comunque a costringere autorevolmente la semplicità di una breve melodia, inizialmente intonata all’unisono, ad aprirsi a un’intricata ma mai sofisticata diramazione polifonica, in un percorso scandito per progressioni che conducono a un inaspettato culmine di grande pienezza sonora. Su queste suggestioni si inserisce l’intimo virtuosismo della voce del violino ricreato da Roberto Baraldi in Fratres che conosce una riappacificata ma mai rassegnata distensione solamente alla conduzione del contemplativo incedere della celebre Spiegel im Spiegel. Sebbene più elementari dal punto di vista musicale, non hanno di certo suscitato meno curiosità le più recenti The beatitudes e Littlemore tractus probabilmente consci del fatto che costituiscono due dei rari esempi di composizioni corali di Pärt che si avvalgono di un testo in lingua inglese. A conclusione della serata il Magnificat per coro a cappella raccoglie in termini di intensità espressiva e spessore sonoro i luoghi rivelati al pubblico nel percorso musicale che ha contrassegnato il concerto. Ottima prova per il coro del teatro che si è distinto per compattezza sonora e pregio timbrico supportato come sempre dal suo fido direttore Claudio Marino Moretti e per l’occasione da Ulisse Trabacchin all’organo. di Alberto Massarotto NSC anno n. 13

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YURI BASHMET ALLA FENICE Se è vero che la musica ha la facoltà di rendere trasparente l'animo di chi la tocca, di sicuro ha contribuito a rivelare una nuova luce nell'immagine di Yuri Bashmet che trova fondamento nelle proprietà esecutive del programma presentato. L'austera staticità della posa che spesso lo ritrae assorto, tradisce una serie di elementi affiorati durante il concerto del 12 marzo al Teatro la Fenice di Venezia al fianco dei Solisti di Mosca. Il procedere netto e deciso che ha contraddistinto il carattere patriottico popolare della Sinfonia da camera op. 14 di Georgij Sviridov giustifica probabilmente la necessità di rintracciare il segno che unisce il musicista alle sue radici. La stabilità sonora finora raggiunta si discioglie sin dalle prime note della Sinfonia per viola e archi, nonché trascrizione del tredicesimo quartetto del maestro Dmitrij Šostakovič ad opera di Aleksandr Cajkovskij. Sin dal suo inizio il suono degli archi assume un valore nettamente superiore a quanto precedentemente ascoltato rivelando graduazioni timbriche che si rinnovano di continuo all'interno di una dimensione carica di una intimità straziante. Se ai comuni mortali non è consentito nemmeno pronunciare la parola paradiso, il suono dello strumento di Yuri Bashmet corre loro in aiuto offrendo lo scorcio di una dimensione ultraterrena all'interno della quale il tempo ha conosciuto un momento di sospensione per permettere alla musica il suo naturale fluire. Nei tratti netti del volto del violista trovano spazio una serie di linee più morbide che evidenziano la ritmata sensualità di un Vivace primo movimento del Concerto per archi in re di Igor Stravinskji. Del breve e conturbante respiro dell'Arioso rimane poi il posato e robusto Rondò che conclude l'opera. Se l'estro spensierato delle Tre colonne sonore di Toru Takemitsu hanno necessariamente contribuito ad alleggerire il pathos stabilito tra gli interpreti e il pubblico con sgargianti colorazioni apportate negli spazi finora creati, Non un silenzio per viola e orchestra d’archi e celesta di Andrea Liberovici si inserisce comodamente tra le perle del programma concertistico quale punto d'incontro tra gli echi della tradizione musicale russa e il dichiarato omaggio alla figura del musicologo Giovanni Morelli. Risplende così l'immagine di Yuri Bashmet agli occhi increduli del pubblico, non prima di aver colto la possibilità di arricchirsi di quell'equilibrata dose di un certo sarcasmo richiesta dalla Polka finale di Alfred Schnittke. di Alberto Massarotto VeneziaMusica&dintorni

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L'ENERGIA DI JEFFREY TATE INCANTA LA FENICE Non è difficile immaginare a quale esperienza è andato incontro chi ha avuto l’occasione di ascoltare per la prima le due sinfonie in programma al concerto di venerdì 14 e domenica 16 marzo al Teatro la Fenice di Venezia. La sfida di riunire due lavori di così ampie dimensioni e appartenenti a consuetudini musicali ancora così lontane dalle nostre, è stata lanciata dall’orchestra veneziana in occasione della collaborazione col direttore inglese Jeffrey Tate. La forza scaturita sin dalle prime note dell’Allegro vivace e nobilmente della seconda sinfonia di Edward Elgar è stata abilmente mantenuta e distribuita per tutta l’ora di durata dell’intero lavoro musicale. La compattezza sonora che l’orchestra ha saputo custodire non ha mai conosciuto nemmeno il minimo segnale di cedimento grazie alla cura del direttore nell’evidenziare con estrema disinvoltura l’articolato andamento dinamico di ogni singolo movimento della sinfonia, aggirando in questo modo il pericolo di scivolare nella trappola mortale rappresentata dalla saturazione acustica. L’impalpabilità della grana sonora con la quale si è avviato l’Allegretto iniziale della sesta sinfonia di Jean Sibelius è derivata da una personale visione dell’opera del direttore Tate, colma di disincanto ma mai sofisticata. Sebbene sapientemente mutuata, tale caratteristica diviene la costante sonora dalla quale ogni singolo movimento dell’opera si avvia per potersi manifestare in maniera autonoma durante il suo svolgimento. L’effetto percettivo che ne deriva si accosta a quello dell’andamento rapsodico di una musica che fluttua nell’aria e che reagisce con l’ambiente circostante in modo sempre mutevole se non quasi imprevedibile. Tale esperienza uditiva si è rivelata capace di celare abilmente il pensiero compositivo dell’autore pur lasciandone percepire continuamente la sua presenza in una parabola dove l’inizio e la fine non si manifestano in modo decisivo ma sembrano affiorare dal silenzio, nel quale potersi poi immergere nuovamente. Dall’incontro tra l’abilità esecutiva dei musicisti e il pensiero musicale del direttore si è dunque materializzata un’energia sonora che ha saputo investire e penetrare il pubblico in sala con una forza tale da poterlo attrarre all’interno del vortice che questa forza ha scatenato al suo passaggio, se non fosse per la spiazzante consapevolezza maturata a fine concerto che tale sconvolgimento si è rivelato nient’altro che un’illuminante e quanto mai appassionante esperienza uditiva. di Alberto Massarotto NSC anno n. 12

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MERAVIGLIOE AMBIENTAZIONI PER LA TRAVIATA AL TEATRO LA FENICE ROBERT CARSEN REINTERPRETA VERDI Sullo sfondo di uno sfavillante spettacolo di burlesque si anima l’amaro dibattito tra Alfredo Germont e Violetta, attraverso il quale quest’ultima si vede costretta a manifestare la sua rinuncia alla felicità. Accantonato l’egoismo dei suoi propositi, Giorgio Germont cerca di salvare la situazione irrompendo nella discussione dal ledwall che evidenzia la godereccia sensualità evocata dai movimenti dei danzatori alla festa di Flora, manifestando le proprie colpe nel vano tentativo di far ricongiungere i due amanti. Ma la malattia di Violetta sta per avere il sopravvento sul corpo della ragazza che cade esanime dopo un ultimo quanto effimero abbaglio di felicità tra le braccia di un incredulo Alfredo nell’essenzialità del garage che ha ospitato i suoi ultimi istanti di vita. Del tragico avvicendamento ne è un presagio il luttuoso movimento rilasciato dall’incessante caduta di banconote che accompagna il lacerante grido d’amore per Alfredo attorniato dall’atmosfera trasognante del bosco innalzato a simbolo dell’amaro destino di Violetta. Sono queste le meravigliose ambientazioni che caratterizzano La Traviata di Giuseppe Verdi che si sta svolgendo in questi giorni al Teatro la Fenice di Venezia, intelligentemente ideate da Patrick Kinmonth, arricchite delle coreografie di Philippe Giradeau e sapientemente incorniciate dal pensiero registico di Robert Carsen. L’attuale allestimento del melodramma ha la capacità di insinuarsi all’interno della musica di Verdi amplificandone ulteriormente il segno drammatico che si scaglia sull’ascoltatore suscitando un impatto a dir poco dirompente. Nemmeno il più recalcitrante appassionato d’opera può rimanere inerme al passaggio di questa Traviata che a ragione viene ripetutamente riproposta sul palco del Teatro veneziano, laddove fu inscenato per la prima volta nel marzo del 1853. Se la scura vocalità di Attilio Glaser non sempre si è rivelata in grado di far risaltare la presenza di Alfredo dall’impeto orchestrale dignitosamente condotto da Diego Matheuz, l’equilibrata interpretazione di Giuseppe Altomare si è rivelata capace di evidenziare al meglio la smania di Giorgio Germont nelle sue multiformi sfaccettature. Eccelle di certo per bravura e autorevolezza l’interpretazione di Venera Gimadieva nei panni di una Violetta capace di rendere al meglio tanto le perle solistiche che hanno reso celebre il personaggio, quanto i momenti corali organizzati da Claudio Marino Moretti. di Alberto Massarotto NSC anno n. 11

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"IL BARBIERE DI SIVIGLIA" DI GIOACCHINO ROSSINI AL TEATRO LA FENICE Fino a che punto possono essere spinte le intenzioni umane dall’impulsività del cuore? Un avvincente esempio si è riscontrato nel concitato fermento inscenato giovedì 20 febbraio al Teatro la Fenice di Venezia. Tutto è consentito agli occhi del Conte d’Almaviva pur di arrivare a conquistare le attenzioni dell’amata Rosina, tanto più se istigato da Figaro, generoso Barbiere di Siviglia, volenteroso cooperatore nell’intento del giovane conte dopo averne fiutato un vantaggioso affare nell’opera di Gioacchino Rossini. Si avvia così un divertente gioco di travestimenti atti ad ingannare don Bartolo, tutore della ragazza accecato dal desiderio di sposarla, così efficace da confondere persino gli occhi di Rosina che, credendo di essere vittima di un losco inganno, comincia a cedere alle lusinghe del vecchio medico. Ma la vicenda viene salvata in estremis dal conte che rivela all’amata la sua vera identità una volta approdato nell’intimità della casa attraverso la finestra in quanto elemento chiave grazie al quale poter accedere all’affettuosità dei sentimenti. A dirigere il vortice dell’instancabile andirivieni sulla scena che segue in parallelo il grande concertato musicale di Rossini, il grazioso estro di Bepi Morassi che, oltre a riuscire a ricreare la giusta dose di sarcasmo attraverso l’impiego di efficaci accorgimenti scenici, compensa in maniera ottimale la staticità di un allestimento essenzialmente tradizionale curato da Lauro Crisman. Tra tutti i personaggi spicca l’esuberanza vocale di Julian Kim che caratterizza il suo Figaro grazie al calore del suo timbro, accompagnandolo a un’estrosa padronanza scenica mai ridondante e sempre ben inserita nel contesto scenico. Marina Comparato conquista il pubblico con la sua Rosina, spesso in contrappunto all’agile vocalità di Giorgio Misseri nei panni del conte d’Almaviva, districandosi sullo sfondo della tormentata gelosia rivelata dall’abilità di Omar Montanari nell’interpretare don Bartolo. Ottima l’amalgama vocale ottenuta nei momenti d’insieme, sopratutto nei cori alla fine di ogni atto, ben sostenuti e caratterizzati dall’orchestra del Teatro la Fenice diretta per l’occasione da Giovanni Battista Rigon. A questi si accostano i numerosi brani celebri dell’opera che viene così ripetutamente interrotta dagli applausi di un pubblico generoso e partecipe nel primo appuntamento che vede la sua riproposizione nel cartellone del teatro veneziano, in concomitanza ai festeggiamenti carnevaleschi della città. di Alberto Massarotto NSC anno n. 10

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RACHMANINOV TRIONFA SU ANNA VINITSKAJA ALLA FENICE SEDUCE IL PROGRAMMA DEL TEATRO VENEZIANO Una cosa è certa: Rachmaninov funziona sempre e comunque! Del secondo concerto per pianoforte e orchestra tenuto al Teatro la Fenice lo scorso 10 febbraio, rimane il ricordo di un ciuffo di capelli rossi sul dolce viso della solista Anna Vinnitskaya, talentuosissima, almeno sulla carta, pianista russa poco più che trentenne, e quelli lasciati cadere a terra dal pubblico, dopo esserseli vistosamente strappati a mani piene per la travolgente eccitazione dovuta dalla conclusione di un irrigidito quanto sofferto terzo movimento. Una serie di ossuti accordi introduttivi l'avevano fatto presagire, per non per parlare poi dei roboanti concertati con l'orchestra. Ma l'ispirazione è scesa durante il secondo movimento, dal soffitto del lucente teatro verso il quale la pianista rivolgeva ripetutamente lo sguardo abbandonando, nel vero senso della parola, le mani sulla tastiera. Un continuo e sbraitante discorso all'orchestra ricco di un fraseggio "copia e incolla", privo della minima ricerca sonora. Una coppia di esasperati scoppi finali si sono rivelati decisivi nella gestione di una conclusione più teatrale che musicale che è valsa la standing ovation del pubblico ripagato, fortunatamente, con un gelido secondo movimento dalla seconda sonata per pianoforte di Prokofiev. Il sostegno della Filarmonica della Fenice, la rinnovata orchestra del teatro veneziano, si è rivelato dignitoso nonostante la ridondanza gestuale del ventiquattrenne direttore d'orchestra durante l'esuberante conduzione. Non sempre chiari e spesso troppo in anticipo rispetto alla reazione orchestrale, gli epici movimenti di Aziz Shokhakimov rischiavano di superare il limite dell'esagerazione motoria in un'immotivata aspirazione trascendentale, invischiata nell'atto del suo raggiungimento. Il clima di sospensione necessario all'esecuzione del Preludio dal Tristano e Isotta di Richard Wagner è stato reso più che sul piano del suono, dalla spropositata lunghezza della nota che conduce l'orecchio dell'ascoltatore al famoso accordo, nonostante successivamente si siano verificati alcuni cenni di ripresa del controllo interpretativo. Conserva sempre un'enorme fascino il turbinio timbrico realizzato da Ravel dei Quadri di un'esposizione di Musorgskij al quale ha fatto seguito, purtroppo, una scoppiettante marcia di Radetzky di Johann Strauss padre. Un programma concertistico ben confezionato sino all'ultimo dettaglio e convenevolmente servito come vitale specchietto per le allodole. di Alberto Massarotto NSC anno n. 10

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Il Concerto di Natale a San Marco con l’orchestra de La Fenice Ad un primo sguardo assomiglia allo strampalato portamento di un raffinato mimo. Ad ascoltarlo invece sprigiona sonorità di raro respiro. Siamo ormai abituati a riconoscere l’estrosa conduzione di Stefano Montanari ma non riusciamo a prevederne mai il risultato. Infatti meravigliano per brillantezza d’interpretazione le preziose composizioni del periodo barocco che hanno dato corpo al programma tenuto dall’orchestra del Teatro la Fenice di Venezia all’interno della Basilica di San Marco il 18 e il 19 dicembre in occasione del concerto di Natale. Una serie di overture di Händel accompagnano il modello formale del Concerto grosso strutturato dall’esperienza musicale di Sammartini e Corelli. All’andamento dell’orchestra contribuisce il direttore stesso con delicati interventi del proprio strumento che arrivano a raggiungere lo strabiliante virtuosismo del Concerto per violino per la solennità della S. Lingua di S. Antonio in Padova di Vivaldi. Stefano Montanari trasforma le sue ampie e morbide arcate in netti tagli con i quali incidere il collo del violino al fine di provocare lo zampillio di virtuosistiche minuzie timbriche che si intensificano e si esaltano nella trascinante cadenza finale, riverberando in un dialogo continuo con la suggestione cromatica del luogo. La cura del dettaglio impreziosisce la sonorità dell’orchestra veneziana che si veste di una brillantezza in grado di alleggerire il passaggio più contorto nel rispetto di una coesione che sembra non avere nulla da invidiare a quella di un ensemble specializzato nel genere. Risponde infatti perfettamente alla spiccata voluttà della Sinfonia Cain ovvero Il primo omicidio di Alessandro Scarlatti oltre a supportare autorevolmente tutti gli ospiti che si sono avvicendati sulla scena. Mentre l’aria dal Samson di Händel introduce la voce del soprano Silvia Frigato, pronta a concedersi nella fervida intesa con la tromba di Piergiuseppe Doldi, alcuni estratti dalla Messa in si minore di Bach la uniscono alla vocalità del mezzosoprano Marina De Liso. Il coinvolgimento del pubblico si è potuto misurare solo dopo il conclusivo Laudamus te di Vivaldi attraverso ripetute battute di applausi liberati dopo un’ora e mezzo di raccoglimento musicale, elevando maggiormente la purezza dell’ascolto di una musica così intensa. Si sono così espressi gli auguri natalizi che il Teatro la Fenice ha voluto porgere al proprio pubblico, resi possibili grazie alla collaborazione con la Procuratoria di San Marco.

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Maria Joao Pires e Antonio Meneses a Bologna Nulla coincide e tutto torna. Perché diviene difficile immaginare una conduzione musicale così semplice da risultare persino irreale. Eppure questa è stata l'impressione ascoltando il concerto che Maria Joao Pires e Antonio Meneses hanno tenuto lunedì 25 novembre all'Auditorium Manzoni di Bologna. La minuta statura della pianista risulta essere inversamente proporzionale alla sostanza fisica del suo suono che, pur non sforando mai la soglia del forte, si dispiega nelle mille sfaccettature di un mezzopiano che si dirama fino ai limiti dell'udibilità in un infinito origami sonoro di cui ci è permesso godere l'essenza nell'aspetto più grazioso dell'intera costruzione. La miriade di soppesati sostegni alla voce del violoncello si schiude in un caleidoscopico bilanciamento delle dinamiche interne del brano con l'unico scopo di evidenziare la bellezza delle divagazioni melodiche che, in continuo rimando tra i due strumenti nella sonata Arpeggione di Schubert, risultano piacevolmente librate su un tessuto armonico capace di evidenziarne l'eterea natura. Sorprende un po' la sostituzione dei tre intermezzi op. 117 di Brahms, presenti nel disco registrato al Wigmore Hall Recital che i due stanno promuovendo, con la Sonata op 31 n. 2 di Beethoven soprattutto per il taglio che non ricalca la moderna prassi interpretativa ma che si nutre di una classicità incontaminata, che si discosta però da quella assaporata nel suo Mozart o dello Schubert appena udito. E' così anche per Brahms la cui sonata op. 38 sembrava essere stata scritta un secolo prima per il gusto delle scintillanti fantasie timbriche degli arabeschi contrappuntistici dell'Allegretto quasi Minuetto attratti da impasti sonori apparentemente morbidi le cui scure sfumature poggiano condensate all'interno del loro procedere. Gli squarci armonici presenti nell'Allegro si nutrono così di un regale sacrificio capace di scardinare ogni riferimento al reale, guidando l'ascoltatore attraverso meravigliosi quanto sospesi scenari onirici. Nulla di folle o di spiccatamente vistoso: nell'anima del Lied ohne Worke di Mendelssohn, più di una cauta ripresa della seconda parte del concerto, trova posto la chiave di lettura dell'intero programma nel quale i due musicisti sciolgono l'utopica riserva custodita da quella generazione romantica che attendeva premurosa questo sguardo alla «semplice bellezza che non suscita controversie e che non cerca di confonderci». di Alberto Massarotto VeneziaMusica&dintorni

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Africaine di Giacomo Meyerbeer inaugura la stagione lirica della Fenice "Questo è il luogo del puro amore" recita il coro accompagnando la morte di Selika, nell’ultimo di un’infinita serie di rimandi amorosi mal corrisposti che si realizzano all’interno dei cinque atti dell’Africaine di Giacomo Meyerbeer, allestito al Teatro la Fenice di Venezia in occasione dell’inaugurazione della stagione lirica veneziana. Nei pochi attimi di vita terrena rimasti, il letale profumo del manzanillo rappresenta l’unico momento d’estasi dopo aver contribuito alla fuga di Vasco de Gama affinché potesse tornare in patria per ricongiungersi alla donna desiderata. Allo stesso modo in cui il compositore tratta i motivi musicali, lo spasmodico raggiungimento della felicità diviene il tema ricorrente che, affiorando a più riprese, si sviluppa nel tragico risvolto di Selika. L’indecisione tra un impalpabile desiderio verso una prospettiva di vita che sin dal suo inizio si annuncia impossibile e la volontà di porre definitivamente fine alle proprie sofferenze vengono realizzate magnificamente da Massimo Cecchetto attraverso la sospensione del ponte che accoglie il corpo della protagonista inebriato della "felicità fatale" dell’albero a lei proteso. Anche la scena della prigione nel secondo atto pone in particolare rilievo il gusto di ricreare scene dal forte impatto allusivo. Altrove soluzioni farcite di una quantità esagerata di elementi, pur essendo nella natura del grand-opéra, risultano ridondanti e in netta contrapposizione con l’accurata essenzialità di quanto appena visto. Totalmente slegati dal contesto scenico sono apparsi invece gli interventi video che accompagnano l’apertura di ogni atto: se da un lato si individua il tentativo di voler in qualche modo attualizzare la messinscena di un’opera così teatralmente complessa, dall’altro si scivola in una commistione di elementi così eterogenei da risultar alieni, facendo deragliare il convoglio scenico dal binario logico. Così il montaggio cinematografico applicato agli interventi strumentali stride al confronto con l’azione teatrale di Leo Muscato, risultando del tutto scollato e artificioso. Brava l’orchestra del teatro guidata per l’occasione da Emmanuel Villaume che, dopo un inizio non del tutto saldo, ha saputo ritrovare l’appoggio adeguato con il quale procedere. Ottimo il cast vocale all’interno del quale è spiccato lo slancio profondo di Luca Grassi (Nélusko), la passionalità di Antonello Palombi (Vasco de Gama) e il penetrante timbro della duttile vocalità di Patrizia Biccirè (Sélika). di Alberto Massarotto NSC anno n. 5

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La nuova stagione del Fondamenta Nuove Patria, prole, polenta & popcorn è lo scoppiettante titolo della serata evento che sabato 30 novembre apre la stagione 2013/2014 del Teatro Fondamenta Nuove di Venezia. L'orgoglio per aver supportato il talento dei fratelli Marta e Diego Dalla Via viene trasposto in parole dal direttore Enrico Bettinello alla conferenza stampa di presentazione degli otto appuntamenti racchiusi all'interno di due importanti residenze creative a sostegno delle più interessanti realtà giovanili del territorio veneto. Uno scambio equo tra l’approfondimento ai nuovi linguaggi della ricerca contemporanea a favore di una rivitalizzante ossigenazione della città, come precisa l’Assessore alle Attività Culturali Angela Vettese, che sposta l'oggetto dell'offerta culturale sulla linea delle performing art in quanto spettacoli multiformi dal vivo. Ne rappresenta un esempio Music for Wilder Mann (7/12) in cui gli scatti fotografici di Charles Fréger vengono penetrati dalla chitarra di Teho Teardo (già collaboratore di Paolo Sorrentino), assieme agli strumenti elettronici e alla fisicità del violoncello di Martina Bertoni, nel bisogno d'esprimere la selvaticità che è in noi. Il cartellone si arricchisce inoltre di importanti collaborazioni che, come ricorda la Dirigente Settore Produzioni Culturali e Spettacolo Angela Fiorella, dalla Fondazione Bevilacqua La Masa si estendono ad Arteven e Regione Veneto che supportano il progetto «Teatri del tempo presente» per la valorizzazione della scena italiana contemporanea, all'interno della quale si inseriscono Nefes/Respiro (11/12) della compagnia Interno 5 / Collettivo Nada, ispirato all'opera di Joseph Beuys, e il progetto coreografico To This Purpose Only (19/12) della Fattoria Vittadini e Matanicola in una riflessione su un’Italia in cui il glorioso passato si fonde e confonde in una contemporaneità straniante. A gennaio l'incontro tra video ed elettronica si prefigura nella performance del tedesco Oval (18/01), uno dei giganti della ricerca sonora nel panorama europeo, alla quale segue The Method (25/01) del giovane artista multimediale Martin Romeo e una serata dedicata all’Armenia nel lavoro di Versiliadanza, 7th Sense (31/01), presentato sotto il segno del consueto Dance Weekend che anticipa Serata Anticorpi Explò (1/02). Con lo studio su Alice disambientata (13/02) di Ilaria Dalle Donne si edifica il ruolo del teatro come «casa» delle più promettenti realtà artistiche, a compimento della prima parte della programmazione del teatro. di Alberto Massarotto VeneziaMusica&dintorni

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L’apertura della Stagione Sinfonica 2013-2014 de La Fenice di Venezia Tanto era attesa l’apertura della nuova stagione sinfonica del Teatro La Fenice di Venezia che il concerto di venerdì 8 novembre non ha risparmiato nemmeno una singola poltrona. Così affollato che chi vi scrive vi riporta il resoconto della serata inaugurale dal primo posto della balconata, quello posizionato dietro la nuca di uno dei contrabbassisti per intenderci. Se da un certo punto di vista la percezione del concerto è risultata immancabilmente distorta, dall’altro si è verificata l’occasione di scrutare e partecipare quasi attivamente alle indicazioni del giovane direttore musicale Diego Matheuz. Così ai primi rintocchi di campana è subentrato il graduale espandersi del tessuto melodico, le cui estremità hanno cominciato ad avvolgersi una volta percepite separatamente nell’esposizione iniziale del Cantus in Memory of Benjamin Britten di Arvo Part. Un’importante omaggio a uno dei compositori più sottovalutati del secolo scorso che proprio in occasione del centenario della nascita sta registrando una rinnovata attenzione. Rimpolpata, l’orchestra fa spazio a Emanuele Silvestri, primo violoncellista della compagine veneziana, nonché solista d’occasione nell’esecuzione delle Variazioni su un tema rococò in la maggiore op. 33 di Pëtr Il’ič Čajkovskij. Alla precisione esecutiva offerta dal musicista, non sempre è corrisposto un adeguato sostegno orchestrale: laddove la partitura richiedeva leggere e raffinate sonorità, spesso seguivano timidi interventi di supporto che hanno influito immancabilmente sulla discorsività rapsodica dell’opera, irrigidendone sensibilmente i dialoghi concertanti. Gli scroscianti applausi del pubblico sono stati ripagati con un bachiano fuori programma del violoncellista prima della consueta pausa. La seconda parte del programma è stata dedicata interamente ai quattro quadri di Petruška di Igor Stravinskij nella seconda versione dell’autore per un organico più agevolmente accessibile. Benché più coinvolgente di spirito rispetto al precedente, non sempre la vitalità iniziale ha trovato un sostegno duraturo nel gesto direttoriale che sembra aver, in alcuni casi, irrigidito l’orchestra a discapito di un’ideale incisività ritmica. Belli alcuni momenti di solo che si sono aperti in efficaci accostamenti timbrici. Generoso il pubblico che ha salutato il primo dei tredici appuntamenti in programma, nonostante sia confluito nell’ambigua e meno esplosiva conclusione della versione originale. di Alberto Massarotto NSC anno n. 3

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Il calendario stagione sinfonica della Fenice 2013/2014 Crea molta aspettativa il calendario che il Teatro La Fenice ha annunciato per la nuova stagione di musica sinfonica. Tredici appuntamenti che, a partire da venerdì 8 novembre, si costruiscono su una scelta di brani del repertorio romantico accoppiati a capolavori del Novecento storico, ampiamente rappresentato da Igor Stravinskij e Maurice Ravel. Oltre al ventinovenne direttore principale Diego Matheuz, lunga è la lista dei nomi che si alterneranno sul podio del teatro: dai più affermati maestri di fama internazionale come Jeffrey Tate, al più giovane John Axelrod, già presente all’ultima edizione della Biennale Musica, e l’istrionico Stefano Montanari che già da tempo ha avviato una fruttuosa collaborazione con l’istituzione veneziana. Ampio spazio è stato dedicato alle opere musicali più recenti come Tre colonne sonore di Toru Takemitsu e le trascrizioni da Boccherini e Schubert di Luciano Berio, mentre nei due appuntamenti di giugno si ricorda la figura di Elliott Carter, a un anno dalla sua scomparsa, attraverso Holiday overture e Elegy per orchestra d’archi, quest’ultima riconsegnata dalla promettente visione di Gaetano d’Espinosa. L’importante presenza della musica di Arvo Part rappresenta un’occasione per farsi avvolgere dalle mistiche e penetranti vibrazioni del compositore estone. Sorprende e attrae allo stesso momento la volontà di Claudio Marino Moretti di sfidare il suo coro e il pubblico con un programma delineato attraverso For Stephnan Wolfe di Morton Feldman, Four di John Cage e Astralis di Wolfgang Rihm. A Luigi Sammarchi, Vittorio Montaldi e Mauro Lanza sono state assegnate nuove commissioni per la sezione Nuova Musica, grazie al contributo della Fondazione Amici della Fenice. In prima esecuzione assoluta Non un silenzio per viola e orchestra d’archi di Andrea Liberovici che vede in prima linea Yuri Bashmet a capo dei Solisti di Mosca in un programma all’insegna del grande repertorio russo. Luca Mosca sarà invece il solista di Undici frammenti in un girotondo, il suo Quinto Concerto per pianoforte avviato dal gesto sempre attento di Marco Angius. Nell’anno dei festeggiamenti per il bicentenario della nascita non poteva mancare la presenza di Giuseppe Verdi che viene omaggiato con la Sinfonia dell’Aida, nella versione della prima scaligera, e il Te Deum per doppio coro. Per l’occasione l’orchestra del Teatro La Fenice verrà diretta da Sir John Eliot Gardiner all’interno della Basilica di San Marco il 6 e il 7 dicembre. di Alberto Massarotto NSC anno n. 3

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Luca Piovesan, Sul tasto, Blowout Records, 2013. Luca Piovesan, nato a Treviso nel 1982, è già un fisarmonicista di fama, applaudito in numerosi palcoscenici nazionali e internazionali. Pubblichiamo una recensione alla sua ultima fatica discografica, Sul Tasto, dove il suo strumento si mette al servizio di sette diverse poetiche compositive. Dalla stretta collaborazione con sette compositori, Luca Piovesan offre differenti modi di vivere la fisarmonica contribuendo alla diffusione di un repertorio multiforme. Sul Tasto è il risultato di un lungo progetto, raccolto per la prima volta in cd per Blowout Records, in cui si arriva a raggiungere la scissione dello strumento stesso. Ne è un esempio l’inarrestabile sequenza di ipnotiche cascate di arpeggi in «Study#2», di Yotam Haber, di cui le millimetriche entrate a canone mantengono inalterata l’intricata leggerezza della trama compositiva. Il suono riacquista la pulsazione primordiale in «Beta» di Lorenzo Troiani mentre il pedalboard ne amplifica l’intensità e ne distorce la gravità in cristallini riverberi. Nei tre ritratti di Alberto Rocca il suono dello strumento viene steso attraverso tecniche pittoriche differenti: in «Do It Yourself» si cela un lavoro di ri-composizione del brano attraverso il continuo riordino delle sue cellule costituenti ad opera dell'interprete, in memoria di una storica aleatorietà. L’ostinata precisione ritmico-melodica avviata in «Crucifixion» si contrappone a vampate sonore in un continuo tentativo di ridimensionamento spaziale dell’una nell’altro, in un duello il cui esito sembra annunciato nel successivo «Radiant Baby» in cui lo spirito della danza viene scarnificato all’essenziale. Di un simile gesto si nutre il primo tempo di «Paramità» di Gabriel Malancioiu prima di aprirsi a un'estensione che spinge oltre i confini dello spazio terreno, arrivando a individuarlo attraverso una mediata contemplazione nel suo «II tempo». Nei «Due piedistalli» di Nildo Sanvido, la sostanza sonora si avvia dalla metabolizzazione di echi già presenti nell’aria in una sorta di rimandi che si ramificano all’estremo prima di venir cristallizzati in statiche conformazioni sonore che si articolano all’interno di un cerimoniale composto di nutrite iridescenze timbriche. Grazie al live electronics, il senso del doppio riacquista corpo e «Testo» nel lavoro di Davide Ianni, dove le tastiere dello strumento si riflettono in immagini che indagano il proprio essere, attraverso un'azione di scandaglio sonoro continuo. Dalla ruvidità materica del suono, la fisarmonica di Luca penetra instancabilmente in sconfinate voragini acustiche. Spetta ora all’interprete il compito di ricondurre l’infinità dello spazio visualizzato all’interno del «Tasto», di Filippo Perocco, in una parabola interpretativa di eccellente controllo tecnico e duttilità espressiva del giovane fisarmonicista. 10 Ottobre 2013 di Alberto Massarotto

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Orchestra Mozart al Manzoni di Bologna: cancellati tre concerti Si salva la "Terza sinfonia di Schumann" diretta da Abbado Dei quattro concerti programmati all’Auditorium Manzoni di Bologna per la sezione autunnale della stagione 2013 dell’Orchestra Mozart, se ne salva soltanto uno. Ad annunciarlo è il comunicato stampa pubblicato lo scorso 30 agosto sul sito internet dell’orchestra: la crisi economica colpisce così spietatamente il settore culturale da obbligare anche la compagine bolognese a rivedere drasticamente la propria programmazione. Vengono così cancellati ben tre concerti dal forte richiamo di pubblico che prevedevano la partecipazione di musicisti di fama internazionale del calibro di Kirill Gerstein, Alisa Weilerstein e Martha Argerich. Rimane invece confermata la tournée che a partire da settembre toccherà alcune città europee quali Amsterdam, Bruxelles e Londra, e i tre concerti fissati a Roma per novembre grazie alla collaborazione con l’Orchestra e il Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia. All’Auditorium Manzoni di Bologna si punta dunque tutto sul concerto del 2 dicembre che vedrà impegnato Claudio Abbado nella direzione della terza sinfonia di Schumann e del quinto concerto per pianoforte e orchestra di Beethoven affiancato dal pianista Maurizio Pollini. Mentre la drammaticità della vicenda contribuisce a diffondere la notizia, Bologna si prepara ad accendere i riflettori sull’unico appuntamento musicale fissato in agenda prima della fine dell’anno che prevede una replica il 4 e il 5 dicembre al Musikverein di Vienna, dove l’Orchestra Mozart ha residenza annuale. di Alberto Massarotto Pubblicato martedì 1 ottobre 2013 - NSC anno n. 1