ARP

Area Ricerca Progressiva è lo spazio espositivo in cui Studio Azzurro tra il 2016 e il 2017 ha ospitato installazioni di artisti votati alla ricerca nell'ambito dei linguaggi emergenti

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#16 K-CODEX Karmachina e Michele Rabbia mettono in scena il libro più strano del mondo al Teatro delle Arti di Milano Installazione e video Karmachina Live music (percussioni e live electronics) Michele Rabbia Set up Angelo Linzalata Drammaturgia Giuliano Corti Produzione TADAAM e Karmachina

all’interno del progetto di Studio Azzurro Area Ricerca Progressiva - ARP2016 con la collaborazione di Change Performing Arts

K-CODEX, lo spettacolo ideato e realizzato da Karmachina con musica originale di Michele Rabbia, è concepito come un viaggio immersivo dentro l’immaginario creativo del Codice. 

La scrittura misteriosa e le oltre mille illustrazioni di questa enciclopedia prendono vita nelle grandi dimensioni del palcoscenico, all'interno di uno scenario progettato per distribuire le proiezioni su più piani, dove le illustrazioni del Codex si animano, fluttuano e si combinano sulle note delle percussioni e dei live electronics di Rabbia. La struttura narrativa di K-CODEX, ispirata all’organizzazione tematica tipica delle enciclopedie, vuole essere un omaggio alle inesauribili risorse della fantasia umana. Ogni capitolo dello spettacolo è dedicato a un diverso aspetto dell’universo immaginato da Serafini: il mondo vegetale e animale, il mondo delle macchine, dell’uomo inteso come specie animale e come animale sociale, il mondo degli usi e dei costumi, quello dell’urbanistica e dell’abitare sono singolarmente sezionati ed esplorati, riproposti in quanto porzioni a sé stanti di un ecosistema che vive di regole proprie. Questa organizzazione rigorosa, al contempo scientifica e puramente fantastica, sottolinea come la potenza creativa del Codex Seraphinianus derivi anche dalla capacità del suo autore di esplorare in modo coerente e assolutamente plausibile l’intero scibile di un universo im-probabile.

Il Codex Seraphinianus, il libro dell’artista Luigi Serafini pubblicato per la prima volta nel 1981 da Franco Maria Ricci, si presenta come l’enciclopedia scritta in una lingua indecifrabile di un mondo immaginario. Nelle quasi quattrocento pagine illustrate del Codex, elementi a noi noti si fondono in modo surreale, sovvertendo le connessioni naturali e generando relazioni inedite e curiose. 

Lo spettacolo è parte del progetto “ARP - Area Ricerca Progressiva di Studio Azzurro " ideato da Studio Azzurro in occasione della retrospettiva Immagini sensibili ospitata a Milano a Palazzo Reale per i suoi trentacinque anni di ricerca. ARP propone una rassegna di opere realizzate dagli storici collaboratori di Studio Azzurro, tra i quali si annovera Paolo Ranieri, co-fondatore di Karmachina.  K-CODEX è inserito all’interno del programma di Exister, il festival di Danza Contemporanea che si terrà presso gli spazi del CRT Teatro dell’Arte dal 13 al 18 dicembre 2016.  

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#15 RITRATTO DI CITTÀ* Frammenti di un paesaggio urbano  Video installazione per otto schermi sincronizzati 

Ideazione e realizzazione Chiara Ligi, Silvia Pellizzari, Micol Riva, Martina Rosa  Musiche originali Tommaso Leddi e Lorenzo Villa Consulenza architettonica Ilaria Farina

«Che cosa succederebbe se improvvisamente Milano si trovasse circondata dal mare?» da Grammatica della Fantasia di Gianni Rodari

Cosa succederebbe se il Portello si trasformasse in una pista di atterraggio? E se lo Stadio di San Siro come una navicella spaziale fosse inghiottito da un vortice spazio-temporale? Sono solo alcune delle ipotesi fantastiche che guidano questo racconto di Milano.

Ci svegliamo all'alba, quando la bruma ancora gioca con i colori e i raggi di sole solleticano il paesaggio, e cominciamo a camminare. Lasciamo correre lo sguardo lungo l'orizzonte delle periferie, tra gli scheletri di fabbriche abbandonate, e piano piano ci facciamo condurre dentro la città che si risveglia. Lo sguardo incontra l'architettura, rincorre gli spazi, insegue le trasformazioni del tempo. Milano si mostra in tutta la sua stravagante complessità, mai scontata. Con lo sguardo proviamo ad attraversare il tempo, le trame stratificate della città. Cerchiamo di ritrovare nel presente il passato, il rimosso e il non visto. Con il passare delle ore cambiano gli scenari così come il nostro sguardo. Suoni in contrappunto si innestano sul dilatarsi del tempo con improvvise accelerazioni, in un gioco continuo di assonanze e dissonanze. Tra pattern ripetuti e forme inaspettate, l'ambiente urbano assume varie forme, in un caleidoscopio di visioni e di suoni, fino a rallentare e trovare uno iato sotto una inaspettata luna di settembre. Parafrasando Ernesto Nathan Rogers, non pensando alla città come una meta da raggiungere che si conchiude in definitive perfezioni ma come un problema che ripropone nuove esperienze.

* Titolo preso a prestito da un'opera radiofonica di Luciano Berio e Bruno Maderna per lo Studio di Fonologia della RAI, 1954.

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#14  RICCARDO CASTALDI  Hollow Is Your Grave (tra i duellanti, vincono le armi)   allestimento audiovisivo onVimeo 3 - 6 dicembre 2016

hanno collaborato alla realizzazione del video gli attori Renata Francavilla, Giulia Marchini, Mattia Matteucci e Alberto Vescovi; per le riprese Laura Spinelli all'assistenza nel montaggio Mattia Matteucci Luca Gambula; alle musiche Lorenzo Pisanello

Un video costruito sulla musica di un brano dei Tide Predictors, composto quasi esclusivamente dai gesti dei suoi attori e da oggetti pseudo magici, tra cui un souvenir recuperato durante le riprese effettuate in Libia per Meditazioni Mediterraneo di studio azzurro, dal quale è stata tratta l'ispirazione per quest'opera. Un allestimento dove l'audio viene tradotto in maniera fisica per dialogare con alcuni di questi oggetti, che si pone tra magia e tecnologia, mettendo in luce gli inganni di entrambe. Una storia che racconta di un duello tra due maghi che utilizzano delle mani femminili come arma. Riccardo Castaldi è progettista multimediale, compositore e sound designer. Prima di dedicarsi alla progettazione di opere multimediali con N!03 di cui è stato socio fondatore, ha collaborato con Studio Azzurro per la realizzazione delle musiche di opere interattive, dalla progettazione sino all'allestimento. Prima ancora è stato socio fondatore de l'Arrocco, compagnia teatrale dedita alla multimedialità. Ha esposto installazioni audio a Milano e Berlino e collaborato con artisti tra cui Yuri Ancarani, Sara Rossi, Marcello Maloberti. Insegna progettazione multimediale e tecniche audio nel corso di Video design dello IED di Milano e Progettazione nel corso di Design dell’accademia NABA di Milano. Ha partecipato alla progettazione e alla realizzazione di numerose mostre, che sono valse a N!03 il Compasso d'oro e Red Dot Design Award.

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#13  RADHA MAY, When The Towel Drops

When The Towel Drops Vol1 I Italy, è una performance e mostra di Radha May (Elisa Giardina Papa, Bathsheba Okwenje, Nupur Mathur) che riporta alla luce le sequenze cinematografiche e i documenti ufficiali relativi alla censura delle espressioni della femminilità e sessualità nel cinema italiano dal secondo Dopoguerra agli anni Sessanta. A partire dai materiali preservati nell’archivio della Revisione Cinematografica e ospitati dalla Cineteca di Bologna, Radha May porta in primo piano alcune delle vicende censorie italiane e si interroga sulle logiche istituzionali e politiche che hanno portato alla rimozione di immagini e dialoghi da film come Zabriskie Point (Michelangelo Antonioni), Alle Soglie Della Vita (Ingmar Bergman), La Notte Brava (Mauro Bolognini) e Il Vedovo (Dino Risi).

Con questo lavoro, basato su diverse scene tagliate e mai viste in pubblico, Radha May riflette su come sia cambiato il concetto di accettabilità dell’espressione femminile e della sessualità dagli anni Cinquanta ad oggi, ma allo stesso tempo reintroduce nella memoria collettiva ciò che è stato rimosso e nascosto.

Hanno collaborato alla performance: Elena Giulia Abbiatici, Barbara Baiocchi, Valentina Campari, Martina Castigliani, Ornella Costanzo, Camilla Crescino, Laura D’Amore, Sabine Delafon, Giulia Floris, Helga Franza, Tiziana Gemin, #girlsinmuseums, Kamilia Kard, Chiara Ligi, Maresa Lippolis, Francesca Malagoli, Silvia Pellizzari, Elena Radice, Zoe Romano.

When The Towel Drops Vol1 I Italy è stato realizzato grazie a contributo di: MiBACT - Direzione Generale per il Cinema; Fondazione Cineteca di Bologna; Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale; Italia Taglia; Creative Arts Council, Brown University; Italian Studies Department, Brown University; Granoff Center for the Arts, Brown University, Department of Modern Culture and Media, Brown University, Digital + Media, Rhode Island School of Design, Pembroke Center for Teaching and Research on Women, Brown University, Co-Works, Rhode Island School of Design, Studio Azzurro.

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#12  camerAnebbia, Tribute to Studio Azzurro 

on Vimeo 28 ottobre - 13 novembre 2016

In omaggio alla lunga collaborazione, tuttora in corso, con Studio Azzurro, camerAnebbia propone tre installazioni con cui rivisita alcuni lavori celebri dello Studio, attraverso una lente apparentemente scientifica, che lascia emergere la passione per la grafica generativa e per la poetica del "codice", come metafore di quella trama digitale invisibile sottesa alle immagini e, forse, al mondo stesso. Seguendo Il Nuotatore si rivelano i modelli matematici che sostengono l’ordine delle cose visibili e invisibili, mentre uno dei Tamburi a Sud diventa una fontana interattiva, anzi, la "fontana di Fermi": la sua pelle si comporta come una superficie d’acqua e la cassa di risonanza amplifica le onde del passaggio degli spettatori. Un monitor, intanto, diventa luogo di un inatteso divertissement, in cui i nomi delle installazioni di Studio Azzurro vengono ricodificati con il linguaggio che sta sempre più conquistando la nostra comunicazione, gli emoji. 

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#11  SET | OPERA  22 settembre - 2 ottobre 2016

progettazione e realizzazione N!03 [ennezerotre] a cura di Fabia Molteni, Cinzia Rizzo, Franco Rolle musiche di Riccardo Castaldi ispirate all’aria Vissi d’arte tratta dall’opera Tosca di G. Puccini montaggio video Mara Colombo

Una videoinstallazione che prende corpo da un precedente lavoro, Design|Opera, incentrato sul concetto di connessione tra cose e cose, tra persone e persone, tra persone e cose, concepito per esporre gli oggetti di design selezionati per l’Adi Design Index. Anche in Set|Opera il punto focale è il valore dato alle relazioni. In questo caso però “le cose” non sono oggetti di design ma oggetti comuni, appartenenti a persone che sono, sono state, o potrebbero essere in rapporto tra loro per il fatto di aver frequentato uno stesso luogo in un determinato tempo. Così, in occasione della mostra sul percorso artistico di Studio Azzurro, si è pensato di rendere visibile una sorta di “archivio delle relazioni” tra persone che hanno vissuto un’esperienza condivisa. Set|Opera è infatti, un progetto partecipativo in cui si chiede alle persone che abbiamo conosciuto in Studio Azzurro di scegliere un oggetto attraverso cui autorappresentarsi. Una mappa delle connessioni si disegna tra gli oggetti, svelando legami, vicinanze, contaminazioni. La luce delle proiezioni investe dall’alto gli oggetti-simbolo, disposti lungo uno spazio rettilineo. I grafismi del video animano gli oggetti, modificandone l’aspetto nel tempo. Hanno partecipato circa 90 persone con altrettanti oggetti.

foto e video © Studio Azzurro

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#10 APPUNTI SUL MARE DI MEZZO 
performance musicale e video live di DissoiLogoi e Antonio Augugliaro 22-23 luglio 2016

Franco Parravicini chitarra elettrica, basso elettrico, corde fluide Alberto Morelli pianoforte, duduk, sanza, salterio ad arco, conchiglie, paesaggi sonori Federico Sanesi batteria, tabla, oggetti sonori   Antonio Augugliaro flussi di immagini

Appunti sul mare di mezzo è un momento performativo in cui i suoni e i percorsi musicali dei Dissói Lógoi  si intrecciano con le immagini girate dallo Studio Azzurro nel corso di molti anni lungo le coste a sud e a nord del Mediterraneo. Queste riprese sono state elaborate e messe in onda da Antonio Augugliaro con un sistema di editing in tempo reale. Si tratta di un’interazione fra suoni e immagini aperta a spazi improvvisativi intorno alla ambivalenze contenute in questo mare: condivisione-separazione, integrazione/rifiuto, apertura/terrore... un lavoro in itinere che, pur partendo da un forte tema centrale, rimane volutamente aperto e inconcluso, come aperta e inconclusa è ancora l'identità di questo mare di mezzo, troppo spesso rimosso e inascoltato.

foto e video © Studio Azzurro

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#09  a cura di Davide Sgalippa e Paolo Solcia

LA VALIGIA DEI RICORDI progetto e realizzazione Davide Sgalippa, Paolo Solcia, Martina Rocchi, Dario Gavezotti, Federica Rebaudengo, Giacomo Ferrari LO SCRIGNO DI PINKSIE progetto e realizzazione Davide Sgalippa, Paolo Solcia, Painé Cuadrelli, Dario Gavezotti, Mery Glez, Giovanni Baffetti, Jacopo Panfili, Enrico Carucci

29 giugno - 3 luglio 2016

Due installazioni interattive “portatili”, realizzate con i caregivers dei malati di Alzheimer (la Valigia) e con i bambini di una scuola il cui carattere multietnico è particolarmente significativo (lo Scrigno). Due esperimenti in cui si prova a mettere in gioco la tecnologia per ricomporre  relazioni incagliate o complesse dall’esperienza del quotidiano attraverso il prendersi cura.

foto e video © Studio Azzurro

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#08 LE TERRE DESOLATE  progetto di tesi degli studenti dello IED Milano  Tommaso Bullo, Giacomo Guglielmo Gorla, Camilla Levi, Jacopo Marzi

25-25 luglio 2016 La videoistallazione mette in scena il progetto di tesi di quattro studenti dello IED di Milano, Camilla Levi, Jacopo Marzi, Giacomo Gorla e Tommaso Bullo. Gli studenti in questa occasione hanno voluto sperimentare una versione allestitiva di Le Terre Desolate, che nasce come film di fiction.  Girato in 17 giorni tra Lombardia e Abruzzo, il film narra la storia di Jim, «un uomo che vive in una società dove la tecnologia regna sovrana», dove il concetto di natura risulta del tutto mutato. Il mondo descritto è asettico e geometrico, «esistono solo piccole piantine sempre verdi che ognuno è solito portare con sé». Il film racconta il viaggio che Jim decide di intraprendere alla riscoperta della sua «naturale essenza». foto e video © Studio Azzurro

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#07 IL BIANCO DELL’UOVO progetto di tesi di studenti dello IED

Devis Gigliotti, Beatrice Malerba, Ester Molteni

21-23 luglio 2016

Questa installazione mette in scena le riflessioni e le sensazioni degli studenti dello IED intorno alla loro comune esperienza di vita vissuta in provincia. Il progetto è stato ideato e sviluppato da Ester Molteni, Devis Gigliotti e Beatrice Malerba, che così lo descrivono: «Il dispositivo di rappresentazione è una stanza bianca. Sulle pareti quattro videoproiezioni in stop motion illustrano quattro pilastri simbolici del vivere in provincia: Isolamento, Mancanza di stimoli, Ripetitività, Rinuncia. Al centro della stanza è appesa una struttura scenografica che proietta ombre sulle pareti. Olmo, l'uomo di periferia, ci guida in questo viaggio metropolitano in cui gli stati d’animo del protagonista vengono sottolineati dal sound». foto e video © Studio Azzurro

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#06 TITANIA  la pellicola della pellicola della pellicola

8-19 giugno 2016

ideazione e progettazione Giuseppe Baresi installazione 3 carousel 4x4cm, 2 carousel 35 mm, 1 videoproiettore tecnica proiezione di ingrandimenti fotografici di materiali cinematografici s8, con elaborazione su trasparenti  TITANIA è un lavoro inedito di Giuseppe Baresi, che attinge a un archivio personale di circa 400 code di film s8, conservate per decine di anni in una scatola di metallo. 

«Volevo ingrandire questi minuscoli residui di pellicola per dare un’esistenza a dei frammenti spesso anonimi, entrati in modo casuale fra i miei materiali, ma anche a miei fotogrammi estrapolati in modo arbitrario dal laboratorio. Infatti, ogni volta che ricevevo i miei film sviluppati dal laboratorio per lo sviluppo delle pellicole impressionate, ero colpito dalla presenza nelle buste gialle Kodachrome di una coda contenente a un’estremità tre-quattro fotogrammi e un numero stampato a caldo al centro (tipo: <^C7439, <^X3663,<^F4790), mentre all’altra estremità c’erano sempre altri due fotogrammi, spesso “misteriosi” perché appartenenti a un’altra bobina, a volte mia e altre volte non mia, ma girata da un’altra persona in un luogo non identificato del mondo. Ho cercato una tecnica che permettesse da un lato un forte ingrandimento di questi frammenti “trovati”, dall’altro una proiezione senza operare alcuna post-produzione o “digitalizzazione”. Questi frammenti spesso presentano buchi, oppure fotogrammi trasparenti e rigature che ho conservato e incluso nella proiezione. Per gli ingrandimenti ho utilizzato una macchina fotografica Rolleiflex 6x6 del 1966, dotata di soffietto e lenti macro. Fra le immagini che proietto, c’è anche una serie che non è composta da diapositive fotografiche, ma da elaborazioni dirette su acetato con interventi di colore, insieme a estratti frammentari da un testo intitolato Motion picture film processing. Il ritrovamento fortunato di un numero sufficiente di telai 4x4 con vetrini, di marca “Titania”, ha reso possibili le diverse composizioni. TITANIA è un lavoro che restituisce tempo e luce a fotogrammi “orfani” che non hanno trovato posto in nessuna bobina, ancor prima di un eventuale montaggio o di una possibile collocazione di tipo archivistico.  Soprattutto, è una composizione ottenuta con tecniche che richiedono necessariamente una lavorazione manuale, assolutamente pre-digitale e fortemente legata al medium cine-fotografico.» Si ringraziano: Simonetta Fadda per il confronto teorico, Luciano Baresi per i consigli tecnici. 

TITANIA è piaciuto ad alfabeta2 e la sua documentazione è stata in copertina dal 19 giugno alla domenica successiva:  https://www.alfabeta2.it/2016/06/19/giuseppe-baresi/ foto e video @ Studio Azzurro

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#03  IL POLLINE E LA RUGGINE  Memoria, lavoro, deindustrializzazione a Sesto San Giovanni (1985-2015)

Film documentario di Riccardo Apuzzo, Roberta Garruccio, Sara Roncaglia e Sara Zanisi

18 maggio 2016 

regia e montaggio Riccardo Apuzzo  ricerche e interviste Bianca Pastori, Roberta Garruccio, Sara Roncaglia, Sara Zanisi  riprese video Riccardo Apuzzo, Luca Fortini, Bianca Pastori sound design Valerio Palermo  colorist Sofia Marinoni  musiche Luca Mancinelli esecuzione musicale Luca Mancinelli Quartet (Luca Mancinelli sassofono, Giacomo Balzarotti chitarra, Alberto Rovelli contrabbasso Dario Parravicini batteria)    featuring Giovanni Bazzini tromba

prodotto da Associazione AVoce, Dipartimento di scienze della mediazione linguistica e di studi interculturali dell’Università degli studi di Milano, Fondazione Isec  ricerca finanziata con un contributo di Regione Lombardia film finanziato con una campagna di crowdfunding

«Come può il cinema documentario offrire uno strumento di indagine storica ed etnografica sulla società contemporanea? Come si ripensano i luoghi che sono stati industriali e sono oggi in mezzo a una trasformazione incerta? Come si ripensano e li ripensano le persone che li hanno vissuti e che li vivono?  Quale relazione esiste tra passato industriale e memoria di chi ne ha fatto e ne fa esperienza oggi? Come coinvolgere la comunità e restituire i risultati di una ricerca su questi temi?» Questi sono i quesiti a quali tenta di rispondere "Il polline e la ruggine", film documentario che, come espresso dal comunicato stampa, nasce da un più ampio progetto di ricerca dal titolo Laboratorio Industria. Trasmettere e narrare le culture del lavoro e le metamorfosi degli spazi attraverso gli archivi delle fabbriche di Sesto San Giovanni promosso da Fondazione Isec e Dipartimento di scienze della mediazione linguistica e di studi interculturali dell’Università degli studi di Milano e finanziato da Regione Lombardia - Fondo Sociale Europeo.  La ricerca è stata realizzata da Roberta Garruccio, Sara Roncaglia e Sara Zanisi, e ha permesso di raccogliere quasi 50 interviste in profondità con imprenditori, sindacalisti, dirigenti e lavoratori delle imprese dismesse. L'indagine condotta ha in seguito intrecciato questa documentazione orale, ora conservata presso la Fondazione Isec, con una vasta documentazione di archivio, tra cui fotografie, filmati, mappe, progetti.  «Il polline e la ruggine vuole contribuire a conservare e fare conoscere le narrazioni e le rappresentazioni di un luogo trasformato dalla deindustrializzazione, Sesto San Giovanni, concentrandosi in particolare sulla dismissione delle acciaierie Falck e sui significati talvolta molto diversi che le persone attribuiscono agli stessi processi».

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#04 GLI ZAGABRI storia degli ebrei d’Aprica Film documentario

24 maggio 2016

anno di produzione 2015 regia/autore Chiara Francesca Longo produzione Università degli Sudi dell'Insubria in collaborazione con Anpi, Bim Adda, Comune di Aprica durata 45min

ITalYa Frame#1 preludio scenico e sonoro alla narrazione de Gli Zagabri. La voce, il violino e lo spazio a cui invita la presenza di una sedia vuota, o da occupare, sono al centro di una comunicazione che suscita nell’ascoltatore una frontiera che si apre all’accoglienza del Suono, del Silenzio e del Tempo.

Voce Delilah Gutman Violino Rephael Negri

Nel 1943 un gruppo di Ebrei provenienti da Zagabria - sfuggiti all'occupazione nazista della ex Jugoslavia e alla ferocia degli Ustascia - riesce a raggiungere l'Italia. A seguito delle leggi razziali, alcuni di loro vengono internati dal regime fascista in un piccolo paese della Valtellina, l'isolata e verde Aprica. Proprio qui, l'iniziale diffidenza dei contadini, si trasforma in poco tempo in un legame assai più profondo, fino all'epilogo dell'8 settembre, quando molti ebrei saranno costretti a fuggire verso il confine svizzero, aiutati dagli stessi abitanti che sfideranno il regime per salvarli. Il ricordo della guerra e del risveglio delle coscienze in una piccola comunità alpina attraverso l'amicizia con gli ebrei "erranti" di Zagabria, fino alla liberazione. Conosceremo tra gli altri il partigiano Vincenzo Negri, detto Caramba, operaio della Torbiera, ed altri testimoni della Resistenza, protagonisti in quei giorni di alcuni episodi decisivi, come l'attentato al ponte delle Valmane e la prima Repubblica Partigiana di Buglio in Monte.

foto e video © Studio Azzurro

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#02 EXIT_02 | VERTOV  adattamento dell’opera presentata alla Biennale Musica di Venezia del 2009 

2-15 maggio 2016

regia video Luca Scarzella allestimento scenico Gianni Carluccio musica Michele Tadini interpreti in video Claudia Caldarano, Marta Lucchini, Eleonora Parrello assistente video Michele Innocente da un idea di Luca Francesconi

Exit_02 è un'installazione visiva e sonora nata per introdurre la festa conclusiva della 53° Biennale Musica di Venezia, rassegna intitolata Il corpo del suono. La festa si è tenuta alle Tese dell'Arsenale di Venezia il 3 ottobre del 2009. L'installazione era pensata come filtro fra l'entrata e il luogo deputato all'esibizione musicale vera e propria. Si poneva come una specie di bagno iniziatico, un corpo immateriale  di suoni e immagini sospese da attraversare in stretto dialogo, grazie alla trasparenza dei tulle, con lo spazio di accoglimento. Persone reali, architettura, proiezioni si confondevano in questo breve viaggio alla ricerca del luogo originario del fare artistico identificato con specie di demone interno, una forza corporea originaria e difficilmente esprimibile a parole, il "corpo del suono" appunto. Seguendo le indicazioni di Luca Francesconi ci siamo ispirati ad una conferenza tenuta negli anni '30 dal celebre poeta spagnolo Federico Garcia Lorca dal titolo "Gioco e Teoria del Duende". Secondo le  parole del poeta "Il duende non sta nella gola; il duende sale interiormente dalla pianta dei piedi, il duende bisogna svegliarlo nelle più recondite stanze del sangue”. E' come dire che la tecnica da sola non basta  è il fuoco interiore che bisogna accendere: "Per cercare il duende non v’è mappa né esercizio. Si sa soltanto che brucia il sangue come un topico di vetri, che prosciuga, che respinge tutta la dolce geometria appresa, che rompe gli stili".

L’installazione è fedele all’originale per la scansione video e quella musicale mentre l’allestimento è stato riadattato al nuovo spazio. 

foto e video © Studio Azzurro

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#01   protoTree, omaggio a Paul Klee Orf Quarenghi videoinstallazione interattiva

progetto Orf Quarenghi sound design Tommaso Leddi

protoTree  è un albero che vive in uno spazio virtuale, una proiezione che raffigura una tela. Lo spettatore con la sua azione ne va a stimolare interattivamente la crescita. L’artista inoltre spiega come la struttura grafica e geometrica dell’albero sia dichiarata e le tessere che lo compongono siano forme geometriche imperfette, con tracce di pennellate irregolari o colore che cola. La sovrapposizione degli elementi è additiva e richiama la tecnica dell’acquarello. I rami che terminano in frecce, fanno riferimento ai dinamismi di Klee e insieme al linguaggio del wayfinding stradale. “L’algoritmo di crescita è concepito per marcare l’armonia tra graficità e organicità che vedo in Klee. Grafico perché la struttura della crescita è basata sull’aggiunta di nuovi elementi discreti. Organico perché i nuovi elementi, pur discreti, nascono a dimensione nulla e crescono morbidamente” afferma ancora Orf. Il colore è stato campionato da lavori di Klee digitalizzati. La successione di colori nella sequenza delle tessere è stata invece determinata da un algoritmo pseudocasuale che esplora il dipinto. L’algoritmo è stato costruito per scegliere una direzione diversa ad ogni diramazione dell’albero, lungo cui raccogliere le informazioni colorimetriche. Per l’artista l’azione del pubblico consiste in un metaforico annaffiare ed il mezzo offerto dall’installazione consiste in una pistola da giardinaggio modificata. Il modello d’interazione e la tecnologia sono stati sviluppati per la videoinstallazione protoTypo del 2013, analoga ma basata sulla metafora della pistola verniciatrice da carrozziere. protoTree costituisce un’evoluzione del concetto d’interazione alla base di protoTypo. Un’interazione costruita sul dialogo fra oggetti quotidiani banali ed entità virtuali proiettate, che rappresenta secondo l’artista il dualismo tra tecnologia utilitaristica e ricerca visuale. 

Ringraziamenti: Cristina Storti Gajani, Davide Sgalippa, Gabriel Rapetti, Dario Gavezotti, Guido Rossi.