In der analogen Welt hat das Kunstmuseum Olten â wohl als einziges Kunstmuseum der Schweiz â keinen Lift. Aber wir wĂŒnschen uns oft sehnlichst einen herbei, wenn der Bildertransport mit Muskelkraft vom Keller in den dritten Stock wieder in die WĂ€dli geht⊠Deshalb erwecken wir ihn schon mal virtuell zum Leben: Der Lift stellt die digitale Erweiterung des Kunstmuseums Olten dar. Er erschliesst virtuell die Depots, AusstellungsrĂ€ume, WerkstĂ€tten und Studierstuben unseres Hauses bis unter das Dach, schiesst manchmal auch darĂŒber hinaus, um in der Umgebung des Museums Orte kĂŒnstlerischer Produktion und PrĂ€sentation zu erkunden. Auf dieser Plattform kommen Expert*innen, KĂŒnstler*innen und Freund*innen des KMO zu Wort und teilen ihre Leidenschaft und ihr Fachwissen zu den vielseitigen Themen unseres Museums. Konzept und Wartung: Katja Herlach, Yolanda Ludwig und Miriam Edmunds (Die Liftgirls)
Virtueller Rundgang durch die Ausstellung
Arbeit â und was es sonst noch zu tun gibt
Schatzkammer Sammlung #8,
kuratiert vom WĂ€rchlade Olten
Kunstmuseum Olten (3. OG),
2. Juni bis 25. August 2024
Im Rahmen des Ausstellungsformats «Schatzkammer Sammlung» sind GĂ€ste aus der Oltner Bevölkerung dazu eingeladen, gemeinsam mit den Kuratorinnen des Museums thematische SammlungsprĂ€sentationen zu entwickeln, die unterschiedliche Aspekte der BestĂ€nde «ihrer» stĂ€tischen Sammlung ins Licht rĂŒcken. Die Ausgabe #8 wurde vom WĂ€rchlade Olten kuratiert zum Thema «Arbeit â und was es sonst noch zu tun gibt».
Die Ausstellung wird im 3. OG und im Treppenhaus des Kunstmuseums gezeigt. Da wir leider keinen «richtigen» Lift im Haus haben, ermöglichen wir allen, welche die Treppen bis ins 3. OG nicht erklimmen können, hier einen Einblick in die Ausstellung:
MACH MIT
bei unserer kollektiven Tanzchoreographie
Mit seiner Sommerausstellung (4.6.â21.8.2022) bittet das Kunstmuseum Olten zum Tanz.
Der Titel «Put on Your Red Shoes (and Dance the Blues)!» ist dem StuÌck «Letâs Dance» (1983) von David Bowie entnommen. Die thematische Schau befasst sich mit dem VerhĂ€ltnis von Tanz und bildender Kunst.
Wir möchten auch unser Publikum zum Tanzen animieren. Die Ausstellung wird deshalb von einem vielfĂ€ltigen Programm begleitet, dass hoffentlich viele HĂŒften zum Schwingen bringt.
Abb. 1: Viviane von Gunten beim Dreh der Tutorial-Videos
Ursula Berger (TANZINOLTEN) hat eigens fĂŒr die Ausstellung eine Choreographie entwickelt, die von Besucher:innen, Passant:innen und Tanzbegeisterten im Museum, in der Stadt oder zu Hause getanzt werden kann.
Die erste Sequenz der Choreographie â zum Refrain â soll zum bewegten «Signet» unserer Ausstellung werden.
Im Museum haben wir eine TanzflÀche mit Filmstation eingerichtet, auf der Sie den Signet-STEP lernen und aufnehmen können.
Weitere Tuturials, aus denen sich die komplette Choreographie zusammensetzen lÀsst, finden Sie in auf einem Parcour durch die Altstadt.
Den STEP lernen
Hier finden Sie die mit der TĂ€nzerin Viviane von Gunten eingespielten Video-Tutorials. Machen Sie mit und nehmen Sie Ihre FĂŒsse (in roten Schuhen?) beim nachtanzen auf. Wir freuen uns ĂŒber die Zusendung Ihres Steps per Mail!
Wenn Sie Ihr/e Video/s auf Ihren Social-Media-KanĂ€len teilen, freuen wir uns ĂŒber eine Verlinkung mit @kunstmuseumolten und #redshoesstep
Viel Spass!
Tutorials
ganze Choreographie
STEP 1/7 (Signet-STEP)
STEP 2/7
STEP 3/7
STEP 4/7
STEP 5/7
STEP 6/7
STEP 7/7
Die Stadt tanzen â der STEP-Parcours
Wir laden Sie dazu ein, die Stadt Olten auf einem Parcours mit 7 Stationen tÀnzerisch zu erkunden. Auf diesem Weg lÀsst sich die komplette Choreographie zusammensetzen.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 19 â Aline Stalder
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Aline Stalder
Konstruierte Sehnsucht #2
Betritt man den Ausstellungsraum im dritten Stock, fÀllt der Blick unweigerlich auf die Installation von Aline Stalder (*1980). Zehn grosse Papierrollen, je 10 m lang, stehen unterschiedlich auf- und ineinandergerollt frei im Raum. Darauf zu sehen sind feine Striche, die sich im Verbund der Rollen zu einem abstrakten Bergpanorama zusammenschliessen.
Entstanden ist das Werk wĂ€hrend Stalders Atelieraufenthalts in der Fundaziun Nairs im Engadiner Scuol. Eine typische «Schlechtwetter-Arbeit», wie sie die KĂŒnstlerin nennt, der sich Stalder immer dann zuwandte, wenn die Witterung es nicht zuliess, an der frischen Luft zu arbeiten und nach draussen zu gehen. Mit dem Fineliner holte sie sich die Berglandschaften und die bei gutem Wetter erwanderten Routen aus der Erinnerung und ihrem mentalen Bildspeicher kurzerhand ins Atelier.
Den Stift einmal angesetzt, zeichnete die KĂŒnstlerin in zĂŒgigen Bewegungen das bergige Panorama aus dem Kopf. Stets nach vorne gerichtet auf einer ausgerollten FlĂ€che von ca. 2.5 Metern LĂ€nge â dann wurde das bezeichnete Papier eingerollt und das nĂ€chste noch freie StĂŒck auf dem Arbeitstisch ausgerollt.
Die Zeichnungen zeigen kein getreues Abbild spezifischer Orte, sondern eigene Kreationen von Bergwelten. Auf Farbe hat die KĂŒnstlerin bewusst verzichtet. «Die Betrachtenden sollen sich die entstandenen FlĂ€chen und Linien selber ausmalen... man ist sich gewohnt, farbige Landschaftsbilder zu betrachten» erklĂ€rt Stalder. Durch die spezifische PrĂ€sentation wiederum geben die Rollen viel des Gezeichneten nicht Preis. Man wird aufgefordert, das Bild selbst weiterzudenken. Was ist verborgen? Sind es die Strommasten, Zweitwohnungen, kommt sogar Farbe zum Vorschein oder wie geht die Linie weiter? Geht Sie ĂŒberhaupt weiter?
Der Werktitel «Konstruierte Sehnsucht #2» nimmt Bezug auf die kunsthistorische Bedeutung der Berge. Im 19. Jahrhundert, insbesondere in der Romantik, aber auch im 20. Jahrhundert war das Ă€sthetische Versprechen der erhabenen Bergwelt zentral â neben ihrer symbolischen Deutung als Hort der Freiheit und ihrer zunehmenden Bedeutung als Freizeit- und Tourismusmagnet.
«Die GemĂ€lde versuchten Schönheit zu kommunizieren [âŠ], sie auf die Leinwand zu bringen und [âŠ] damit transportabel zu machen. Meist fehlen in den BerggemĂ€lden dieser Zeit grössere Ăbersetzungsprozesse oder BrĂŒche. Gerade die BrĂŒche interessieren mich bei meinen Panoramen. Es fehlt zum Beispiel die Farbe, das genaue Licht- und Schattenspiel, realitĂ€tsgetreue Bergformen usw.... Meine Berge erzĂ€hlen nicht: So sehen die Berge aus und dort oben ist es schön. Es sind keine perfekten Landschaften. Spannend finde ich die Frage, was heute fotografiert und gepostet wird. Und was wird dabei weggelassen? Man macht viele Fotos, bis man die Seilbahn und die anderen Wanderinnen nicht mehr auf dem Bild hat â damit diese vermeintlich zeitlose Schönheit der Berge zum Vorschein kommt.» schreibt die KĂŒnstlerin.
Bereits 2019 ist «Konstruierte Sehnsucht #1» entstanden. Damals ging die KĂŒnstlerin etwas anders vor. Sie spannte eine 16 Meter lange Papierrolle auf eine motorisierte Vorrichtung, welche das Papier langsam ab- und wieder aufwickelte. Ăhnlich wie ein Seismograph liess die KĂŒnstlerin dann den Stift an einer Stelle ĂŒber die leere FlĂ€che gleiten. Das Werk wurde damals in kleinere Fragmente geschnitten und zum <Internationalen Tag des Berges> 2020 in den Schweizer Botschaften von Islamabad, Teheran, Ankara, Maskat, Rabat, Beirut und Bern gezeigt, wo die Werke noch heute hĂ€ngen. Als Verkörperung der Sehnsucht nach der Heimat? Nach dem, was unser Land schon seit Rousseau im Kern ausmacht und zusammenhĂ€lt?
Mit dem Panorama bedient sich Aline Stadler eines Bildtypus, der mit der wissenschaftlichen Erforschung der Bergwelt, mit der Entwicklung technischer Hilfsmittel fĂŒr die Abbildung, Aneignung und Kartierung der Welt sowie mit neuen Erkenntnissen im Bereich der Optik um 1800 verbunden ist. Ihre technisch, kĂŒhl und abstrahierend wirkenden Notationen weisen zwar in diese Richtung, jedoch verwehrt uns die Art der PrĂ€sentation just den Ăberblick, der das Wesen eines Panoramas eigentlich ausmacht, und fĂŒhrt damit sein erkenntnistheoretisches Versprechen ad absordum. LĂ€ngst wissen wir, dass umfassender Ăberblick angesichts der KomplexitĂ€t der Welt eine Wunschvorstellung bleiben muss. Gerade am Unerreichbaren aber entzĂŒndet sich die Sehnsucht. Und was verkörpert das Erhabene und Absolute besser als die von mĂ€chtigen KrĂ€ften ĂŒber unvorstellbare ZeitrĂ€ume hinweg geformten Alpen?
Bei den konstruierten SehnsĂŒchten geht es auch um die KĂŒnstlerin selbst, um «den Menschen und die Verbindung zu den Bergen.» Es ist, wie sie sagt, «die zeitlose Sehnsucht nach den schönen Bergen, die mich interessiert. Weshalb dieses Verlangen nach konservierter, unberĂŒhrter Natur? Und wo trifft das Klischee auf die RealitĂ€t? â Wer kennt diese Sehnsucht nicht? Einfach nur schöne Landschaft sehen: blauen Himmel, goldenes Licht, scharfkantige Felsen, Wiesen, vielleicht noch Scheunen im Talgrund, vielleicht noch KĂŒhe auf der Alpweide, vielleicht einen Adler, aber sicher keine ParkplĂ€tze, keine Seilbahnen, keine Schneekanonen, keine Hochspannungsleitungen, keine ZweitwohnungsbaukrĂ€ne, keine Rivella-Sonnenschirme, keine Staumauern und vor allem â keine Menschen.»
Nach dem Vorkurs an der Schule fĂŒr Gestaltung in Basel studierte sie an der Basler Hochschule fĂŒr Gestaltung und Kunst mit Schwerpunkt Bildender Kunst .
Seit 2014 sind ihre Werke regelmÀssig in Gruppen und Einzeldarstellungen in der Schweiz und im angrenzenden Ausland zu sehen. In Olten stellte Stalder 2020 im Kulturlokal Mokka Rubin aus.
Mehrere Atelieraufenthalte im In- und Ausland (u.a. war sie mit einem Stipendium des Kantons Solothurn 2019 in Paris) haben ihr Schaffen geprĂ€gt, das oft Themen im Spannungsfeld von NatĂŒrlichkeit und KĂŒnstlichkeit behandelt. Sie arbeitet mit unterschiedlichen Medien und versteht es, ihre Objekte und Installationen mit besonderen haptischen QualitĂ€ten auszustatten. OberflĂ€che und «Haut» von alltĂ€glichen Dingen stehen dabei oft im Fokus, ist es doch die Ă€usserste Schicht, die Form und Erscheinung eines Gegenstandes definiert. Stalder spielt mit Objekten aus verschiedenen europĂ€ischen Kulturen und spannt einen Bogen von der ArchĂ€ologie bis zum Kitsch.
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
In x-facher AusfĂŒhrung reihen sich auf drei Tonkartons «Spanische NĂŒssli» aneinander. Die typische Struktur der NussschalenoberflĂ€che wird in den Zeichnungen durch eine Art GerĂŒst ersetzt, so als erstelle der KĂŒnstler einen Bauplan der sĂŒdamerikanischen HĂŒlsenfrucht. In freiem Raum schwebend und dreidimensional aufgebaut, erinnern sie entfernt an digitale Gitternetze von Vektorgrafiken.
Das viel-ansichtige PortrĂ€t des beliebten Partysnacks erfolgte jedoch manuell; â âčanalogâș mit Tusche und Feder, wie der Titelzusatz es unterstreicht. Die Leseart bleibt offen, wandert der Blick jedoch von Nuss zu Nuss, so fangen die Striche einem Daumenkino gleich zu tanzen an. Die zu einem dynamischen Muster zusammengefĂŒgte Multiplikation eines Gegenstandes im Bild lĂ€sst sich bereits in ZĂ€chs Zeichnungen der frĂŒhen 2000er-Jahre finden. Ungewöhnlich sind hingegen die organischen Formen, welche der Grafik eine zusĂ€tzliche Leichtigkeit verleiht. Die Hingabe, mit der der KĂŒnstler die unscheinbare Nuss skizziert, enthĂ€lt die Prise Humor, die in vielen seiner Arbeiten mitschwingt.
Wie bei der Serie «Spanische NĂŒssli (analog)» auch, zielt ZĂ€chs Schaffen immer auf die SchĂ€rfung des Sehens und auf eine prĂ€zise Wahrnehmung. Und es thematisiert neben PrĂ€sentations- und Rezeptionsbedingungen von Kunst auch deren Charakter. Hier etwa ihre FĂ€higkeit, mit einfachsten Mitteln rĂ€umliche Illusion zu schaffen. VerblĂŒffend und magisch, wie eine noch in der FlĂ€che liegende Umrisslinie durch eine aus simplen Spiralen bestehende Binnenzeichnung zur dreidimensional fassbaren Form, zum Körper mutiert. Ein klares Konzept, handwerkliche PrĂ€zision und eine gute Prise Humor zeichnen auch dieses Werk aus, das sich mit dem vorweihnĂ€chtlichen Sujet in die jĂ€hrlich wachsende Werkreihe eingliedert, die er explizit fĂŒr die kantonale Ăberblicksschau schafft, die vor nicht nicht allzu langer Zeit noch «Weihnachtsausstellung» hiess.
Mehrfach zog es ZĂ€ch ins Ausland, wo er beispielsweise mehrere Jahre in Amsterdam oder Florenz lebte. FĂŒr sein Schaffen erhielt der KĂŒnstlers mehrere Auszeichnungen und WerkjahrbeitrĂ€ge, darunter auch der Kunstpreis des Kantons Solothurn (2012). Er ist eine feste Grösse im Solothurner Kunstleben. 2010 hat ihm das Kunstmuseum Solothurn eine umfassende Retrospektive mit Katalog ausgerichtet.
In Gruppen- und Sammlungausstellungen des Kunstmuseums Olten ist sein Werk regelmÀssig vertreten. Leider musste seine geplante Intervention im Dienstraum, unserer Dependance im Bahnhof Olten, 2021 wegen Corona abgesagt werden. In der Oltner Kunstsammlung ist er mit mehreren Hauptwerken vertreten.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 17 â Maja Rieder
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Maja Rieder
Operator (Juxtapose)
ZurĂŒckhaltend ist sie nicht, die Arbeit von Maja Rieder. Im Gegenteil; grossformatig nimmt sie die Wand im letzten Raum des Erdgeschosses in Beschlag und fordert die Besucher:innen mit ihrer Kombination aus Farben und Symbolen zur Betrachtung auf.
Zwei nebeneinanderliegende Felder mit farbkrĂ€ftiger orange-violetter Grundierung sind grossflĂ€chig mit schwarzer Tusche ĂŒberpinselt. Begonnen bei einem feinen Kreuzmuster im Hintergrund ĂŒber ĂŒberkreuzende Formen der mittleren Schicht bis hin zu den beiden zentralen neongelben Kreuzen im Vordergrund des Bildes, das «Kreuz» oder auch «X» bildet das tragende Element der Arbeit.
Bleibt die Symbolik zunĂ€chst offen, so vermittelt sie doch unterschiedliche Stimmungen. Bedrohlich wirkt das âčFadenkreuzâș, warnend das âčAndreaskreuzâș. Harmloser ist hingegen das «X»: im römischen Ziffernsystem verkörpert es die Nr. 10, als Buchstabe wird es auch als AbkĂŒrzung fĂŒr âčKussâș genutzt.
Der Titel «Operator (Juxtapose)» legt eine Spur zur Mathematik. Die sich «gegenĂŒberstehenden Operatoren», hier fĂŒr Addition und Multiplikation, stehen im Zeichen der Vermehrung, das X hingegen fĂŒr das Unbekannte, fĂŒr das, was wir (noch) nicht kennen. Dazu passt der umfassende Kreis, ein vieldeutiges Symbol fĂŒr Unendlichkeit, Einheit oder VollkommenheitâŠ
Rieders Arbeiten wirken gleichermassen einfach wie komplex. Ihre bevorzugten Medien sind die Zeichnung und die Malerei auf Papier, im raumgreifenden Format. Körpereinsatz, Bewegung und Arbeitsinstrumente manifestieren sich darin unmittelbar. Der Zufall gestaltet trotz eines konzeptuellen Vorgehens die Genese der Bilder mit und betont deren sinnliche QualitĂ€t. Die Beziehung von Maja Rieders Kunst zum Raum ist eng. Ihre Werke bilden selbst RĂ€ume aus. So ist das redundante X in unserer Arbeit nicht nur Zeichen und Form, sondern wird von der KĂŒnstlerin auch als rĂ€umliche Dimension und dynamisches Element verstanden.
Ein mathematisch inspiriertes Gedankenspiel zum Schluss: Fassen wir das Bild als Gleichung auf, so interessiert sich Maja Rieder weniger fĂŒr das Ergebnis der Gleichung, sondern fĂŒr den Rechenprozess. Denn, so die KĂŒnstlerin, «der Prozess ist am Ende das, was die Arbeit ausmacht.»
Biographisches
Maja Rieder, 1979 geboren im solothurnischen Kestenholz, vollendete zunĂ€chst eine Lehre als Goldschmiedin bevor sie sich der Bildenden Kunst zuwandte. HierfĂŒr studierte sie im Bachelor am Institut Kunst an der Hochschule fĂŒr Gestaltung und Kunst in Basel und schloss 2011 ihr Masterstudium an der Fachhochschule Nordwestschweiz ebenfalls in Basel ab, wo sie heute lebt und arbeitet.
Seit ĂŒber 10 Jahren stellt sie (inter)national erfolgreich aus. Aktuell ist ihre Kunst an der verschiedene kĂŒnstlerische Disziplinen verbindenden Ausstellung «Fritz Hauser, Sweet Spot» im Kunsthaus Baselland und in einer Gruppenschau in der Galerie Wuethrich in Basel zu entdecken.
Mit ihrem Heimatkanton ist Maja Rieder nach wie vor verbunden. Ăber die Jahre war sie in den Museen von Grenchen, Olten und Solothurn wiederholt zu Gast und hat ihre Arbeit auch an zahlreichen kleineren Kunstorten wie dem KĂŒnstlerhaus S11 in Solothurn oder der Galerie Rössli in Balsthal gezeigt. Ihr Schaffen wurde vom kantonalen Kuratorium, aber auch von den Kunstvereinen Solothurn und Olten gefördert. 2009 stellte sie beim Kunstverein Olten aus, 2015 prĂ€sentierte sie im Kunstmuseum Olten gemeinsam mit Matthias Huber Werke, die in der ehemals in Olten beheimateten Druckwerkstatt (Lenzburg) entstanden waren. An den Jahresausstellungen bilden ihre BeitrĂ€ge eine Konstante.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 16 â Matthias Huber
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Matthias Huber
Malerei
Was fĂŒr eine Leuchtkraft! Die GemĂ€lde von Matthias Huber (*1980) in der Jahresausstellung sind lichtdurchflutet und vermitteln ein wohlig warmes GefĂŒhl â ein Stimmungsaufheller in dieser eher dĂŒsteren Zeit. Die einzelnen Farbfelder auf dem kleineren Werk sind mit Strukturen und Mustern versehen. Jedes ist fĂŒr sich ein kleines Einzelbild. Die Kombination mag etwas unruhig wirken, ist aber dennoch stimmig. Ăberall lassen sich wunderbare KomplementĂ€rkontraste entdecken.
Das zweite GemĂ€lde kommt einem Feuerwerk gleich, was zum Jahreswechsel passen wĂŒrde. Oder handelt es sich vielleicht doch eher um BlĂŒten, die im FrĂŒhjahr aus den Knospen hervorspriessen? Die Farbigkeit ist etwas zurĂŒckhaltender als im kleineren der beiden Werke aber dadurch nicht minder ausdrucksstark.
Beide Werke haben eine besondere Stellung im Schaffensprozess des KĂŒnstlers. Sie sind quasi als Begleitprodukte seiner «eigentlichen» Bildproduktion entstanden; möglich, dass Mathias ihnen daher mit einer weniger grossen Erwartungshaltung begegnet ist, und dass die Leichtigkeit und UnbekĂŒmmertheit, die sie ausstrahlen, auch daher rĂŒhrt?
Das aus der Distanz textil anmutende, kleinere Bild ist ein «ĂbplĂ€tz». Auf den exakt umrissenen Rechtecksfeldern hat der KĂŒnstler unterschiedlich Möglichkeiten fĂŒr FarbĂŒbergĂ€nge ausprobiert, bevor er sie skaliert, im grösseren Massstab auf GemĂ€lden einsetzte. Eine Art Studiensammlung also, die zum Bild mutierte, als das letzte Feld ausgefĂŒllt war. Ein fertiges Bild â und als solches ein absoluter Exot unter Hubers Bildern. Matthias Huber arbeitet immer an vielen Bildern gleichzeitig und dies ĂŒber einen langen Zeitraum hinweg. Oft unterzieht er Werke nach Jahren erneut einer Ăberarbeitung. Wirklich fertig sind sie eigentlich nie. Selbst Werke, die sein Atelier verlassen haben, sind nicht davor gefeit, nochmals mit einem Pinsel in BerĂŒhrung zu kommen.
Mit dem grösseren GemĂ€lde hat eine andere Bewandtnis: Die Leinwand diente dem KĂŒnstler einige Zeit jeweils am Ende des Arbeitstages dazu, die Restfarbe aus seinen Pinseln zu bekommen. Im Unterschied zur verhalten-sorgfĂ€ltigen Pinselschrift auf dem kleinen Bild, ist der Gestus hier flĂŒssig, salopp. Die fĂ€cherartigen Pinselstrichballungen dokumentieren die gerade bevorzugte Palette des KĂŒnstlers (und die Vorfreude auf das Feierabendbier?)
Beide GemĂ€lde verraten uns also etwas ĂŒber die Arbeitsweise von Matthias Huber, lassen uns â von den RĂ€ndern her â erahnen, was ihn gerade im Atelier beschĂ€ftigt; ein passender Beitrag fĂŒr eine Jahresausstellung, die Einblick in das aktuelle Kunstschaffen einer Region geben will!
Und bei Matthias Huber heisst das normalerweise: GrossflĂ€chige Malerei, die das Medium nicht in seiner VielfĂ€ltigkeit, sondern in seiner Einfachheit ausreizt: Das ist, wodurch seine Arbeiten ĂŒberzeugen. Die intuitive LinienfĂŒhrung und Farbgebung berĂŒhren, wer seine GemĂ€lde betrachtet. Die Werke ergeben sich erst durch das Arbeiten an ihnen, was sich in einer durchgehend hohen QualitĂ€t der technischen AusfĂŒhrung manifestiert und Matthias Hubers oft bunte Arbeiten zu einem regelrechten Augenschmaus macht. Es ist aber auch die Haltung der Kunst gegenĂŒber, die ĂŒberzeugt. In ihr findet sich eine Vielzahl interessanter AnsĂ€tze, die Bezug nehmen auf alltĂ€gliche Situationen, Materialien oder sonstige Voraussetzungen. GebrauchsgegenstĂ€nde dienen dem KĂŒnstler als Inspirationsquelle, als Experimentierfelder.
Huber sammelt gern und viel, und aus dieser TĂ€tigkeit entstehen immer wieder hochinteressante Arbeiten. Einerseits betreibt er seit Jahren diese sorgfĂ€ltig komponierte, farbenfrohe Malerei, andererseits ist da immer wieder dieses Versteckspiel mit fremdem Material, das er sammelt und fĂŒr seine Zwecke umdeutet.
«Ich brauche halt beides», erklĂ€rt Huber. Malerei sei ein sehr langsamer und mehrstufiger Prozess, einem Archiv nicht unĂ€hnlich. Beide, so Huber, seien Teil einer Formen- und Farbensammlung, aus der er schöpfen könne. «Der Fundus der Malerei kommt halt von Innen und jener der gefundenen Bilder ist in einer Schachtel.» Lösungen ergeben sich oft erst nach langer Reifezeit: «Manchmal finde ich Sachen nach Jahren wieder und sie haben sich verĂ€ndert, plötzlich ergibt sich etwas.» Bei GemĂ€lden sei das nicht anders. Daneben sei Malen fĂŒr ihn auch eine Strategie, sich zu befreien. Der Mythos der spontanen KreativitĂ€t sei zwar ein schöner, aber auch ein falscher.
Biographisches
Matthias Huber wurde 1980 in Bottmingen geboren und lebte von 1982 bis 2010 im Kanton Solothurn. Nach den Schulen studierte er an der Hochschule der KĂŒnste in Bern Visuelle Kommunikation und schloss ein Studium an der Hochschule fĂŒr Gestaltung und Kunst der Fachhochschule Nordwestschweiz mit dem Master of Fine Arts ab. Huber lebt und arbeitet heute in Basel.
FĂŒr das Kunstmuseum Olten ist er kein Unbekannter, waren seine Werke doch schon mehrfach an Ausstellungen prĂ€sent. AnlĂ€sslich der 31. Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten 2015 wurde Matthias Huber der Preis der Rentsch-Stiftung verliehen. 2019 wurde eines seiner Werke aus der Jahresausstellung vom Kuratorium des Kantons Solothurn angekauft.
Mehr erfahren
Website Matthias Huber
Laudatio Werkjahrbeitrag Kanton Solothurn
Matthias Huber auf plattformplattform.ch
Jahresaussenprojekt im Kunsthaus Baselland, 2016
Beitrag in der Tageswoche zum Projekt im Kunsthaus Baselland, 14.6.2016
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 15 â Luzia Klossner
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Luzia Klossner
Landscape Model for Daily Use
Das Werk Luzia Klossners (*1996) erstreckt sich mittig ĂŒber dem Boden des letzten Ausstellungsraumes im Erdgeschoss.
Die 6 Tonobjekte und unterschiedliche Schaumstoffmatten verschmelzen zu einer fremdartigen Landschaft aus gegensĂ€tzlichen Elementen. Runde organische Formen stellen sich gegen die harten dicken und dĂŒnnen Kanten der Matten. Harmonieren die hellgrauen GegenstĂ€nde mit den violetten und zartfliederfarbenen Nuancen des Kunststoffes, so stehen die erdigen Terracottatöne der anderen Objekte wiederum im Kontrast dazu.
Dadurch, dass wir die Installation als Betrachtende umrunden können, erhĂ€lt sie weitere Lebendigkeit. SchattenwĂŒrfe werden sichtbar, und je stĂ€rker der Blick die Formen des Gebildes abtastet, desto deutlicher treten Assoziation hervor. Hier ein Canyon, da FabriktĂŒrme, eine Vase, Iglu, Moschee, und ist das etwa eine Anlehnung an eine Betonkirche, wie diejenige von Carsten Schröck?
Das menschliche Gehirn ist bemĂŒht, ein möglichst schlĂŒssiges, auf seine visuellen, Ă€sthetischen, kulturellen und soziologischen Erfahrungen beruhendes Bild der Welt zu liefern. Eine Erkenntnis, welche die Ausgangsposition zu Klossners kĂŒnstlerischer Arbeit liefert. Sie selbst schreibt: «Ich setzte Zeichen, die den Betrachtenden das GefĂŒhl geben, etwas zu erkennen. Durch die Verschiebung von Funktions- und Anwendungsmuster ergeben sich Objekte, die unterschiedliche Assoziationen ermöglichen und dadurch Sehgewohnheiten offen legen.»
Der Titel «Landscape Model for Daily Use» hat sowohl eine deskriptive Komponente als auch einen verweisenden Charakter. Mit diesem Modell greift die KĂŒnstlerin auf ein beliebtes Verfahren der Bildenden Kunst zurĂŒck, welches die Kraft besitzt, die wahre Natur, sprich die schwer erfassbare RealitĂ€t, vielschichtig erfahrbar zu machen. (vlg. Sabine Vogel)
Biographisches
Die Werke der gebĂŒrtigen Baselerin Luzia Klossner (*1996) bewegen sich auf der Bruchkante zwischen Kunst und Design. Aus dem Bereich des Objektdesigns kommend merkte sie schon bald, dass Ihr Interesse ĂŒber die Ăsthetik und FunktionalitĂ€t von GegenstĂ€nden hinaus reicht. In Ihren Werke hinterfragt Klossner die gesellschaftlichen Konventionen, die mit alltĂ€glichen Objekten in Verbindung stehen und spielt mit der Grenze ihrer Lesbarkeit.
Luzia Klossner schloss in diesem Jahr ihren Bachelor of Arts in Kunst und Design an der HSLU in Luzern ab. Seit 2018 ist die junge KĂŒnstlerin schweizweit in diversen Gruppenausstellungen vertreten.
Fragen an Luzia
Alle in der Jahresausstellung vertretenen KĂŒnstler*innen haben wir gebeten, uns dieselben sieben Fragen zu beantworten. Auf diese Weise möchten wir â im O-Ton â mehr ĂŒber ihr jeweiliges SelbstverstĂ€ndnis, ihre Arbeitsweise und ihre Inspirationsquellen erfahren:
Warum bist Du KĂŒnstler*in geworden?
LK: Ich bin mehr oder weniger zufaÌllig zur Kunst gekommen. An der Hochschule Luzern hatte ich mich anfangs fuÌr den Studiengang Objektdesign eingeschrieben. Nach dem ersten Studienjahr habe ich mich dann entschlossen, in den Studiengang Kunst+ zu wechseln. Angezogen hat mich die selbstaÌndige Art zu arbeiten und das freie Experimentieren mit Ideen, Materialien und PraÌsentationsformen.
Handwerk und Design sind noch immer Themen, die meine kuÌnstlerische Arbeit stark praÌgen. Im Studium schaÌrfte ich meinen Blick fuÌr die Bedeutung der Beziehung zwischen Mensch und Objekt. Die Betrachtung im Kontext der Kunst machte mir bewusst, wie viele Codes wir im Unterbewussten entschluÌsseln, bevor wir ein Objekt gebrauchen. Die Tatsache, dass unser KoÌrper vierundzwanzig Stunden am Tag und in allen Lebenslagen von Objekten unterstuÌtzt wird, und wir uns dennoch selten mit deren Bedeutung und Wirkung beschaÌftigen, beeindruckt mich.
Ich bin der Meinung, dass wir unsere enge Bindung zu den GegenstaÌnden dazu nutzen sollten, um kritisch zu hinterfragen wie wir leben und wonach wir streben.
Wie definierst Du Kunst?
FuÌr mich ist Kunst anzufertigen oder zu betrachten eine Methode um zu denken, die Dinge zu reflektieren, nicht nur auf intellektueller, sondern auch auf emotionaler und koÌrperlicher Ebene.
Welchen Ort hat die Kunst in der Gesellschaft?
Obwohl Kunst so unumgaÌnglich zu unserem Alltag gehoÌrt, in dem sie gesellschaftliche Debatten aufgreift und dadurch Platz schafft fuÌr Auseinandersetzungen, ist der Begriff fuÌr viele etwas ausserhalb ihrer WohlfuÌhlzone. Das liegt meiner Meinung nach daran, dass unter anderem die Meinung vorherrscht, es gaÌbe ein richtig und falsch bei der Betrachtung von Kunst. Das konnte ich oft in GespraÌchen mit meiner Familie oder Freunden beobachten. Die Angst davor, etwas falsch zu verstehen, haÌlt dann davon ab, sich wirklich auf ein Kunstwerk einzulassen. Ich denke, das ist einer von vielen GruÌnden, weshalb ein Teil der Gesellschaft die Relevanz von Kunst nicht wirklich nachvollziehen kann.
Gibt es eine/n ideale/n Betrachter/in fĂŒr Deine Werke?
Ich freue mich uÌber jeden, der sich die Zeit nimmt, mein Werk zu betrachten und sich damit auseinander zu setzen. Ich sehe es als meine Aufgabe in meinem Werk Anhaltspunkte zu setzen, die vom Betrachtenden gedeutet und verknuÌpft werden koÌnnen.
Wo arbeitest Du? Wie sieht Dein Arbeitsort / Atelier aus?
Vor kurzem bin ich in ein Gemeinschaftsatelier gezogen, das zum Stellwerk Basel gehoÌrt, hier arbeite ich mit 5 weiteren Kunst- und Kulturschaffenden. Mein Arbeitsplatz ist meistens gut strukturiert und ordentlich, so behalte ich den UÌberblick uÌber Skizzen und Materialversuche.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 14 â Laura Mietrup
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Laura Mietrup
Nesi
Mit etwa 6 x 2 Metern gibt das Werk von Laura Mietrup die grösste Position der #jahresausstellung ab. Es erstreckt sich ĂŒber die gesamte WandflĂ€che, die erst kĂŒrzlich fĂŒr die imersive Cyanotypie von Daniela Keiser durch die Entfernung der alten Bilderleisten vergrössert worden war.
«Nesi», so der Titel des reliefartigen Werks, setzt sich aus unterschiedlichen geometrischen Formen zusammen. Umrandet von einem schwarzen Rahmen ist die FlĂ€che in unterschiedlich grosse Rechtecke gegliedert. Scheint es sich zunĂ€chst â gelöst von jeglicher GegenstĂ€ndlichkeit â um eine suprematistische Reduktion auf geometrische Köper zu handeln, so treten bei nĂ€herer Betrachtung der Gestaltungsmittel wohlbekannte GegenstĂ€nde wie etwa ein FussmassagegerĂ€t hervor.
Alles bis auf eine rote Scheibe als Blickfang ist in Schwarz gehalten. Was in den einzelnen Elementen gesehen wird, ist allein den Betrachtenden ĂŒberlassen. Ob Ufo, Gitarre, mechanische Bedienungsanleitung oder doch nur Fliegenklatsche â den Assoziationen ist freien Lauf gelassen.
Bemerkenswert ist auch die glatte, makellose OberflĂ€che der Elemente. Hierbei greift Mietrup auf Masken, Techniken und Methoden zurĂŒck, die sie in ihrer Ausbildung als Rahmenvergolderin gelernt hatte. Im Allgemeinen fliessen immer wieder autobiografische Elemente in ihre Werke mit ein. Strukturen, die reprĂ€sentativ fĂŒr Ereignisse in ihrem Leben stehen, deren Bedeutung jedoch nur die KĂŒnstlerin selbst kennt. Ăhnlich verhĂ€lt es sich auch mit den Werktiteln, die, der Fantasie entsprungen, mal mehr nach dem Klang eines Wortes, mal mehr in Bezug auf eine Botschaft ausgesucht werden, die den Aussenstehenden jedoch verborgen bleibt.
Die Bandbreite von Mietrups Arbeiten erstreckt sich von kleinen Skulpturen ĂŒber Gouachen hin zu dreidimensionalen WandgemĂ€lden und raumeinnehmende Installationen. Stets in klaren Formen, manchmal humoristisch, aber stets rĂ€tselhaft geheimnisvoll.
Biographisches
Geboren ist Laura Mietrup (*1987) in Rheinfelden, wo sie im Schreinerbetrieb ihrer Eltern aufwuchs. Vom Handwerklichen angezogen, machte sie zunĂ€chst eine Berufslehre als Rahmenvergolderin. Am Haus der Farbe, der ZĂŒrcher Fachhochschule fĂŒr Gestaltung in Handwerk und Architektur, absolvierte sie eine Weiterbildung bevor sie an der Hochschule fĂŒr Gestaltung in Basel (HSG) ihren Bachelor of Fine Arts und schliesslich an der Hochschule der KĂŒnste in Bern (HKB) ihren Master of Fine Arts abschloss. Heute lebt Mietrup in Basel, wo sie im Atelierhaus Klingenthal ihren Arbeitsort besitzt.
In den letzten Jahren war die KĂŒnstlerin an diversen Ausstellungen in der Schweiz und im angrenzenden Ausland prĂ€sent. Das Kunsthaus Baselland richtet ihr Anfang 2022 ihre erste grosse Einzelausstellung aus (14.1.â37.2.2022) .
Vom Kunstmuseum Olten wurde Laura Mietrup mit dem erstmals im Rahmen der Jahresausstellung vergebenen Ausstellungspreis ausgezeichnet. Er besteht in einer Einladung, den Dienstraum, die Dependance des Kunstmuseums Olten im Bahnhof Olten, zu bespielen. Wir freuen uns auf ihren Beitrag Ende 2022.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 13 â Edy A. Wyss
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Edy A. Wyss
Objekt (Einschneidend 1)
Einschneidend, 2020, Lack auf MDF-Platten, 205 x 100 cm
Das Werk des Balsthaler KĂŒnstlers Edy A. Wyss (*1945) ist ganz und gar in (Ultramarin-)Blau gehalten. Es besticht durch seine Klarheit und wirft dennoch Fragen auf. Der Titel ist Programm: Die gĂ€nzlich mit Lack ĂŒberzogene Holzfaserplatte weist an fĂŒnf Stellen «Einschnitte» auf. Die in der Platte fehlenden VersatzstĂŒcke sind am Boden davor platziert â so als könnten sie, wie bei einem Puzzle, wieder an der richtigen Stelle eingefĂŒgt werden.
Doch so einfach macht es uns Wyss nicht. In seinem breitgefĂ€cherten Schaffen geht er unterschiedlichsten Fragestellungen nach. Das Lesen der Zeichen, die er setzt, erfordert Zeit. Denn «Je schneller man ein Bild lesen kann, desto schneller hat man es wieder vergessen.» (Zitat KĂŒnstler)
Beim Rundgang durch die Jahresausstellung wird die Betrachterin des grossformatigen Werkes mit sich selbst konfrontiert. Unscharf allerdings, trotzdem ist die Silhouette deutlich erkennbar. Man kommt also nicht umhin, sich mit dem Spiegelbild und mit der Wirkung des Werkes auseinanderzusetzen. Aufgrund des Entstehungsjahres 2020 liegt die Vermutung nahe, dass das «einschneidende Ereignis» einen Zusammenhang mit der Corona-Pandemie hat. Möglich, aber nicht zwingend.
Die blaue Farbe will nicht recht zum «Einschneidenden» passen â vermittelt sie doch im Allgemeinen ein GefĂŒhl von Ruhe und Harmonie. Blau wird eine emotional ausgleichende, angenehme Wirkung zugeschrieben. Ein Widerspruch?
Die Welt ist aus den Fugen geraten â sowohl, was das globale Geschehen, aber auch, was das eigene Wohlergehen des KĂŒnstlers anbelangt. Durch eine Krankheit verlor Edy A. Wyss sehr plötzlich die Sehkraft seines linken Auges.
Diese Erfahrung verarbeitet er in seinen Kunstwerken. Er nimmt die kĂŒnstlerische Freiheit fĂŒr sich in Anspruch und vermittelt den Betrachtenden durch die Fragen, die er stellt, Denkanstösse. Er liebt aufwendige Entstehungsprozesse und intensive Denkarbeit, kaum etwas wird dem Zufall ĂŒberlassen.
Der KĂŒnstler wurde 1945 in Fulenbach geboren. Als er zwölf war, zog seine Familie nach Balsthal. Eigentlich wĂ€re er gerne Bauer geworden, schlug aber nach ersten Zeichenversuchen einen anderen Weg ein. Er liess sich zum Grafiker ausbilden und absolvierte anschliessend in MĂŒnchen eine Kunstausbildung. 1975 kehrte er eher zufĂ€llig wieder nach Balsthal zurĂŒck, wo er noch immer sein Grafik- und Kunstatelier betreibt. Er ist Mitglied der losen KĂŒnstlergruppe «Lenz Friends» und nimmt seit 45 Jahren an Einzel- und Gruppenausstellungen teil.
Werke von Edy A. Wyss sind im öffentlichen Raum in der Region anzutreffen, so beispielsweise im Empfangsbereich mehrerer Bankfilialen. 2003 durfte er auf Ausschreibung der Papierfabrik Tela den farbenprÀchtigen Strassenkreisel «vom Holz zum Papier» in Niederbipp realisieren.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 12 â EberliMantel
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
EberliMantel
Condensed 2
In ihrer neuen Serie gehen die beiden KĂŒnstlerinnen Simone Eberli (*1972) und Andrea Mantel (*1966) der Fragen nach dem Grossen im Kleinen nach. ZustĂ€nde der UnĂŒbersichtlichkeit und Orientierungslosigkeit, Beharrlichkeit, Humor und der Blick in die Ferne sind dabei ausschlaggebende Elemente, die sich in den Bildern wiederfinden lassen. Die Attribute «nah» und «fern» bilden dabei keine GegensĂ€tze, sondern sind, wie die KĂŒnstlerinnen es ausdrĂŒcken, «zwingende ErgĂ€nzungen im Suchprozess, um in Bewegung zu bleiben».
Als Grundlage der Reihe diente ihnen die «Exotische Landschaft mit Tiger und JÀgern» (1907) des französischen Malers Henri J. F. Rousseau.
In ihrer Rousseau-Adaption sind Dschungel und Mond durchaus von symbolischem Charakter. «Der Mond», so das Duo, «zieht den Blick in die Ferne wie eine Anziehungskraft und reprĂ€sentiert das Unerreichbare, das durch Forschung erreichbar werden kann. Die fliegenden Objekte im Dschungelbild können stellvertretend fĂŒr Eingebungen, Störungen, Humor und noch Namenloses gelesen werden.»
Weitere Modifikationen entstehen durch das in die LĂ€nge ziehen einzelner Bildelemente wie des Blattwerkes oder der fliegenden Körper. Die mittels digitaler Bildbearbeitung entstandenen neuen Streifenbilder lassen sich dabei genauso als kleines Fragment, als Teil eines Ganzen, aber auch als GegenĂŒber, also als etwas Grosses, als eigenstĂ€ndiges Werk verstehen.
Das KĂŒnstlerinnen-Kollektiv besteht aus Simone Eberli und Andrea Mantel. Sie lernten sich 1993 wĂ€hrend des Studiums an der Höheren Schule fĂŒr Gestaltung in ZĂŒrich kennen und arbeiten seit 2000 als Duo in ZĂŒrich. Ihr Hauptinteresse gilt der Auseinandersetzung mit bekannten Kunstwerken, denen sie sich anhand variierender Medien annĂ€hern.
Beide KĂŒnstlerinnen treten jedoch auch mit Werken unter ihrem eigenen Namen auf. Solo und als Kollektiv verfolgen sie eine rege AusstellungstĂ€tigkeit. In Olten waren sie zuletzt in der Jahresausstellung 2015 dabei.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 11 â Thomas Woodtli
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Thomas Woodtli
Gefundenes
In den Hinterglasbildern von Thomas Woodtli (*1956) vereinen sich digitalisierte Malerei, Zeichnung, bearbeitete Fotografien mit unterschiedlichen Druckverfahren und der Airbrush-Technik zu lebhaften Collagen.
Das Ausgangsmaterial bilden Motive, die der KĂŒnstler auf seinen Stadt- und LandspaziergĂ€ngen, aber auch auf Reisen findet und fotografisch festhĂ€lt. «FuÌr mich ist», so Thomas Woodtli, «die Fotografie kein Medium der Aufzeichnung, sondern ein Instrument des Denkens, des Experimentierens und des neu Interpretierens.» Und genau das wird in seinen Arbeiten spĂŒrbar.
Motive wie BĂ€ume, BlĂ€tter, Blumen, Fenster und HĂ€user verdichten sich anhand der medialen Ăberlappungen zu einer ornamentalen Poesie.
Seine «poetischen Wahrnehmungsreflexe», wie der KĂŒnstler seine Arbeiten selbst nennt, entspringen dabei sowohl dem Digitalen als auch Analogen, dessen Eigenschaft er dem jeweils anderen zu entlocken sucht. In seinen eignen Worten: «Ich suche das Analoge im Digitalen und umgekehrt».
«Gefundenes», der Titel der fĂŒnf in diesem Jahr gezeigten Unikate Woodtlis, verweist jedoch nicht nur auf die <gefundenen> Motive, sondern ebenfalls auf deren BildtrĂ€ger. Hierbei handelt es sich um entsorgtes, in einer Baumulde gefundenes Glas, welches der KĂŒnstler ungereinigt digital bedruckte und mit einem weissen Polyurethan-Lack (PU-Lack) versiegelte.
Die digital erstellten Bildkompositionen aus Fotografien und eingescannten weiteren Medien trĂ€gt er bei diesem Druckverfahren mit einem bestimmten, in Japan entwickelten Airbrush-System auf die OberflĂ€che auf â eine Technik, die es ermöglicht, ebenfalls sanfte Abgrenzungen im Bild zu schaffen.
Der sich auf dem Glas befundene Schmutz wird als Zufallskomponente Teil des Bildes und schafft zugleich einen materiell-analogen Bezug.
Nach seiner Ausbildung zum Laboranten arbeitete der 1956 in DĂŒbendorf geborene Thomas Woodtli zunĂ€chst 20 Jahre am Zentrum fĂŒr Lehre und Forschung des UniversitĂ€tsspitals in Basel.
Es folgt eine politische Laufbahn, zunĂ€chst als Gemeinderat in seiner Wahlheimat Witterswil, dann als Kantonsrat des Kantons Solothurn. Parallel dazu entfachte zunehmend seine Leidenschaft fĂŒr das kĂŒnstlerische Schaffen. Ăber die Jahre eignete er sich autodidaktisch das nötige Wissen zu Verfahren und Drucktechniken auf unterschiedlichen BildtrĂ€gern an.
Heute widmet sich der KĂŒnstler hauptsĂ€chlich der Kunst. Zusammen mit seinem KĂŒnstlerkollegen Daniel Gaemperle grĂŒndete er in KleinlĂŒtzel die «Bildmanufaktur», einen Dienstleister im Bereich Druck, Bildbearbeitung, Grafic Design und mehr. Als PrĂ€sident des Fachausschuss Bildende Kunst und Architektur Kuratorium des Kantons Solothurn engagiert sich Woodtli seit 10 Jahren fĂŒr die Kunstförderung in der Region.
Selbst stellt er seit 1985 regelmÀssig in Galerien und Kunst-Institutionen aus, arbeitet an Kunst und Bau Projekten und veröffentlicht Kunstpublikationen. Sein Atelier befindet sich im basellÀndischen Oberwil.
Alle in der Jahresausstellung vertretenen KĂŒnstler*innen haben wir gebeten, uns dieselben sieben Fragen zu beantworten. Auf diese Weise möchten wir â im O-Ton â mehr ĂŒber ihr jeweiliges SelbstverstĂ€ndnis, ihre Arbeitsweise und ihre Inspirationsquellen erfahren:
Warum bist Du KĂŒnstler*in geworden?
TW: Weil ich nicht Lehrer werden durfte.
Wie definierst Du Kunst?
Ich kann Kunst nicht definieren. Ich beschÀftige mich jeden Tag
damit.
Welchen Ort hat die Kunst in der Gesellschaft?
Einen viel zu wenig wichtigen, vor allem in Corona Zeiten.
Gibt es eine/n ideale/n Betrachter/in fĂŒr Deine Werke?
Ich denke nicht. Menschen die sich gerne spiegeln in meinen GlaÌsern.
Wo arbeitest Du? Wie sieht Dein Arbeitsort / Atelier aus?
In der alten mechanischen Ziegelei in Oberwil BL
Was inspiriert Dich?
Das Leben, der Alltag, meine Stadt- und Land-SpaziergaÌnge
Was bleibt Dir besonders von 2021 und was wĂŒnschst Du Dir fĂŒr das kommende Jahr?
Meine 2 Monate in SĂŒdfrankreich, wo ich mit Sonnenbelichtungen experimentierte.
FuÌrs 2022; das man wieder unbeschwerter reisen kann.
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 10 â Samuel Blatter
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Samuel Blatter
Minigolfbahn
Wussten Sie, dass die weltweit erste moderne Minigolfbahn in der Schweiz eröffnet wurde? Genauer 1954 in Ascona.
Ein Relikt also aus einer Zeit des Schrebergarten-Booms und den langen Opel Kadett Fahrten nach Elba, wo die vielköpfige Familie plus Oma den Sommer auf dem immer gleichen Campingplatz verbrachte. Einer Zeit, in der es lediglich zwei Geschlechter gab und die beruflichen Schritte zum Erfolg klar definiert waren.
Heute hingegen ist alles anders. Die Familien sind kleiner, die Autos gröĂer, die Ferien viel kĂŒrzer und der Campingplatz sowieso zu unbequem. Die SchrebergĂ€rten wurden vom <Urban Gardening> abgelöst, die Geschlechter um zwei erweitert und von der beruflichen Laufbahn wollen wir erst gar nicht anfangen.
Oder eben doch?!
In der ersten Videoarbeit des Musikers Samuel Blatter (*1982) wird die zerfallene Oltner Minigolfbahn zur Analogie veralteter Karrierestrukturen. Denn die Schritte, die es fĂŒr den beruflichen Erfolg der Minigolf-Hochjunktur-Zeiten unserer Eltern und Grosseltern bedurfte, haben in der heutigen Welt der Digitalisierung und Technisierung in einigen Branchen an Bedeutung verloren. Die Laufbahnen sind zerfallen und die einstigen Löcher, die den sicheren Sieg versprachen, sind lĂ€ngst ĂŒberwuchert und zugewachsen.
Es tritt immer stÀrker die Notwendigkeit hervor, kreativ zu werden und neue zielbringende Bahnen zu finden.
Ein Umstand der gerade wÀhrend der letzten beiden Jahre in vielen kulturellen Bereichen sehr deutlich wurde. So verwundert es auch nicht, dass die Idee zu diesem Projekt wÀhrend des Lockdowns entstand.
Auf dem als Videoclip fĂŒr Socialmedia conziptierten Video sind der KĂŒnstler selbst sowie sein Freund, der Oltner Fotograf Claude Hurni, zu sehen, wie sie in der Rolle unterschiedlicher Sportler, in immer wieder neuen farbenfrohen Outfits gekleidet, die Bahnen des verwitterten Minigolfareals in Olten <abspielen>. Verkleidung und exaltierte Gestik lassen ihr Spiel zur unterhaltsamen Parodie diverserer Ballsportarten (allen voran des Fussballs) sowie der dort teilweise ad absurdum gesteigerten Jubelgesten werden.
Die visuelle Ebene wird von Samuel Blatters Song «Minigolfbahn» begleitet, mit dessen Zeilen er ĂŒber die eigene musikalische Laufbahn reflektiert.
Das Areal kennt Blatter nur in diesem Zustand des Vefalls. Der sich heute im Umbau zum Pumptrack befindende Ort war lange einer dieser «Lost places» die eine besondere Faszination ausĂŒbten.
Das Video entsprang zunĂ€chst dem Umstand, dass wĂ€hrend des Lockdowns alle Sport-Events und Fussball-Matchs abgesagt wurden. Dieses Vakuum fĂŒhrte zur Idee, einfach selbst ein kommentiertes Sportevent zu inszenieren.
Angestossen durch die Dreaharbeit formierten sich der Songtext und die tiefere Bedeutung der Minigolfbahn als Sinnbild fĂŒr VerĂ€nderungen und UnwĂ€gbarkeiten des Lebens.
Abb. 4
Portrait Samuel Blatter (Balz okay)
Biografisches
Aufgewachsen ist der heute in Kappel wohnhafte Musiker Samuel Blatter in Solothurn.
Nach der Matura zog es ihn zunÀchst an die Hochschule Luzern (HSLU), wo er 2007 erst den Master of Arts in KlavierpÀdagogik und anschliessend 2009 den Master of Arts in Komposition abschloss. Seit 2010 erhielt der Musiker mehrere Auszeichnungen, u. a. einen Werkbeitrag des Kantons Solothurn.
Der Komponist und Musiker bewegt sich mit seiner Musik zwischen Avangard Pop, Rock, Kleinkunst und Jazz und steht seit 12 Jahren mit unterschiedlichen Projekten auf Schweizer BĂŒhnen. Er ist musikalischer Leiter und Hauptkomponist der Luzerner Grossformation 'Fischermanns Orchestra' (Explosive Street Jazz) und BĂŒhnenpartner von Kilian Ziegler (Kabarett), hat die Musik fĂŒr vier StĂŒcke der Tanzkompanie 'betweenlines' produziert und ist Bandleader von Roamer (Alternative Rock).
Als «balz okay» verfolgt er Soloprojekte, in denen er jĂŒngst den Zugang zur Mundart fand. Er selbst schreibt: «balz okay sucht nebst der inhaltlichen und musikalischen auch eine eigenstĂ€ndige visuelle Sprache und spielt mit Elementen von Pop, Trash und Kunst.»
Mit Werken «Minigolfbahn» und «MiniLaufbahn» wagte Blatter 2021 seine ersten Schritte im Bereich der Bildenden Kunst. Die beiden aufeinander bezogenen Arbeiten waren im Ausstellungs- und Theaterprojekt «Kultourmuseum» von Elly Sutter und Sina Wilhelm im Jugendwerk Olten zu sehen.
ZwoÌi mou achzaÌh moÌglichi Bahne SaÌchsedrissg drvo si kaputt
Bi de meischte chasch's Ziel nur erahne Begrabe ungerem Schutt
Do hei si d'Laufbahne gschtartet
VuÌu Talent und vuÌu trainiert
Leider heisi die Bahne nid gwartet
Und jetz si si ruiniert
Mini Laufbahn isch oÌppe so fit
Wie die auti Minigolfbahn wo's in Olte no git Mini Laufbahn verlauft e so grad
Wines Glace ir Sunne
Per Zufeau hani au scho troffe
ha mit eim Schlag reuÌssiert
Hanes One Hit Wunder gschaffe
Aber niemer het's realisiert
Augen auf bei der Berufswahl
Het mit Grossvater immer scho gseit
als haÌtti aÌr gwuÌsst, dass die Laufbahn
unger mine Auge zergheit
Mini Laufbahn isch oÌppe so fett
Wie die auti Minigolfbahn wo's in Olte no het Mini Laufbahn verlauft e so grad
Wines Glace ir Sunne
Mittlerwile isch aues online
Das isch gratis und bequem
Und aui lifere Content
Gratis und bequem
Die einte zahle mit Date
Die angere si no Pirate
Techfirmene us de Staate
Hei e StuÌuÌroase im Garte
Mini Laufbahn isch so beduÌtsam
Wines ChruÌz am
fausche Platz bi de GluÌckszahle
vom Lottoschiin /
Mini Karriere isch wie ne Barriere
wo nuÌmm ufgoht
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 9 â Nicolle Bussien
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Die Ausstellung gibt Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene und bietet eine wichtige Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Gezeigt wird eine RasenflÀche, auf die mal von Hand mit Pinseln, mal mechanisch mit einem Markierwagen Linien gezogen werden. Eine Stimme aus dem Off kommentiert das Bild, versucht die Bedeutung der Linien zu erfassen und zu verorten, wÀhrend eine andere von ihren Kindheitserinnerungen an den Fussballspiele auf dem Pausenhof berichtet.
«Die weissen Standartlinien», so die KĂŒnstlerin ĂŒber ihre Arbeit, «beschwören die metaphorische Trennung und Abgrenzung.» Markierungen werden zu Grenzen, die Grenzen zu Abgrenzungen und die Abgrenzungen zur Ausgrenzung! Sie ĂŒbernehmen die wortwörtliche Funktion der âčRichtlinieâș anhand derer vermeintlich Zugehörigkeit gemessen werden kann.
«Teilung, Weg, Barriere, Trennung, Frontlinie, Separation, Markierung» â die WiesenflĂ€che wird abgeschritten, abgemessen mit weisser Farbe fein sĂ€uberlich aufgegliedert. Ein Akt, der entfernt an die einstige Grenzziehung zwischen nordafrikanischen LĂ€ndern auf dem Reissbrett erinnert.
Die Linien in unsere Gesellschaft zu revidieren bedeutet, unser kategorisches, kategorisierend Trennen in ein «Wir» und ein «Andere» zu hinterfragen.
«Als wir klein waren, spielten wir Schweizer*innen gegen AuslÀnder*innen», berichtet die Stimme aus dem Off. «Wir waren alle am selben Ort. Wie kann also eine Person lokaler sein als eine andere?»
Fragen zu Diskriminierung, Inklusion und Exklusion unterschiedlicher Gesellschaftsgruppen bilden das Leitmotiv in Nicolle Bussiens kĂŒnstlerischem Schaffen. Ihre Arbeiten bilden oftmals Analogien zu tiefer liegenden Problematiken aus. So reprĂ€sentiert z. B. ein klassisches Studio fĂŒr Bewerbungsfotos die strukturelle Diskriminierung von Migrant*innen bei der Arbeitssuche («Lights On», 2020). Ein Eintritts-Stempel eines Clubs tritt an die Stelle der Validierungsstempel amtlicher Dokumente («act privileged!», 2021) oder ein aus Trikos von verschiedenen regionalen Fussballklubs zusammengesetztes Fussballshirt verweist auf die Migrationsgesellschaft der Schweiz («Themus», 2020).
Im Zentrum ihres Interesses steht dabei die MultiperspektivitÀt, mit der sie die vielschichtigen LebensrealitÀten aufzuzeigen und kategorische, kategorisierende Denkmuster zu reflektieren sucht. Ein Merkmal, was sich auch in ihrer kollaborativen und transdisziplinÀren Arbeitsweise widerspiegelt.
Abb. 5
Nicole Bussien: Nimm Platz, 2019
Installation (StĂŒhle, Text auf Papier)
In ihrer Heimatstadt Olten hatte die KĂŒnstler ihr Ausstellungsdebut 2019, wo sie gleich an zwei Gruppenausstellungen gezeigt wurde. Neben der JKON (Junge Kunst Olten) nahm sie auch erstmals an der Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen teil. Mit ihrer Textarbeit «Nimm Platz» forderte sie Besucher*innen direkt dazu auf, sich fĂŒr die LektĂŒre des Textes auf einem der zur VerfĂŒgung gestellten KlappstĂŒhle an einem Ort ihrer Wahl im Museumsraum gemĂŒtlich zu machen. Zu lesen bekam man eine Sammlung von Textfragmenten ĂŒber unterschiedlichen Vorstellungen von Gemeinschaften und Platzverteilung.
Die gebĂŒrtige Oltnerin absolvierte ihre kĂŒnstlerische Ausbildung an den Kunsthochschulen von ZĂŒrich (ZHdK) und Bern (HKB). Letztere schloss sie 2015 mit dem Bachelor of Arts ab.
Seit 2011 ist die sie wiederholt in Solo- und Gruppenausstellungen in der Schweiz aber und darĂŒber hinaus in StĂ€dten wie New York, Warschau, Berlin, London, Toronto, Vancouver oder BogotĂĄ zu sehen.
Seit 2015 engagiert sich Bussien neben ihrer kĂŒnstlerischen TĂ€tigkeit stark in kultur- und sozialpolitischen Projekten. So war sie u. a. MitbegrĂŒnderin der Ateliergemeinschaft «Verein Schwobhaus» in Bern, wo sich auch ihr eigenes Atelier befindet. Weiter war sie Mitinitiatorin und -organisatorin der transdisziplinĂ€ren Veranstaltungsreihe «Immer am Achten» (2015â2019) sowie der Diskussionsreihe «Ăber Texte sprechen» (2016). Seit 2019 wirkt sie beim «Institut Neue Schweiz» mit, ist seit 2020 Teil des Organisationsteams der Berner WerkgesprĂ€chsreihe «Freipass» und gehört zu den GrĂŒnder*innen des Berner Art Community Center «Living Room».
FĂŒr ihre Arbeit wurde sie wiederholt ausgezeichnet, 2020 etwa fĂŒr «Lights On» mit dem Hauptpreis der Schweizer Stiftung Frauenkunstpreis.
Mehr erfahren
Nicolle Bussien im KĂŒnstlerhaus S11, Solothurn
Nicolle Bussien auf artfacts.ch
Frauenkunstpreis 2020
Alice Britschgi und Nicolle Bussien, Lights on â Werkschaubeitrag Nr. 24, Werkschau 2021 WerkbeitrĂ€ge Bildende Kunst, Fachstelle Kultur Kanton ZĂŒrich
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fĂŒr das Solothurner Kunstschaffen
Nr. 8 â Adrian SchĂ€r
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler*innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Am Ende des Jahres gibt die Ausstellung Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene. Zahlreiche Veranstaltungen machen sie zur wichtigen Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Adrian SchÀr
Deep Cover / Iâm that guy
Unmittelbar, anziehend und doch irgendwie unergrĂŒndlich â so prĂ€sentieren sich die GemĂ€lde von Adrian SchĂ€r. Darin blitzt auf, was sich in seiner eigenen Geschichte eingeschrieben hat, und was sein Umfeld an Ritualen, Trends, Fragen, WĂŒnschen und Wissen bereithĂ€lt. Referenzen aus der Kunstgeschichte, aus dem Alltag, von Momenten des Zusammenlebens, des Gemeinschaftlichen und des urbanen Wohnens durchdringen sich in seinen Bildern. Es ist eine besondere Symbiose aus Intuition und Konzept, die seinen Arbeitsprozess auszeichnet.
Die Einblicke, die uns der KĂŒnstler in seine Welt gewĂ€hrt, sind betont ausschnitthaft und nah herangezoomt. Das schafft IntimitĂ€t. Es fĂŒhlt sich an, als könnte man partizipieren an dem, was im portraitierten Bildraum gerade vor sich geht. Die meist isoliert dargestellten Personen oder Objekte treten den Betrachter:innen als direktes GegenĂŒber entgegen, zu und mit dem man sich fast unweigerlich in Beziehung setzt. Obwohl die Protagonist:innen von SchĂ€rs Bildern in weitgehend undefinierten, leeren RĂ€umen latent verloren wirken, meint man die Gesellschaft, das Leben rundherum zu spĂŒren und wĂ€hnt sich einen Moment lang als Teil davon.
«Prost Adrian!» möchte man vor dem grossen GemĂ€lde in Jahresausstellung fast sagen, doch etwas hĂ€lt einen davon ab. Der Mann auf dem Bild, der KĂŒnstler selbst, erwidert unseren Blick nicht. Er trinkt sein Bier und ist ganz bei sich, in Gedanken versunken. Oder beobachtet er etwas, jemanden? Ein dicker Kapuzenpulli und das tief ins Gesicht gezogene Baseball Cap mit der Aufschrift «HAINAN / A WAY OF LIVING» schirmen ihn ab, erlauben es ihm, quasi «undercover» anwesend zu sein â wie dies der Titel «Deep Cover» suggeriert.
Und der Schriftzug auf dem Cap? Ein Statement? â Jedenfalls sind die in SchĂ€rs GemĂ€lden öfters anzutreffenden Text-Elemente wie auch seine Werktitel immer mit Bedacht gewĂ€hlt. Sie transportieren Stimmungen, unterlegen einen Soundtrack, sorgen fĂŒr ironische Brechung, vermitteln Denkanstösse oder geben den Betrachter:innen Hinweise zur EntschlĂŒsselung in die Hand.
In unserem Fall sticht die Andersartigkeit zwischen der Welt ins Auge, die Adrian in seinen Bildern portraitiert, und dem way of life, den Hainan als eine Mischung aus «Hawaii und Dubai Chinas» verheisst. Ende der 1980er-Jahre als eine der ersten «Special Economic Zones» fĂŒr Experimente mit der Marktöffnung eingerichtet, hat sich die Insel vor der SĂŒdkĂŒste der Volksrepublik in den letzten Jahren zur Massentourismusdestination entwickelt.
Zur Vorstellung dieses exotischen Inselidylls will die DĂŒsternis, die SchĂ€rs Bild dominiert, nicht recht passen. Aufgelockert wird sie von einem aus dem Untergrund leuchtenden Rot, das uns auch in anderen GemĂ€lden begegnet.
Im zweiten ausgestellten Werk (Abb. 6) springt einen die intensive, durch den Kontrast des tiefschwarzen Hintergrunds maximal gesteigerte, fast rauschhafte Farbigkeit geradezu an. Das helle Leuchten der neonroten Grundierung durchdringt die Malschichten und blitzt entlang der Umrisse von Figuren und Objekten aus dem Untergrund auf. Es verleiht der Malerei Tiefe und entfaltet eine Sogwirkung, die ein tiefes Eintauchen ermöglicht.
«Iâm that guy» â ein weiteres Selbstportrait in Form eines Stilllebens mit Pinsel und Spachtel, dem Werkzeug des Malers, oder eher sein Essbesteck? Beides wĂŒrde passen, denn Arbeit, Alltag und Sozialleben scheinen sich in seinen Bildern zu durchdringen.
Diese Beobachtung deckt sich mit der Aussage des KĂŒnstlers, er zeige in seinen Werken mehrheitlich Treffen, die in seinem Umfeld stattfanden oder auch Selbstbilder in solchen Situationen. Konsum sei oft ein Begleiter solcher Zusammentreffen, gerade weil (gemeinsames) Kochen, Essen und Trinken soziale Interaktionen sind, die einen wichtigen Teil unserer Leben ausmachen. Mit oder ohne Pandemie.
FĂŒr SchĂ€r ist der malerische Prozess eine Momentaufnahme. Durch die rasche Malweise und die haptische QualitĂ€t wird das Malen als Akt fĂŒr die Betrachtenden nachvollziehbar. Er ist nicht daran interessiert, uÌber lĂ€ngere Zeit an seinen Bildern herumzufeilen und sich in detailreiche Verbesserungen zu vertiefen. Sie fassen fuÌr ihn so eine Rohheit und Direktheit, die sonst verloren gehen wuÌrde.
Adrian SchĂ€r wurde 1989 in ZĂŒrich geboren, heute lebt und arbeitet er in ZĂŒrich Altstetten. Der gelernter Informatiker EFZ hat nebst einem Bachelor in Kunstgeschichte und Philosophie an der UniversitĂ€t ZĂŒrich auch einen Bachelor in Fine Arts mit Vertiefung Mediale KĂŒnste an der ZHdK erworben.
Seit 2014 stellt er regelmĂ€ssig in der Schweiz aus. An der Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffen beteiligt er sich das zweite Mal. Seit 2020 betreibt er den von ihm mitbegrĂŒndeten Offspace «Warenlift» in ZuÌrich. SchĂ€r ist Mitglied der Sektion ZĂŒrich von Visarte Schweiz. Sein Schaffen ist in der Sammlung des Kunstmuseums Thun vertreten.
Alle in der Jahresausstellung vertretenen KĂŒnstler:innen haben wir gebeten, uns dieselben sieben Fragen zu beantworten. Auf diese Weise möchten wir â im O-Ton â mehr ĂŒber ihr jeweiliges SelbstverstĂ€ndnis, ihre Arbeitsweise und ihre Inspirationsquellen erfahren:
Warum bist Du KĂŒnstler*in geworden?
AS: Weil ich musste. Ich sah, dass dies der richtige Beruf fĂŒr mich ist, nachdem ich viele Jahre andere Jobs hatte.
Wie definierst Du Kunst?
AS: Kunst ist immer eine Frage der Kontextualisierung. Ein gefundenes Objekt kann Kunst sein, ein Ălbild kann hingegen auch keine Kunst sein. Es ist wichtig, wer die Kunst macht und was die Person fĂŒr einen Hintergrund hat und wie/wann/wo die Kunst gezeigt wird.
Welchen Ort hat die Kunst in der Gesellschaft?
AS: Wenn mit Ort die WertschÀtzung gemeint ist, dann einen subtilen, aber riesigen. Dies wird aber erst bewusst, wenn sie fehlt. Dies war z. B. zu beobachten als der 1. Lockdown kam und Museen, Konzerte, Galerien etc. geschlossen waren. Daher wÀre es wichtig, viel mehr Geld in Kunst und Kultur zu investieren.
Gibt es eine/n ideale/n Betrachter/in fĂŒr Deine Werke?
AS: Nein, es ist doch interessant, wenn verschiedene Menschen verschiedene ZugÀnge sowie Interpretationen haben.
Wo arbeitest Du? Wie sieht Dein Arbeitsort / Atelier aus?
AS: In ZĂŒrich, Altstetten. Ich arbeite mit vier anderen tollen KĂŒnstler:innen zusammen in unserem Studio, wo wir zusĂ€tzlich noch einen offspace betreiben (warenlift.net).
AS: Erlebte Situationen und Treffen mit Menschen. NatĂŒrlich auch visuelle Stimulationen aus dem Alltag.
Was bleibt Dir besonders von 2021 und was wĂŒnschst Du Dir fĂŒr das kommende Jahr?
AS: Ich konnte viele neue Projekte beginnen und mich weiter in meiner kĂŒnstlerischen Praxis vertiefen. WĂŒnschen wĂŒrde ich mir, dass die Menschen nicht mehr mit Nazis auf die Strasse gehen wĂŒrden.
61 Fenster
fĂŒr das Solothurner Kulturschaffen
Nr. 7 â Otto Lehmann
Aus Anlass der 37. Kantonalen Jahresausstellung der Solothurner KĂŒnstler:innen im Kunstmuseum Olten stellen wir Ihnen die beteiligten Kunstschaffenden und ihre Exponate vor.
Die Jahresausstellung der Solothurner Kunstschaffenden findet abwechselnd in Olten und Solothurn statt. 2021 wird sie vom Kunstverein Olten im Kunstmuseum Olten ausgerichtet.
Am Ende des Jahres gibt die Ausstellung Einblick in die vielgestaltige und lebendige Solothurner Kunstszene. Zahlreiche Veranstaltungen machen sie zur wichtigen Plattform fĂŒr den Austausch mit und zwischen den Kunstschaffenden der Region.
Otto Lehmann
WP 13
Kraftvoll aber auch dĂŒster und beklemmend, beinahe angsteinflössend wirken die beiden Werke von Otto Lehmann (1943â2021), mit denen sich die Besucher:innen als Auftakt der Jahresaustellung konfrontiert sehen. (Abb. 1 rechts & Abb. 2)
Mit schwarzer Tusche auf der RĂŒckseite alter Ausstellungsplakate flĂŒssig ĂŒber die teils schon leicht spröden Papierfalten gemalt, knĂŒpfen diese Pinselzeichnungen an frĂŒhere Darstellungen zum Thema «Aufbruch â RĂŒckzug» an.
Auf dem linken Blatt nimmt ein menschliches Wesen grösste Anstrengungen auf sich, um aus dem Körper einer Schlange herauszudrĂ€ngen und sich zu befreien. Auf dem anderen Blatt hat sich ein nicht nĂ€her zu definierendes Wesen â sei es zur Tarnung oder zur Verwandlung â in eine schwarz gestreifte Haut gehĂŒllt. «Ob es sich zu einem spĂ€teren Zeitpunkt wieder aus der VerhĂŒllung lösen wird, ist offen.», mutmasste der KĂŒnstler im Bewerbungsdossier fĂŒr die Teilnahme an der Jahresausstellung.
Nur wenige Tage nach dem Eingang seines Dossiers, noch vor der Jurierung, ist Otto Lehmann am 14. Oktober 2021 im Alter von 78 Jahren ĂŒberraschend verstorben, nachdem er bei der Gartenarbeit einen Schlaganfall erlitten hatte. Die Nachricht hat bei den Organisator:innen der Jahresausstellung grosse BestĂŒrzung und Trauer ausgelöst. Denn mit Otto haben wir nicht nur einen bedeutenden Schweizer KĂŒnstler seiner Generation, sondern auch eine zentrale Figur der Solothurner Kunstszene, einen wunderbaren Menschen und langjĂ€hrigen Freund unseres Hauses verloren.
Abb. 3
Ausstellungsansicht Kunstmuseum Olten, 2021
mit Werken von Otto Lehmann und Kondolenzbuch
So scheint es selbstverstĂ€ndlich, dass seine beiden Arbeiten mit dem Titel «WP13» in der Ausstellung einen Ehrenplatz erhalten haben und uns Anlass bieten zum gemeinsamen Gedenken. Diesem widmen wir am Donnerstag, den 27.1.2022, um 18 Uhr, eine eigene Veranstaltung. Im Rahmen einer erweiterten Werkbetrachtung möchten wir an diesem Abend anhand ausgewĂ€hlter Werke von Otto Lehmann aus der Sammlung des Kunstmuseums Olten auf sein reiches Lebenswerk zurĂŒckblicken und an wichtige Wegmarken unserer gemeinsamen Geschichte, an Ausstellungen, Begegnungen und Schenkungen erinnern.
Abb. 4
Otto Lehmann und Dorothee Messmer
im Kunstmuseum Olten anlĂ€sslich der Ăbergabe einer grossen Schenkung frĂŒher Druckgraphiken, 2019
Foto Katja Herlach
In den letzten Jahren arbeitete Otto Lehmann intensiv an Farbstiftzeichnungen der Werkgruppe «Noli me tangere» (RĂŒhr mich nicht an). Die BlĂ€tter dieser Serie, mit der er sicherlich auch die Bedrohung durch eine Krebserkrankung zu bannen versuchte, sind von expressiver Farbigkeit und einem ĂŒberbordenden, oft ornamentalen Formen- und Detailreichtum geprĂ€gt. Im Unterschied dazu weisen die neusten, in Schwarz-Weiss gehaltenen Arbeiten auf den Beginn seiner Karriere als freischaffender KĂŒnstler in den spĂ€ten 1970er-Jahren zurĂŒck. Mit reduzierten Mitteln verbildlicht er wie damals in einer kruden, eindringlichen, zugleich direkten und enigmatischen Sprache existentielle Befindlichkeiten, GefĂŒhle und Ăngste.
Die beiden Tuschzeichnungen sind als Gegensatzpaar aufeinander bezogen: den Bildraum sprengende Bewegung auf der einen, skulpturale, in sich ruhende Festigkeit auf der anderen Seite. Aufbruch und RĂŒckzug.
Durch die Falten im Papier erlangen die BlĂ€tter reliefartige Raumhaltigkeit und Körperlichkeit. Als Spuren eines â nicht eben pfleglichen â Umgangs mit dem als Verbrauchsmaterial konzipierten BildtrĂ€ger gelesen, bringen die Knicke in den umgedrehten Ausstellungsplakaten auch eine zeitliche Dimension ins Spiel, deuten Verletzlichkeit an und verorten die Kunstproduktion in einem Spannungsfeld zwischen hĂ€uslichem Alltag, stiller Arbeit im Atelier und Partizipation am Kunstsystem, als Protagonist ebenso wie als Rezipient. Weist uns das Recycling allenfalls gar auf Fragen der Nachhaltigkeit und auf Wertediskussionen im Kunstkontext hin?
Immer schon war die Haptik der Kunstwerke zentral im Schaffen von Otto Lehmann. Ob er mit dem Bleistift das Papier derart traktiert, dass Risse und Löcher entstehen, wĂ€hrend die satten Graphitlagen metallen glĂ€nzen (Abb. 5), ob er mit Kreide ungestĂŒm auf grossen Wandtafeln zeichnet (Abb. 6) oder mit Ălfarbe eine eigene Radierung ĂŒbermalt (Abb. 7), immer betonen seine Arbeitsweise und sein Umgang mit dem Material dessen Charakteristika. Der offensichtliche Widerstand des Materials macht dabei die ImpulsivitĂ€t der Geste deutlich. In Verbindung mit der Motivebene trĂ€gt somit auch das Materielle zur hohen PrĂ€senz und zur Dringlichkeit der Werke bei und offenbart eine starke emotionale Engagiertheit des KĂŒnstlers.
An den Exponaten in der Jahresausstellung lĂ€sst sich ein weiterer Wesenszug von Otto Lehmanns Schaffen aufzeigen: Die Auseinandersetzung mit dem VerhĂ€ltnis von Figur und Raum beschĂ€ftigt ihn nicht nur kompositorisch, sondern auch auf inhaltlicher Ebene. Selten bietet der Raum Halt. Oft ist er entgrenzt, undefiniert und leer (Abb. 8), ober aber vergittert, verstellt und eng umschlossen (Abb. 9). Manchmal ist die Balance zwischen Positiv- und NegativrĂ€umen so fein austariert, dass das Auge wie beim Betrachten von Vexierbildern unwillkĂŒrlich von einer Anschauung zur andern hin- und herspringt. Die ausgeprĂ€gte Spannung zwischen Hell und Dunkel, die sich schon frĂŒh in Lehmanns Werken manifestiert, ist Ausgangspunkt seines formal wie inhaltlich gesuchten Ausgleichs der Pole, schreibt Christoph Vögele treffend in der von ihm 2019 veröffentlichten Monografie. (Abb. 10)
In Solothurn 1943 geboren und aufgewachsen, liess sich Otto Lehmann bereits 1965 im Kanton Luzern nieder. Nach einer Ausbildung zum Grafiker und dem Besuch der Kunstgewerbeschule in Bern, arbeitete Lehmann zunĂ€chst als Gebrauchsgrafiker. Zugunsten des freien kĂŒnstlerischen Schaffens reduzierte er seine TĂ€tigkeit und gab sie schliesslich â dank der UnterstĂŒtzung seiner Ehefrau Kristin â zu Beginn der 1980er-Jahre ganz auf. Bereits Ende der 1970er-Jahre hatte die BeschrĂ€nkung auf die Auseinandersetzung mit der menschlichen Figur schlagartig zur Entwicklung eines unverwechselbaren, kompromisslosen Stils gefĂŒhrt, mit dem er bald â auch dank der Förderung durch seinen Galeristen Jörg Stummer â breite Anerkennung erhielt.
Nach einigen Experimenten im Bereich der Druckgraphik (Abb. 7, 9, 10) verwendete er zunĂ€chst ausschliesslich den Bleistift, um den Menschen in auf das Existenzielle reduzierten Extremsituationen festzuhalten (Abb. 5). Dann entdeckte er die Wandtafelzeichnung fĂŒr sich und fand zu grösseren Formaten (Abb. 6). Seine Acrylbilder, die stets die Herkunft von der Zeichnung her erkennen lassen und eine beschrĂ€nkte Farbpalette aufweisen, zeigen Einzelfiguren in rĂ€umlich definiertem Umfeld und zunehmend auch menschenleere Raumbilder, deren Tiefenillusion flĂ€chigen Gitterstrukturen weicht und die Frage nach dem Existenziellen ins Erkenntnistheoretische verlagern. Nach einer Phase, in der malerische Fragen in den Vordergrund rĂŒcken und vorĂŒbergehend zur Monochromie fĂŒhren, kehrt das GegenstĂ€ndliche in seine Arbeiten zurĂŒck. Ab den 2000er-Jahren begann er, Bleistift, Acryl und Tusche zu kombinieren.
Trotz seines Umzugs in die Innerschweiz ist Otto Lehmann seinem Heimatkanton und dessen Kunstszene eng verbunden geblieben. 1990 wurde er mit dem kantonalen Fachpreis fĂŒr Malerei ausgezeichnet und 2014 realisierte er gemeinsam mit seiner Frau Kristin eine grosse Kunst und Bau Arbeit mit dem Titel «Minotaurus. Ariadnes Fadenkneuel» in der neuen Justizvollzugsanstalt Solothurn.
Als zurĂŒckhaltender, aufmerksamer Beobachter und anregender GesprĂ€chspartner hat er das Programm der Kunstinstitutionen begleitet und unterstĂŒtzt. Immer wieder hat er sich an den Kantonalen Jahresausstellungen beteiligt. Das Kunstmuseum Solothurn hat sein Schaffen dreimal in Einzelausstellungen prĂ€sentiert, zuletzt 2019 «Noli me tangere». Im Kunstmuseum Olten war er wiederholt an Gruppen- und Sammlungsausstellungen beteiligt.
Dank frĂŒher AnkĂ€ufe und grosszĂŒgiger Schenkungen des KĂŒnstlers darf das Kunstmuseum Olten mehrere Werkserien und Einzelarbeiten Otto Lehmanns sein Eigen nennen. Sie vermitteln einen Ăberblick ĂŒber sein Schaffen und halten die Erinnerung an einen einfĂŒhlsamen, ĂŒberaus konsequenten und liebenswĂŒrdigen Menschen wach.
Mehr erfahren
Nachruf in der Solothurner Zeitung von Christoph Vögele, 25.10.2021
Nachruf in der Luzerner Zeitung von Niklaus Oberholzer, 17.10.2021
Otto Lehmann im SIKART-Lexikon
Otto Lehmanns Blog
Otto Lehmann auf artlog.net
Publikation: Otto Lehmann. Noli me tangeren, Ausst.-Kat. Kunstmuseum Solothurn 2019, Wien: Verlag fĂŒr moderne Kunst, 2019
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